T-Bone Burnett – The Criminal Under My Own Hat (1992)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Over You: 7,5
  2. Tear This Building Down: 8,5
  3. It’s Not Too Late: 7
  4. Humans from Earth: 7,5
  5. Primitives: 7
  6. Criminals: 8
  7. Every Little Thing: 8
  8. I Can Explain Everything: 8,5
  9. Any Time at All: 7,5
  10. I Can Explain Everything (Reprise): 6,5
  11. The Long Time Now: 7
  12. Kill Switch: 7,5

Joseph Henry «T-Bone» Burnett III nació el 14 de enero 1948 en Missuri, Estados Unidos y transitó toda su niñez en el estado sureño de Texas. Aunque desde niño fue un apasionado sobre todas las cosas del golf descubrió la música por sus padres con canciones de Louis Armstrong, Count Basie, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Cole Porter, entre otros y comenzó a amarla como tantos jóvenes estadounidenses en los sesenta gracias a The Beatles, Buddy Holly y Johnny Cash.

Su apodo (tomado del guitarrista texano T-Bone Walker), comenzó a escucharse cuando fue guitarrista en la banda de Bob Dylan durante la famosa gira Rolling Thunder Revue. Finalizada la misma fundaría junto a David Mansfield y Steven Soles The Alpha Band y lanzarían su primer trabajo en 1976, una banda de folk rock clásico que no durarían demasiado.

Posteriormente comenzaría su propio proyecto solista a comienzos de los años ochenta sin demasiada repercusión a pesar de un puñado de buenos materiales como Truth Decay (1980) y Trap Door (1982), a su vez comenzaría a producir en paralelo a su carrera solista trabajando con artistas estelares como Elvis Costello, Gregg Allman, Elton John, Roy Orbison, Robert Plant, entre otros y produjo la música de exitosos programas de televisión como Nashville y True Detective.

Volviendo a sus discos solistas, T-Bone Burnett comenzaría a trascender en 1992 con lo mejor de su discografía hasta esa fecha: The Criminal Under My Own Hat, por el que recibiría una nominación a los premios Grammy como mejor álbum de folk contemporáneo.

En The Criminal Under My Own Hat, Burnett intercala números acústicos con tracks roqueros de gran factura como “Tear This Building Down”, “Criminals”, “Every Little Thing” y “I Can Explain Everything”. A pesar de este reconocido esfuerzo T-Bone concentro sus esfuerzos en su faceta de productor y recién volvería a componer temas propios catorce años más tarde en otro interesante lanzamiento como The True False Identity.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

A Tribe Called Quest – Midnight Marauders (1993)

Puntaje del Disco: 9

  1. Midnight Marauders Tour Guide:
  2. Steve Biko (Stir It Up): 8,5
  3. Award Tour: 8,5
  4. 8 Million Stories: 8
  5. Sucka Nigga: 8,5
  6. Midnight: 9
  7. We Can Get Down: 9
  8. Electric Relaxation: 9
  9. Clap Your Hands8,5
  10. Oh My God: 9
  11. Keep It Rollin’: 8
  12. The Chase, Part II8
  13. Lyrics to Go: 7,5
  14. God Lives Through: 8

Con Midnight Marauders, lanzado a fines de 1993, A Tribe Called Quest buscó continuar donde lo había dejado con el legendario The Low End Theory (1991), logrando replicar su atmosfera y revalidar las credenciales de su antecesor, aunque sin demasiadas innovaciones que sorprendan.

Por aquel entonces Q-Tip ya se encontraba comandando el rumbo musical del grupo y haciéndose cargo de la producción priorizando un sonido más ecléctico, presentando samples basados en jazz, funk, R&B y soul y en cuanto a las letras se apoyaron básicamente en letras inventivas sobre experiencias de vida, el uso de metáforas, el humor y una mirada de conciencia social.

Desde el comienzo con “Steve Biko (Stir It Up)” y “Award Tour” y en especial promediando el álbum con la seguidilla “Midnight”, “We Can Get Down”, “Electric Relaxation” y “Oh My God” A Tribe Called Quest suenan frescos y confirman ser uno de los mejores representantes del rap alternativo de los noventa.

Midnight Marauders es considerado un clásico del hip hop y para muchos el mejor trabajo de este conjunto responsable de ayudar a cambiar el sonido de la denominada “Costa Este”, que antes era muy ruidoso y agresivo. A partir de aquí Q-Tip durante los noventa contribuyó a potenciar el sonido creado en Midnight Marauders produciendo a artistas como Nas, Cypress Hill y Mobb Deep, entre otros.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Insultos al lingüista

La voz popular se vanagloria de poseer una sabiduría secular que permea a todos los individuos de una comunidad, acaso pretende discernir la verdad absoluta de toda la especie. Sin embargo, aunque muchas veces parece sensato el conocimiento vertido en esa voz popular, regularmente (me atrevería a decir que siempre), la sabiduría del pueblo está equivocada. Si algo he aprendido a lo largo de diez milenios de historia humana es que la opinión mayoritaria está mal. Aclaro que no he dicho que sea errónea, sino que es defectuosa. Cuando una idea se populariza, se echa a perder; ésa es una verdad indiscutible. No importa si en su origen fue una brillante idea, al momento de ser compartida por la mayoría de la gente, se va al caño. Para sostener lo que acabo de elucubrar, pondré en conflicto tres grandes frases de la sabiduría popular. Nomás por discrepar.

  1. Al buen entendedor pocas palabras.

Qué contrariedad tan grande y tan absurda. Esta frase sostiene una realidad completamente de cabeza, volteada patrás. Como escritor, filósofo y eterno conversador, estoy plenamente convencido de que las palabras jamás se deben limitar ni retener. Cuando uno encuentra un interlocutor digno de nuestras ideas, de nuestros sentires, de lo que pensamos, de esas divagaciones intelectuales, lo único que queremos es hablar y hablar y hablar, porque sabemos que quien escucha sí escucha de verdad, que comprende lo que decimos y que también, sobre todo, en algún momento nos habrá de devolver la cortesía y nos deleitará con sus palabras que por seguro tendrán mucha sustancia, relevancia y profundidad. Por eso, al buen entendedor muchas palabras. A los otros, a los que les dices algo muy simple y de todos modos no entienden nada, a esos sí muy poquitas palabras.

  1. Una mirada vale más que mil palabras.

¡Falso! Aquella persona que exprese más con una mirada que con mil palabras es una persona que no sabe usar el lenguaje, una persona cuyo vocabulario es tan limitado o tan deficiente que por ende lo que diga no tendrá mucha fuerza ni significado y tiene que lanzar una mirada para compensar su insuficiencia lingüística. Cuando una persona posee más valor en una mirada que en mil palabras, entonces no tiene sentido sentarse a platicar con ella, bastará con mirarse en silencio y así casarse, tener hijos y morir: juntitos y calladitos. Porque para qué gastar mil palabras inútiles, cortas y pobres. Ah, pero haría falta enamorarse de un poeta para darse cuenta que algunas veces ¡una palabra vale más que mil miradas!

  1. A palabras necias, oídos sordos.

Éste es un consejo para necios, porque sólo a ellos beneficiaría la sordera. Cuando un necio comienza a lanzar sus palabras necias a otro necio, si el segundo necio responde, sólo regresará más palabras necias. Por eso, es mejor ignorarlo, poner oídos sordos y hacer como que no lo escucha. Así, la discusión no se volverá una grillera sinsentido. En cambio, a los no necios no habría por qué ensordecerlos, pues ellos sí tienen la suficiente madurez para resolver dicha discusión. Entonces, el verdadero consejo es: ¡a palabras necias, palabras sabias!

Kobda Rocha

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Mika – The Origin of Love (2012)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Origin of Love: 8,5
  2. Lola: 8
  3. Stardust: 8
  4. Make You Happy: 8,5
  5. Underwater: 9
  6. Overrated: 8
  7. Kids: 7
  8. Love You When I’m Drunk: 8
  9. Step with Me: 8,5
  10. Popular Song: 8
  11. Emily: 8
  12. Heroes: 8,5
  13. Celebrate: 9

MIKA lanza al mercado su tercer disco de estudio en el año 2012 llamado The Origin Of Love. Este álbum abarca temáticas sobre el amor que nada tienen ver con sus dos trabajos anteriores, que hablaban sobre su infancia y adolescencia. Un cambio que vamos a poder notar desde principio a fin es que Mika se introduce en la electrónica y deja de lado el pop rock.

El disco abre con la homónima “Origin of Love” en la que podemos distinguir usos electrónicos y la voz de Mika suena robótica, pero tiene una buena melodía. Luego sigue con “Lola”, un bonito tema pop. Continua “Stardust” con un comienzo agradable y la letra es impecable. Luego entra “Make You happy” pasandode de voces distorsionadas a voz normal. Es una de mis favoritas por sus melodías.

El siguiente track es “Underwater”, uno de los puntos más altos y conocidos del álbum. Al parecer es una balada a piano y deja atrás la electrónica, también contiene los mejores coros del disco y fue lanzado como primer single.

Sigue con una canción demoledora como “Overrated” y luego pasa a la olvidable “Kids”, que al parecer deja un mensaje de paz a los niños. “Love You When I’m Drunk” parece un tema psicodélico, pero con arreglos electrónicos y tiene un estribillo muy pegadizo, con el “I only love you, I only love you when i’m drunk”. Le sigue un corte interesante como “Step With Me”, una canción en la que Mika necesita varios pasos para tener el amor por primera vez.

Después tenemos dos temas pop: “Popular Song”, que se hizo mundialmente reconocida por el sencillo con Ariana grande; y “Emily”. Le sigue “Heroes”, con una letra melancólica y triste, y por último la festiva “Celebrate”, interpretada con Pharell Williams y es otro sencillo.

En conclusión, me parece un buen disco, aunque mucha gente piensa que lo de la electrónica le quedó mal, pero a mí me gustó y lo disfruté. Seguramente si lo escuchas te puede agradar este gran material.

Santi

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 1)

El Jardín de Bronce

Puntaje de la Temporada:

 

  • Año: 2017
  • Género: Suspenso, Drama
  • Director: Hernán Goldfrid, Pablo Fendrik
  • Reparto: Joaquín Furriel, Luis Luque, Norma Aleandro, Julieta Zylberberg, Daniel Fanego
  • IMDb Rating: [wpmdb_imdb] (Votes: [wpmdb_votes])

Seguir leyendo El Jardín de Bronce

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Father John Misty – Pure Comedy (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Pure Comedy: 9
  2. Total Entertainment Forever: 8
  3. Things It Would Have Been Helpful to Know Before the Revolution: 8,5
  4. Ballad of the Dying Man: 8
  5. Birdie: 7
  6. Leaving LA: 6
  7. A Bigger Paper Bag: 8
  8. When the God of Love Returns There’ll Be Hell to Pay: 7,5
  9. Smoochie: 7
  10. Two Wildly Different Perspectives: 7,5
  11. The Memo: 8,5
  12. So I’m Growing Old on Magic Mountain: 7,5
  13. In Twenty Years or So: 8

El tercer álbum de Josh Tillman bajo Father John Misty, Pure Comedy, se conoció a principios de 2017 y se trata de uno de sus trabajos más precisos, elegantes y ambiciosos, cargado por temas de soft rock y folk donde el principal protagonista es su magnífica voz que rememora por momentos a grandes solistas de los años setenta como Randy Newman, Todd Rundgren, Leonard Cohen o Elton John.

Líricamente hablando Pure Comedy está cargado de mensajes políticos y abarca temáticas como el entretenimiento, las celebridades, la fama, la tecnología, el progreso, las redes sociales y la naturaleza humana. Musicalmente sus composiciones son genuinas, mostrando la madurez del artista, especialmente en la primera mitad del álbum (“Things It Would Have Been Helpful to Know Before the Revolution”, “Pure Comedy”, “Total Entertainment Forever”).

Como punto en contra está claro que su música se aleja de lo mainstream, pero ese no es el problema, sino que se extiende demasiado en su duración (alrededor de 74 minutos), y no todos los temas son tan fuertes como deberían (algunas baladas insípidas y melancólicas pueden llegar a aburrir). Lo que nos hace pensar que si Tillman hubiera ejercitado mejor su poder de síntesis y hubiera filtrado algunos tracks estaríamos ante un aún más fantástico y necesario material.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Tropicosito

Ha llegado el turno de poner atención a lo tropical y sabrosito. Musicalmente, hay ritmos latinos de todas calidades y de todas complejidades, desde lo monótono y primitivo hasta lo multitonal y elaborado. No obstante, hoy quiero hacer hincapié, más que en lo musical, en lo lírico, lo cual llega a rozar con lo literario y, mejor aún, lo poético. Aunque no es un rasgo específicamente de lo tropical, tiene un tinte cachondo y sensualón, una especie de enamoramiento juguetón que se sustenta en la premisa de que somos un pueblo de sangre caliente.

Comencemos por mencionar Señorita, A Mí Me Gusta Su Style de Los Rabanes. La cual, entre los albures y los piropos, suelta una sentencia lapidaria: “Cómo camina, cómo baila; por usted yo vendo mi alma.” Esa entrega total para el amor es la predominante en la música, aunque nunca viene una promesa sin esperar reciprocidad; a veces, incluso se vuelve pedinchito al grito de niño de mami, como es el caso de Yo Quiero Una Mujer de Los Amigos Invicibles cuando cantan: “Yo quiero una mujer que me quiera de verdad, que me pueda comprender y que me quiera mimar.” Siempre es más astuto y hasta divertido cuando la petición va aderezada con juegos lingüísticos propios de la plasticidad del idioma. Así lo hacen, por ejemplo, los Hermanos Narvaez en Pancha Baila En Turcos cuando cantan:

“Yo quiero una muchacha que sea muy vivaracha;

para empezar, que sea muy trucha;

que trabajando sea muy hacha;

que parezca una garrocha,

que la pata tenga mocha

y que se robe la mercocha.”

También existen las canciones que describen a la mujer cual si fuera una diosa. Esa mirada masculina para entender la belleza, para endiosarla, para describirla con vivaz tenacidad está presente en Hechicera de Maná. Primero, hablando de ella: “Hay una mujer hermosa, la más primorosa, de ojitos negros y piel gitana. Es una hechicera que domina al hombre con sus danzares, con las caderas. No se sabe de dónde ha salido ni a dónde ha ido; ella es un misterio. Se mueve con cadencia, con la inocencia de una princesa que nadie toca.” Y todo esto sólo para tomar valor y finalmente decirle: “¡Ven! Déjame estrecharte, deja desnudarte bajo la luna poquito a poco.” Lo mismo que hace Emmanuel en Corazón De Melao, primero una descripción deífica, después una invocación amorosa y termina en un diálogo sensualón:

“Mira a la morena que me tiene alborotado;

brinca, salta y baila como un trompo de medio lado.

No hay más que mirarla y ya te sientes atrapado.

¡Ay, que ella me vuelve loco!

 

Suelta la cintura si me quieres enamorado,

deja que la sangre se te mezcle con el cha cha,

bríndame un te quiero con limón y sin mezclar.

¡Mira, que me vuelve loco!

 

Bailo como un loco en tu cintura dislocado,

sorbo de tu boca el veneno regalado.

Una telaraña de tu cuerpo me has echado.

¡Mira, yo me juego todo!

 

En la noche oscura, te escabulles a mi lado.

Subo por tu pecho, sin aliento y todo sudado.

Quiero tu cintura pero todo se ha borrado.

¡Ahora yo me vuelvo loco!”

De pronto, va a parecer que es el hombre quien, casanova, conquista mujeres con música, baile y verbo; pero también la mujer se ha desenvuelto plenamente en este arte de la seducción musical. Y para prueba Amor A La Mexicana de Thalía: “Compasión no quiero. Lástima no quiero. Quiero un amor duro que me pueda hacer vibrar. Tu sabor yo quiero. Tu sudor yo quiero. Quiero tu locura que me haga delirar. Suavecito quiero. Bien rudo lo quiero. Quiero que me llegue hasta el fondo del corazón. Lento yo lo quiero. Siempre más lo quiero. Quiero que me espante hasta perder la razón.” ¡Vaya! Si algún caballero se puede resistir a estos niveles del candor, será un extranjero de sangre fría; porque no hay piel morena que resista los embates de una dama llamando al amor de tal manera. Y por si fuera poco, Thalía no se conforma y lo vuelve a hacer con Piel Morena:

“Es la magia de tu cuerpo o el perfume de tu aliento, es el fuego de tu hoguera que me tiene prisionera. El veneno dulce de tu encanto es la llama que me va quemando; es la miel de tu ternura la razón de mi locura. No soy nada sin la luz de tu mirada, sin el eco de tu risa que se cuela en mi ventana. Eres dueño del calor sobre mi almohada, de mis noches de nostalgia, de mis sueños y esperanzas. Eres suave como el viento, eres dulce pensamiento, eres sol de mis trigales, eres miel de mis cañales. Son tus besos dulce fruta que me embriaga, que se lleva mis tristezas y devuelve al fin la calma. Prisionera de tu amor en la alborada, de tus besos, tus caricias que se quedan en el alma.”

Eso es una declaración de lo más poética. Que me parta un rayo si estoy diciendo una mentira o una barbaridad. Podría hacer un análisis literario sobre la lírica de la canción y exprimir cada figura retórica, cada imagen poética y cada estructura lexicosemántica que la compone, y explicitaría académicamente lo sobrasote de la canción. Pero mejor escucharla y bailar, para qué ponerse sesudos cuando a primera oída se siente el sabor. Justo así lo hacen las Hermanas Navarro en Pepe, una canción de fiesta, de baile, de apretujones, arrimones y caderazos.

Finalmente, cómo dejar fuera la maravillosa Piel Canela interpretada una y otra vez por tantos y tantos, pasada a cuantos géneros musicales se les antoje. Porque, al final del día, no importa en qué ritmo se diga sino con que intensidad, emoción y poesía:

“Que se quede el infinito sin estrellas

y que pierda el ancho mar su inmensidad,

pero el negro de tus ojos que no muera

y el aroma de tu piel se quede igual.

Aunque pierda el arcoiris su belleza

y las flores su perfume y su color,

no sería tan inmensa mi tristeza

como aquella de quedarme sin tu amor.”

Kobda Rocha

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Mika – The Boy Who Knew Too Much (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. We are Golden: 9
  2. Blame It on Girl: 9
  3. Rain: 9,5
  4. Dr John: 8
  5. I See You: 8,5
  6. Blue Eyes: 7,5
  7. Good Gone Girl: 7
  8. Touches You: 8
  9. By the Time: 8
  10. One Foot Boy: 8
  11. Toy Boy: 7
  12. Pick Up Off the Floor: 6,5
  13. Lonely Alcoholic: 7,5

MIKA se había convertido en un artista muy famoso gracias a su anterior disco y por su sencillo “Grace Kelly” que llegaba a las primeras listas. También por su gran voz que lo diferenciaba de otros artistas pop.

En 2009, lanza su segundo trabajo The Boy Who Knew Too Much que sería una continuación de su debut y se ve una portada con la misma estética que su predecesor, pero con diferentes colores y objetos.

En este disco tenemos las tres mejores canciones al principio: los sencillos “We Are Golden” (se trata sobre cómo MIKA se vuelve famoso y tiene el amor de sus fans) y “Rain” (que destaca por tener un estribillo muy bueno), que junto con “Blame It On Girls” serían los únicos con videos musicales, destacando este último por comenzar con una conversación y tener un solo con instrumentación de piano.

Pero luego The Boy Who Knew Too Much va decayendo continuamente y se nota la diferencia de las siguientes canciones con las primeras tres. Aunque podemos destacar a “I See You”, “One Foot Boy” y “By the Time” que tratan de estabilizar al álbum.

En mi opinión, este el trabajo más flojo de MIKA, pero con sus tres primeros cortes se volvería un éxito en las listas británicas y estadounidenses.

Santi

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 1)

The Cult – Beyond Good and Evil (2001)

Puntaje del Disco: 8

  1. War (The Process): 8,5
  2. The Saint: 7
  3. Rise: 9
  4. Take the Power: 8
  5. Breathe: 7,5
  6. Nico: 6
  7. American Gothic: 6,5
  8. Ashes and Ghosts: 8,5
  9. Shape the Sky: 8
  10. Speed of Light: 7
  11. True Believers: 7,5
  12. My Bridges Burn: 8

Beyond Good and Evil, es el nombre elegido por The Cult para su reencarnación en el año 2001 luego de varios años de pausa (su último disco, The Cult, databa de 1994), a su vez marco el retorno de Matt Sorum como baterista quien no los había acompañado en ningún disco de estudio, pero si había compartido giras y escenarios a principios a finales de la década del ochenta.

Para esta nueva etapa mantienen sus cualidades originales, pero le agrega con efectividad distorsión y pesadez, en especial en el sonido de las guitarras de Billy Duffy, así y todo, todavía suena a The Cult gracias a sus buenos estribillos y a la voz consistente de Ian Astbury, sin dudas uno de los mejores cantantes de rock de su generación.

La primera parte de Beyond Good and Evil es todo lo que podemos esperar de los de Bradford, con su sonido clásico intacto en especial en temazos como «War (The Process)» y «Rise». El resto alterna buenas y no tan buenas, sobresaliendo las enérgicas “Ashes and Ghosts”, “Shape the Sky” y “My Bridges Burn”.

A pesar de todos estos buenos condimentos no se trató del disco regreso que la banda esperaba en términos comerciales. Al poco tiempo perdió el interés del público y las ventas cayeron rápidamente y la relación con su nueva compañía discográfica, que demandaba ciertas exigencias demasiado exageradas a las que no estaban acostumbrados, tampoco ayudaría demasiado.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)