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Las 20 de Persi Music: Mandarina

mandarina

Mandarina, banda de Rock Progresivo/Sinfónico nacida en 2016 en la provincia de Mendoza, Argentina, nos brindó está entrevista respondiendo las «20 de Persi Music».

El 01 de Enero del año 2021 a las 00:00hs fué publicado «La Quimera y el Vitral», álbum debut de la banda, convirtiéndose así en el primer disco del año, el cual, puede encontrarse en Spotify, I Tunes, Youtube, Amazon music, Bandcamp, entre muchas otras plataformas de streaming.
Actualmente el grupo se encuentra trabajando en la producción de su segundo disco y ofreciendo shows en vivo en búsqueda de nuevos horizontes a donde llevar su música.
Integrantes:
  • Natalio Leal (Composición, Voz, Teclados)
  • Agustin Colom (Guitarras, Coros)
  • Luca Moscetta (Bajos, Coros)
  • Renzo Debandi (Teclados)
  • Matías «Tute» La Spada (Batería)
Mejores cinco bandas/artistas de la historia
The Beatles, Charly García, L.A. Spinetta, Genesis, Queen.
Sus cinco bandas/artistas favoritos
The Beatles, Charly García, L.A. Spinetta, Genesis, Pink Floyd.
Banda/artista más desvalorado
Salieri
Banda/artista más sobrevalorado

Slash

Banda/artista con la cual se identifican

Genesis

Banda/artista que les debería gustar y no les gusta

Guns N´ Roses

Banda/artista que les da vergüenza decir que les gusta

Ninguna

Banda/artista que les enorgullece decir que les gusta

The Beatles

Época del rock favorita
70´s


Letrista Favorito
SpinettaBanda/artista con quien soñarían compartir escenario

Jacob Collier

Banda que les gustaría ver reunida nuevamente

Genesis

Banda que debería separarse

Las Pelotas

Artista que revivirías

John Lennon

Mejores cinco discos de la historia

The Wall – Pink Floyd
Artaud – Spinetta
Lamb Lies Down On Broadway – Genesis
Abbey Road – The Beatles
Clix Modernos – Charly García
Sus cinco discos favoritos

Animals – Pink Floyd
Kamikaze – Spinetta
Lamb Lies Down On Broadway – Genesis
Abbey Road – The Beatles
Avenido – Aca Seca Trío
 

Canción de su propia autoria favorita

El Juego de Los Abalorios

Canción de otra banda/artista que les gustaría haber compuesto

A Day in the Life – The Beatles

Canción que más están escuchando en estos momentos

Mad Man Moon – Genesis (Luca)
A Temporary High – Aurora (Natalio)
Shipeados – Catriel (Renzo)
Puerto Pirata – Aca Seca Trío (Agustin)
Culpa – Wos (Tute)

Disco que más están escuchando en estos momentos

Wind And Wuthering – Genesis (Luca)
50 ways to leave your lover – Paul Simon (Natalio)
El Disko – Catriel (Renzo)
La Promesa de Thamar – Sig Ragga (Agustin)
Piazzolla Plays Piazzolla – Escalandrum (Tute)
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Entrevista a Joana Ribeiro: Su libro sobre Nick Drake

Joana Ribeiro nos cuenta la historia de cómo autoeditó un libro en homenaje a Nick Drake, artísta de quien es fanática (como muchos de nosotros).

Contanos tu historia. ¿Es el primer libro que editas?

Es mi primer libro y muy seguramente el último, cuando me puse en contacto por email con los dos testaferros legales de Nick así se lo trasladé. No soy periodista ni escritora ni crítica musical. Se trata de un proyecto autoeditado, y dirigido a los fans de los tres discos de Nick Drake, en concreto, centrándome en el segundo.

¿Qué se van a encontrar los lectores en el libro?

El libro se centra en el disco “Bryter Layter”, del que este año se han cumplido 50 años desde su publicación. Hay muchas colaboraciones de músicos y periodistas de todo el mundo, e incluso Joe Boyd me respondió algunas preguntas en exclusiva para el libro. He preferido incluir anécdotas divertidas o curiosas antes que analizar canción a canción el disco, para no resultar aburrida. También hablo del tercer disco, “Pink Moon”, porque es inevitable hacer referencia a esas canciones tan especiales y personales… y a cómo era la difícil vida personal de Nick en esos años.

¿Por qué elegiste a Nick Drake para tu libro?

Es mi músico favorito, sin duda. Junto a Cocteau Twins, la banda escocesa, son los dos artistas que más he escuchado. Durante las navidades del año pasado tuve tiempo para escribir, y aproveché para reunir toda la información que pude alrededor de ese disco. Mientras tanto, escribía decenas de correos electrónicos a todos aquellos artistas que habían grabado o tocado una versión de Nick.

Si hubiera tenido más tiempo, habría intentado escribir sobre sus tres discos. De todas maneras ya hay varios libros, muy completos, sobre su vida. He querido hacer un libro distinto, dentro de mis posibilidades.

¿Cómo fue la experiencia de autoeditarlo? ¿Alguna anécdota para comentarnos?

La salida del libro se retrasó algunos meses, y hasta el comienzo del verano no pude anunciarlo. Aún así estoy contenta con el resultado final, es un libro hecho con cero pretensiones, pero con la intención de hacer un homenaje personal a Nick Drake, un músico que nunca será lo suficientemente reivindicado. La mayor anécdota del proceso de redacción fue comprobar que algunas de las firmas invitadas escribían muy bien, de una manera muy creativa, mucho mejor de lo que yo pensaba. Imagino que los fans de Nick Drake tienen algo en común con él, una sensibilidad especial.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Siendo sincera, ahora mismo no está en mis planes publicar nada. No tengo demasiado tiempo disponible, y apenas si tengo huecos para escuchar las novedades musicales que van saliendo. Quizá en unos años me plantee continuar con la idea de sacar un libro en español o portugués sobre los Cocteau Twins, ya que solo hay libros en inglés y francés sobre ellos…

Gracias a las colaboraciones para el libro he descubierto muchos músicos influenciados por Nick Drake, con lo que voy a aprovechar para escuchar sus canciones, más allá de las versiones que han hecho de Nick.

Descubrí más sobre el libro de Joana desde su sitio: https://joanasbook.wixsite.com/loquequeda

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Entrevista a Trilitrate

Trlitrate, banda de Galicia esencialmente instrumental que hace una combinación muy interesante de géneros, recientemente estrenó su disco «Está de Grelo».  Los invitamos a conocerlos en esta entrevista,

¿Cómo se presentarían para quienes todavía no los conocen?

Somos Trilitrate, un grupo acústico de Galicia que combina música clásica, folk, impro libre, black metal, etc; principalmente instrumental, combinado con videoproyecciones realizadas a tiempo real.

¿Por qué se llaman «TRILITRATE»?

Porque somos muy malos poniendo nombres.

¿Qué es lo que más destacan de «Está de Grelo»?

Creemos que es nuestro mejor trabajo hasta la fecha y estamos muy contentos con el sonido capturado por Javier Ortiz en el Estudio Brazil y con el maravilloso diseño realizado por Montse Piñeiro, nuestra generadora de arte visual.

Si bien en en su disco predominan los temas instrumentales, aquellos en los cuales se suma una interpretación vocal suenan muy bien. ¿Se ven haciendo un disco en la que haya un vocalista fijo en la mayoría de las canciones?

La verdad es que no, pero sí tenemos intención de hacer más canciones y seguir colaborando con más artistas, como lo hicimos en este disco con Toño Magariños y Pablo Riveiro.

Al escucharlos se nota una interesante combinación de instrumentos y géneros, como el clásico, que no muchos grupos abordan en estos días. ¿A quienes mencionarían como sus principales influencias?

Música de todos los géneros: Ravel, Yamandú Costa, Inhumankind, Bach, Rameau, Purcell, Vaughan Williams, Tin Hat, Os Mutantes, Mr Bungle, Brad Mehldau, The Bad Plus, Camarón.

¿Qué opinan de la música de hoy en día?

Creemos que siempre hubo música buena, en cualquier momento de la historia. Otra cosa es que no siempre va de la mano con el ámbito comercial.

¿En qué fue lo que más los afectó la Pandemia como grupo?

Buf, en muchas cosas, sobre todo en los plazos; teníamos pensado grabar un año antes de lo que se grabó. También fué complicado juntarse para ensayar. Y lo peor, ¡Cero conciertos en meses!

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Venimos de colaborar con dos grandísimos artistas y amigos, Fajardo y Capitán Bazofia; el resultado de podrá descubrir después del verano. También compusimos la música para un documental de producción francesa sobre un pueblo fronterizo entre Argentina y Chile, que verá la luz este agosto.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Entrevista a Rodrigo San Martín

«Arcana», primer disco producido y mezclado íntegramente en Audio 8D en Latinoamérica.

Rodrigo San Martín, músico multi-instrumentista argentino de
Rock Progresivo, nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta sobre su nuevo disco «Arcana», primer álbum producido y mezclado íntegramente en Audio 8D en Latinoamérica, el cual se estará presentando mañana (30/10/2020) en un Streaming gratuito a cargo de la Resistencia Progresiva Argentina (agrupación de bandas de rock progresivas del país).

¿Cómo fue la experiencia de grabar para lograr un sonido 8D?

En mi caso al ser solista y tener el estudio en mi casa, se me mezclan mucho las diferentes etapas de producción. Lo normal sería juntarse en una sala con la banda a ensayar, componer, luego hacer una pre producción del material, entrar al estudio a grabar y finalmente mezclar y masterizar.

Mi caso es completamente distinto. Todas las etapas pasan medio simultáneamente. Lo primero que necesito para sentarme a trabajar en un disco es en un concepto que lo englobe.

En el caso de Arcana las ideas iniciales eran dos: narrar la historia de la música y su relación con la humanidad, y hacer un disco en Audio 8D.

Empecé con este proceso cuando comenzó el aislamiento. Yo compongo directamente en Pro Tools, el programa de grabación. A veces armo la maqueta entera de un tema solo en un instrumento, y otras voy sección por sección grabando a todos en una sola tarde. Depende del nivel de inspiración.  Estuve cuatro meses con este proceso de composición y grabación simultánea cuando decidí que era demasiado material para un solo disco (3 horas de música) y decidí dividirlo en tres.

«Arcana (Act 1)» trataría sobre el pasado de la música. El «Act 2» trata sobre el siglo XX y la influencia de la música afro en la cultura popular. Y el «Act 3» es una especulación propia sobre como pienso que será el futuro de la música.

Hecha esta división decidí centrarme en terminar la parte 1 para fin de año y me puse en contacto con los músicos invitados que me acompañan en el disco. Recién en este momento comencé con la mezcla 8D. El Audio 8D tiene sus aficionados y sus detractores y puedo entender ambos lados.

Por un lado, los ejemplos de Audio 8D que hay en Youtube son, mayormente, malísimos. Lo que hacen es tomar esta tecnología pero la aplican solamente al tema terminado, a la mezcla stereo, y hacen que se mueva circularmente alrededor de la cabeza del oyente.
Mi proceso fue distinto: yo tomé esta tecnología (que se usa normalmente en el desarrollo de videojuegos para ubicar sonidos en el espacio a 360 grados) y la apliqué individualmente a cada uno de los instrumentos simulando una mezcla Surround pero para auriculares.

Doy un ejemplo, porque entiendo que es algo medio abstracto:
En «Arcana» puede sonar una guitarra acústica a la izquierda y una eléctrica a la derecha, mientras que las voces están en el centro y una secuencia de sinte se mueve por detrás de tu cabeza. Mientras tanto un riff de bajo va pulsando por debajo del piso mientras la percusión te gira alrededor.

¿Qué es lo que más destacas de “Arcana” como álbum respecto de tus anteriores trabajos?

Intento que cada uno de mis discos tenga un enfoque diferente. Para componer «Arcana» quise salirme de los clichés del rock y buscar influencia en músicas autóctonas de varios países del mundo: Japón, Escandinavia, Mongolia, américa pre colombina. Incluso de los antiguos Sumerios: la canción 3 del disco es «Hurrian Hymn to Nikkal» y es la canción completa mas antigua de la historia. Fue encontrada en escritura cuneiforme y yo me tomé el atrevimiento de reinterpretarla.

El desafío fue tomar todas estas influencias y combinarlas sin perder la esencia rockera de guitarras distorsionadas y baterías al palo.

Comparando con mis trabajos anteriores, siempre busco un enfoque distinto. En este caso fue rotundamente opuesto al trabajo musical que vengo realizando desde 2017 con la banda The Astral Platypus. En ese proyecto buscamos parodiar la música progresiva de los ’70 y su océano de clichés y lugares comunes. Con lo cual muchas veces a la hora de componer pensamos: “vamos a parodiar tal canción”.
En este caso no solo no quise parodiar a nada, sino que le hui a cualquier tipo de canción de referencia, intentando hacer algo completamente propio y personal.

¿Qué opinas de la música de hoy en día en relación a lo que fue el auge del Rock Progresivo en los años setenta?

Creo que siempre hubo buena y mala música. Tanto en la década de los ’70 como ahora. A mi lo que me gusta del Rock Progresivo es lo amplio y rupturista que me permite ser, así que trato de mantener una mente abierta con respecto a todo tipo de música. Escucho muchísima música por fuera del rock progresivo.

No me gusta como todo tiende a la “pre fabricación” en lo que a música refiere: para salir en la radio tenés que usar casi obligatoriamente el mismo beat de reggaetón que usan todos y eso no me copa. Por otro lado tampoco escucho la radio así que no me preocupa demasiado.

Pienso que es una gran ventaja que la tecnología haya mejorado al punto de que sea posible y accesible tener un estudio y poder realizar discos de calidad profesional en tu propia casa. Esto permite que no haya que depender de una discográfica sedienta de dinero para poder llevar a cabo proyectos que tal vez tienen mas que ver con lo artístico que con ganar plata.

Por otro lado pienso que ahora hay muchísima mas oferta que demanda a nivel musical. Lo cual hace que sea muy difícil para los artistas hacerse un lugar.

¿Qué otros grupos escuchas o recomendarías del género de la actualidad?

Yo soy un gran fanático de la escena progresiva argentina de la actualidad y pienso que tiene bandas increíblemente rupturistas que no están tan atadas a los preconceptos del rock progresivo. Me gusta muchísimo La Secuela, que hace un progresivo accesible pero complejo con influencias del funk, pop y jazz.

Me encanta Pulsónica, que mezcla ritmos afro latinos con rock instrumental de primer nivel.

Me gusta mucho Fughu, que es una banda de metal progresivo que le huye a los clichés del género y no tiene absolutamente nada que ver con Dream Theater, sino que es algo completamente original.

Y por último te voy a nombrar a William Gray: progresivo oscuro con influencias del tango y la música ciudadana. Sus dos discos son increíbles. Suelen tocar en vivo con un set de músicos inmenso que incluye la típica banda de rock, violines, chelos, percusión, etc.

¿Qué les espera a aquellas personas que se conecten al Streaming del estreno de “Arcana”?

Primero que nada creo que se van a encontrar una comunidad muy unida. Desde La Resistencia Progresiva Argentina venimos trabajando para potenciar este sentimiento comunitario con la idea de que entre todos podemos abarcar mucho mas que cada uno en su isla.

Lo que planeamos para este evento es volver a esa antigua costumbre de juntarse con los amigos a escuchar y charlar de música. Algo que tanto nos falta después de tanto tiempo de pandemia.

En los últimos eventos online que hicimos el chat estaba que explotaba y pienso que esta vez va a ser similar.

Segundo, una experiencia audiovisual distinta: si escuchan con auriculares van a poder ser los primeros en escuchar un estilo de mezcla distinto al que se suele trabajar. Además el disco viene acompañado de videos conceptuales. Una especie de aggiornamiento Siglo XXI de esa gran experiencia que era tirarse a escuchar música viendo el librito del CD.

¿Cuáles son tus próximos proyectos a futuro?

El primero es una nueva edición del Baires Prog Fest Virtual, que vamos a realizar en el canal de Youtube de La Resistencia Progresiva Argentina el 27 de noviembre.

Con The Astral Platypus teníamos todos los planes para lanzar dos capítulos (y sus dos discos correspondientes) de nuestra serie web en este 2020, pero la pandemia lo hizo imposible, así que buscaremos retomar eso apenas podamos.

Y por último, en lo personal, me gustaría lanzar la segunda parte de Arcana en 2021 y la tercera en 2022.

Te invitamos a presenciar el Streaming de «Arcana» mañana a las 22hs (hora Argentina) desde AQUÍ.

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Entrevista a Modem

El grupo conformado por Agustin Cuadrelli e Ignacio
Feito, Modem, nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta su historia y sobre el lanzamiento de su disco debut «El
Restaurante del fin del Universo»,

¿Cómo nació Modem como proyecto? ¿Cómo eligieron el nombre de la banda?

Modem nace de las ganas de seguir tocando, la realidad es que nosotros estábamos en otro grupo y decidimos seguir como dúo por distintas diferencias, una de ellas era la posibilidad de poder como dúo enfatizar los conceptos de los discos que vayamos sacando, ademas de sentirnos mas cómodos trabajando de a dos en cuanto a la experimentación y producción musical.

Increíblemente el nombre salio en cuarentena mensajeandonos por whatsap, nos gusta la idea medio ochentosa de buscar algún objeto físico cotidiano para ayudar a la memoria de la gente, ademas tampoco queríamos juegos de palabras raros difíciles de pronunciar, entre esos objetos encontramos a el Modem un aparato entre imperceptible y esencial para nuestra realidad internauta cotidiana.

Tienen un sonido que parece recorrer distintos géneros, destacándose los sintetizadores ¿Quiénes destacan como sus principales influencias? ¿En qué sienten que se diferencian de otras bandas?

Si bien es ya un cliché ya en bandas Argentinas de esta época, Gustavo Cerati siempre es una influencia constante en nuestra música, supongo que lo que mas nos atrae de el es la forma de abarcar sus composiciones en toda su discografia siempre avanzando siempre sonando contemporáneo, de lo mas actual te puedo nombrar a The Weekend quien nos parece un tremendo valor para la música Pop. Sacando todo lo que escuchamos habitualmente tambien nos sentimos atraídos por todas las cosas nuevas que van saliendo constantemente The War on Drugs, Tame Impala,Fliying Lotus, xxxTentacion, Arcade Fire, Wild Nothing y un largo etc.

¿Qué es lo que más les gusta de su primer disco “El Restaurante del fin del Universo”?

Creo que lo que mas nos gusta es todo lo que aprendimos desde el principio que decidimos armarlo hasta el primer día de publicación, desde encarar de 0 un proyecto nuevo, en unos meses ya planificar casi todo, componer, grabar y re grabar, exigirnos para largar una linda carta de presentación, armar un concepto y una estética, e incluso aprender a como comunicarse con los medios de comunicación. En todo eso también somos 2 personas haciendo música y la verdad que eso siempre va a ser divertido para nosotros.

¿Cómo fue el proceso de grabación del álbum?

La realidad que fue muy variable, no teníamos una lista de canciones, sino una sumatoria de maquetas que fuimos transformando hasta adaptarlas a un concepto, es entonces que hay temas que nacieron en una guitarra acústica,otros en un ipad, otros en una idea, después en nuestro estudio todo se transforma, pero cuando nos juntamos no queremos dejar cabos sueltos, y nos queremos ir con las canciones terminadas, para así llegar a nuestra casa dormir tranquilos y avanzar constantemente.

¿Qué fue lo que más los afectó el contexto de pandemia de la actualidad? ¿Qué es lo primero que van a hacer como banda cuando todo se normalice?

Tenemos que confesar que nos sirvió para muuuuchisimas cosas que no sabemos si hubieran salido tan rápido sin pandemia, desde aprender a usar programas de diseño para la estética del grupo, comunicarnos mediante redes o tomarnos el tiempo para escuchar los masters finales. La realidad que nos queda pendiente presentar nuestro disco en vivo, donde queremos incluso probar cosas nuevas para temas del disco, y emplear ideas estéticas que tenemos pensadas para los shows.

¿Cuáles son sus próximos proyectos para el futuro?

Actualmente trabajamos en dos proyectos, estamos recopilando cosas que quedaron de El Restaurante, para hacer una especie de compilado de «Rarezas-Lados B» que tenemos planeado lanzar muy pronto. Mientras que lo segundo es que ya estamos trabajando en nuestro segundo disco, armando un concepto nuevo, y probando distintos géneros musicales.

Escucha «El Restaurante del fin del Universo» desde AQUÍ.

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Entrevista a Roadie

La banda de San Miguel de Tucumán, Roadie, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan su presente y sobre el lanzamiento de su último single «Bufandas».

¿Cómo presentarían a Roadie para quienes todavía no los conocen?

Somos una banda de san Miguel de Tucumán, llevamos siete años construyendo este proyecto, cantando lo que sentimos, reinventándonos y explorando sonidos que nos identifican constantemente. Comenzamos con un EP de 3 canciones titulado El Arte de las Decisiones y en 2018 presentamos nuestro primer disco, Diagonal Norte. Hace unas semanas sacamos una canción llamada «Bufandas».

¿Qué es lo que más destacan de su último single “Bufandas”?

La frescura, si bien es un tema que ya veníamos tocando en vivo, a la hora de grabarlo se construyó desde cero.

Producimos el tema con Fleko Correa y Álvaro Morales (Johny Boy) y ellos, en gran parte, pudieron darle otra lectura e incorporar nuevos elementos o reforzar lo que teníamos en mente.

En “Bufandas” se nota la influencia del Synth Pop. ¿Cuáles sienten que son sus principales influencias en el género y hacía dónde siente que está evolucionando el grupo?

Roadie arrancó siendo quizás por así decirlo una banda más «rockera». Nos volvían loco The Strokes, Arctic Monkeys, The Libertines, The Smiths. En ese camino, encontramos mucha más música y elementos que nos gustaban como Two Door Cinema Club, Depeche Mode, etc…

Por lo general componemos en una especie de democracia, entonces se ve involucrado todo lo que escuchamos cada uno y se vuelca en el ensayo. Fue todo un proceso que fue girando constantemente en esa búsqueda de un sonido propio.

Ya en nuestro primer disco nos dejamos llevar al agregarle teclas más presentes y ese disco nos llevó a compartir escenario con bandas como Bándalos Chinos, Usted Señalemelo, Telescopios… En algún momento eso que escuchás constantemente de alguna forma se tramita como influencia y para este single queríamos un sonido actual, de eso se encargó Fleko y Álvaro sobretodo.

¿Cómo están sobrellevando la pandemia de hoy en día como banda?

Si bien veníamos parados, teníamos un show el 8 de abril en el que volvíamos a los escenarios con nueva formación.

Era muy importante para nosotros porque veníamos generando una perspectiva nueva y laburando mucho el show.

La pandemia nos tomó por sorpresa y un poco nos bajoneó, pero de todas formas nos dio también el tiempo de replantearnos decisiones, componer más, también trabajar en nuestros proyectos solistas.

¿Cuáles son sus próximos proyectos como grupo?

Queremos principalmente retomar el ritmo, subir canciones nuevas que ya tenemos grabadas y esperamos con ansias la habilitación para poder realizar esa serie de shows que quedaron pendientes. Actualmente somos un trío y seguro nos vamos a ir sorprendiendo nosotros a medida que pase el tiempo. Hay Roadie para rato.

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Entrevista a Astrománticos

Con fuertes influencias del Glam Rock de los 70s, el Britpop, Powerpop, entre otros géneros, Astrománticos lanzó recientemente su primer EP llamado “Marionetas Olvidadas”. Y Diego Vieites (Juana la loca, Starpunks, Animo) y Junior Fernandez (Zero, Bandoleros) nos cuentan sobre este proyecto, su historia y demás en esta entrevista.

¿Cuentennos la historia de cómo nació el proyecto?

Nació de la necesidad de generar en estos días atípicos que estamos viviendo, habíamos compartido banda con Diego y Hector, (guitarrista y baterista), a fines de los 90´s, y muchas de esas canciones nos habían quedado pendientes, y fue una excusa para empezar a sumar nuevas y grabar.

¿Qué es lo que distingue a Astrománticos de otras bandas?

Creo que lo que distingue a Astrománticos de otras Bandas es la composición y la manera de Producir las canciones, somos una banda con gustos musicales amplios y eso nos da la posibilidad de movernos creativamente dentro de ellos y no con una sola postura. Si bien, el marco es el rock/pop clasico, en ese contexto, elegir sin limitación.

¿Qué es lo que más destacan de su primer EP “Marionetas olvidadas”?

Definitivamente las canciones. La idea innegociable desde el minuto 0 es que lo único inamovible e intransigente sea priorizar el deseo artístico, la «necesidad» musical de la canción, sin que otros factores altere eso. Es un primer paso, que para este año pensamos en tres etapas, segundo EP y disco.

¿Qué opinan del Rock Argentino de hoy en día? ¿Qué otras bandas y artistas escuchan de la actualidad?

Como siempre, hay una escena con mucha vitalidad y diversidad en cuanto a generos, nombrar solo a algunos, es injusto, pero, Excursionistas, Ovnis, Ludomatic, Lic. Pyterson, Toboganes a Marte, Traje desastre, Juguete ruidoso, Siempre es medianoche, Lucas stay free, Triste Realidad, Brixton, Placer, Valle, Juana, y un montón más, siempre están en nuestros playlists.

¿Cómo están sobrellevando la cuarentena general como grupo? ¿En qué sienten que los afectó más el contexto actual?

Mas allá de la cuestión obvia de la socialización y de lo laboral, el hecho de reformular la manera de intercambiar las canciones y generarlas, es lo que más nos afectó del contexto actual, estamos acostumbrados a ensayar para grabar, y eso, hoy es algo en lo que tuvimos que reinventarnos.

¿Qué nos espera para la segunda parte de “Marionetas olvidadas” que estarán lanzando en agosto?

Otras 5 canciones, en la misma línea de melodía y guitarras, de Glam, Power Pop y Brit, creemos que es un poco más «rockero» que “Marionetas”, más cerca de los discos de los 70s de Cheap Trick o Slade, o por lo menos esa es nuestra intención.

Escucha “Marionetas Olvidadas”:

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Entrevista a Awful Traffic

Awful Traffic, la banda de Rock instrumental proveniente de Mexico, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan su historia y sobre su último disco “El Viento Predice El Futuro”.

Awful Traffic

  • A: Adolfo
  • R: Ruben

¿Cómo fue que definieron el nombre de la banda?

A: El nombre se definió por un videojuego. En ese entonces estaba de moda Guitar Hero y una amiga mía llamada Luigina tenía en su modo carrera el nombre de Awful Traffic. Al ver y escuchar ese nombre hizo click en mí y le comenté a Rubén. Busqué Awful Traffic por todos lados para asegurarme de que nadie lo tuviera, ya que en ese entonces buscábamos nombre y la mayoría de ideas ya existían o ya estaban registradas. Al ver que nadie lo tenía fue como nos quedamos con él.

¿En qué creen que se diferencian de otras bandas instrumentales?

R: Llevamos tocando 10 años música instrumental y lo que realmente a conectado con la gente son las diversas emociones que te causa nuestra música. Awful Traffic es música que conecta con el alma.

A: Desde mi perspectiva, nuestra música tiene el poder de hacerte recordar un momento, una persona o un lugar. En cada persona puede ser muy diferente ese efecto y eso hace única cada interpretación que le dan a nuestra música.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿En qué fue en lo que más creció Awful Traffic?

A: Hemos aprendido muchas cosas, realmente el objetivo siempre ha sido salir de nuestra zona de confort e ir por algo más allá. Cada año nos ha fortalecido y con el paso del tiempo hemos aprendido muchas cosas valiosas desde lo más básico a lo más complejo. Lo único que nunca va a caducar es la perseverancia. Nuestro estado es pequeño y hay grandes músicos pero nadie se ha atrevido a hacer lo que nosotros, la música de eso se trata de arriesgarse.

R: Ha madurado más allá de lo que hubiéramos imaginado. Cada vez los objetivos son más altos y estos 10 años son trabajo, esfuerzo y dedicación. Siempre hay nuevas oportunidades para crecer y aprender.

¿Alguna vez pensaron en incorporar un vocalista en el grupo?

R: Si y no, nuestra música siempre ha fluido sin necesidad de tratar de buscar una voz, pero si se llegó a pensar en nuestro subconsciente pero siempre estuvimos seguros del camino instrumental.

A: Creo que la música instrumental tiene más poder que una letra, ya que una letra te limita a una sola intención. El post rock es un viaje de emociones, recuerdos, vivencias que se adaptan a cada persona, creando una experiencia para cada individuo que la escucha.

¿Qué es lo que más destacan de su último disco “El Viento Predice El Futuro”?

A: El proceso para hacer este disco fue de lo más divertido, experimentamos con circuit bending en algunas canciones, el disco relata la historia de nuestros Álter Egos: el Lobo y el Oso. En este disco nos inspiramos en la cultura japonesa y combinamos lo tradicional con tintes electrónicos. Algunos títulos del disco son frases en japonés que se refieren a algo: Ikigai (la razón de vivir, eso que te hace levantarte todos los días), Gaman (seguir intentando a pesar de las adversidades), Wabi-Sabi (la búsqueda de la belleza dentro de las imperfecciones), Ukiyo (mundo flotante, sin preocupaciones), Komorebi (la luz que se filtra a través del sol en los árboles), Yugen ( la belleza del universo) y Kogarashi (el primer viento que te avisa que se acerca el invierno). El Viento Predice El Futuro es un viaje sonoro, escúchalo con el corazón, no con la razón.

R: Se destaca la manera en que se grabó, ya que cuidamos que cada elemento que hiciera falta estuviera ahí, también cabe mencionar que las canciones del disco son continuas y hacen referencia a una composición fusionada en lo emocional pero también cuidando detalles técnicos.

Su música podría incorporarse tranquilamente en el soundtrack de alguna película, serie o videojuego ¿En cuál se lo imaginarían?

R: Sí, se acopla bastante bien en todo eso que mencionan, depende la intención que se busque, lo imagino en un juego de aventura espacial o porque no en el soundtrack de un FIFA.

A: Yo soy muy fan de las bandas sonoras que se hacen en las películas, series y videojuegos, afortunadamente he creado algunos de los ya mencionados, bajo el nombre de “Álvarez Villeda” actualmente ando trabajando en un soundtrack para la empresa de Nueva Zelanda ClockWork Giants en su videojuego llamado Introspect. Con Awful Traffic sinceramente sería un sueño poder participar en algo así de increíble, creo que podemos encajar en cualquier panorama, espero que muy pronto nos pidan un trabajo de ese calibre.

¿Cuáles son sus próximos planes para el futuro?

A: El viento nos predice este 2019 una gira internacional, compartir el escenario con más bandas extranjeras, tours, la composición de nuestro 3° disco, mucho aprendizaje y diversión.

R: Viajar, componer, ampliar nuestros horizontes.

Más info sobre la banda:

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Entrevista a Juana La Loca

Rodrigo Martín de Juana La Loca nos brindó está entrevista en la que nos cuenta sobre su actualidad, con su reaparición luego de 6 años con su disco Resplandece y sus próximos planes a futuro.

Pasaron 6 años de su último disco y antes que eso 7 años, entre un álbum y el otro. ¿Por qué sienten que pasó tanto tiempo entre el lanzamiento de cada disco?

Siempre nos tomamos el tiempo necesario para nuevas composiciones y no repetir formulas. Creemos que no hay tiempo preestablecido para sacar un disco en un lapso determinado, mas bien creemos en la inspiración en la investigación sonora en un concepto que define nuestro estilo.

Ya cumplen 30 años desde que se formó el grupo ¿En qué sienten que evolucionó Juana La Loca durante todo este tiempo?

Adquirimos y protagonizamos nuevas experiencias permanentemente, como por ejemplo que Billy Preston haya participado en vida modelo el viaje a Los Ángeles para concretar el disco, tocar con Depeche Mode en velez, abrir el show de Oasis en el Luna Park, la participación de Jimmy Rip en el disco Pastillas para el Dolor. Y haber conquistado por nuestros medios y por el arrojo constante un sonido característico de Juana la Loca en cada uno de nuestros discos.

¿Que es lo que más resaltan de su último disco «Resplandece»?

Que hayan vuelto a grabar dos miembros originales y fundadores de la banda (Aitor Graña y Roberto Pascuale) en su regreso a Juana La Loca; que el disco haya sido mezclado dos veces para encontrar un sonido novedoso; y compositivamente también influyó mucho en nuestro sonido y estilo los nuevos integrantes Diego Vieites (guitarra y coros y composición), Andres Garcia (bajo) y Javier Lopez (en los teclados y las programaciones).

¿Cómo ven el Rock Argentino de la actualidad y en qué se diferencia de su auge en los noventa? ¿Qué es lo que más extrañan de los noventa?

Creo que en este ultimo tiempo surgieron varias bandas con ideas nuevas. De hecho yo estoy produciendo el disco de Juventud Dorada y un solista Luciano Taddeo y encuentro en ellos un sonido refrescante.

Con respecto a los 90 existía una búsqueda experimental que caracterizaba un nuevo estilo con respecto a otras décadas del Rock Argentino, particularmente no añoro por demás esa década, porque creo que es importante evolucionar constantemente, pero considero que los 90 conceptualmente marcaron una generación.

¿Qué otras bandas y artistas les gustan de la actualidad?

Personalmente a nivel nacional: Juventud Dorada, Luciano Taddeo, Capuchas de Hop, Placer, Brixton, Viva Elástico, y a nivel internacional ahora estoy escuchando The Struts.

¿Cuáles son los próximos planes de la banda?

Acabamos de terminar un ciclo de 4 shows donde en cada uno se presentaban 2 discos distintos de nuestra carrera, de esos conciertos estamos mezclando y produciendo un disco en vivo, acabamos de estrenar nuestro vídeo del primer corte de Resplandece, «Fuera de Vos»  y tenemos planeado editar este año un documental de los 30 años de la banda con imágenes inéditas de todas las épocas. Ademas este ciclo fue filmado y será parte del documental, el 16 de Marzo iniciamos la presentación oficial y puntapié inicial de la gira de Resplandece con la idea de extenderla al resto del país y a Chile, Uruguay y Paraguay. También, quiero mencionar que el año pasado, 2018, reeditamos y re masterizamos en cassette, nuestra primera obra del 1991 Autoejecución (producida por Daniel Melero) y lo mismo hicimos con el disco Planeta Juana La Loca.

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