Luego de casi cuatro años de producción, en octubre de 2001, el Rey del Pop lanzó Invincible, su sexto y último álbum de estudio. Este material lo encontraría en una situación muy alejada al título del disco, envuelto en escándalos mediáticos y muy alejado del éxito comercial que Jackson había logrado en las décadas pasadas.
El disco se convirtió en el más costo en la historia con una ampulosa producción que si bien en los rankings de algunos pocos países alcanzó buenas posiciones, musicalmente no presenta demasiados aspectos a destacar. Compuesto principalmente de R&B, hip hop, dance pop, este material se torna por momentos demasiado extenso y muestra a Michael intentando expresarse mediante diferentes letras, aunque sin llegar a conmover, más allá de “Butterflies” y “You Rock My World”, que podría catalogarse como el hit del disco.
Invicible es un disco marcado por la nostalgia de ver a un Rey de capa caída, cuyos últimos esfuerzos se enfocaron en generar algo comercialmente aceptable, aunque eso dejando de lado el desarrollo musical.
Al igual que esas películas de Terror que fomentan lo desagradable e innecesario con continuaciones que parecen infinitas solo para seguir explotando su marca y prolongar su existencia, los discos malos son un mal caracterizado por su abundancia desmesurada.
Por eso, para que no pierdas el apetito por degustar los momentos más nefastos del Rock, esta semana desarrollaremos el Festival de Discos Malos de Grandes Bandas. Es la quinta vez que hacemos este maratón. Así que no nos hacemos cargo de las consecuencias que sufran de este cóctel explosivo.
Kevin Johansen es un personaje que cae simpático por su música alegre y letras ingeniosas, aunque por momentos resulta indescifrable, tiene temas de alta calidad y otros bastante flojos tal cual podemos verificar en su cuarto trabajo: Logo.
En Abril de 2007 Kevin Johansen+The Nada volvieron a escena con un disco que continúa con su estilo particular que alcanzaría su máximo esplendor en el triunfal City Zen (2005), aunque sin tantas composiciones para el recuerdo. Algunas como “Anoche Soñé Contigo”, “Fantasmas de Carnaval” y especialmente “Luna Sobre Porto Alegre” dan la talla pero también hay ciertas experimentos fallidos en tono cómico que salieron bastante mal como “Chica Rollinga” y “Amistad de Borrachera”.
Al igual que en City Zen contaría con un buen reparto de invitados como la puertoriqueña Ileana Cabra (Calle 13), la colombiana Andrea Echeverri (Aterciopelados), el brasilero Paulino Moska, la española Amparo Sánchez (Amparanoia) y el también español Albert Plá.
En 2008 luego de presentar Logo por España, América Latina y Argentina Kevin encararía un proyecto junto al popular dibujante Liniers. La editorial “De La Flor” editó OOPS!, libro en el que las letras de los temas de Kevin se unieron a las ilustraciones que el dibujante Liniers hizo de sus canciones y que fueron llevadas al vivo. Llevadas astutamente a presentaciones en vivo y un tour de gran repercusión internacional. Esta exitosa sociedad se coronó con el registro en CD y DVD de Vivo en Buenos Aires.
Justo después de la ruptura de Faith No More, Mike Patton se encerró en su casa y creó una serie de demos experimentales caracterizados por una velocidad extrema y ritmos frenéticos y se los mandó a Trevor Dunn (Mr. Bungle), Buzz Osborne (Melvins) e Igor Cavalera (Sepultura) quien declinó la oferta pero recomendó a Dave Lombardo (Slayer) quien fue el ultimo en aceptar para crear la mejor superbanda de la historia de la música moderna: Fantômas.
En 1999 sacaron Fantômas su primer álbum que fue muy bien recibido por la crítica, pero no sería hasta 2001 que sacaron Director’s Cut que se ganaron el respeto del público y crítica por igual.
Este disco contiene puros covers de películas de terror, thrillers y series de T.V. pero antes de que te alejes de él por leer la palabra «covers» tienes que darle una escuchada a uno de los discos más originales y vanguardistas del siglo XXI. Describir el sonido de Fantômas es todo un caso, tenemos una batería endemoniada, una guitarra densa y pesada, un bajo electico a más no poder y una voz totalmente impredecible.
Este discazo comienza con «The Godfather» de una forma tranquila adentrándonos al tema original de la película para después volarnos la cabeza con thrash metal haciendo oda a la locura de la banda, que dura menos de un minuto para devolvernos al ambiente tranquilo del tema de origen pero sin dejar de sonar totalmente desquiciado con las voces agudas y graves de Patton.
«Der Golem» es un doom metal que parece grabado bajo el agua, es como un martillazo en la sien tras otro. Este tema es Melvins puro, al menos es el que más influencia de la guitarra de Osborne tiene, un tema lento hasta los últimos segundos que comienza una suerte de death metal demoledor.
Pasamos a «Experiment In Terror» que comienza parecido a «Der Golem» pero de nuevo nos engaña cambiando a una de las canciones más tranquilas y dulces del disco, una especie de jazz/sludge metal (por más loco que suene eso).
«One Step Beyond» es pura locura de voces y tarola, solo para devolverte a la idea de que no sabes que diablos estás a punto de escuchar, aquí las voces de Patton son hasta de miedo. Sigue «Night Of Hunter (Remix)» que no es nada más que un pequeño interludio, bastante terrorífico también, de un minuto; sigue «Cape Fear» que es un poco inferior a lo que venía demostrando el disco pues es un tema de doom metal con la tonada de la película, aún así, no es mala, es bastante entretenida por (de nuevo) las voces dulces de Patton.
Se viene otro diez en este disco y es: «Rosemary’s Baby» que es el tema más escalofriante del concepto, iniciamos con unas voces casi femeninas por parte de Patton que me recuerdan incluso un poco a Björk, y el tema crece de poco en poco hasta reventarse con una guitarra sucia y unos sonidos de bebé que te ponen los pelos de punta. De ahí sigue «The Devil Rides Out (Remix)», otro interludio oscuro pero no pasa de ser eso y llega «Spider Baby», un tema que jamás he sabido encasillar en ningún género y es, como todos los temas, entretenido hasta la médula.
«The Omen (Ave Satani)» inicia como un oratorio emulando el la esencia del tema fuente y cuando menos te los esperas se transforma en el tema más pesado de todos, rápido, tajante, y ensordecedor. «Henry: Portrait Of A Serial Killer» nos regresa a un tono calmado por decirlo de alguna forma, pues es un tema lento pero enérgico, poderoso y aplastante, sin embargo «Vendetta» baja los decibeles dándonos el tema más tranquilo pero no por eso un tema malo, solo se siente un poco fuera de tono, demasiado feliz podría decirse, con una mezcla rara de funk jazzero bastante llevadero y más que nada una antesala al final del disco.
Después de cinco segundos de puro silencio en «Untitled» se viene la triada perfecta que cierra esta obra, «Investigation Of A Citizen Above Suspicion» adentra a un ambiente casi circense con un teclado que recuerda a Mr. Bungle por momentos hasta que se vuelve una masa de sonidos electrónicos y riffs pesados y lentos para terminar descomunalmente con el bajo de Dunn y la batería de Lombardo casi hablando entre ellas a una velocidad que nos recuerda mucho a cualquier tema del «Reign In Blood» de Slayer pero si Mike Patton liderara dicha banda, solo imaginen eso. «Twin Peaks: Fire Walk With Me» es otro tema que no tengo géneros para resumir, quizá jazz, quizá hip hop instrumental (supongo que no puede ser por que hay voces), sonidos electrónicos, Patton de nuevo usando su voz femenina y las guitarras doom a pulso, una locura digna de escucharse. Y para cerrar con broche de oro empieza el scat de Patton en «Charade» con otro tema que parecerá oscuro a más no poder pero utiliza percusiones étnicas y una batería jazz pero un bajo blusero por momentos, de nuevo: una mezcla de cosas inclasificables y es que eso es lo que busca Fantômas, ir a la vanguardia y logra dar una música nada convencional pero al mismo tiempo bastante pegajosa algo que es bastante difícil.
Dato Curioso: Este es el único disco de la banda que contiene alguna letra pues la voz de Patton es usada como un instrumento en los discos restantes y es el más reconocido de la banda por ser el más fácil de escuchar… imaginen como están los demás.
En los sesenta las bandas tenían tiempo (e ideas) para sacar un disco por año y a veces hasta dos. El primero de los dos materiales que The Moody Blues lanzaría en 1969, On the Threshold of a Dream, se grabó durante el crudo invierno londinense en los “Estudios Decca” y fue el primero donde los ingleses tuvieron la oportunidad de preparar con calma.
La música de Moody Blues fue mutando con los años y comenzaron a dejar de lado la psicodélia y la música negra por un agradable rock elaborado y experimental que sirvió como inspiración para nuevos grupos como Genesis, Yes y King Crimson, que acentuaron y mejoraron la búsqueda conceptual e instrumental de la banda de Birmingham en algo superior como el rock progresivo. «No sabíamos realmente que estábamos contribuyendo a la formulación de un estilo nuevo, todo lo que hacíamos era escribir la música que nos agradaba y grabarla como nos gustaba», declararía Justin Hayward posteriormente.
En On the Threshold of a Dream estamos ante una banda mucho más madura que aprendió mucho codeándose en giras con otras grandes bandas contemporáneas y volcando todas sus experiencias en estudio. El lado uno en su LP original es el más roquero incluyendo buenos momentos como “Lovely to See You”, “Dear Diary” y “So Deep Within You”. El lado dos es el más ambicioso comenzando con dos composiciones acústicas elevadas “Never Comes the Day” y “Lazy Day” y seguidas por tracks experimentales y pretenciosas donde abundan instrumentos de todo tipo sobresaliendo el melotron a cargo de Mike Pinder y la flauta.de Ray Thomas. “Have You Heard” en sus dos partes no tiene desperdicio y es un ejemplo de rock progresivo en su origen y apogeo. Sin ser su mejor obra es fundamental para entender su evolución e incursión en territorios desconocidos dentro de su repertorio.
“I’m ready, my lord” dice Leonard Cohen en su último disco, You Want It Darker, como si se despidiera y reconociendo que estaba preparado para la muerte. Tan solo unos días después nos enteramos de la lamentable noticia de su defunción a la edad de 82 años.
Cuando uno habla de Leonard Cohen no alcanzan los elogios para describir lo grande que fue. Desde los años sesenta con su álbum debut, Songs of Leonard Cohen, empezó a demostrar todo su talento como referente de Folk Rock y además como letrista, llegando a estar a la par de Bob Dylan. Justamente, cuando hace unas semanas se anunció que Dylan iba a recibir el Premio Nobel como Mejor Escritor, algunos comentarios que surgieron fueron: “¿Y por qué no dárselo a Leonard Cohen?”.
Aunque no hay que quedarse solo con sus letras, Leonard era un poeta pero además fue el autor de grandes clásicos que incluso diversos artistas tomaron para hacer covers. “Hallelujah” es tal vez uno de los más conocidos.
Y además lo mejor de Cohen es que supo mantenerse y reinventarse a lo largo de los años. Incluso en sus momentos de déficit financiero. Un claro ejemplo de ello son sus últimos grandes discos, Old Ideas, Popular Problems y You Want It Darker. Estos grandes trabajos discográficos no solo reinstalaron su figura, sino que también llegarían a destacarse como unos de los mejores discos de los últimos años. Entre ellos You Want It Darker sería su último testamento, con su sonido muy oscuro y casi fúnebre, que terminaría profetizando su propia partida. Un adiós similar al de David Bowie con Blackstar a principios de año.
Así se nos fue otro genio y la lista de leyendas inolvidables que pasaron a la eternidad se sigue agrandando. Descansa en paz Leonard…
Year Zero (2007) de Nine Inch Nails quedará en la historia contemporánea como uno de los lanzamientos más ambiciosos de los últimos años en la historia musical.
Se trata de un disco conceptual crítico de las políticas estadounidenses presentando su visión desde el año 2022, bautizado año cero por tomarlo como la fecha de renacimiento de aquel país a raíz de las derivaciones de su política exterior. No obstante el proyecto Year Zero no solo fue ambicioso por su temática sino por la forma en que se instaló mediáticamente, incluyendo desde una película hasta un juego de realidad virtual que consistió en series de websites, números telefónicos, corres electrónicos, MP3s, videos y murales con el fin de promocionarlo con una historia ficticia sobre el álbum.
El marketing del trabajo pergeñado por el cerebro de Trent Reznor incluyó hasta “pendrives” y discos USB encontrados por fans en conciertos de NIN durante su gira europea en Europa con canciones en alta calidad de material todavía no lanzado de Year Zero.
Desde lo musical estamos ante un trabajo sólido, aunque poco amigable, intenso, conceptual y opuesto a su antecesor el más convencional With Teeth (2005). En su mayoría creados desde la laptop de Reznor mientras se encontraba de gira. Year Zero es difícil de clasificar signado por un clima claustrofóbico, tenso y oscuro, un puñado de tracks se ubican por encima del resto como “The Beginning of the End”, “Vessel”, “Me, I’m Not”, “Capital G”, “My Violent Heart”, “God Given”, “In This Twilight” y “Zero-Sum”, coherentes con la temática conceptual apocalíptica que domina el proyecto.
Year Zero es la grabación más acertada y compleja de NIN desde The Downward Spiral (1994). Y es a su vez es una especie de manifiesto profético de cómo puede terminar el mundo si las cosas no cambian, contado desde el heavy metal, el rock industrial, la electrónica, el hip hop todo en poco más de una hora de duración.
De la disolución del grupo Trip Shakespeare surgió Semisonic, cuando Dan Wilson y John Munson se unieron al baterista Jacob Slichter. En 1995 la nueva formación editó el EP Pleasure y al año siguiente, lanzó el disco debut bajo el nombre de Great Divide.
Combinando instrumentos tradicionales del rock con algunos sonidos eléctricos, este material se las ingenia para caer bien de entrada. “F.N.T” y “If I Run” es una prueba de ello, que presentan buenas melodías.
El cuerpo del disco mantiene la misma estructura, cerrando una muy buena primera presentación para este primer material.
De todos modos, lo mejor llegaría luego para esta interesante formación.
Guasones continuaría en su curva ascendente y una marcada evolución musical en su tercer trabajo, Como Animales (2003),
Sobre que podemos esperar en este nuevo lanzamiento la propia banda platense lo explicarían en una nota de promoción de la época: “Viene medio «punckoso», las baladas son bien ochentas, nos hacemos cargo de alguna influencia de Andy Sumers, yo te hablo más por el lado de la guitarra, más abiertas y con arpegios, creando climas y por otro lado guitarras súper filosas bien a lo Skay. Entonces salió como una mezcla de punck-rock con un cantante stone y tocamos inclusive un tema con Juanse (Ratones Paranoicos), un día Juanse cayó al estudio y nos dijo que nos iba a producir un tema… ¡¡¡¡después de la cuarta cerveza!!!! Fue una experiencia muy linda, ya que es un ídolo de la infancia de la banda, vino, se copó, el tipo es un cago de risa.”
Como Animales es un buen disco de rock and roll. Se apoya en los temas movidos bien roqueros y en las baladas de corte Stone, destacándose “My Love”, “Estupendo Día”, “Es Tarde” y el corte de difusión y quizás su tema más reconocible “Me Muero”.
En Marzo de 2004 mientras presentaban su flamante lanzamiento Guasones sufrió una especie de crisis derivada de un grave accidente automovilístico que sufrieran cuando regresaban de Mendoza en la Autopista Buenos Aires – La Plata. Luego de esto comenzaron a circular rumores de una posible separación, aunque su líder Facundo Soto lo desmintiera. A los meses el guitarrista José Tedesco abandona la agrupación generando incertidumbre nuevamente pero el resto decidió seguir adelante con sus ambiciones y contraron a “Pota” Saavedra para cubrir la ausencia en guitarras.
Un buen día mi archi hermano, Luquitas Bonjo, me dijo: “Vuelven los Guns”. Mi respuesta fue: “Vuelve Axl Rose con su propia banda bajo el nombre Guns N’ Roses, querrás decir”. “¡No, volvieron los verdaderos Guns!” me respondió. Y así fue. Axl, Slash y compañía lograron ponerse de acuerdo para juntar a la mayoría de los miembros originales de la banda, muy probablemente por cuestiones financieras, porque seamos realistas, no les estaba yendo tan bien por separado. La carrera de Slash en sus proyectos paralelos como Velvet Revolver y en solitario nunca supieron despegar. Mientras que Axl Rose nunca tuvo mucho éxito con su versión de los Guns N’ Roses y ahora se las rebuscaba como vocalista de AC/DC. Pero la vuelta de los Guns con su formación original era algo importante y muy esperado. Comparable con que los hermanos Gallagher hagan las pases y vuelva Oasis, o con que vuelvan los Redondos en la Argentina. Porque al final de cuentas “el todo es más que la suma de las partes”.
Los fanáticos así respondieron a la noticia de retorno, abalanzándose para comprar las entradas y llenar dos Estadios de River, el mismo escenario donde habían culminado su gira de 1993. Su nueva gira, llamada Not in This Lifetime, tendría como fechas de visitas a la Argentina el 1/11 en Rosario y el 4/11 y 5/11 en Buenos Aires. Nuestra asistencia a esta importante vuelta sería en el último de estos días.
Ya preparados arribaríamos a los alrededores del estadio con 2hs de tiempo antes del comienzo previsto para las 21hs. Nos recibiría una larga pero muy larga cola para acceder al campo, que llegaba hasta el fondo del Club Ciudad y luego daba la vuelta para volver a su punto original. En otras palabras, para quienes no conocen la ubicación, eran más de 20 cuadras de cola que avanzaba a paso tortuga. Un verdadero embudo que se le puede atribuir a los problemas de organización para meter a tanta gente en un único acceso de 3 metros de ancho. Por eso recién estaríamos dentro del estadio a las 21:15hs. La buena noticia es que tuve el privilegio de perderme a Airbag como banda telonera.
Con tanta gente afuera era evidente que el comienzo se demorara un poco. Mientras tanto se podía estudiar el tipo de público que fue a ver a los Gansos Rosas:
El 80% de los personajes de campo llevaban remeras negras.
El 70% de las remeras eran de los Guns, preferentemente con la portada de Appetite For Destruction.
Al fondo del campo se encontraban los que descansaban sentados en el piso, en el medio los padres de familia (que promediaban entre los 35 y 45 años) que fueron con sus hijos menores de edad y adelante los jóvenes irreverentes que querían poguear cerca de la valla.
Eran las 21:40hs cuando se apagaron las luces en el estadio. Era el momento de que la banda salga al escenario. Los celulares se alzaron para filmarlo, pero eran tantos que terminaban filmando el celular que tenían por delante. “It’s So Easy” sería el encargado de dar comienzo a esta esperada vuelta, seguido de “Mr. Brownstone” para hacer vibrar con las primeras sacudidas de energía al estadio. Desde entonces se podía comprobar que efectivamente eran los Guns los que estaban rockeando como si 23 años de espera no fueran nada. De hecho Axl, de quien los años hicieron estragos, estaba cumpliendo más que bien con su función como vocalista pese a tener la apariencia de una señora jubilada, con mezcla de Cherashny y Mickey Rourke. Y nuestro Tío Cosa con galera, Slash (con su musculosa que decía «Buenos Fucking Aires»), la estaba gastando como ninguno en guitarra. “Es el lírico del grupo” me comentaba Luquitas Bonjo.
La noche avanzaría y el Set List poco a poco empezaría a tomar la forma de un “grandes éxitos” en vivo. Entre ellos “Welcome to the Jungle” sería uno de los momentos más vibrantes en el público. La bienvenida a la jungla fue recibida con una revuelta poguera muy efusiva. Obligaría a Axl a pedir que por favor den un paso para atrás para que no aplastar a los que están más adelante. Situación similar se dio en “Sweet Child O’ Mine”, donde además se les sumaron los gritos más histéricos de las fanáticas más fervorosas de la banda. Luquitas Bonjo terminó aturdido por su culpa.
Estaban dando lo que fueron a buscar sus espectadores: un verdadero espectáculo de Rock. Y justamente en este punto me detengo, si hay algo que distingue a este grupo respecto de los otros de los ochenta es que siempre respetaron sus raíces e influencias, y no son una mera banda de Glam Metal que vive de la existencia de un Hit. Los Guns son una verdadera banda de Rock (o Hard Rock) que supo componer verdaderos clásicos.
En cuanto a sus integrantes, todos tuvieron su momento de gloria en la noche. No solo Slash con sus solos resaltándose el tema del Padrino en guitarra, también Duff McKagan interpretando su propia canción y hasta el baterista Steven Adler, quien apareció con camiseta argentina (demagogia pura) para interpretar “My Michelle”. De hecho, Rose se preocupaba mucho por presentar a la banda.
Mención aparte merecen los covers, no solo “Live and Let Die” y “Knockin’ on Heaven’s Door” inmortalizados como temas propios, sino también los nuevos. Interpretarían la versión instrumental de “Wish You Were Here”, con unos tímidos cantos del público, y “Sister Morphine” de los Stones, también instrumental y poco reconocida por la gente, como intro de “Patience”, dejando en claro que muchos Fans de los Guns deberían conocer más de otros grupos de Rock. Y ni hablar cuando tocarían “The Seeker” de los Who, creo que yo era el único infeliz que la cantó en todo el estadio.
Fue un muy buen concierto con un despliegue muy sólido de la banda y un gran repaso de temazos como “Civil War”, “November Rain” y “Paradise City” en el cierre. Los fanáticos más acérrimos también festejaron la inclusión de “Estranged” y “Coma” en su Set List. Por eso hay que celebrarlo, porque los Guns volvieron y la larga espera terminó.
Persy
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