R.E.M. – Automatic for the People (1992)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Drive: 9
  2. Try Not to Breathe: 9
  3. The Sidewinder Sleeps Tonite: 9
  4. Everybody Hurts: 10
  5. New Orleans Instrumental No1: 7,5
  6. Sweetness Fallows: 8
  7. Monty Got a Raw Deal: 8
  8. Ignoreland: 7,5
  9. Star Me Kitten: 8
  10. Man On The Moon: 10
  11. Nightswimming: 9,5
  12. Find The River: 8,5

Es el principio de los 90, el grunge era el fenómeno de masas que imperaba en escena mundial, grupos como Nirvana  y Pearl Jam gozaban de un éxito arrollador, con temáticas de sus canciones basadas en el nihilismo y el dolor  de una generación de jóvenes que se  sentían totalmente  desarraigada de su realidad y entorno, no  solo en los Estados Unidos sino en gran parte del mundo. En este contexto, R.E.M. uno de los grupos  de  Rock Alternativo más regulares de los 80, eran objeto de admiración por los lideres de este nuevo movimiento imperante, especialmente de Nirvana. Que veían en ellos un ejemplo de integridad más allá de tener éxito comercial  o no. Es por eso  que con el lanzamiento del single “Losing my Religion” del  álbum Out Of Time de 1991, la banda liderada por Michael Stipe saltó a la fama, cosechando múltiples premios por dicha canción y  video promocional, convirtiendo  a R.E.M. en uno de los grupos más conocidos y requeridos por la industria y los fans. Lo que al igual que sus compañeros  de Seattle los estaba  atosigando por las exigencias de ser ricos y famosos. Con la situación ya dada, tienes dos opciones: seguir lo que te demandan tus jefes; o hacer lo que realmente sientes. En este caso fue la segunda.

El disco comienza con toda una declaración de intenciones, como es “Drive” a base de un sonido lento y sombrío al ritmo del arpegio repetitivo e hipnótico de la guitarra acústica  de Peter Buck, la canción  deambulo por la confusión (por su letra) y oscuridad. Gran comienzo. Luego vendrán dos canciones con sonidos un poco más optimistas, uno es  “Try Not To Breath” que recuerda más a los R.E.M. del disco anterior, solo en el sonido porque la letra trata sobre un tipo que está a punto de suicidarse con frases como: “Voy a tratar de no respirar. Esta decisión es mía. Viví una vida entera. Y estos son los ojos que quiero que recuerdes”. El optimismo fue una errónea impresión de la canción. La siguiente es la pegajosa “The Sidewinter Sleeps Tonite” que vendría a ser el único sol en este día nublado. “Everybody Hurts” puede ser probablemente una de las mejores creaciones de R.E.M de su carrera, desde su simple pero a la vez perfecta letra, que nos habla de superar los momentos difíciles de la vida y del daño que recibimos y realizamos a otros. Cualquier persona se puede identificar con esto, y con un estribillo tan bueno que piensas que ya lo has oído antes. Excepcional.

El álbum mantiene el tono sombrío a lo largo de toda la placa, exceptuando únicamente la canción “Ignoreland” que es la única que siento que no encaja en el concepto general del disco. Para el final queda un trió  de temas que se convirtieron en clásicos de la banda, como “Man On The Moon”, inspirada en el comediante Andy Kaufman, con una hermosa melodía que recuerda a Elvis Presley, con arropan tés y lindas guitarras que hacen el tema uno de los mejores de la placa. Luego viene “Nightswimming”  un canción basada en un simple melodía de piano con bellos arreglos de cuerdas, que relata un viaje a la infancia y raíces del grupo.  Para finalizar otra bella y nostálgica  canción llamada “Find The River”.

Automatic For The People  es la cúspide en la carrera de R.E.M. Es la mayor colección de clásicos de la banda, mostrando una banda madura que no necesitaban adaptarse a la moda actual, sino que recorrían su propio camino. Algunos pueden tildar que es monótono, que solo toca el tema de la tristeza. Eso no es verdad. También habla de desolación, dolor, depresión, sufrimiento  y cosas peores.

Diego

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Paul McCartney – McCartney (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Lovely Linda:
  2. That Would Be Something: 8
  3. Valentine Day: 7
  4. Every Night: 8,5
  5. Hot As Sun/Glasses: 8
  6. Junk: 9
  7. Man We Was Lonely: 7,5
  8. Oo You: 8
  9. Momma Miss America: 8
  10. Teddy Boy: 8,5
  11. Singalong Junk: 8,5
  12. Maybe I’m Amazed: 9,5
  13. Kreen-Akrore: 7

Después de anunciar la separación de The Beatles, Paul McCartney publicó una semana despues su primer álbum solista, titulado simplemente “McCartney”.

Es un álbum hecho enteramente por Paul, desde la producción, voces y ejecución de cada instrumento presente en la grabación, acompañado por Linda en algunas canciones.

No es demasiado variado en cuanto a su sonido, pero la canción que resalta por sonar diferente a las otras es “Maybe I’m Amazed” una balada con el sello de McCartney, siendo este su primer hit, no fue lanzado como single en su tiempo pero es una de las canciones mas conocidas de su discografía.

Cuando digo que no es tan variado en cuanto a su sonido me refiero a que la mayoría de las canciones son acústicas, bastante simples y de corta duración, y la canción acustica que se destaca es “Junk” que había escrito previamente en 1968, en época del “Album Blanco”, pero no fue incluida en el mismo. Terminó en este disco, y es una versión bastante buena, con un sonido intimista y bastante agradable.

Otras canciones buenas son “Teddy Boy” y “Every Night”, la primera grabada durante las sesiones de “Let It Be”, pero finalmente descartada y regrabada para este disco y la otra es un agradable numero acustico, que resulta bastante pegadizo. También contamos con la versión instrumental de “Junk” titulada “Singalong Junk”, que dura más que la versión original y tiene algunos instrumentos más, podría parecer innecesario tener el mismo tema dos veces en el mismo álbum, pero es una versión bastante buena.

Contamos también con la corta “The Lovely Linda” y la instrumental “Kreen-Akrore”, canciones que, a decir verdad, no habrían afectado la calidad del álbum si no hubieran sido incluidas, bastante innecesarias sin ir más lejos.

Para terminar, resulta un trabajo agradable a los oídos este debut de Paul McCartney en solitario, pero habría cosas mucho más importantes al año siguiente, que resultó muy importante con el lanzamiento de su primer gran disco, Ram y la formación de Wings.

Tommy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3.7)

Juana Molina – Son (2006)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Río Seco: 8,5
  2. Yo No: 8
  3. La Verdad: 8
  4. Un Beso Llega: 8
  5. No Seas Antipática: 7,5
  6. Micael: 9
  7. Son: 8,5
  8. Las Culpas: 7,5
  9. Malherido: 8
  10. Desordenado: 8
  11. Elena: 8,5
  12. Hay Que Ver Si Voy: 8,5

Ya siendo una estrella dentro de la escena global alternativa, que elogió de sobremanera sus anteriores trabajos, la argentina Juana Molina edita su cuarto disco solista en 2006: Son. En la portada se puede ver una foto de ella convertida en una muñeca con un efecto de mitad fotografía y texturas acompañada en fondo con dos nenas a caballo sobre telas y texturas. Figuran dos niñas en la portada ya que el álbum fue integramente dedicado a su hermana Inés Molinda.
En Son seguimos encontrando una Juana introspectiva y experimental pero con un sonido más maduro y un retorno al formato de canción melódica folk y pop. Sonando por momentos convencional y directa, aunque también nos encontramos con pasajes atmosféricos y electrónicos. Es un disco donde encontramos varias caras de lo que Molina nos puede ofrecer.

Sobre como intentan etiquetar y describir su música Juana declaraba lo siguiente en una entrevista en su país natal: “Es gratificante el reconocimiento, pero no entiendo mucho lo que quieren decir con blop, blitch… Al principio buscaba en el diccionario, después elegí entender la idea general de la crítica y a veces ni las leo. Sí es verdad que las francesas son mejores críticas, quizás porque ellos tienen una educación en literatura mucho más amplia y por eso describen mejor y no necesitan comparar. Porque la comparación aleja y al que lo acerca lo puede decepcionar. No se puede comparar la música con la de otras personas, a menos que estés en un estilo definido: folclore con guitarras y bombo.” Y agregaba: “Cuando recién empecé era muy notable que no sabían dónde ponerme. En las disquerías estaba en rock, en avant-garde, en electrónica, en folk, en montones de rubros porque todos reconocían algo de varias otras cosas.”

El cantar en español no fue una barrera para que Juana pudiera ser reconocida en tantos lugares del mundo y curiosamente su música fue más valorada en paises europeos que en latinoamérica. Sobre esto diría: “No puedo cantar en inglés. Perdería autenticidad en el acto mismo de hacerlo. Tengo una canción en inglés, pero es un chiste porque la letra está llena de errores gramaticales. Vivía en Estados Unidos cuando la hice, entonces tiene un sentido. Podía cantarla allá pero me imagino cantando en inglés y de golpe tengo que tocar en Buenos Aires, ¿de qué me disfrazo? ¡No puedo! quizás tengo que sacarme ese prejuicio.”

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Mother Love Bone – Apple (1990)

Mother Love Bone - Apple (1990)

Puntaje del Disco: 9

  1. This Is Shangrila: 8
  2. Stardog Champion: 9,5
  3. Holy Roller: 9
  4. Bone China: 8
  5. Come Bite the Apple: 8,5
  6. Stargazer: 9
  7. Heartshine: 8
  8. Captain Hi-Top: 8
  9. Man of Golden Words: 8,5
  10. Capricorn Sister: 9
  11. Gentle Groove: 8,5
  12. Mr. Danny Boy: 7,5
  13. Crown of Thorns: 9

Antes de Pearl Jam existió Mother Love Bone. Los futuros miembros fundacionales de Pearl Jam el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament fundaron a finales de los ochenta un grupo que prometía mucho pero tragicamente duraría poco por la temprana muerte de su carismático y extravagante cantante Andrew Wood.

En un punto medio entre el glam de los ochenta y la explosión alternativa de los noventa Mother Love Bone tenía de todo para triunfar. Cosas de glam, grunge, hard rock y heavy metal se pueden escuchar en su primer y único LP, Apple (1990), un sólido debut con intensos y melódicos temas pesados como “Stardog Champion”, “Capricorn Sister” y “Holy Roller”, que junto a las baladas “Man of Golden Words” y “Crown of Thorns” forman parte de los momentos más inspirados de la novata banda de Seattle.

Parrafo aparte merece Andy Wood. Un frontman completamente distinto al prototipo de las bandas grunge. Su apariencia y voz se asemajaban más a otro tipo de líderes de banda como Freddie Mercury y Marc Bolan. Andy estaba predestinado a ser una estrella del rock, lo fue por poco tiempo pero sus adicciones a la heroína pudieron más. El 16 de Marzo de 1990 fue encontrado inconciente en su cama y a pesar de los esfuerzos de recomponerlo fue declarado muerto tres días después. Curiosamente no pudo ver las repercusiones del disco debut de su banda que se editaría unos meses después.

Mother Love Bone tenía gran potencial y tristemente nunca sabremos lo que hubiera ocurrido con ellos. El resto es historia Gossard y Ament formaron parte de una de las bandas más importantes de los noventa y una de las más importantes de la actualidad como Pearl Jam.

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The Allman Brothers Band – Win, Lose or Draw (1975)

The Allman Brothers Band - Win, Lose or Draw (1975)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Can’t Lose What You Never Had: 6
  2. Just Another Love Song: 6
  3. Nevertheless: 5
  4. Win, Lose or Draw: 6,5
  5. Louisiana Lou and Three Card Monty John: 5
  6. High Falls: 5,5
  7. Sweet Mama: 5,5

Tras el lanzamiento de Brothers and Sisters que tuvo bastante éxito, la banda se iría de gira y luego Gregg Allman lanzaría su disco como solista al igual que el guitarrista Dickey Betts. Esto generaría ciertas especulaciones sobre el futuro del grupo, hasta que finalmente aparecería el quinto disco de estudio de los Allman Brothers, Win, Lose or Draw, un trabajo tan angustiosamente genérico y vacío que traería numerosas críticas negativas.

El contenido de Win, Lose or Draw es pobre. Los Allman no ofrecen nada rescatable ni relevante para que pueda quedar en el recuerdo del oyente. Es el típico álbum de una banda que hace blues rock (y en este caso también rock sureño) corriente sin mucha inspiración. Aún así no esperen escuchar temas que suenen mal. La ejecución instrumental es decente, pero el nivel compositivo es escueto en comparación que lo que venían produciendo.

No hay mucho para destacar. El cover de Muddy Waters “Can’t Lose What You Never Had” es decente por los solos de Betts. Dickey también intenta remarla en “High Falls”, sin embargo, termina siendo uno de los Jams instrumentales más intrascendentes que escuché de ellos. Por último está la balada “Win, Lose or Draw” que titula al disco, que no suena nada mal, aunque lejos está de alcanzar lo mejor del repertorio de este grupo. Y lo que queda de este trabajo es un reflejo del pálido material que ofrecieron en esta oportunidad.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Marillion – Clutching at Straws (1987)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hotel Hobbies: 8
  2. Warm Wet Circles: 9
  3. That Time of the Night (The Short Straw): 9
  4. Going Under: 8
  5. Just for the Record: 8.5
  6. White Russian: 8
  7. Incommunicado: 9
  8. Torch Song: 8
  9. Slàinte Mhath: 8.5
  10. Sugar Mice: 8
  11. The Last Straw: 8
  12. Happy Ending: 8

Clutching at Straws, el cuarto disco de Marillion continuó con los lineamientos de su material anterior, Misplaced Childhood, que tanto éxito y reconocimiento le había dado al grupo.

En esta oportunidad el tema del disco ronda en la vida de Torch, un joven con una vida bastante desordenada que no logra hacer pie ni en lo laboral ni en el plano familiar, ahogando sus penas en el alcohol.

“Warm Wet Circles» y «That Time of the Night (The Short Straw) arranca de la mejor forma con este magnífico disco que mantiene una solidez de entrada hasta el fin. Con buenos arreglos, letras profundas y delicados toques de la mejor versión del grupo, hacen de éste uno de los materiales más recomendables de Marillion.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)