Archivo por años: 2014

Faith No More

Faith No More – Angel Dust (1992)

6 comentarios

Faith No More - Angel Dust (1992)

Puntaje del Disco: 9

  1. Land of Sunshine: 9
  2. Caffeine: 8,5
  3. Midlife Crisis: 10
  4. RV: 8
  5. Smaller and Smaller: 8
  6. Everything is Ruined: 9
  7. Malpractice: 7
  8. Kindergarten: 9
  9. Be Aggresive: 9
  10. A Small Victory: 8,5
  11. Crack Hitler: 7,5
  12. Jizzlober: 8,5
  13. Midnight Cowboy: 9,5

El heavy metal desde los años 70 ha tenido unas composiciones magnificas con temas que hablan de la muerte, dolor, libertad entre otras cosas. Hasta que llegó Faith No More, que si bien, se han hecho una forrada bien buena con The Real Thing en el ’89 y además con el single «Epic» se han vuelto lo más original en el género, no se compara a cuando sacó Angel Dust en 1992.

Es muy fácil detectar el concepto de este álbum. Como en ninguna canción podemos llegar a encontrar el mensaje que producen las letras de Mike Patton, lo definimos en una sola palabra: BIZARRO. Angel Dust es uno de los discos más bizarros que se puedan encontrar en la música noventera. Un aspecto importantísimo, es que Angel Dust, con canciones como “Midlife Crisis” o “Caffeine”, definieron un estilo que aún está de moda actualmente, y es el nü metal.

La composición es tan terrorífica, depresiva, brutal o hasta graciosa que termina dando un efecto extraño al espectador mientras lo escucha, que solo un genio como Patton podría componer. Cualquier cosa extraña se dice durante todo del disco como por ejemplo: un tipo que habla sobre cualquier cosa en “RV”, el sexo oral gay en “Be Agressive” (canción compuesta por Bottum para humillar a Patton; vaya que es la más cómica y parte del pastel del álbum), la grosería de “Malpractice”, que trata acerca de una chica masturbándose que es descubierta por los padres (difícil de entender), las maléficas risas de Patton en “Land of Sunshine”, etc…

¿Hacia dónde vamos con el concepto del disco? No sé, a un mundo extraño y loco. Hay demasiados detalles en un disco tan loco y extraño como este, y la verdad es que es tan difícil analizarlo, que no sabemos hacia a donde llegar. Incluso la trasera del disco (no la portada) es enfermiza y brutal, dando indicios de lo que nos podemos imaginar que es un experimento tan original cuando llegamos a brutales pistas como “Caffeine” o la ruidosa “Malpractice”.

Dejemos de hablar de las letras un poco y concentrémonos en la música. Los teclados de Bottum son fenomenales desde el primer tema, pero lo más característico sin dudarlo es la voz de Mike Patton, uno de los mejores vocalistas que hay no solo en el metal sino también de toda la industria musical. Es tan bizarra que hasta da miedo y rencor. Los growls, el rapeo, etc… que tiene son de lo más original que se pueda encontrar, un don sin dudarlo, que vocalistas como Serj Tankian (System of A Down) han copiado (ladrón).
Po otro lado encasillar a Angel Dust en un solo género es difícil, van desde el metal alternativo con influencias funk, soul, entre otras que han cambiado la estructura del metal de los 90s.

Hay muchos artistas que han surgido a través de este excelente álbum como Slipknot, Linkin Park, Korn entre otros, y es lamentable que haya sucedido esto. Pero no le podemos echar la culpa a este álbum, porque esta banda no quiso forrarse en billetes al hacer un The Real Thing 2 y decidió hacer una propuesta muy original como lo es Angel Dust. Por lo tanto muchos músicos han querido copiar el estilo de este con los suyos.

No hay nada más que agregar, este álbum merece una escucha para aquel que quiera descubrir algo nuevo en el mundo del metal. Muy recomendable.

PD: Ah, y gracias Daniel Espinoza al recomendarme este grandioso álbum. Aquí tienes tu reseña.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Plastilina Mosh

Plastilina Mosh – Hola Chicuelos (2003)

Deja un comentario

plastilina-mosh-hola-chicuelos-2003-4729582

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Cosmic Lelos: 7
  2. Peligroso Pop: 8
  3. Naranjada: 8
  4. Decatlón: 6,5
  5. Pekin Jazz: 7,5
  6. Garret Club: 7
  7. Magic Fever: 7
  8. Houston: 6,5
  9. Grooveman: 7,5
  10. Celeste: 7,5
  11. Aló: 8,5
  12. Te Lo Juro Por Madonna: 7,5
  13. Keepin’ Strong: 8
  14. Pinche Stereo Band: 7
  15. Shake Your Pubis: 7,5
  16. Enzo: 8
  17. Oxidados: 9
  18. Outro: –

El tercer trabajo del dúo de Monterrey Plastilina Mosh, Hola Chicuelos (2003), mantiene las inquietudes y la diversidad de sonido que caracterizan a estos mexicanos, pero tendría una caracteristica distintiva, estaría inspirado según ellos mismos declararon en el universo temático del movimiento gay.

Al ser consultados sobre el tema Jonaz se expreso con una broma: “A los homosexuales, que les vaya bien, y a los del lesbianismo, que inviten. No, está chido. Yo creo que es normal ser bisexual, porque no llenas con un solo sexo. Si hay lesbianas por ahí, inviten.”
Inclusive el título se desprende de cómo el amigo homosexual de Jonaz llamado Sergio, que participó cantando un tema con su estilo afeminado, solía llamarlos: «Cuando nos cantó ese tema en colaboración, nos empezó a llamar chicuelos y fue de ahí que nació la idea de llevar ese título.”

Mas allá de esto es destacable como Plastilina Mosh no se deja llevar por modas y hacen lo que se les antoja, siempre fiel a su estilo. El propio Jonaz lo dejaría claro en declaraciones de la época: «Nosotros no vamos con la moda, sino que hacemos lo que nos gusta. Si ahora todos incluyen bateristas en sus grupos, nosotros siempre seguiremos siendo los mismos como nos conocieron en Aquamosh.”

Según el dúo estamos ante un álbum más acústico que los anteriores, aunque sus temas entre electrónicos y roqueros pegadizos siguen siendo su fuerte.  De las 18 canciones seleccionada encontramos algunas para resaltar como “Peligroso Pop”, “Naranjada”, “Aló”, “Te Lo Juro Por Madonna”, “Keepin’ Strong”, “Enzo” y “Oxidados”.

Con este trabajo el dúo formado por Alejandro Rosso y Jonaz buscaría recuperar el terreno internacional perdido luego de un no tan exitoso segundo trabajo aunque terminaría otra vez no teniendo demasiado trascendencia. A pesar de esto según sus propias palabras no es algo que los desvele demasiado: No somos un grupo que intente darle seguimiento a la primera o a la segunda producción exitosa o que se obsesionen por superar el éxito comercial de ambos discos, más bien lo que intentamos es hacer producciones diferentes que nos gusten y nos dejen satisfechos.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Yes

Yes – Drama (1980)

Deja un comentario

MI0003562685

Puntaje del Disco: 7.5

  1. Machine Messiah: 8
  2. White Car: 7
  3. Does It Really Happen?: 8
  4. Into The Lens: 7
  5. Run Through the Light: 7
  6. Tempus Fugit: 7.5

En 1980 el dúo pop The Buggles conformado por Geoffrey Downes y Trevor Horn se encontraba acariciando el éxito con el mundialmente conocido tema “Video Killed The Radio Star” y en tanto, habían contratado a Brian Lane, manager de Yes durante largo tiempo. Como las adyacencias del estudio donde el grupo estaba grabando lindaba con las del grupo británico, pronto los músicos fueron invitados a unirse a las sesiones de Yes; y los lugares que Jon Anderson y Rick Wakeman habían dejado, fueron rápidamente cubiertos por Downes y Horn.

Con la participación de los nuevos miembros, en agosto de 1980 Yes lanzó el disco Drama, que se diferenció de los álbumes anteriores por su estilo más duro, como se puede apreciar en la extensa “Machine Messiah”. “White Car”, casi a modo de interludio, da lugar a “Does It Really Happen?”, una de las mejores piezas y que rememora mucho al estilo de The Police. “Into the Lens” tuvo la particularidad de haber sido incluida también en el disco de The Buggles I Am a Camera de 1981, con algunas diferencias en las letras.

«Run Through the Light», originalmente concebida como  «Dancing Through the Light» había sido comenzada en 1979 cuando Anderson y Wakeman estaban en la banda y tras la incorporación de Downes y Horn, se terminó de darle forma al tema. Por último, “Tempus Fugit”, con buenos arreglos de teclado y guitarra, concluye esta modesta producción de Yes, que alcanzó el segundo lugar en los rankings de Estados Unidos y que trajo consigo, la fusión con The Buggles.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
PJ Harvey

PJ Harvey – To Bring You My Love (1995)

Deja un comentario

PJ Harvey - To Bring You My Love (1995)

Puntaje del Disco: 9

  1. To Bring You My Love: 9
  2. Meet Ze Monsta: 9
  3. Working for the Man: 8
  4. C’mon Billy: 9,5
  5. Teclo: 8,5
  6. Long Snake Moan: 9
  7. Down by the Water: 8,5
  8. I Think I’m a Mother: 8
  9. Send His Love to Me: 9
  10. The Dancer: 8,5

Es dificil pensar que luego de dos discos iniciales sobervios y unánimemente reconocidos un artista busque variar la formula del éxito demasiado y buscar nuevos caminos. Pero PJ Harvey no es alguién que le guste demasiado la normalidad y así fue como para su tercer trabajo cambiaría a sus musicos de apoyo y se incorporarían John Parrish en guitarra, Mick Harvey en bajo y en especial Flood como productor (quien había hecho cosas con Nine Inch Nails, Depeche Mode y Nick Cave, entre otros).

El cambio de nombres le posibilitó expander su música, a la fórmula de guitarras punk, ritmos secos y letras cargadas de ironía se le fue agregando y ganando cada vez más lugar el blues, el folk y sonidos más modernos como el trip hop, y sin dudas la relación amorosa con Nick Cave influyó también en agregarle algo de teatral al característico histroinismo de Polly Jean y a su crecimiento como compositora.

Para muchos su gran obra maestra To Bring You My Love (1995), es sin dudas más accesible que sus antecesores, consigue un impecable balance entre el blues y el punk, es también más rico en melodías y letras y su gran producción logra que tenga un ambiente dramático único. Estos y otros motivos más podrían usarse para ponderar uno de los discos fundamentales de aquel año y en toda la carrera de PJ Harvey.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Explosions in the Sky

Explosions in the Sky – The Earth is not a Cold Dead Place (2003)

Deja un comentario

Explosions in the Sky – The Earth is not a Cold Dead Place (2003)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. First Breath After Coma: 9
  2. The Only Moment We Were Alone: 8,5
  3. Six Days at the Bottom of the Ocean: 8,5
  4. Memorial: 7,5
  5. You Hand in Mine: 9

Entre las bandas post-rock más reconocidas de la década de los 00s se encuentran Explosions in the Sky; un cuarteto originario de Austin, Texas. Con un característico triple ataque de guitarras eléctricas encargadas de crear un ambiente reflexivo o meditativo y una batería para dar potencia cuando es necesario; esta banda se destaca por sus intensos y emotivos instrumentales.

The Earth is not a Cold Dead Place es el trabajo más reconocido de esta alineación, lanzado en 2003 es el tercer trabajo que presentaron y obtuvo un buen reconocimiento por parte de las publicaciones musicales. Siendo una mejora respecto a sus trabajos anteriores al lograr una mayor cohesión entre los temas, así como una mejora en los arreglos.

El disco consiste en cinco temas que superan cada uno los ocho minutos de duración, pegándole el disco a los cuarenta y cinco minutos. La fórmula del disco consiste en canciones con cambios estructurales que fluctúan entre secciones reverberantes y delicadas que en muchas ocasiones terminan explotando en potentes crescendos adrenalínicos.

Entre los temas se encuentran algunos que fácilmente están entre lo mejor del repertorio de la banda “First Breath After Coma” y “Your Hand in Mine” sobresalen, mientras que “The Only Moment We Were Alone” no se queda atrás. Si bien estas canciones impactan por si solas, el disco se disfruta más escuchándolo como un conjunto.
La producción limpia, el timing para hacer los cambios de ritmo instrumentales, las texturas atmosféricas que evocan sentimientos reflexivos, melancólicos y de aprecio…The Earth is not a Cold Dead Place es un disco que a pesar de carecer con letra alguna atrapa con sus melodías bien elaboradas y emocionantes, este sin duda es un trabajo de los más recomendables dentro del post-rock instrumental de los últimos quince años.

Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
El Festival de los Viajes

El Festival de los Viajes – Disparen! (2009)

Deja un comentario

el-festival-de-los-viajes-disparen-4185390

Puntaje del Disco: 8,5

  1. El Triunfo: –
  2. La Huída: 8,5
  3. El Tambero Cruel: 7
  4. El Andante: 8
  5. El Blues de San Martín: 8,5
  6. La Baguala del Viejo Tuerto: 8,5
  7. Los Susurros y el Grito: 8
  8. El Destino: 9
  9. Antípodas: 8,5
  10. El Solar: 8

Cada vez que escucho El Festival de los Viajes no me canso de decir que son un grupo relamnete muy original, de lo más original que se concibió a nivel nacional en los últimos años. Lamentablemente, si bien son auténticos diferenciándose del resto, no tienen un estilo muy popular por así decirlo, o que les permita tener más llegada. Un poco de eso se puede ver en este que fue su segundo álbum: Disparen!.

Como en todos los trabajos que editaron hasta ahora tienen un aire western que es lo que los hace diferentes. Desde “El Triunfo” y “La Huida” con su arranque galopante te ponen en sintonía con la onda de la banda. Sin embargo al principio cuesta engancharse un poco con lo que hace este muy buen grupo. Puede requerir un par de oídas adicionales para encontrarle el gusto.

Además diversifican con el correr de los cortes. En “El Andante” hacen florear un riff de guitarra más alternativo y el sintetizador suena a puro purísimo Krautrock. También está “El Blues de San Martín” que suena más espacial. Mención aparte merece su letra donde meten líneas de la canción de Sarmiento (jajajaja).

Pero lo mejor está en la segunda parte con “La Baguala del Viejo Tuerto”, “Los Susurros y el Grito”, “El Destino” y “Antípodas”, también espaciales pero más tenues, lentas e incluso atmosféricas.
Señor oyente, no va a encontrar muchas bandas como esta. Si usted quiere adentrarse en esta aventura pase por AQUÍ y escúchelos gratis.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Black Mountain

Black Mountain – Wilderness Heart (2010)

Deja un comentario

Black Mountain - Wilderness Heart (2010)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Hair Song: 9
  2. Old Fangs: 8
  3. Radiant Hearts: 8
  4. Rollercoaster: 8
  5. Let Spirits Ride: 8
  6. Buried By The Blues: 9
  7. The Way To Gone: 8
  8. Wilderness Heart: 7,5
  9. The Space Of Your Mind: 7,5
  10. Sadie: 8

Si un problema siempre tuvo Black Mountain es que sus influencias son tan notorias que les cuesta despegarse de ellas para lograr una identidad propia. En su tercer álbum Wilderness Heart, esta tendencia sigue, aunque en algunos pasajes logran un poquito ser ellos mismos. ¿O tal vez es que me acostumbré a escucharlos? ¿O será la combinación vocal entre Stephen McBean y Amber Webber que les da un toque de personalidad?

No importa mucho ya a esta altura. Si ya venimos escuchando Black Mountain sabemos lo que nos vamos a encontrar en ese sentido. Pero no lo digo como un defecto, porque en base a sus influencias hacen discos realmente entretenidos y que nunca aburren como también lo es este.

Dentro de la solidez de Wilderness Heart, hay dos canciones que resaltan sobre el resto. Primero tenemos a “The Hair Song”, una mezcla muy bien lograda entre Led Zeppelin y Lynyrd Skynyrd, con una melodía pop que realmente engancha. Es un hit instantáneo. Y luego está “Buried By The Blues”, también de muy buena melodía, y  como señalaba antes, donde empiezan a sonar como ellos mismos.

En el resto de los temas desparraman riffs implacables, bien marcados y contundentes, evocando a bandas como Deep Purple y Black Sabbath en sus niveles más literales y volátiles, tal es el caso de “Old Fangs”, “Rollercoaster”, “Let Spirits Ride” y la homónima “Wilderness Heart”. Y los combinan con cortes acústicos más lentos como la melancólica “Radiant Hearts”, la folky “The Way To Gone” y la balada “The Space of Your Mind”.

Así que no tienen por qué preocuparse, el disco es muy disfrutable, pero no van a encontrar nada que no hayan escuchado antes en un grupo clásico. Y eso es porque Black Mountain son todavía estudiantes de sus maestros. Les falta despejarse más para dar el salto necesario de no sonar como una banda que solo rinde homenaje al pasado.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
EMF

EMF – Stigma (1992)

Deja un comentario

EMF - Stigma (1992)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. They’re Here: 7
  2. Arizona: 7,5
  3. It’s You That Leaves Me Dry: 7.5
  4. Never Know: 9
  5. Blue Highs: 8,5
  6. Inside: 8
  7. Getting Through: 7,5
  8. She Bleeds: 7,5
  9. Dog: 7
  10. The Light that Burns Twice as Bright: 7

Los pasos posteriores a la explosión de EMF gracias a su mega hit “Unbelievable” fueron distintos a lo esperado. En 1992 regresarían pero esta vez con un EP, Unexplained, que como mayor atractivo incluyó una muy buena versión del clásico de The Stooges “Search and Destroy”.

Sin perder demasiado tiempo lanzarían a fines de ese mismo año su segundo larga duración, Stigma, un disco que los alejó demasiado de su versión pop alternativo de Schubert Dip hacia un disco más guitarrero y oscuro tanto en sonido como en sus letras. En Stigma se evidencia cierta maduración y composiciones más complejas.

Tal vez esto explique porque no les fue como esperaban y fue un total fracaso comercialmente. Para los fans que los comenzaron a seguir luego de “Unbelievable” logicamente sería una decepcion pero a nivel general se las ingenieron para redondear un disco más rico, demostrando maduración y aptitudes para continuar creciendo a futuro, algo que lamentablemente no ocurriría y a los pocos años debido a otro fracaso comercial se terminarían disolviendo.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)