Lick It Up, el undécimo disco de estudio de KISS fue lanzado en septiembre de 1983 a través de la discográfica Mercury Records y se convirtió no sólo en un éxito en términos comerciales y aclamado por la crítica, sino que fue el primero en el cual los integrantes de la banda abandonaban sus característicos maquillajes.
Vinnie Vincent, quien había participado en la en la grabación de varios temas de Creatures of the Night, reemplazó definitivamente en la guitarra a Ace Frehley, realizando para este nuevo material un importante aporte, como fue el caso del tema que da nombre al disco, que resultó ser muy pegadiza y un clásico en el repertorio de KISS. Su intervención, sin embargo, se extiende a lo largo del álbum, logrando poderosos sonidos y varios puntos destacados como «Exciter», «A Million to One» y «All Hell’s Breakin’ Loose».
Tras la gira promocional Vincent dejaría el grupo, aunque su gran aporte tendría un gran reconocimiento y Lick It Up considerado por muchos como el mejor disco KISS sin los maquillajes.
Una mejoría de lo que veníamos escuchando. Jethro Tull luego de editar Thick as a Brick se vio profundamente eclipsado y no pudo recuperar el grandioso nivel que tuvo en ese extraordinario álbum. Pero afortunadamente luego de un par de trabajos regulares, volvería a demostrar que puede recuperarse en Minstrel in the Gallery.
Minstrel in the Gallery es nuevamente un disco conceptual que hace referencia a las galerías de trovadores, que se podían encontrar en los salones principales de castillos, donde los músicos tocaban sus melodías, ocultos de la vista de los comensales.
Musicalmente Jethro Tull repite un poco la receta que ya habíamos escuchado en Thick as a Brick, destacándose los pasajes con melodías acústicas y Anderson imprimiendo una onda folklórica con su flauta. Y así encontramos canciones multisegmentadas como “Minstrel in the Gallery” que llega a ser bastante acertada. Aunque tenemos la épica suite de 16 minutos “Baker St. Muse”, que tiene tramos tan logrados como omitibles. El resto de las canciones están bastante bien resaltándose “One White Duck / 010 = Nothing at All” por su melodía acústica que captura.
Y eso es lo que Jethro Tull refleja en el álbum, por un lado una mejoría notoria en sus melodías haciendo que el trabajo sea muy bueno, pero por otra parte, esa sensación de que no llega a ser un disco enteramente atrapante.
Adrenaline es el primer disco de Deftones, lanzado en 1995 a través de Maverick Records, y producido por el famoso Terry Date, conocido por ser el productor de bandas como Pantera, Soundgarden y White Zombie, y por haber sido el padre del Nu Metal.
Este último género con el que se ha asociado a Deftones en sus primeros años, describe perfectamente la situación de este disco. El Nu Metal apenas era un rumor y de hecho, no se sabía nada acerca de ese término para 1995. Apenas Korn había salido el año anterior.
Pero si bien Deftones jamás quiso estar asociado con este género, podríamos decir que en Adrenaline tenemos muchas fuentes de como saldría el género en años próximos incluso antes de Around The Fur. Sin embargo, Adrenaline opta y suena más a bandas de post-hardcore de la época, tales como Helmet y Jawbox.
Así empezaron Deftones, si bien, es un disco que prácticamente no suena tan relevante después de la evolución que significó para la banda en años próximos, podemos destacar un montón de factores conclusos. Por ejemplo, es uno de los trabajos más técnicos y pesados de Stephen Carpenter en la guitarra, con un sonido mucho más fuerte y duro que en otros discos de la banda, que luego optaría por acordes más simples (que es por lo que se destaca como guitarrista, excluyendo totalmente sus solos)… Acá lo encontramos en una faceta hardcore muy distinguida, pero con un toque más experimental al lado de otras bandas de su género (sí, incluso más que en temas como «Hexagram», que está tocado en un pesado tono con una guitarra baritona de 7 cuerdas, y acá en Adrenaline todo está hecho con una guitarra en afinación estándar).
Sin embargo, no podemos decir mucho del resto (a excepción del brutal trabajo de Abe Cunningham). Las letras de Chino no eran tan metafóricas por aquel entonces, la producción no era tan avanzada, algunas canciones sonaban parecidas, entre otros términos… Sin embargo podemos destacar que es un gran inicio para el Nu Metal (Con grandiosos temas como «Bored», «7 Words» y «Engine No.9» destacando estos dos últimos por los brutales rapeos de Chino Moreno) y es totalmente un álbum que deberías tener en tu colección si te va el metal alternativo.No mucho podemos comentar acerca de este disco de la banda, sin embargo, los años próximos les sentaron mucho mejor y por lo tanto, hay mucho para reseñar.
Sin duda es una de las bandas más sólidas dentro de un género tan gastado ahora como es el Metal Alternativo y sus derivados. Y un debut interesante y recomendable para que descubran cual fue el inicio de este genial grupo.
Lanzado en 1973 el tercer disco de estudio de Paul Simon fue un verdadero éxito, recibiendo críticas muy favorables que también tuvieron eco en los rankings de aquel entonces.
Apelando a su estilo tranquilo y armónico en There Goes Rymin’ Simon, el artista acude además al gospel, como en «Love Me Like a Rock» o al conocido estilo Dixieland («Take Me to the Mardi Gras»).
Con esta producción Simon logró condensar lo mejor de sus tiempo en Simon & Garkunkel pero añadiéndole su estilo propio, que encontró su apogeo en los inicios de los setenta.
Los rosarinos Indios lograron hacerse escuchar y generar cierta tendencia con los temas de su disco debùt, Indios (2013), a tal punto que sus temas se continuaron escuchando un par de años después llegando a llamar la atención que no lanzaran material nuevo.
El momento para su ansiado segundo material llegaría finalmente para mediados de 2017 con Asfalto, que contó con la producción artística de Diego Uma de Babasónicos y Coti Sorokin.
A diferencia de su antecesor las canciones de Indios no sorprenden, ni se te repiten en la cabeza constatemente, con la exepción de su corte de difusión, “Lucidez”, el resto decepciona largamente, las melodías chispeantes de temas como “Casi Desangelados”, “Adolescente” y “Julie” brillan por su ausencia, más aún teniendo en cuenta la expectativa generada con su pop sensible luego de tan valioso primer lanzamiento.
Sobre la intención de la banda para este nuevo disco, Nicolás De Sanctis, su principal compositor, diría lo siguiente: “Ninguno de nosotros es un virtuoso, pero queremos que suene moderno, aunque no nos volvamos locos por un sonido ni por hacerte escuchar el audio del último sinte. Nuestro atractivo es una cosa más casera de la composición y de agarrar un tema nuestro y sacarlo en la viola, y ver los trucos que tiene, las modulaciones, nos gusta mucho jugar con eso. Esa cosa de la estrofa y el estribillo siempre la respetamos, y para las armonías nos damos mucha maña.” Y agregaría para diferenciarse del común denominador de las bandas actuales: “Podríamos haber hecho un disco más arriba pero no hubiéramos logrado que tuviera un poco más de sensibilidad. Tampoco el rock tiene que hacer pensar o llorar, porque hay canciones que son para bailar, para gritar, saltar y sacarte la bronca, pero yo veo que la música actual es muy dance todo, y hay poco lugar para conmoverse, para algo más introspectivo. Escucho letras de bandas nuevas y nadie muestra ninguna sensibilidad, todos son muy cool. Nosotros le damos canciones frágiles a la gente para que se den cuenta de su fragilidad, porque la verdad es que estamos todos muy locos.”
Kent fue una de las bandas de Rock Alternativo “suecas” más resaltantes de la última década, por no decir de una de las mejores de aquel país, con una discografía de 12 buenos álbumes de estudio. Lamentablemente la banda nos dejó en 2016 y con un minúsculo legado fuera de su país natal, ya que, más allá de que sus discos casi siempre alcanzaron primeros puestos en las listas suecas y a pesar de tener varios Grammis suecos bajo la manga, ellos no son muy conocidos fuera de la cultura escandinava.
Tal vez se deba a que la banda escribía en sueco, aun así, tuvieron dos intentos de expandirse al mercado de habla inglés. La primera con su tercer disco Isola con una versión normal en sueco y otra en Ingles, que no tuvo tanto éxito como se esperaba, así que lo volvieron a intentar con su cuarto disco Hagnesta Hill, llamado así por el lugar donde ensayaban, y a pesar de que los resultados fueron parecidos, puedo decir que tal vez es su mejor trabajo.
¿Y porque la versión inglesa y no la de habla sueca? Simplemente porque al igual que con Isola ambas versiones tienen un tracklist diferente, con una que otra canción nueva. Y aunque el idioma sueco suena muy diferente al inglés, las letras de esta versión caben muy bien en la melodía. No se nota nada forzoso, aunque tuvieron que hacer cambio liricos en algunas frases.
Por otro lado, aparte de que las canciones hablan del día a día, éstas poseen una esencia fría que transmite una buena sensación nostálgica, cosa que pocas bandas pueden lograr. Igualmente algunas tienen melodías pegajosas e incluso bailables, como en “Music Non Stop”, una de las mejores del álbum, o “Just Like Money”, con un sonido más cercano a lo que serían trabajos futuros. Además de que junto con “Quiet Heart” solo se encuentra en esta versión del disco.
Mientras que en canciones como “The King Is Dead”, “Kevlar Soul” o “Quiet Heart” simplemente nos encontramos con hermosas piezas que transmiten perfectamente lo que el disco quiere mostrar. Y aunque otras como “Rollercoaster”, “Protection” o “Cowboys” puede que sean el punto “bajo” del álbum con un sonido más calmado, cada una tiene una esencia diferente y única. Por lo cual podría decirse que el disco no tiene puntos bajos. Además termina con “Whistle song”, la canción más larga del disco y un cierre más que a la altura después de tantas sensaciones y emociones.
Hagnesta Hill es una pieza muy terminada, producida y con canciones las cuales ninguna sobra o está de más. Cada una tiene un papel importante con algo que decir, un disco que incluso en lo personal tendría un rotundo 10.
Muy recomendado si lo tuyo es el Radiohead de la época The Bends o OK Computer.
Originalmente el título que iba a tener esta nota era “Foo Fighters y Queens of the Stone Age en Argentina”. De hecho este poderoso combo de bandas era el atractivo principal para comprar las entradas de su presentación en Velez. Porque si bien Foo Fighters es una banda lo suficientemente convocante, pero si le sumamos a Josh Homme y compañía en la previa el poder se duplica.
Sin embargo, cuando fuimos a las inmediaciones del estadio nos encontramos con algo que no esperabamos: una organización que era un desastre, un TOTAL DESASTRE que nunca viví en los numerosos recitales a los que asistí en mi vida.
La entrada al campo era una doble fila (casi tripe) que era interminable y que avanzaba a paso Walking Dead monótono sin piernas. Eran fácil unas 15 cuadras de gente que llegaba hasta debajo de la autopista y parecía que nunca daba la vuelta. Y no había una sola persona de la organización (estaban todos reunidos boludeando literalmente en la entrada del estadio), sin policías (contamos 7 con toda la furia) y ni una condenada valla. Con el precio que pagamos inexplicablemente las únicas vallas estaban en la entrada y no cubrían más de 30 metros de longitud. Además había más vendedores de cerveza fría que gente de la organización.
En otras palabras, la organización para entrar al estadio fue tan deplorable que nos perdimos el recital de Queens of the Stone Age… E incluso pensamos que también nos perderíamos la presentación de Foo Fighters.
Hay que destacar la actitud de la gente que nunca perdió la cordura en semejante desastre organizacional, auto ordenándose para seguir la improvisada cola para entrar comiéndose toda su bronca. En el mientras tanto se escuchó el hit del verano “M.M. L.P.Q.T.P.”. Y si tenías celular se podían ver los Twitts de lo que opinaba la gente al respecto, donde mencionaban que irían a Defensa del Consumidor por la estafa y mofándose del nombre del organizador “All Access”.
Llamativamente pasadas las 21hs, la fila adoptó un paso veloz hasta que finalmente pudimos entrar al estadio. Abriendo el interrogando de: ¿Por qué corno no iba a esa velocidad antes?
En fin, llegamos a entrar a la cancha de Velez a las 21:30hs, cuando Queens of the Stone Age ya había terminado. Perdiendo así parte del dinero que pagamos por ellos en la entrada y la posibilidad de escuchar al menos un mísero acorde de ellos, porque los teníamos a 10 insufribles cuadras de distancia mientras tocaban.
Foo Fighters en su «insane» último show de su tour
Ya dentro del estadio, la cantidad de gente que había en el campo desbordaba. Y se podía ver el tipo de público que fue a verlos. Mayormente gente de entre 25 y 35 años, entre quienes abundaban más las remeras de Nirvana que las de Foo Fighters.
Alrededor de las 21:45hs los Foo saldrían al escenario interpretando “Run” (tal vez la mejor canción de su último disco) y arrancando así un torbellino desenfrenado de clásicos. La sucederían rápidamente “All My Life”, “Learn to Fly” y “The Pretender”. Luego aparecería otra destacada de Concrete and Gold, “The Sky Is a Neighborhood”, para luego dar lugar a temas de Wasting Light (su mejor álbum a la fecha), como “Rope”, en una versión extendida por su improvisación instrumental, “Walk” y “These Days”. En el medio tocarían “Sunday Rain” con Taylor Hawkins como vocalista principal y una versión semi lenta de “My Hero”.
El Show después se tomaría un respiro para que Dave Grohl interactúe con la gente con todo su carisma y sus expresiones cómicas. Hay que decirlo Dave es un verdadero Rockstar que disfruta de lo que hace y que puede llegar a ser hilarante con sus salidas. Taylor lo segunda en ese sentido, siguiendo sus chistes, y es un personaje que no sé si disfruta más martillar su batería o hacerse el Freddie Mercury cantando. Justamente en este interín Dave presentaría a cada integrante del grupo, quienes improvisarían brevemente un par de temas de Queen como “Another One Bites the Dust” y “Love of My Life” para presentarse. Además de “Blitzkrieg Bop” de los Ramones y una extraña interpretación que tenía la base de “Imagine” en teclado, mientras Grohl cantaba “Jump” de Van Halen sobre la misma. Y para cerrar este impase Taylor se daría el gusto de cantar “Under Pressure”.
Y a modo agradecimiento Grohl improvisaría una canción que llamaría “Argentina I Love You”. Dave en ese sentido siempre destacaba la locura de la audiencia argentina y lo que le encantaba sus coreos y terminar su tour en este país por ese motivo.
Con “Monkey Wrench” (un himno del Punk Pop al igual que “Breakout”) retomarían su vorágine de clásicos hasta que finalmente tocarían “Best of You” para hacer a todo trapo su primer aparente cierre.
En el encore final interpretarían 3 canciones finales (en parte negociadas en pantalla mientras se los esperaba con entusiasmo). La primera “Dirty Water” con sus coristas que por momentos parecían desatinar, luego la enérgica “This Is a Call” para luego darle lugar a la inmortal “Everlong”.
Fue un muy buen recital de Foo Fighters, donde se pudo escuchar sus canciones más esenciales demostrando la buena forma del grupo. Y si bien fue algo traumática la previa (y siento que tengo una mufa con ellos porque la vez anterior que vinieron se llovió todo), su presentación taparía el mal trago vivido.
Poco después de la caída del muro de Berlín, el gran Nick Cave decide ponerle fin a su excursión alemana y mudarse a San Pablo, Brasil, donde grabaría en 1990, The Good Son, su sexto álbum de estudio y uno de los más relevantes en su carrera.
En esta ocasión, Nick parece dejar atrás la furia y visceralidad de sus primeros años enfocando sus sofisticadas composiciones hacia una busqueda más calma, relajada y orquestal, cuestión que genero un divorcio con cierto sector de su público. Más allá de esto muchas de sus canciones capturan el talento y la elegancia del australiano gracias a la presencia de su voz única, como “Sorrow’s Child”, “The Weeping Song”, “The Witness Song” y “Lucy”.
Se dice que el viraje musical de Cave fue inspirado en gran parte a su nueva relación sentimental con la periodista brasileña Viviane Carneiro (con la que tuvo un hijo) y por su rehabilitación para dejar las drogas definitivamente. Lo cierto es que The Good Son le daría inicio a un inspiradísimo período durante la década de los noventa, lanzando discos fantásticos y superándose a si mismo con cada uno de ellos.
Con su sexto trabajo en solitario, Honestidad Brutal, Andrés Calamaro inauguraría su etapa más prolífica, de discos interminables y que abarcan distintos estilos desde el rock hasta el tango, pasando por el reggae, el folk y la bossa nova.
Lanzado como disco doble en 1999, ayudaría a ubicar a Calamaro en lo más alto de la música en español. Gracias a temas que se convertirían en clásicos tales como “Te Quiero Igual”, “La Parte de Adelante”, “Clonazepán y Circo”, “Cuando Te Conocí”, “Paloma”, “Negrita”, entre otros. El punto negativo de este extremadamente veloz ritmo de composición del artista, es lo desparejo que termina siendo la obra en su totalidad ya que cuenta con temazos fuera de discusión y bastantes temas irrelevantes que debió haber dejado de lado. Se dice que en total tenía más de cien temas listos para 1999 pero decidió recortar la suma a treinta y siete (una por cada año de edad del cantante en aquel momento).
Durante las sesiones de grabación Andrés se hizo cargo de varios instrumentos y desfilaron por las mismas participando en el álbum personalidades musicales ilustres como Pappo, Ciro Fogliatta, Marc Ribot, Mariano Mores, Virgilio Expósito, Moris, Daniel Melingo y hasta el mismo Diego Armando Maradona, a quien le dedicó un tema: “Maradona”.
Debido al suceso que significó Honestidad Brutal (para algunos críticos lo mejor de su catálogo), durante ese mismo año Calamaro fue seleccionado para abrir los doce conciertos que Bob Dylan, uno de sus ídolos musicales, realiza durante su gira española.
Lanzado en 1969, dos años después de su trágica muerte, Love Man fue el cuarto disco póstumo en la carrera de Otis Redding, que logró alcanzar importantes lugares en los charts de aquellos tiempos, especialmente impulsado por el corte que da nombre al título.
Los temas, grabados en 1967, muestran parte de lo mejor que el gran Redding dejó antes de partir, dejando en claro que todo lo que en todo lo que se proponía, lo hacía al cien por ciento. En “I’m a Changed Man” emplea el scat, un modo de improvisación en el jazz en el que se usan palabras y sílabas sin sentido, mientras que en “Direct Man”, utiliza elementos del góspel.
“Love Man” es sin dudas la canción más destacada, aunque también “A Lover’s Question” es otra interesante pieza de este muy buen material del recordado Otis Redding.
Piro
Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más
