Regina Spektor – What We Saw from the Cheap Seats (2012)

Regina Spektor - What We Saw from the Cheap Seats (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. Small Town Moon: 8,5
  2. Oh Marcello: 8,5
  3. Don’t Leave Me (Ne Me Quitte Pas): 7,5
  4. Firewood: 8
  5. Patron Saint: 8
  6. How: 7
  7. All the Rowboats: 8,5
  8. Ballad of a Politician: 7,5
  9. Open: 8
  10. The Party: 7,5
  11. Jessica: 8

Regina Spektor lo hizo otra vez. Grabado junto al productor Mike Elizondo en Los Angeles en 2011, la cantante de origen neoyorquino y rusa de nacimiento nos ofrece otra gran obra en su repertorio su sexto lanzamiento What We Saw from the Cheap Seats (2012).

Canciones poco convencionales, sonidos alternativos, intensos y refinados son los que deleitan desde el comienzo con el tandem “Small Town Moon”, “Oh Marcello”, “Firewood” y “Patron Saint”.

A pesar de amesetarse por momentos el resto del trabajo está a la misma altura gracias a otros pasajes inspirados como “All the Rowboats”, “Open” y “Jessica”.

La “Joni Mitchell de la Generación Y”, como muchos la denominan, no daría a conocer ningún álbum nuevo después de What We Saw from the Cheap Seats hasta la fecha. Lo que sabemos es que tiene algunos sueños por cumplir todavía como el que relataría en una entrevista reciente: “Crecí con mucha música rusa, por lo que la amo con toda mi alma. Bulat es uno de sus grandes referentes, al igual que uno de mis exponentes favoritos, y, como siempre traté de hacer algo en mi idioma nativo, pero no lo logré todavía, elegí dos temas suyos. Comencé con estas versiones para ver si más adelante finalmente me animo a registrar algo de mi autoría en ruso. Es uno de mis sueños, y una deuda pendiente.”

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Porta – Trastorno Bipolar (2009)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Sigo Con Mi Obra: 6,5
  2. Espejismos: 7
  3. Trastorno Bipolar: 6
  4. Nota de Suicidio: 6
  5. Hundir Tu Flota: 8,5
  6. Imagina: 7
  7. Entra En la Arena: 5,5
  8. Preso de la Soledad: 6,5
  9. Querida Alma Gemela: 6,5
  10. Zorra Enchufada, Vendido Cabrón: 6
  11. Confesiones: 8
  12. La Bella y La Bestia: 7
  13. Voces en mi Interior: 5
  14. Haciendo Historia: 6,5
  15. Sin Fin: 6
  16. Nueva Generación: 6,5

Quizás lanzado de forma demasiado prematura a tan solo un año de su sorprendente debut, En Boca de Tantos (2008), el joven y polémico MC catalán Porta lanzaría su segundo disco de estudio: Trastorno Bipolar.

Amado y odiado por muchos Porta nos trae más de lo mismo, no se lo nota madurar demasiado ni evolucionar en su música, tal vez hubiera sido recomendable para el esperar un par de años más y lanzar un disco más convincente pero así y todo tiene algunos temas que valen la pena.

Entre ellos el single “Espejismos”, los buenos raps fieles a su estilo “Hundir Tu Flota”, “Confesiones” e “Imagina” y “La Bella y La Bestia” primer tema de Porta que escucho de crítica social de un tema delicado como la violencia de género con el aporte de la esplendida cantante Norykko.

En resumen estamos ante un nuevo trabajo de este joven rapero español que se encuentra buscando su rumbo, sorprendió con su aparición pero con este nuevo paso no demuestra nada nuevo y necesitará de nuevas ideas para su futuro.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Al Stewart – The Year of the Cat (1976)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Lord Grenville: 9
  2. On the Border: 9
  3. Midas Shadow: 8.5
  4. Sand in Your Shoes: 8.5
  5. If it Doesn’t Come Naturally, Leave It: 8.5
  6. Flying Sorcery: 8.5
  7. Broadway Hotel: 8.5
  8. One Stage Before: 8.5
  9. Year of the Cat: 10

Lanzado en Julio de 1976, el séptimo disco de estudio de Al Stewart, The Year of the Cat, es considero por la prensa especializada como su pieza maestra y mucho tuvieron que ver para ese éxito en los trabajos anteriores. Con Past, Present and Future y Modern Times, el músico había encontrado su estilo que terminó de materializar con el álbum este nuevo material que también contó con la producción de Alan Parsons.

En la tapa, diseñada por el ilustrador Collin Elgie, se aprecia a una mujer mirándose en el espejo vistiéndose de gato para una fiesta de disfraces. “On the Border”, uno de los temas más destacados fue uno de los temas lanzados como single. Con melodías agradables y canciones que evocan al popular americano y europeo, el disco mantiene un ritmo constante y entretenido a lo largo de sus composiciones.

En el final el tema que da nombre al álbum es una fantástica pieza que se alza como uno de los más emblemáticos temas de Stewart.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Bachman-Turner Overdrive – Bachman-Turner Overdrive II (1973)

Bachman-Turner Overdrive - Bachman-Turner Overdrive II (1973)

Puntaje del Disco: 8

  1. Blown: 7,5
  2. Welcome Home: 8,5
  3. Stonegates: 7,5
  4. Let It Ride: 8
  5. Give It Time: 8
  6. Tramp: 7
  7. I Don’t Have to Hide: 8
  8. Takin’ Care of Business: 9

A unos meses de su debut y también en el año 1973 la banda canadiense de Hard Rock  Bachman–Turner Overdrive editaría su segundo trabajo que significaría un enorme crecimiento musical.

Bachman–Turner Overdrive II incluye dos de sus más reconocibles hits a lo largo de su extensa trayectoria, “Takin’ Care of Business” y “Let It Ride”, que se convirtieron en himnos roqueros e incluso versionados por otras bandas años más tarde.

Sonando mucho más aceitados una de las características de BTO es la variedad de voces, tenemos temas interpretados por Randy Bachman, Tim Bachman y C.F. Turner con igual efectividad , ofreciendo otros grandes tracks ademas de los anteriormente citados como “Welcome Home”, “Give It Time” y “I Don’t Have to Hide”.

Sin haber llegado a descollar en su época Bachman–Turner Overdrive II es un disco de puro rock and roll que hoy en día se merece reivindicar, se valora mucho más y que confirma la decisión acertada que tomaría Randy Bachman luego de dejar su anterior banda The Guess Who.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Anathema – A Natural Disaster (2003)

Anathema - A Natural Disaster (2003)

Puntaje del Disco: 9

  1. Harmonium: 9
  2. Balance: 9
  3. Closer: 9
  4. Are You There?: 8,5
  5. Childhood Dream:
  6. Pulled At 2000 Meters A Second: 8
  7. A Natural Disaster: 10
  8. Flying: 8
  9. Electricity: 8,5
  10. Violence: 8,5

Encontrar realmente grupos como este es como si fuese un milagro. Anathema es uno de esos grupos que mejor ejemplifica como evoluciona una banda definiendo su sonido disco tras disco.

Anathema se formó en Liverpool en 1990. Sin embargo, por aquel entonces su sonido era totalmente diferente, ya que formaban parte del movimiento extremo del Death/Doom, un género que fue fundado una banda llamada Paradise Lost con su disco Lost Paradise en 1990 y que fue popular con otros grupos no por menos conocidos como Katatonia, My Dying Bride, Disembowelment, y por supuesto Anathema. Este género consiste en una fusión de los elementos del Doom Metal más clásico, combinados con la música extrema y los riffs pesados pero lentos del Death Metal, con letras sumamente orientadas a lo gótico y emocional, creando así una atmósfera única.

Anathema sacó 2 discos de este género: Serenades en el año 1993, con una formación un poco distinta a la de ahora, Darren White en las vocales, Duncan Patterson en el bajo (que se fue en 1998), y los actuales John Douglas en la batería junto con los hermanos Vincent y Daniel Cavanagh en las guitarras; y The Silent Enigma de 1995, considerado un clásico del género que tuvo más repercusión que el anterior con Vincent reemplazando a como vocalista principal a Darren White.

No sé cómo es el sonido del siguiente álbum, Eternity, ni siquiera me apetecería escucharlo, pero sé que el grupo tomó un drástico cambio al alejarse del Death Doom para acercarse al Gothic Metal con su discazo, Alternative 4, acercándose a un Rock mucho más original, más acústico, por momentos progresivo, excluyendo algo de la distorsión de guitarras y voces guturales definiendo de a poco su sonido.

Así Anathema lanzaría otro álbum llamado A Natural Disaster, que debe ser el primer disco de en el cual es total la ausencia de guitarras distorsionadas dando paso a caminos evolutivos que la banda tomaría muchos años más tarde con los álbumes We Are Here Because We Are Here (Vaya título, xD) y Weather Systems.

A Natural Disaster podría considerase como el más tranquilo de la banda. Es un grandisimo trabajo, realmente es bello, melancólico y tan relajante que te atrapa hasta el final, con la presencia de teclados hipnóticos y ciertas referencias electrónicas que la banda nunca antes había tocado, rebalsando sonido por sonido en excelentes cortes como «Balance» y «Closer». Además consta de bastantes melodías progresivas y atrapantes muy cuidadas por su magnífica producción.

Además A Natural Disaster es el primer trabajo que incluye a Lee Douglas como cantante líder, cuya presencia es más que importante ahora en la carrera de la banda. Es la que mantiene el espíritu de la banda. Lo demuestra en la canción homónima del disco, con una espectacular performance.

Líricamente es como los otros discos de Anathema. Siempre se caracterizaron por ser líricamente deslumbrantes. Muchas de sus letras son una luz, llenas de poesía y melancolía pura que tocan el alma. Tomemos como principal referencia sobre todo a «One Last Goodbye» del disco Judgement, una canción que me hizo hasta llorar. Realmente es muy difícil llegar a algo emocional como lo otorga este grupo sin importar la música que hagan, porque tampoco hay diferencias entre la época más extrema del grupo y la de ahora. Su espíritu se sigue escuchando y hasta oliendo.

Por eso este álbum es tan importante reseñarlo primero. Hay un par de guiños y coqueteos con la época más vieja de la banda, y son presentados en las canciones «Pulled At 2000 Meters A Second», una sorpresa ya que este es el único corte metalero de la banda en mucho tiempo, y también en parte de la canción «Violence». Es importante reseñarlo primero porque marca un antes y un después en la carrera de la banda. Es un espacio intermedio entre la época más metalera hasta Judgement y además es el que le otorgará frutos a sus brutales últimos tres discos.

A pesar de que Anathema haya cambiado mucho, siguen siendo parte de la escena metalera más pura y sobre todo extrema, ya que de allí nacieron. Muchos seguidores del Metal Extremo consideran a Anathema como una de sus bandas favoritas, además de que es un descanso para sus oídos (incluyéndome).

Anathema ha creado un estilo único realmente difícil de catalogar, pasando por Rock Alternativo, progresivo, acústico pero siempre sonando a ellos mismos de una forma única y difícil de alcanzar. Grandioso trabajo, muy recomendable, no es el mejor de ellos tampoco pero si es imprescindible publicarlo primero.

Toto

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(Votos: 0 Promedio: 0)

R.E.M. – Out of Time (1991)

R.E.M. - Out of Time (1991)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Radio Song: 5
  2. Losing My Religion: 9,5
  3. Low: 8
  4. Near Wild Heaven: 6,5
  5. Endgame: 7
  6. Shiny Happy People: 8,5
  7. Belong: 7,5
  8. Half a World Away: 7,5
  9. Texarkana: 7
  10. Country Feedback: 8
  11. Me in Honey: 7,5

En el año 1991, cuando el Grunge se apoderaba de la escena musical, uno de los paladines del Rock Alternativo de los ochenta como R.E.M. no tomaría exactamente la misma vertiente. Al contrario, con Out of Time ofrecería un producto de cualidades que chocan entre sí.

Como aspecto positivo Out of Time se destaca por la diversidad de instrumentación en cada canción. El ejemplo más distintivo sin ir más lejos es la mandolina de “Losing My Religion”. Así que desde ese aspecto tiene su cuota experimental. Por otra parte, los cortes son en general de Folk Rock y Pop Rock, con melodías que están bastante bien pero que simultáneamente son convencionales y en algunos puntos comerciales. R.E.M. con cortes como el hit “Shiny Happy People” y el ya mencionado “Losing My Religion” definitivamente abandona las sombras del under para ofrecer algo más cercano al mainstream. “Losing My Religion” debe ser el tema de R.E.M. más difundido en radios, en MTV y liderando charts como pocos.

Pero el inconveniente del álbum por el cual no es grandioso, es que resulta bastante desparejo. Muchas de las canciones de Out of Time pese a tener melodías en general potables y una instrumentación interesante, no por ello son grandes composiciones. El caso más ejemplar es “Radio Song” en donde formulan una especie de hibrido de Funk con Rap, donde colabora KRS-One, que resulta chocante.

Entre otros experimentos que no son tan habituales en ellos está el popy “Near Wild Heaven”, con armonías vocales a la Beach Boys que no son tan atractivas. También combinan Pop con Spoken Word en “Belong”. Además tenemos tenemos a “Low” y “Country Feedback” con un estilo más oscuro y alternativo que llega a capturarte.

Pero sin dudas sus dos singles “Shiny Happy People” (con Kate Pierson, cantante del grupo The B-52’s, realzando la melodía con su voz) y “Losing My Religion” son los que acaparan la principal atención. Especialmente este último que, con su riff de mandolina, terminarían armando un folk rock que sería el clásico definitivo de la banda de Michael Stipe, aunque no por eso el mejor  en la historia del grupo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Clap Your Hands Say Yeah – Some Loud Thunder (2007)

Clap Your Hands Say Yeah - Some Loud Thunder (2007)

Puntaje del Disco: 8

  1. Some Loud Thunder: 7,5
  2. Emily Jean Stock: 8,5
  3. Mama, Won’t You Keep Them Castles in the Air and Burning?8
  4. Love Song No. 7: 7,5
  5. Satan Said Dance: 9
  6. Upon Encountering the Crippled Elephant: 7
  7. Goodbye to Mother and the Cove: 8
  8. Arm and Hammer: 8
  9. Yankee Go Home: 7,5
  10. Underwater (You and Me): 8,5
  11. Five Easy Pieces: 7

El proyecto de indie electrónico Clap Your Hands Say Yeah conseguiría lo que pocos que llaman la atención y se ponen de “onda” en su debut consiguen, mejorar su performance inicial en su segundo material, Some Loud Thunder, distribuido desde principios de 2007.

Clap Your Hands Say Yeah (2005) fue un buen disco, ideal para presentar a esta banda desconocida de Philadelphia, pero que dejaba en claro que dada sus condiciones podían mejorar y mucho. En este su segundo esfuerzo consolidaron su sonido y lo expandieron, cosa que pocas bandas de esta era pueden conseguir y dejan de esta de moda.

Con un sonido mucho más sofisticados, distorsionado, visceral y creativos, gracias al trabajo mancomunado de Alec Ounsworth con su productor estelar Dave Friedmann (The Flaming Lips, Mercury Rev, etc), CYHSY brilla en varios inspirados pasajes como “Emily Jean Stock”, “Mama, Won’t You Keep Them Castles in the Air and Burning?”, “Goodbye to Mother and the Cove”, “Underwater (You and Me)” y el single “Satan Said Dance”.

CYHSY ya no sorprenderá a nadie por sus buenas intenciones y a partir de este inspirado segundo trabajo, se les exigirá mucho para estar a su propia altura, esperemos que les dure.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Donovan – Sunshine Superman (1966)

Donovan - Sunshine Superman (1966)

Puntaje del Disco: 9

  1. Sunshine Superman: 9,5
  2. Legend of a Girl Child Linda: 9
  3. Three King Fishers: 8
  4. Ferris Wheel: 8
  5. Bert’s Blues: 8,5
  6. Season of the Witch: 9,5
  7. The Trip: 8
  8. Guinevere: 8,5
  9. The Fat Angel: 8
  10. Celeste: 10

Para el año de 1966, el  Escocés Donovan Leitch era todo un ídolo juvenil en el género del Folk, por lo cual le comparaban con la inmensa sensación que era la superestrella y estandarte Bob Dylan, algunos casi tomándolo con una especie de copia (algo que no era bueno para la imagen del Europeo).  No obstante en esa época la escena musical iba transformándose a un ritmo acelerado, con bandas ascendentes planteando nuevas tendencias y bandas ya establecidas reinventándose; el mismo Dylan ya lo había hecho al volverse “eléctrico” con su Highway 61 Revisited. Donovan probablemente se dio cuenta de que el también necesitaba evolucionar de su simple folk para continuar con su desarrollo artístico.

Lo que hizo el joven fue empaparse con música con la que no había trabajado anteriormente, particularmente el Jazz y la música oriental, así como el Blues. Por otro lado se adentró en lo que era el movimiento hippie de aquellos años buscando inspiración en sus drogas una inspiración para su música. De esta manera fue como se facturó uno de los mejores discos de su carrera, Sunshine Superman, considerado uno de los primeros álbumes psicodélicos y que encima le convirtió en un símbolo de la contracultura del Flower Power.

En este revolucionario trabajo, nos encontramos al trovador entrando en lo que sería su pico creativo, ofreciendo diez temas que van de enganchantes a reflexivos y generalmente ricamente adornados con una instrumentación bastante completa, producto de la mezcla de sus influencias. Y una prueba del cambio es el homónimo tema de entrada al álbum, este single veraniego fue un hit hecho para pegar al a radio con su atractivo pop psicodélico.

No obstante Donovan no se olvidad de sus raíces folk y enseguida llega el poema medieval que es “Legend of a Girl Child Linda”, donde por seis minutos deleita con una narración que evoca unas visualizaciones excepcionales sobre la edad media, añadiendo certeros arreglos de cuerdas y de viento a su guitarra acústica. A continuación entran las influencias orientales  en “Three King Fishers” y “Ferris Wheel”, sobretodo destacando la presencia de la Sitara, convirtiéndose en uno de los primeros británicos en darle uso a este instrumento que se popularizaría inmensamente en muchas bandas de peso, no puedo menos que decir que la manera en que entran esos pasajes Hindúes es una gran maravilla. Cerrando la primera mitad del disco está “Bert’s Blues”, dedicado a su gran amigo folkero Bert Jansch, esta vez entrando arreglos mas clasicistas de la mano del Harpischord (en español conocido como Clave).

La segunda mitad del disco abre de la misma manera que la mitad, con otro temazo de los más grandes de la psicodelia sesentera; “Season of the Witch”, un tema eléctrico y que no le pide nada a la pista del título, de hecho por mi parte me atrevo a señalar este tema como el más accesible y pegador del álbum (mucho se le debe también a la intervención en guitarra eléctrica de un entonces joven Jimmy Page). A continuación la temática se vuelva acida con la jazzera y tintineante “The Trip” que tal como su propio título indica, trata sobre un viaje de LSD que Leitch llegó a experimentar. “Guinivere” a continuación es otro tema de Folk de recamara, de temática  medieval y basado en intrincados pasajes de guitarra estilo fingerstyle (una especialidad del escocés).  Luego tenemos “The Fat Angel” que se convirtió en uno de los temas más queridos por los fans del artista. Pero la cereza del pastel está a final del disco con la magistral y pastoral “Celeste” donde el mismo Donovan se expresa sobre los cambios de la vida, particularmente sintiendo el peso de su propia fama, no obstante admitiendo que estar acompañado será lo que le hará salir adelante respecto a esos cambios. La potente letra combinada con la armoniosa combinación instrumental  (nuevamente el Harpischord hace diferencia) solo hace de este tema un cierre perfecto al disco..

Por su riqueza de música y letras Sunshine Superman  se convirtió en un hit en ambos continentes Americano y Europeo, y forma junto a Mellow Yellow (1967) y  A Gift Form a Flower to a Garden (1967) la trilogía dorada de Donovan en su cúspide artística.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)

El Bordo – Vivo Luna Park (22/05/2016)

 

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“No entiendo por qué vinimos acá…” entona Ale Kurz en las primeras líneas de “En la vereda”. “Yo tampoco” siento decir muy adentro mío. ¿O tal vez sí?

Es la fiesta de El Bordo. La fiesta de una banda que, como su propio cantante dijo, crecieron poco a poco durante nada menos que 17 años hasta cumplir lo que para ellos era un sueño: tocar en el Luna Park, llenar el Luna Park o casi (quedaron pocas entradas e incentivaron hasta último momento a comprarlas desde su Facebook y Twitter). Y cumplieron su sueño, el grupo nacido en el “Pelle” tuvo su noche de Luna llena, algo que no todos logran ¿Pero cómo llegaron a eso?

Comúnmente el Bordo se muestra como un grupo humilde. Una banda de “Rock de Barrio”, que no es otra cosa que una banda bien básica de Rock And Roll. Es uno de los tantos que se ganaron el rótulo de lo que hoy en día se conoce como “Rock Argentino”. Pero este “Rock Argentino” no es necesariamente el que mejor representa lo más original de la escena nacional. Al contrario, dentro de este compendio de bandas tenemos a cosas como La 25, Cielo Razzo, Callejeros, Pier, Los Gardelitos y demás bandas que su idea de Rock no es otra cosa que ofrecer algo cuadrado, genérico y reiterativo, a los que no se les cae una pisca de innovación. Son los hijos bastardos de los Redondos y algunas bandas más  mundanas como los Ratones Paranoicos.

El Bordo tampoco está exento de esta crítica al Rock Nacional. Aun así con su último disco, Hermanos, dio señales de evolucionar. “Existir”, “Instinto” y “Lejos” no solo son canciones que se transformaron en hits por sus muy buenos estribillos y melodías, sino que también, despegan un poco con buenas composiciones con piscas de rock más alternativo.

Era su momento. Así El Bordo eligió el 22/05/2016 como su fecha consagratoria, con una cuenta regresiva que se les habrá hecho eterna hasta llegar al día del recital más importante de su historia. Llegado el día, minutos más tarde de la hora señalada, la banda saldría al escenario con “Soñando Despierto” para hacer explotar el campo. Y si de su público hablamos es realmente muy pasional, agitando con cada acorde y entonando con fanatismo sus letras. No solo era la fiesta de El Bordo, era la fiesta de sus seguidores. Una fiesta completa en los cuales no solo había banderas de otras bandas (compartiendo el público como si tuvieran una relación simbiótica), sino también globos y “minitas” desencajadas en los Pullman (no en las plateas laterales, esos eran sapos demasiado tranquilos de otro pozo). Solo se calmaron cuando estrenaron “El Traidor” como tema inédito.

En ese sentido a su favor, tengo que decir que varios temas del grupo suenan mucho mejor en vivo que en su versión de estudio. Tienen más poder, aunque no todos los temas tengan la misma solidez. Si alguno no es bueno no hay potencia que lo arregle. Pero eso poco les importó. Es su noche y se despacharon haciendo lo que tanto querían, armando una fiesta de casi 3 horas repasando nada menos que 32 temas (con mayor predominancia de canciones de Yacanto, En la vereda de enfrente y Hermanos), desplegando solos de guitarra, armónica, batería y lo que se les ocurra.

Además sumaron artistas invitados. El primero de las celebridades invitadas fue el ex Vox Dei, Ricardo Soulé, quién apareció con violín para interpretar “¿A dónde vas?” dando pinceladas con su instrumento que, aunque no se escuchaba todo el tiempo, El Bordo debería incorporarlo como cosa sería para mejorar los arreglos de sus temas. Luego el turno fue de guitarrista de Almafuerte, Tano Marciello, para interpretar «La Patada». Pero si de festejo hablamos, no podía faltar Maikel y El Mono de Kapanga, dando clases de lo que es ser un showman  en “Silbando una ilusión”. Y por último, el invitado final fue su propio productor de Hermanos, Manu Vázquez, quien se calzó la guitarra para interpretar “Instinto”.

Fue su noche especial, con sus excesos que eso conlleva, como la larga duración del Show, la larga espera para que interpreten el Encore de cierre y hasta por ver a Alejandro Kurz interpretando tirando en el piso (casi babeando de costado) en uno de los tramos del concierto. Pero saben qué, eso también forma parte del Rock. ¿Entiendo ya por qué fui?

Persy

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Babasonicos – Pasto (1992)

 

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Intro:
  2. D-Generación: 9,5
  3. Tripeando: 6
  4. 41′ de Ocio:
  5. Sobre la Hierba: 8
  6. Chicos en el Pasto: 7
  7. Canción de la Bandera: –
  8. La Era Del Amor (Parte 1): 7,5
  9. Natural: 8
  10. Mutha Fucka:
  11. Somos La Pelota: 7
  12. Guarda D.P.!:
  13. Bien: 7
  14. Listo:
  15. Indios: 7
  16. Fiebre Roller: 6,5
  17. Sol Naranja: 8,5
  18. Umito:
  19. Margaritas: 7,5
  20. D-Generación (Trash Mix): 6

Hace ya unos 25 años un grupo de jóvenes desarreglados de la localidad de Lanús, del Gran Buenos Aires, se juntarían para pisar fuerte en el circuito del under porteño. Adrían Dargelos, Diego Rodriguez, Mariano Roger, Diego Tuñón, Gabo Manelli y Diego Castellano le dieron vida a Babasonicos, banda hoy en día legendaria del rock nacional y que en esos comienzos sonaban crudos, alternativos y experimentales.

Tras fichar para la discográfica “Sony Music Argentina” la banda se aisla en una quinta de Ezeiza para grabar en Otoño de 1992 su primer LP producido nada menos que por Gustavo Cerati, Pasto. Demasiado complejo para lo que era el mercado argentino en ese entonces recibió demasiadas críticas por su estilo loco y volado.

Fue gracias a “D-Generación” que se hicieron notar, sonando intensamente en las radios locales por su mezcla de rock distorsionado agresivo con estribillo adictivo y «coreable», pero cuentan con otros temas para el recuerdo como “Sobre la Hierba”, «La Era del Amor», “Natural” y “Sol Naranja”.

Pasto no está entre los mejores discos de los Babasonicos ni por asomo, pero es una presentación al mundo de este grupo de adolescentes que si bien tenían muchas imperfecciones que al poco tiempo pulirían en Trance Zomba (1994) o Dopadromo (1996), demostrarían tener muchas ganas, buenas intenciones y actitud.

F.V.

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