In Rainbows, el Mejor Disco de la Última Década

En la última encuesta desarrollada en el sitio, In Rainbows, el último trabajo discográfico de Radiohead se coronó como el mejor de los últimos 10 años con el 38% de los votos, superando a Elephant de The White Stripes que quedó segundo con el 20%.

Para homenajearlo les dejamos la presentación de Radiohead desde From The Basement en el 2008, el cual sirvió para promocionar justamente a In Rainbows:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=W50v_DnYPDs]

Setlist:

  1. Bodysnatchers
  2. Nude
  3. Myxomatosis
  4. Weird Fishes/Arpeggi
  5. House of Cards
  6. 15 Step
  7. Optimistic
  8. Reckoner
  9. Where I End and You Begin

From The Basement es un programa perteneciente al productor de música Nigel Godrich. En él se presentaron numerosos grupos, algunos más actuales como Fleet Foxes o The White Stripes, y otros cuya consolidación fue anterior como The Stooges y Sonic Youth. Como no podía ser de otra manera, Radiohead se ofreció para dar su propio show, considerando además que Godrich había colaborado con ellos anteriormente.

En esta presentación Radiohead nos ofrece un setlist integrado mayormente por canciones de In Rainbows, como “Bodysnatcher”, “Weird Fishes/Arpeggi”, “Nude” y “House of Cards”, que a su vez se combinaron con un par de temas de Hail to the Thief, en este caso “Myxomatosis” y “Where I End and You Begin”, junto al único clásico de Kid A, “Optimistic”.

Una presentación impecable de una de las bandas de la actualidad que mejor se desenvuelve en vivo. Para ver y disfrutar. Calidad de confianza.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Postales Dramáticas: Coldplay en Argentina – Estadio River 26/02/2010

Desde aquellos tres recitales que Coldplay brindó en el teatro Gran Rex de la ciudad de Buenos Aires en 2007, los fanáticos de la banda liderada por Chris Martin esperaron pacientemente el tan ansiado retorno de sus ídolos. Como habían prometido en aquella oportunidad, el lugar elegido esta vez fue el Estadio Monumental, cuya capacidad para 60.000 personas cumple en mejor medida las expectativas de los fieles seguidores de Coldplay.

Luciendo la colorida ropa característica de “Viva la Vida”, la banda salió al escenario acompañado de los acordes de “Life in Technicolor” para luego continuar con “Violet Hill”, el primer sencillo del disco. Si bien gran parte de las canciones fueron del último álbum como “Cementeries of London” y “Strawberry Swing”, la lista alternó clásicos como “Clocks”, “In My Place” y “Yellow” (que incluyó el despliegue de enormes globos amarillos) que estremecieron al público. De todos modos fueron los cánticos en “Viva la Vida” los que flotaron el aire y se prolongaron a lo largo de casi dos horas de concierto.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=1fBnNUDQiiw]

Aprovechando algunas gotas que amenazaban con caer y al ritmo de “Singing in the Rain”, la banda bajó del escenario para colocarse  un montículo en uno de los costados del campo ante la sorpresa de los miles de fanáticos. Will Champion, ahora en la guitarra y en la voz ofreció una versión folkie de «Death Will Never Conquer» y casi como una rareza, Coldplay no se olvidó del gran Michael Jackson ya que desplegaron un agradable cover de “Billie Jean”. Así como el título de su último material significaba un agradecimiento por las experiencias vividas por la banda en su anterior visita a Sudamérica, “Don Quixote” se transformó en otra clara referencia hacia la cultura latinoamericana. Pero si de versiones se trata, la remixada “God Put a Smila Upon Your Face” y la balada “The Hardest Part” se llevaron gran crédito.

El gran despliegue en el escenario de pantallas en forma de círculos y fuegos artificiales estuvo acompañado de la colaboración del público mediante una impresionante ola de teléfonos celulares que iluminaron el estadio como nunca antes se había visto. Por último, tras un leve receso, la banda retornó al escenario con “Politik” y “The Scientist” de los dos primeros discos. El final estuvo a cargo de “Lovers in Japan/Reign of Love” en el que las pantallas gigantes mostraban imágenes de la historia japonesa mientras miles de mariposas coloridas flotaban sobre el público.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

R.E.M. – Fables of the Reconstruction (1985)

Puntaje del Disco: 7

  1. Feeling Gravity’s Pull: 8
  2. Maps And Legends: 8
  3. Driver 8: 8
  4. Life And How To Live It: 7,5
  5. Old Man Kensey: 6
  6. Can’t Get There From Here: 7
  7. Green Grow The Rushes: 8
  8. Kohoutek: 7
  9. Auctioneer (Another Engine): 5
  10. Good Advices: 6
  11. Wendell Gee: 6

El rock alternativo de R.E.M. venía muy bien encaminado con sus primeros discos, Murmur y Reckoning. Pero como sucede con muchas bandas, el tercero se transformaría en una bisagra negativa en su carrera. R.E.M. sufriría este inconveniente con Fables of the Reconstruction.

En esta oportunidad contaron Joe Boyd como productor quien los ayudo a imprimir un folk sombrío en sus canciones, marcando así un quiebre respecto a sus trabajos anteriores.

Sin embargo, los cambios no son siempre positivos. Fables of the Reconstruction es un disco bastante menos interesante que sus predecesores. Estos tipos no se si se dieron cuenta pero ninguna canción de este disco tiene estribillo. A esta ausencia se le suma la falta de buenos ganchos melódicos y de detalles que hagan memorables a los temas. Esto sí que es inquietante.

Resulta bastante difícil decir que temas se destacan en Fables of the Reconstruction. Aunque puedo decir que lo mejor esta en la primera parte con la intrigante “Feeling Gravity’s Pull” junto a temas oscuros como “Maps And Legends” y “Driver 8”. También podemos sumar a “Green Grow The Rushes” entre lo más resaltantes. Pero los demás cortes están simplemente bien aunque nunca terminan de encajar, ni siquiera ese hit ridículo llamado “Can’t Get There From Here”. E incluso llegando a un producir flojeras como “Autonioneer”, donde su debilidad se acentúa con un estribillo directamente malo; demostrando que Fables of the Reconstruction en conjunto es solo un buen disco con sus limitaciones.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Lenny Kravitz – Mama Said (1991)

r-388820-1255037967-jpeg

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Fields of Joy: 8,5
  2. Always on the Run: 9
  3. Stand by My Woman: 8
  4. It Ain’t Over ‘Til It’s Over: 9
  5. More Than Anything In This World: 6,5
  6. What Goes Around Comes Around: 8,5
  7. The Difference Is Why: 8
  8. Stop Draggin’ Around: 8,5
  9. Flowers for Zoë: 8,5
  10. Fields of Joy (Reprise): 7
  11. All I Ever Wanted: 7,5
  12. When the Morning Turns to Night: 8,5
  13. What the Fuck Are We Saying?: 8
  14. Butterfly: 8

Con su primer trabajo Lenny Kravitz logro ganarse el corazón de multitudes pero desencadeno en perder el que verdaderamente le importaba, el de su esposa Lisa Bonet lo que conllevo en la separación de la pareja en 1991 (con rumores de romance con Madonna de por medio).

El segundo álbum de Lenny, Mama Said, dio la imagen de un hombre sufrido y pasando dolor. Lógicamente fue escrito cuando atravesaba su divorcio, y el disco fue dedicado íntegramente a su ex esposa. Musicalmente hablando en esta oportunidad Lenny conjuga sus obsesiones con Lennon y Prince con las nuevas influencias mas cercanas a Jimi Hendrix, especialmente en temas como “When the Morning Turns to Night” y “Stop Draggin’ Around”. Para abrir el disco Lenny cuenta con la participación del gran Slash que se luce en los solos de “Fields of Joy” y “Always on the Run”, el melenudo violero no seria el único invitado ya que Kravitz co escribió un lindo tema con el hijo de John Lennon y Yoko Ono también músico Sean Lennon “All I Ever Wanted”. El resto del álbum cuenta con otros buenos momentos de la mano de baladitas fiel a su estilo como “Stand by My Woman”, “Butterfly” y la mas exitosa “It Ain’t Over ‘Til It’s Over”.

Creo que con Lenny es injusto ser lapidario, como lo son la mayoría de sus detractores, obviamente no es la nueva revolución del rock ni mucho menos pero si se escuchan detenidamente especialmente sus primeros discos se puede disfrutar muy buena música y descubrir interesantes tracks escondidos mas haya de los hits que todos conocemos desde hace años.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Dinosaur Jr – You’re Living All Over Me (1987)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Little Fury Things: 8,5
  2. Kracked: 7
  3. Sludgefeast: 9
  4. The Lung: 8
  5. Raisans: 7,5
  6. Tarpit: 8,5
  7. In A Jar: 9,5
  8. Lose: 7,5
  9. Poledo: 8
  10. Show Me The Way: 8

Dinosaur Jr es una banda de rock alternativa surgida a mediados de los ochenta. Más concretamente es un grupo de Indie rock que comparte similitudes con otras bandas de renombre como Sonic Youth. Sus coincidencias se marcan en el estilo de Dinosaur, quienes ostentan una capacidad guitarrera repleta de distorsiones que te vuelan la cabeza. You’re Living All Over Me, su segundo trabajo discográfico y el más aclamado de su carrera.

Desde este punto de partida, las ruidosas guitarras eléctricas son las grandes protagonistas de este disco, escuchandose que al menos pueden variar dentro de canciones que siguen estructuras más o menos convencionales. Devastando en temas como “Sludgefeast”, o acompañando la buena melodía de cosas como “Little Fury Things” y “Tarpit”. Y también alcanzando la excelencia en “In A Jar”, donde las disonancias parecen no ser tan acentuadas hasta que explotan cambiando de ritmo.

Eso es You’re Living All Over Me en líneas generales. El único corte desigual es “Poledo”, una rareza que no sigue la misma línea, un momento calmo, sin guitarras atronadoras. Acá Lou Barrow canta con un Ukelele en mano, explorando distintos pasajes, sumergiendote en diferentes sonidos abstractos.

El disco cierra bien con su propia versión de “Show Me The Way”, un clásico sumergido en el Indie rock de esta banda que supo ser un de las más influyente para la aparición del Grunge.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Julian Casablancas – Phrazes for the Young (2009)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Out of the Blue: 7
  2. Left & Right in the Dark: 7,5
  3. 11th Dimension: 9
  4. 4 Chords of the Apocalypse:: 8
  5. Ludlow St: 8,5
  6. River of Brakelights: 6,5
  7. Glass: 7
  8. Tourist: 7,5

Sin dudas Julian Casablancas es una de las estrellas jóvenes más prometedoras en el mundo de la música no solo por ser una de las mejores voces y compositores que conocimos en los últimos años, sino también por su estética y actitud rockera que impacto desde que todo el mundo se familiarizo con The Strokes a principios de los 2000.

Después de su desparejo tercer álbum First Impressions of Earth, a principios del 2007, la banda de Casablancas tuvo un vuelco y se separó momentáneamente para que cada integrante se dedicase a lo suyo, con el fin de realizar proyectos solistas que tenían pendientes desde hace un tiempo; el que inicio esta serie de trabajos solistas fue Albert Hammond Jr. Editando dos trabajos hasta el momento Yours to Keep (2006) y ¿Cómo Te Llama? (2008). En Octubre del 2009 llegaría el turno para Julian con su tan esperado debut solista Phrazes for the Young.

Para todo fan de The Strokes resulta raro y difícil de relacionar el tema que abre el álbum «Out of the Blue» con alguna canción del grupo, lo que deja a las claras desde el comienzo que este disco marcaría una experimentación con una mixtura de sonidos novedosos por parte de Julian desde principio a fin del mismo. Se destacan de sobremanera el electro pop de “11th Dimension”, la relajada “4 Chords of the Apocalypse” y “Ludlow St” con cierto aire folk, mas haya de esto hay ciertas canciones en las que uno se pregunta realmente que quiso hacer lo que termina significando un disco desparejo aunque interesante. La conclusión más positiva y optimista que se puede hacer es que hasta los momentos más ambiciosos de First Impressions of Earth no se asemejan al sonido y el entusiasmo por hacer nueva música por parte de Julian desde el aclamado Is This It, y augura luego del tiempo que se tomaron los miembros de los Strokes un cuarto álbum (ya confirmado con posible fecha de lanzamiento en Septiembre del 2010) para tener mas que en cuenta.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Motörhead – Bomber (1979)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Dead Man Tell No Tales: 9
  2. Lawman: 8
  3. Sweet Revenge: 7,5
  4. Sharpshooter: 7
  5. Poison: 6,5
  6. Stone Dead Forever: 9
  7. All The Aces: 6
  8. Step Down: 7
  9. Talking Head: 8
  10. Bomber: 8

Con Overkill Motörhead se encontraba en un muy buen momento. Hecho que debía ser prolongado pronto en el tiempo. Por eso, no tardó en llegar, tan solo unos meses después, Bomber, que también contó con Jimmy Miller como productor, quien ya había colaborado con los Rolling Stones en importantes discos como Beggars Banquet, Sticky Fingers y Exile on Main Street.

La primera vez que uno escucha este disco piensa que se trata de Overkill. Y es que Bomber es la continuación de este último, no solo porque son del mismo año, sino también porque sus cortes parecen calcados. En otras palabras Bomber viene a ser una reescritura de Overkill pero lastimosamente inferior.

Aún así hay ciertas diferencias entre ambos discos. Si nos centramos puntualmente en Bomber es tanto o más explosivo que su predecesor y al mismo tiempo es un poco más oscuro. Basta con escuchar canciones como “Sweet Revenge” y “Step Down”, donde aparecen sus intensiones de variar un poco con un estilo más blusero, por así decirlo.

Pero estos cortes no son lo más impresionante del disco. Los mejores momentos los marcan claramente sus dos grandes clásicos “Dead Man Tell No Tales” y “Stone Dead Forever”, donde la destrucción heavy y rabiosa es impactante y sin igual. Son capaces de tumbar paredes y romper traseros con toda la furia.

Otros buenas canciones de este disco son la frenética “Bomber” junto a la potencia rockera de “Talking Head” y “Lawman”. El resto de los temas son menos logrados haciendo que Bomber sea desparejo, pero con su furibunda energía latente, capaz de revolotear tu masa encefálica con tu mano haciendo cuernitos a lo “Mostaza” Merlo hasta el hartazgo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

LCD Soundsystem – LCD Soundsystem (2005)

Puntaje del Disco: 9

Disco 1:

  1. Daft Punk Is Playing at My House: 8,5
  2. Too Much Love: 7,5
  3. Tribulations: 9,5
  4. Movement: 9
  5. Never as Tired as When I’m Waking Up: 9
  6. On Repeat: 8
  7. Thrills: 9
  8. Disco Infiltrator: 7,5
  9. Great Release: 8

Disco 2:

  1. Losing My Edge: 9
  2. Beat Connection: 8,5
  3. Give It Up: 7,5
  4. Tired: 6,5
  5. Yeah (Crass Version): 8
  6. Yeah (Pretentious Version): 7

El dúo neoyorquino formado por James Murphy y Tim Goldsworthy son los encargados de uno de los sellos más arriesgados y prolíficos de los últimos tiempos, DFA (Death From Above) que comenzó a hacerse notar con lanzamientos como “House of Jelous Lovers” de The Rapture, “By The Time I Get To Venus” de The Juan Maclean y “Losing My Edge” de LCD Soundsystem (proyecto propio de Murphy y Goldsworthy), este ultimo single junto con otros de similar éxito fueron el espaldarazo inicial para abocarse al lanzamiento de su primer LP. Así tres años después de la aparición de sus primeros singles LCD Soundsystem lograría editar en 2005 su primer y aclamado disco llamado “originalmente” LCD Soundsystem.

James Murphy nos demuestra en este disco que no cae en los lugares comunes de la música electrónica contemporánea y nos sorprende con una amplia gama de novedosos temas pasando por distintos géneros desde dance-rock, house, rock psicodélico y hasta post-punk por momentos, donde derrocha toneladas de creatividad, letras e ideas.

El disco alcanzo la atención de todos los críticos especializados pero logro realmente llegar a la masividad cuando el hit ultra conocido “Daft Punk Is Playing My House” comenzó a sonar en todas las radios y canales de musica habidos por haber. La pieza maestra del disco es sin dudas “Tribulations” una canción con mucha fuerza que se ubica entre lo mejor del genero alternativo o Indie rock de la ultima década, acompañan otros temas interesantes dentro de este estilo como “Movement”, “Thrills”, “Beat Connection”, y la ya mencionada “Losing My Edge”. Algunos temas temas que te permite bajar un cambio entre tanto frenesí del disco son “Never as Tired as When I’m Waking Up” con una clara reminiscencia e inspiración beatle y “Great Release” con un titulo demasiado autobombo para lo que es.

Debutar con un álbum doble de casi 2 horas de duración no significaba un riesgo para Murphy ya que sabia que contaba con muy buenas canciones en su haber y el respeto por parte de parte del publico y la critica que conocía su trabajo, Murphy fue capaz de capturar y comprimir la historia del rock hasta llevarla al punto bailable.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)