Top Ten de Jane’s Addiction:
- Jane Says
- Three Days
- Stop!
- Just Because
- Had a Dad
- Pigs in Zen
- Ted, Just Admit It…
- Classic Girl
- True Nature
- Been Caught Stealing
F.V.
Top Ten de Jane’s Addiction:
F.V.
En nuestra tercera entrega de la Agenda del Rock Nacional de este fin de semana resaltamos para los fanáticos del buen Blues la celebración del Primer Festival de Verano de Blues que se lleva a cabo en «La Trastienda» desde el fin de semana pasado los días Sabados y esta oportunidad cuenta con la participación de un guitarrista de lujo el gran Miguel Botafogo un groso de lo mejor que se puede escuchar en este género en Argentina.
DOMINGO 6
Puntaje del Disco: 9
Pensar que a fines de los años sesenta un grupo de adolescentes que apenas habían pasado la pubertad se transformaría en una gran banda de rock junto a los colosos que por aquellos años ya se habían consagrado, es realmente algo para destacar y sobre todo admirar. Tan sólo basta con escuchar un par de temas de su primer disco, para darse cuenta el que desarrollaron estos muchachos. “Tons of Sobs” es un verdadero deleite para el rock y una extraordinaria avanzada en el Blues Británico.
Un año después de la formación de la banda, Free editó su prometedor disco debut. La producción estuvo a cargo de Guy Stevens, quien una década más tarde también se encargó del enorme “London Calling” de The Clash. El presupuesto fue casi miserable pero Stevens y la banda se las ingeniaron para crear un interesante material.
«Over The Green Hills» abre y a su vez cierra el disco con el cantante recitando la lírica casi sin música pero acompañado de sus compañeros en los coros. La mayoría de las composiciones fueron obra de Paul Rodgers, que no sólo dejaba sus notas en cada letra sino que además lograba con las mismas una pura expresión de Blues, como en “Walk in My Shadow”. “I am a Mover” es otra destacada composición de Rodgers que se lleva gran parte del espectáculo. “Moonshine” deleita con su sonido denso mientras que “Sweet Tooth” cambia el ritmo y acelera para volver a raíces más rockeras. Aunque sin dudas la versión de “The Hunter” es lo más destacable del disco.
“Tons of Sobs” no logró hacer pie en los charts británicos y tampoco tuvo una resonancia importante al otro lado del Atlántico; sin embargo fundó las bases para una banda que sería considerada como una de las grandes del Blues Rock Británico. La contra que tuvo la salida del disco fue quizás la salida del primer disco de Led Zeppelin en el mismo año que se llevó todos los flashes.
Piro
El Mato a un Policía Motorizado, un nombre nada común para una banda. Y ni hablar de los seudónimos de sus integrantes: Santiago Motorizado (bajo y voz), Doctora Muerte (batería), Pantro Puto (guitarra), Niño Elefante (guitarra) y Chatrán Chatrán (teclados). De todas formas, lo que más destaca a esta banda y la hacen menos corriente es el estilo que ellos desarrollan: Indie Rock que toma mucho de la vertiente del Rock Alternativo asemejada con el Noise Rock. ¿Cuántos grupos argentinos se adentraron en el Noise Rock? Mmm, deben ser pocos.
En el año 2004 llegaría su homónimo álbum debut, en el que se puede apreciar la gran influencia que bandas como Sonic Youth, The Velvet Underground y Pixies tuvieron sobre ellos. Si tenemos en cuenta este detalle, no resulta sorpresivo que el principal ingrediente del álbum sean las guitarras distorsionadas. Ahora bien, si me preguntan mi opinión sobre El Mato, lo primero que quiero decir es que son realmente buenos en el género. Vale la pena escuchar todas sus canciones, que en general tiene un buen nivel. Pero (siempre hay un pero) también son muy parecidas entre sí. Puede resultar dificil identificar o distinguir algún tema en especial sobre el resto. Esto puede deberse a su énfasis en imbuir sus guitarras estridentes en sus melodías. Por algo no hay hits, como si fueran una versión primaria de Sonic Youth.
Aún así hay dos temas que me llaman la atención y hacen la diferencia. “Rock Espacial” es uno de ellos, porque le encuentro cierta conexión con Flaming Lips. Tiene un comienzo a lo “She Don’t Use Jelly”. Y luego está “Prenderte Fuego”, que tiene la melodía más atractiva. Es la menos reiterativa y menos ruidosa del álbum.
El balance para el Mato es positivo. Es original en cierto punto ante la ausencia de grupos independientes que hagan Noise Rock en español. Y eso lo transforma en un exponente del género. Pero si solo tengo en cuenta este álbum, también pienso que pueden experimentar mucho más para seguir creciendo.
Persy
Puntaje del Disco: 7
Luego del mal paso que significo Who Do We Think We Are, Deep Purple sufriría cambios en su formación. Con la partida de Ian Gillan y Roger Glover, se incorporarían David Coverdale y Glenn Hughes como vocalista y bajista respectivamente. Esta daría el inició de Deep Purple Mark III, que se caracterizaría por encauzar al grupo en una de sus peores épocas. Tal vez esto se deba al crecimiento de la figura de Coverdale, quien es un excelente cantante (aunque prefiero a Gillan) pero encaminaría a la banda en un estilo más funk sin ser un gran compositor desde mi punto de vista.
Con su nueva formación editarían en 1974 el álbum Burn, un disco que muestra ciertas mejorías respecto de lo que fue Who Do We Think We Are, pero también refleja sus nuevas flaquezas. El problema con Burn es que resulta bastante irregular por la presencia de canciones que no son sólidas ni interesante como las mediocres “Lay Down, Stay Down” y “You Fool No One”, y como las genéricas “What’s Goin’ On Here” y “Might Just Take Your Life”.
De todos modos, el álbum también cuenta con un par de clásicos bastante elogiables. El más destacado entre ellos es el homónimo “Burn”, que abre el disco de gran forma haciéndonos pensar que el mal trago de su último disco quedaría en el olvido. El riff de Blackmore es espectacular, muy agresivo y veloz, compitiendo sin problemas como uno de los mejores en la carrera de Purple. “Mistreated” es el segundo tema dentro del podio. Es un hard blues bastante bien llevado con otro gran riff de Ritchie, similar al estilo de “Since I’ve Been Loving You” de Zeppelin, aunque esta vez no tan atrapante y excedido en minutos. Y por último se puede remarcar a “»A» 200”, un instrumental que parece de ciencia ficción, por el tambor constante de Paice, los efectos que agrega con sintetizador Jon Lord y el solo de Blackmore. Por su parte, “Sail Away” tiene un buen riff pero no esta a la altura de las circunstancias.
A pesar de sus altibajos, Burn fue marcado por algunos críticos como uno de los mejores discos de Deep Purple post Machine Head. Pero a mi modo de ver, es un álbum sobrevalorado que nos indica que la mejor étapa de Deep Purple ya había terminado.
Persy
Puntaje del Disco: 7
Catupecu Machu?…Qué diablos es eso, unas ruinas antiguas, una nueva especie de dinosaurio?. Cuando a principios del nuevo milenio la banda liderada por Fernando Ruiz Díaz comenzó a hacerse más conocida a nivel masivo, fueron muchos los neófitos musicales o incluso entendidos del tema que se preguntaban la procedencia de tan extraño nombre para una banda de rock. La respuesta la tenía el mismo Fernando, quien lo había inventado refiriéndose a un animal imaginario. Con la humildad de un adolescente lleno de curiosidad y energía, quizás nunca hubiese concebido que ese animal llegaría a existir y a hacer furor entre miles de jóvenes argentinos.
Entre Mayo y Agosto de 1997 el propio Gabriel Ruiz Díaz, hermano y bajista de Fernando, se encargó de grabar y mezclar lo que sería el primer trabajo de Catupecu, “Dale!”. Abril Sossa en batería completaba el trío fijo de la banda que por aquel entonces se dio a conocer con este interesante material.
Dominado el Rock Nacional de mediados de los años noventa por grupos de corte rollinga tales como los Ratones Paranóicos y Viejas Locas, y por otros de estilo latino y Ska, “Dale!” apareció en un momento preciso para irrumpir con un Rock más recalcitrante. Lo primero que llama la atención en Catupecu es la energía y el ímpetu que Fernando Ruiz Díaz le pone a las letras, al punto de quedarse afónico. El exasperante pedido por el ascensor en “Elevador” es una muestra de esto.
Más allá de la característica voz del cantante, Catupecu Machu es una banda que tomó diversos estilos musicales y logró combinarlos muy bien demostrando una gran dinámica. El metal queda plasmado en el arranque del disco con “Todo Pasa, todo queda”, mientras que un estilo más grunge se aprecia en “Le di Sol”. Por su parte “Dale!” (uno de los temas de difusión), con guitarras distorsionadas adopta una onda alternativa, siendo éste uno de los géneros que mejor se adapta a la banda. “Polca”, el otro tema dado a conocer en las radios, como su nombre lo indica, se remite a ese estilo oriundo de Europa en el siglo XIX.
Es apreciable la buena adaptación de estilos que hace Catupecu a lo largo de su disco debut, sin embargo, un punto flojo e innecesario fue la adaptación del clásico de los Beatles “Come Together”. En una valoración totalmente personal ese magnífico tema podría resistir una versión sólo con tinte blusero. De todos modos, “Dale!” es un buen disco que obtuvo una considerable aceptación entre los más diversas tribus urbanas de Buenos Aires.
Piro
Puntaje del Disco: 9
Fiona Apple pudo haber sido parte del grupo de artistas femeninas que dominaron los charts de pop a finales de los noventa pero su estilo ambicioso y refinado la diferencio desde un comienzo y se iría acentuando en su siguiente material When the Pawn (1999) la diferencia de sofisticación entre su segundo trabajo y Tidal es prometedor.
El titulo del álbum no es simplemente When the Pawn, es un poema de noventa palabras escrito por Fiona, el titulo completo es: When the pawn hits the conflicts he thinks like a king, What he knows throws the blows when he goes to the fight, And he’ll win the whole thing ‘fore he enters the ring, There’s no body to batter when your mind is your might, So when you go solo, you hold your own hand, And remember that depth is the greatest of heights, And if you know where you stand, then you know where to land, And if you fall it won’t matter, cause you’ll know that you’re right. Se dice que Apple lo escribió luego de leer las cartas de los lectores de Spin Magazine, tras un artículo que la encasilló de forma negativa, en una edición anterior.
El disco fue gestado durante la relación que mantenía con el director cinematográfico Paul Thomas Andersen (director de Magnolia y Boogie Nights entre otras) que lógicamente dirigió todos los videos que se lanzaron en rotación. En When the Pawn fiona no rompería del todo con sus composiciones jazz pop de Tidal pero su música maduraría de forma notaria refinando su sonido y expandiéndose a nuevos horizontes, hay experimentaciones de sonidos nuevos, más instrumentos, un sonido mas oscuro y más estribillos. Además, la magistral voz de Apple, suena más alegre y seria. Su talento para componer se ve apuntalado por la buena dupla que forma con su productor Jon Brion, con el que trabaja de forma ideal para llevar a cabo sus canciones tan personales. El disco abre de la mejor forma con la elegante «On the Bound» y poco tiempo después una especie de cruza entre jazz y sonidos funk rock arremeten en “Limp”, “Paper Bag” es tiene una melodía mas accesible pero no deja de ser un gran tema, “Fast as You Can” es el titulo perfecto para la locura de esa canción una fusión de jazz y rock acelerada.
Los anteriormente mencionadas son solo unas muestras de lo que se pueden encontrar en When the Pawn un disco sorprendente para una artista con tan solo veintidós años de edad, que escribe sus propios temas, toca el piano magistralmente y para fortuna de nuestros oído, los canta.
F.V.