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Festivales de Discos, Linkin Park, Novedades de la pagina

“El Horror de Linkin Park”, la nueva película de Terror para Halloween

76 comentarios

Puntaje de la Película:

Genero: Terror/Nü Metal

País de Origen: Estados Unidos

Duración: 1996 – Actualidad.

Actores:

  • Chester Bennington
  • Mike Shinoda
  • Joe Hahn
  • Brad Delson
  • Rob Bourdon
  • David Farrell

Sinopsis: De los creadores de Korn y Slipknot, llega una de las últimas y más abominables creaciones del Nü Metal: Linkin Park. Basada en la trágica historia real de un muchacho gritón llamado Chester Bennington, quien en su afán por conquistar al mundo se junta con un conjunto de sujetos sin mucho talento para conformar uno de los grupos más nefastos y marketineros de la historia del rock. Sus espantosos discos desde “Hybrid Theory” a “A Thousand Suns” invadirán la humanidad poniendo en peligro su existencia.

Reconocimientos:

  • Premio Persi Music a la banda más sobrevalorada: Linkin Park. Galardón logrado con el 18.56% de los votos obtenidos en encuesta de la página.
  • Premio Persi Music al mayor gritón de la historia: Chester Bennington. Su (inútil) capacidad para mantener un grito por 17 segundos y su pésima habilidad compositiva lo hacen un claro ganador en el rubro.

Trailer:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=JYNRhzX6gw8]

Coming Soon: “Los Jonas Brothers en Vivo” (Terror), “Mi Novia es una Ramone” (Comedia), “Bonjo y Yo” (Romántica), “Bret Michaels y los invasores de las cabelleras glamorosas” (Ciencia Ficción), “Me gusta Coldplay” (Drama).

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Audioslave

Audioslave – Out of Exile (2005)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Your Time Has Come: 8
  2. Out of Exile: 7
  3. Be Yourself: 8
  4. Doesn’t Remind Me: 8
  5. Drown Me Slowly: 6
  6. Heaven’s Dead: 6
  7. The Worm: 6.5
  8. Man or Animal: 6.5
  9. Yesterday to Tomorrow: 7
  10. Dandelion: 7.5
  11. #1 Zero: 6
  12. The Curse: 7

Contrario al efímero destino al que numerosas superbandas estuvieron condenadas, Audioslave se proponía a romper la regla y continuar su camino hacia la consolidación. El respetable éxito que obtuvo el disco debut le permitió al grupo ganar no sólo reconocimiento y seguidores, sino también los deseos de grabar un segundo material.

Durante el 2004 Chris Cornell y compañía se adentraron nuevamente en los estudios para editar “Out of Exile”, lanzado a la venta en Marzo del año siguiente. Este disco significó un avance muy importante a nivel de identidad de la banda ya que se logró un mayor involucramiento de los miembros en pos de mejorar la performance del disco anterior. Se pueden apreciar aspectos de Soundgarden y Rage Against the Machine indefectiblemente, pero en esta oportunidad las melodías logran una mayor armonía.

Uno de los más destacados temas es “Your Time Has Come” que estuvo inspirado en la canción “Peolple Who Died” de The Jim Carroll Band. El video expone imágenes del recital que la banda brindó en Cuba ante cientos de fanáticos. “Be Yourself”, sin tener unos grandes arreglos, es una de las más populares canciones de la banda junto con “Like a Stone”. Como otro track incluido entre los más resaltables, se encuentra “Doesn’t Remind Me” con un buen estribillo.

A partir de “Drown Me Slowly” el disco entra en un pequeño bache en el que la calidad de las canciones no ofrecen demasiado, pero van elevando el nivel “Dandelion”, una interpretación casi pop que no queda mal con el resto del disco.

“Out of Exile” mejoró claramente al primer disco y Audioslave alcanzó en su corta, aunque fructífera vida, el punto más alto en la carrera, con este material que llegó al número 1 de los Billboard en 2005.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Babasonicos

Babasonicos – Trance Zomba (1994)

4 comentarios

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Puntaje del Disco: 9

  1. Desarmate: 8,5
  2. Malón: 9,5
  3. Montañas de Agua: 9
  4. Coral Caraza: 8
  5. Ascendiendo: 8,5
  6. Patinador Sagrado: 8,5
  7. Koyote: 7
  8. Poder Ñandú: 7
  9. Arbol Palmera: 9
  10. Sheeba Baby: 7,5
  11. Misericordia: 8
  12. Posesión del Tercer Tipo: 9

Procedentes de Lanus, localidad del gran Buenos Aires, los Babasonicos empezaron a hacerse conocidos con el single «D-Generacion» parte de su primer trabajo Pasto (1992) que sonó constantemente en las radios con un estilo alternativo y distorsionado muy distinto a como alcanzarían la fama años mas tarde, lo que hizo diferenciar a los fans nuevos de la banda con los que los siguieron desde sus comienzos cuando tocaban un rock mas «duro» y menos comercial.

Pasto contó con la participación de Gustavo Cerati y Daniel Melero como invitados y comenzarían de buena forma a ganar adeptos presentándose como teloneros de bandas nacionales muy populares como Soda Stereo e internacionales como INXS y Depeche Mode.

Su segundo trabajo Trance Zomba (1994) marcaría una diferencia notoria con su antecesor. Si en Pasto todo era rápido y no había respiro, Trance Zomba es un viaje, un trance, hay una excesiva contemplación un medio-tiempo constante, todo en este disco se caracteriza en una pausa infinita, de hecho hasta los temas más roqueros tienen una pausa. Otro elemento fundamental en el sonido del disco es la incorporación de la música negra y del Glam rock, que musicalmente no es explicito, sino que lo es a puro nivel estético, algo que adquiriría relevancia e importancia para Babasonicos disco tras disco. La estética-sónica puso una cuota de originalidad marcando un camino que muchos imitarían en el rock argentino y latinoamericano.

Otra cuota de originalidad seria la incorporación de DJ Peggyn el primer DJ estable en una banda de Latinoamérica que les sumo diferentes alternativas sonoras a las canciones. Trance Zomba merodea por diferentes estadios un tema con base hip-hop “Desarmate” digno de los Beastie Boys o Rage Against the Machine, momentos roqueros como “Montañas de agua” y “Malón” que se convertiría en un clásico de la banda, “Sheeba Baby” una canción casi progresiva, baladas como “Coral Caraza” y “Arbol Palmera” que anticiparon el sonido que mas adelante seria una marca registrada del grupo y la innovadora mezcla de funk y música futurista de “Patinador Sagrado”.

A pesar de ser considerado un disco fundamental en su carrera tanto por fans como por la critica especializada, no es tan bien recordado por el grupo, lo que se desprende de las palabras del bajista Gabo Manelli: “Es un disco pobre, humilde… los sonidos del disco son así, tenía que ser un disco de bajo sopor, de descanso… es un disco de clase media“.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Lynyrd Skynyrd

Lynyrd Skynyrd – Nuthin’ Fancy (1975)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Saturday Night Special: 9,5
  2. Cheatin’ Women: 8
  3. Railroad Song: 6,5
  4. I’m A Country Boy: 7,5
  5. On The Hunt: 7,5
  6. Am I Losin’: 8,5
  7. Made In The Shade: 5
  8. Whiskey Rock-a-roller: 7,5

Luego de sus dos aclamados primeros discos, Lynyrd Skynyrd ya se posicionaba como un grupo consolidado en la década de los setenta. Sin embargo, en su siguiente trabajo Nuthin’ Fancy, sufriría lo que se conoce como “el síndrome del tercer álbum”, cuyos síntomas se traducen en un bajón importante en su calidad compositiva.

La crítica especializada señaló que el principal problema de Nuthin’ Fancy era la ausencia de grandes clásicos. Pero seamos realistas, en Second Helping tampoco abundaban, solo hay un par de canciones que hacen la diferencia. Desde mi punto de vista el inconveniente se encuentra en que Skynyrd empieza a sonar muy genérico, como consecuencia de que las composiciones de Ronnie Van Zant no están en su mejor forma.

De todos modos, Nuthin’ Fancy es un buen disco y se destaca porque Lynyrd Skynyrd ofrece un rock sureño más duro. Buen hard rock. Desde este panorama, el demoledor “Saturday Night Special” aparece como el clásico más rutilante del disco. Solo escuchen ese riff aplastante y su fantástica melodía, no tiene desperdicio. Lo suceden en el podio canciones como “Am I Losin’”, una agradable balada acústica, y “Cheatin’ Women”, un blues sureño más bien lento pero efectivo.

El resto del material como comentaba es rock sureño simple pero no muy llamativo. Es como el título del álbum lo sugiere: “Nuthin’ Fancy”, nada de fantasía…

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Vox Dei

Vox Dei – Caliente (1970)

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vox-dei-caliente-3252810Puntaje del Disco: 8

  1. Reflejos Tuyos y Míos: 8
  2. No Es por Falta de Suerte: 7,5
  3. Cuero: 7,5
  4. Compulsión: 8
  5. Total Que: 7,5
  6. Canción Para una Mujer (Que no esta): 9
  7. Presente: 9

“La Voz de Dios” ese es el significado (santurrón) de Vox Dei, otra de las bandas fundacionales y más importantes del rock argentino. Su procedencia se remite a finales de los sesenta con la unión de Willy Quiroga (Bajo y Voz), Ricardo Soule (Guitarra y Voz), Juan Carlos Godoy (Guitarra y Voz) y Ruben Basoalto (Bateria). En el ’69 conseguiría un contrato con la compañía discográfica Mandioca y empezarían a grabar sus primeros singles. Pero recién en 1970 llegaría su álbum debut: Caliente.

Caliente es un muy buen trabajo que desde mi punto de vista se divide en dos partes: los primeros 5 temas que rockean siguiendo una misma tendencia de rock/blues algo primitiva pero también muy entretenida; y los últimos 2 grandes clásicos del disco que desde su concepción se desligan marcadamente de los antes mencionados.

El primer tramo arranca con “Reflejos”, que se luce por tener un jam instrumental largo pero interesante. Luego “No Es por Falta de Suerte” se nos presenta como una prolongación, es más o menos la misma canción. “Cuero” y “Compulsión” es hard blues más del estilo de Cream o Led Zeppelin. Y para finalizar tenemos a “Total Que” que incorpora la armónica y se destaca por tener un estribillo pegadizo.

Ya en la segunda parte de Caliente primero está “Canción Para una Mujer”, una preciosa y nostalgica balada acústica, mi favorita del disco. Y para cerrar el álbum “Presente”, el tema más conocido de Vox Dei. La canción esta muy quemada, pero no quedan dudas que es un himno del rock argentino. El estribillo enunciando “Todo me demuestra que al final de cuentas, termino cada día, empiezo cada día” hizo historia y quedará inmortalizado para siempre.

Persy

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Ten Years After

Ten Years After – Cricklewood Green (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Sugar the Road: 8
  2. Working on the Road: 8,5
  3. 50,000 Miles Beneath My Brain: 9,5
  4. Year 3,000 Blues: 7
  5. Me and My Baby: 8
  6. Love Like a Man: 8,5
  7. Circles: 8
  8. As the Sun Still Burns Away: 8

Luego de su despegue en 1969 con una lucida actuación en el mítico festival de Woodstock y dos trabajos editados Stonedhenge y Ssssh Ten Years After no perdería demasiado tiempo y para principios de 1970 nos presentaría su quinto álbum Cricklewood Green, citado casi por todos los críticos especializados como su obra cumbre.

Cricklewood Green es un ejemplo del sonido de TYA a lo largo de su carrera. Se caracteriza por una base de temas bluseros simples que le permiten lucirse como siempre a Alvin Lee con una velocidad y técnica únicas a la hora de tocar la guitarra, que llevaron a grosos de la guitarra contemporáneos como Jimmy Page a manifestar su admiración por Lee. Las zapadas extendidas en temas como “50,000 Miles Beneath My Brain” y “Love Like a Man” son de lo mas destacado aunque también saludablemente abordaron por momentos otros ritmos como el country en “Year 3,000 Blues” y algunos rasgos de jazz en “Me and My Baby” pero sin tan buen resultado.

Personalmente encuadro a este trabajo como una continuación de lo que venían haciendo, que como principal merito contaron con la presencia de uno de los mejores guitarristas de blues y rock de la época que realmente daba gusto escuchar, pero no brindó demasiadas composiciones y temas redondos que vayan a quedar en la historia (a pesar que mas adelante intentarían con temas mas comerciales fallidamente), simplemente son un muy buen grupo de blues que lograron alcanzar su esplendor entre finales de los sesenta y principios de los setenta sin poder consolidarse a lo largo de los años.

F.V.

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Los Abuelos de la Nada

Los Abuelos de la Nada – Los Abuelos de la Nada (1982)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí: 8
  2. Sin Gamulán: 8.5
  3. Como Debo Andar: 7.5
  4. En la Cama o en el Suelo: 6
  5. Ir a Más: 6.5
  6. Tristeza de la Ciudad: 7
  7. Creo Que es un Sueño Más: 6
  8. Levantando Temperatura: 6.5
  9. Guindilla Ardiente: 5
  10. Te vas Rica: 6
  11. Se Me Olvidó Que Te Olvidé: 5.5

“Padre de los piojos, abuelos de la nada” decía una frase de Leopoldo Marechal en el libro “El Banquete de Severo Arcángel”, cuyas últimas palabras fueron el punto de partida de la historia de una de las bandas más importantes del Rock Nacional. Fundada en 1967 por Miguel Angel Peralta y Pipo Lernoud, Los Abuelos de la Nada dieron forma al proyecto de rock criollo que se venía gestando con Almendra, Los Gatos y Manal.

La historia de los Abuelos de la Nada tiene dos etapas. En la primera, que se inició hacia fines de los sesenta, Miguel Abuelo era el encargado de las voces, Héctor Lorenzo era el batero, Alberto Lara en bajo, Micky Lara en guitarra, Eduardo Fanacoa en teclados y el legendario Pappo hacía de las suyas con la viola. Lograron editar el simple que incluía a “Divina Diana” y “Tema en flu sobre el planeta”, pero sin conseguir sacar un disco. Luego vinieron las diferencias entre los integrantes y mientras Abuelo se fue a España, Pappo continuó con el grupo dándole un estilo más blusero, pero tiempo más tarde también dejaría la formación.

La segunda etapa del grupo comenzó con la vuelta de Miguel Abuelo y la incorporación en los teclados de Andrés Calamaro, un talentoso joven que infundió el pop y el New Wave ochentoso en la banda. En 1982, con la producción de Charly García, se lanzó el disco homónimo que abrió un exitoso camino en la carrera del grupo.

Este álbum debut tiene un estilo pop combinado con rock y reggae bastante innovador para la época. A la experiencia de Abuelo se le sumaba el gran talento que mostraba Calamaro en cada intervención, como en “Sin Gamulán”, uno de los grandes hits. “No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí” es el otro éxito del disco aunque también se destaca “Tristeza del Ciudad”.

El éxito del álbum llevó a los Abuelos a presentarlo por el interior del país y forjar a partir de entonces una serie de éxitos que durarían no más de cinco años, pero que sirvieron para posicionar al grupo como uno de los grandes del Rock Nacional.

Piro

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The Allman Brothers Band

The Allman Brothers Band – Idlewild South (1970)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Revival: 8
  2. Don’t Keep Me Wonderin’: 8,5
  3. Midnight Rider: 9
  4. In Memory Of Elizabeth Reed: 9,5
  5. Hoochie Coochie Man: 9
  6. Please Call Home: 8,5
  7. Leave My Blues At Home: 8,5

Idlewild South es el segundo disco de estudio de los Allman Brothers, él último en el legado del grupo con Duane Allman a la cabeza como guitarrista (sin considerar a su disco en vivo At Fillmore East).

Partiendo desde este hecho, Idlewild South es posiblemente el mejor álbum que se puede escuchar de esta primera etapa del grupo. Es un disco más sólido e interesante que su álbum debut por la incorporación de Gospel y Country en su música, sumado a su vez un excelente trabajo que cumplió la banda en conjunto. Duane es un fantástico guitarrista y lo sigue demostrando en Idlewild South, pero además las composiciones de su hermano Gregg y los aportes impresionantes de su otro guitarrista Dickey Betts son muy importantes.

De esta forma en Idlewild South podemos disfrutar de 7 temasos. Empezando por la primer canción de Dickey “Revival”, que muestra las influencias del Gospel en su estilo. Luego tenemos a “Don’t Keep Me Wonderin’” y “Midnight Rider” que son simplemente clásicos de rock sureño. Pero más apabullante es “In Memory Of Elizabeth Reed”, una improvisación instrumental impactante, armoniosa e impecable. La sucede la excelente versión “Hoochie Coochie Man”, cover del clásico de Willie Dixon. Por su parte “Please Call Home” es la balada del disco, muy buena con la incorporación del piano.

Lo único cuestionable es que el álbum es relativamente corto. Idlewild South dura alrededor de media hora. Una vez que termina “Leave My Blues At Home” te quedas con las ganas de escuchar más de ellos.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Charlatans

The Charlatans – Tellin’ Stories (1997)

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Puntaje del Disco: 9

  1. With No Shoes: 9
  2. North Country Boy: 9,5
  3. Tellin’ Stories: 8.5
  4. One To Another: 9
  5. You’re A Big Girl Now: 7,5
  6. How Can You Leave Us: 8
  7. Area 51: 8,5
  8. How High: 9,5
  9. Only Teethin’: 9
  10. Get On It: 9
  11. Title Fight: 8
  12. Two of Us: 7
  13. Rob’s Theme: 7,5

Para cuando se edito Tellin’ Stories en Abril de 1997 The Charlatans ya era una banda madura con 8 años de carrera y 4 discos editados, supieron acariciar el éxito de inmediato con hits recordados como «The Only One I Know», uno de los temas que definieron la escena Madchester, en su primer álbum y pasar por momentos de menos ventas y reconocimiento. Formados en 1989 de la inagotable cantera de Manchester y comparados desde un principio con sus coterráneos The Stone Roses y Happy Mondays supieron despegarse de esas similitudes y sobrevivir por mas de veinte años adaptándose a las modas sobrevivientes en las islas británicas como el britpop a mediados de los noventa con este disco y especialmente en The Charlatans (1995).

En Julio de 1996 el grupo sufrió la perdida de Rob Collins en un accidente, encargado del órgano y el piano, durante las grabaciones el disco, echo que calo hondo en la moral del grupo que continuo grabando con Duffy de Primal Scream y termino dedicándole el disco a Collins.

Repleto de temas de gran calidad como “With No Shoes”, “North Country Boy”, “One To Another” y “How High” el disco mereció sin dudas mas éxito y difusión del que tubo especialmente fuera de Gran Bretaña donde si son reconocidos, el de The Charlatans es un curioso caso de esos que no se entienden en el mundo de la música, como contemporáneos a ellos obtuvieron mayor éxito y fama alrededor del mundo y un grupo tan talentoso como este sea tan poco conocido fuera de su país a pesar de contar con un vocalista carismático como Tim Burgess que no solo se redujo a su participación con The Charlatans sino que participo en temas de The Chemicals Brothers en distintos trabajos y comenzó una carrera solista en 2003 con I Believe.

F.V.

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