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R.E.M. – Out of Time (1991)

R.E.M. - Out of Time (1991)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Radio Song: 5
  2. Losing My Religion: 9,5
  3. Low: 8
  4. Near Wild Heaven: 6,5
  5. Endgame: 7
  6. Shiny Happy People: 8,5
  7. Belong: 7,5
  8. Half a World Away: 7,5
  9. Texarkana: 7
  10. Country Feedback: 8
  11. Me in Honey: 7,5

En el año 1991, cuando el Grunge se apoderaba de la escena musical, uno de los paladines del Rock Alternativo de los ochenta como R.E.M. no tomaría exactamente la misma vertiente. Al contrario, con Out of Time ofrecería un producto de cualidades que chocan entre sí.

Como aspecto positivo Out of Time se destaca por la diversidad de instrumentación en cada canción. El ejemplo más distintivo sin ir más lejos es la mandolina de “Losing My Religion”. Así que desde ese aspecto tiene su cuota experimental. Por otra parte, los cortes son en general de Folk Rock y Pop Rock, con melodías que están bastante bien pero que simultáneamente son convencionales y en algunos puntos comerciales. R.E.M. con cortes como el hit “Shiny Happy People” y el ya mencionado “Losing My Religion” definitivamente abandona las sombras del under para ofrecer algo más cercano al mainstream. “Losing My Religion” debe ser el tema de R.E.M. más difundido en radios, en MTV y liderando charts como pocos.

Pero el inconveniente del álbum por el cual no es grandioso, es que resulta bastante desparejo. Muchas de las canciones de Out of Time pese a tener melodías en general potables y una instrumentación interesante, no por ello son grandes composiciones. El caso más ejemplar es “Radio Song” en donde formulan una especie de hibrido de Funk con Rap, donde colabora KRS-One, que resulta chocante.

Entre otros experimentos que no son tan habituales en ellos está el popy “Near Wild Heaven”, con armonías vocales a la Beach Boys que no son tan atractivas. También combinan Pop con Spoken Word en “Belong”. Además tenemos tenemos a “Low” y “Country Feedback” con un estilo más oscuro y alternativo que llega a capturarte.

Pero sin dudas sus dos singles “Shiny Happy People” (con Kate Pierson, cantante del grupo The B-52’s, realzando la melodía con su voz) y “Losing My Religion” son los que acaparan la principal atención. Especialmente este último que, con su riff de mandolina, terminarían armando un folk rock que sería el clásico definitivo de la banda de Michael Stipe, aunque no por eso el mejor  en la historia del grupo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Clap Your Hands Say Yeah – Some Loud Thunder (2007)

Clap Your Hands Say Yeah - Some Loud Thunder (2007)

Puntaje del Disco: 8

  1. Some Loud Thunder: 7,5
  2. Emily Jean Stock: 8,5
  3. Mama, Won’t You Keep Them Castles in the Air and Burning?8
  4. Love Song No. 7: 7,5
  5. Satan Said Dance: 9
  6. Upon Encountering the Crippled Elephant: 7
  7. Goodbye to Mother and the Cove: 8
  8. Arm and Hammer: 8
  9. Yankee Go Home: 7,5
  10. Underwater (You and Me): 8,5
  11. Five Easy Pieces: 7

El proyecto de indie electrónico Clap Your Hands Say Yeah conseguiría lo que pocos que llaman la atención y se ponen de “onda” en su debut consiguen, mejorar su performance inicial en su segundo material, Some Loud Thunder, distribuido desde principios de 2007.

Clap Your Hands Say Yeah (2005) fue un buen disco, ideal para presentar a esta banda desconocida de Philadelphia, pero que dejaba en claro que dada sus condiciones podían mejorar y mucho. En este su segundo esfuerzo consolidaron su sonido y lo expandieron, cosa que pocas bandas de esta era pueden conseguir y dejan de esta de moda.

Con un sonido mucho más sofisticados, distorsionado, visceral y creativos, gracias al trabajo mancomunado de Alec Ounsworth con su productor estelar Dave Friedmann (The Flaming Lips, Mercury Rev, etc), CYHSY brilla en varios inspirados pasajes como “Emily Jean Stock”, “Mama, Won’t You Keep Them Castles in the Air and Burning?”, “Goodbye to Mother and the Cove”, “Underwater (You and Me)” y el single “Satan Said Dance”.

CYHSY ya no sorprenderá a nadie por sus buenas intenciones y a partir de este inspirado segundo trabajo, se les exigirá mucho para estar a su propia altura, esperemos que les dure.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Donovan – Sunshine Superman (1966)

Donovan - Sunshine Superman (1966)

Puntaje del Disco: 9

  1. Sunshine Superman: 9,5
  2. Legend of a Girl Child Linda: 9
  3. Three King Fishers: 8
  4. Ferris Wheel: 8
  5. Bert’s Blues: 8,5
  6. Season of the Witch: 9,5
  7. The Trip: 8
  8. Guinevere: 8,5
  9. The Fat Angel: 8
  10. Celeste: 10

Para el año de 1966, el  Escocés Donovan Leitch era todo un ídolo juvenil en el género del Folk, por lo cual le comparaban con la inmensa sensación que era la superestrella y estandarte Bob Dylan, algunos casi tomándolo con una especie de copia (algo que no era bueno para la imagen del Europeo).  No obstante en esa época la escena musical iba transformándose a un ritmo acelerado, con bandas ascendentes planteando nuevas tendencias y bandas ya establecidas reinventándose; el mismo Dylan ya lo había hecho al volverse “eléctrico” con su Highway 61 Revisited. Donovan probablemente se dio cuenta de que el también necesitaba evolucionar de su simple folk para continuar con su desarrollo artístico.

Lo que hizo el joven fue empaparse con música con la que no había trabajado anteriormente, particularmente el Jazz y la música oriental, así como el Blues. Por otro lado se adentró en lo que era el movimiento hippie de aquellos años buscando inspiración en sus drogas una inspiración para su música. De esta manera fue como se facturó uno de los mejores discos de su carrera, Sunshine Superman, considerado uno de los primeros álbumes psicodélicos y que encima le convirtió en un símbolo de la contracultura del Flower Power.

En este revolucionario trabajo, nos encontramos al trovador entrando en lo que sería su pico creativo, ofreciendo diez temas que van de enganchantes a reflexivos y generalmente ricamente adornados con una instrumentación bastante completa, producto de la mezcla de sus influencias. Y una prueba del cambio es el homónimo tema de entrada al álbum, este single veraniego fue un hit hecho para pegar al a radio con su atractivo pop psicodélico.

No obstante Donovan no se olvidad de sus raíces folk y enseguida llega el poema medieval que es “Legend of a Girl Child Linda”, donde por seis minutos deleita con una narración que evoca unas visualizaciones excepcionales sobre la edad media, añadiendo certeros arreglos de cuerdas y de viento a su guitarra acústica. A continuación entran las influencias orientales  en “Three King Fishers” y “Ferris Wheel”, sobretodo destacando la presencia de la Sitara, convirtiéndose en uno de los primeros británicos en darle uso a este instrumento que se popularizaría inmensamente en muchas bandas de peso, no puedo menos que decir que la manera en que entran esos pasajes Hindúes es una gran maravilla. Cerrando la primera mitad del disco está “Bert’s Blues”, dedicado a su gran amigo folkero Bert Jansch, esta vez entrando arreglos mas clasicistas de la mano del Harpischord (en español conocido como Clave).

La segunda mitad del disco abre de la misma manera que la mitad, con otro temazo de los más grandes de la psicodelia sesentera; “Season of the Witch”, un tema eléctrico y que no le pide nada a la pista del título, de hecho por mi parte me atrevo a señalar este tema como el más accesible y pegador del álbum (mucho se le debe también a la intervención en guitarra eléctrica de un entonces joven Jimmy Page). A continuación la temática se vuelva acida con la jazzera y tintineante “The Trip” que tal como su propio título indica, trata sobre un viaje de LSD que Leitch llegó a experimentar. “Guinivere” a continuación es otro tema de Folk de recamara, de temática  medieval y basado en intrincados pasajes de guitarra estilo fingerstyle (una especialidad del escocés).  Luego tenemos “The Fat Angel” que se convirtió en uno de los temas más queridos por los fans del artista. Pero la cereza del pastel está a final del disco con la magistral y pastoral “Celeste” donde el mismo Donovan se expresa sobre los cambios de la vida, particularmente sintiendo el peso de su propia fama, no obstante admitiendo que estar acompañado será lo que le hará salir adelante respecto a esos cambios. La potente letra combinada con la armoniosa combinación instrumental  (nuevamente el Harpischord hace diferencia) solo hace de este tema un cierre perfecto al disco..

Por su riqueza de música y letras Sunshine Superman  se convirtió en un hit en ambos continentes Americano y Europeo, y forma junto a Mellow Yellow (1967) y  A Gift Form a Flower to a Garden (1967) la trilogía dorada de Donovan en su cúspide artística.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)

El Bordo – Vivo Luna Park (22/05/2016)

 

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“No entiendo por qué vinimos acá…” entona Ale Kurz en las primeras líneas de “En la vereda”. “Yo tampoco” siento decir muy adentro mío. ¿O tal vez sí?

Es la fiesta de El Bordo. La fiesta de una banda que, como su propio cantante dijo, crecieron poco a poco durante nada menos que 17 años hasta cumplir lo que para ellos era un sueño: tocar en el Luna Park, llenar el Luna Park o casi (quedaron pocas entradas e incentivaron hasta último momento a comprarlas desde su Facebook y Twitter). Y cumplieron su sueño, el grupo nacido en el “Pelle” tuvo su noche de Luna llena, algo que no todos logran ¿Pero cómo llegaron a eso?

Comúnmente el Bordo se muestra como un grupo humilde. Una banda de “Rock de Barrio”, que no es otra cosa que una banda bien básica de Rock And Roll. Es uno de los tantos que se ganaron el rótulo de lo que hoy en día se conoce como “Rock Argentino”. Pero este “Rock Argentino” no es necesariamente el que mejor representa lo más original de la escena nacional. Al contrario, dentro de este compendio de bandas tenemos a cosas como La 25, Cielo Razzo, Callejeros, Pier, Los Gardelitos y demás bandas que su idea de Rock no es otra cosa que ofrecer algo cuadrado, genérico y reiterativo, a los que no se les cae una pisca de innovación. Son los hijos bastardos de los Redondos y algunas bandas más  mundanas como los Ratones Paranoicos.

El Bordo tampoco está exento de esta crítica al Rock Nacional. Aun así con su último disco, Hermanos, dio señales de evolucionar. “Existir”, “Instinto” y “Lejos” no solo son canciones que se transformaron en hits por sus muy buenos estribillos y melodías, sino que también, despegan un poco con buenas composiciones con piscas de rock más alternativo.

Era su momento. Así El Bordo eligió el 22/05/2016 como su fecha consagratoria, con una cuenta regresiva que se les habrá hecho eterna hasta llegar al día del recital más importante de su historia. Llegado el día, minutos más tarde de la hora señalada, la banda saldría al escenario con “Soñando Despierto” para hacer explotar el campo. Y si de su público hablamos es realmente muy pasional, agitando con cada acorde y entonando con fanatismo sus letras. No solo era la fiesta de El Bordo, era la fiesta de sus seguidores. Una fiesta completa en los cuales no solo había banderas de otras bandas (compartiendo el público como si tuvieran una relación simbiótica), sino también globos y “minitas” desencajadas en los Pullman (no en las plateas laterales, esos eran sapos demasiado tranquilos de otro pozo). Solo se calmaron cuando estrenaron “El Traidor” como tema inédito.

En ese sentido a su favor, tengo que decir que varios temas del grupo suenan mucho mejor en vivo que en su versión de estudio. Tienen más poder, aunque no todos los temas tengan la misma solidez. Si alguno no es bueno no hay potencia que lo arregle. Pero eso poco les importó. Es su noche y se despacharon haciendo lo que tanto querían, armando una fiesta de casi 3 horas repasando nada menos que 32 temas (con mayor predominancia de canciones de Yacanto, En la vereda de enfrente y Hermanos), desplegando solos de guitarra, armónica, batería y lo que se les ocurra.

Además sumaron artistas invitados. El primero de las celebridades invitadas fue el ex Vox Dei, Ricardo Soulé, quién apareció con violín para interpretar “¿A dónde vas?” dando pinceladas con su instrumento que, aunque no se escuchaba todo el tiempo, El Bordo debería incorporarlo como cosa sería para mejorar los arreglos de sus temas. Luego el turno fue de guitarrista de Almafuerte, Tano Marciello, para interpretar «La Patada». Pero si de festejo hablamos, no podía faltar Maikel y El Mono de Kapanga, dando clases de lo que es ser un showman  en “Silbando una ilusión”. Y por último, el invitado final fue su propio productor de Hermanos, Manu Vázquez, quien se calzó la guitarra para interpretar “Instinto”.

Fue su noche especial, con sus excesos que eso conlleva, como la larga duración del Show, la larga espera para que interpreten el Encore de cierre y hasta por ver a Alejandro Kurz interpretando tirando en el piso (casi babeando de costado) en uno de los tramos del concierto. Pero saben qué, eso también forma parte del Rock. ¿Entiendo ya por qué fui?

Persy

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Babasonicos – Pasto (1992)

 

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Intro:
  2. D-Generación: 9,5
  3. Tripeando: 6
  4. 41′ de Ocio:
  5. Sobre la Hierba: 8
  6. Chicos en el Pasto: 7
  7. Canción de la Bandera: –
  8. La Era Del Amor (Parte 1): 7,5
  9. Natural: 8
  10. Mutha Fucka:
  11. Somos La Pelota: 7
  12. Guarda D.P.!:
  13. Bien: 7
  14. Listo:
  15. Indios: 7
  16. Fiebre Roller: 6,5
  17. Sol Naranja: 8,5
  18. Umito:
  19. Margaritas: 7,5
  20. D-Generación (Trash Mix): 6

Hace ya unos 25 años un grupo de jóvenes desarreglados de la localidad de Lanús, del Gran Buenos Aires, se juntarían para pisar fuerte en el circuito del under porteño. Adrían Dargelos, Diego Rodriguez, Mariano Roger, Diego Tuñón, Gabo Manelli y Diego Castellano le dieron vida a Babasonicos, banda hoy en día legendaria del rock nacional y que en esos comienzos sonaban crudos, alternativos y experimentales.

Tras fichar para la discográfica “Sony Music Argentina” la banda se aisla en una quinta de Ezeiza para grabar en Otoño de 1992 su primer LP producido nada menos que por Gustavo Cerati, Pasto. Demasiado complejo para lo que era el mercado argentino en ese entonces recibió demasiadas críticas por su estilo loco y volado.

Fue gracias a “D-Generación” que se hicieron notar, sonando intensamente en las radios locales por su mezcla de rock distorsionado agresivo con estribillo adictivo y «coreable», pero cuentan con otros temas para el recuerdo como “Sobre la Hierba”, «La Era del Amor», “Natural” y “Sol Naranja”.

Pasto no está entre los mejores discos de los Babasonicos ni por asomo, pero es una presentación al mundo de este grupo de adolescentes que si bien tenían muchas imperfecciones que al poco tiempo pulirían en Trance Zomba (1994) o Dopadromo (1996), demostrarían tener muchas ganas, buenas intenciones y actitud.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Syd Barrett – Barrett (1970)

Syd Barrett – Barrett (1970)

Puntaje del Disco: 8

  1. Baby Lemonade: 9
  2. Love Song: 8,5
  3. Dominoes: 8
  4. It Is Obvious: 7,5
  5. Rats: 8
  6. Maisie: 7,5
  7. Gigolo Aunt: 8,5
  8. Waving My Arms In The Air: 7,5
  9. I Never Lied To You: 8
  10. Wined And Dined: 7,5
  11. Wolfpack: 7,5
  12. Effervescing Elephant: 6,5

Pese a ser conocido como un personaje inestable del Rock, Syd Barrett llegó a editar dos discos en el mismo año. El segundo de ellos es Barrett, en donde contó con la colaboración de sus compañeros floydeanos David Gilmour y Richard Wright, no solo en la instrumentación sino también en la producción.

La participación de Gilmour y Wright tiene sus pros y sus contras en ese sentido. Por un lado, pulen y realzan las composiciones de Syd para que sean más escuchables. Pero simultáneamente terminan siendo un poco más convencionales para el oyente. Por lo cual se puede perder un poco el estilo bizarro e insano de Barrett. Aunque su esencia sigue ahí latente.

Y cuando de su esencia hablamos Syd nos sigue ofreciendo su estilo psicodélico tan único que había plasmado y llevado a Pink Floyd al éxito con The Piper. De hecho, parece un disco de otra época, sacado del epicentro del Rock Psicodélico de 1967.

Dentro de esta onda las canciones de Barrett son bastante agradables. “Love Song”, “Gigolo Aunt” y especialmente “Baby Lemonade” sobresalen como Psico Pop Rocks de muy buenas melodías, que podrían haber integrado tranquilamente el Tracklist de The Piper at the Gates of Dawn. Y el resto del disco es bastante estable a pesar de lo desequilibrado que era nuestro querido Syd.

Persy

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Roxy Music – Country Life (1974)

Roxy Music - Country Life (1974)

Puntaje del Disco: 9

  1. The Thrill of It All: 8,5
  2. Three and Nine: 8
  3. All I Want Is You: 9
  4. Out of the Blue: 9
  5. If It Takes All Night: 8
  6. Bitter-Sweet: 8,5
  7. Triptych: 7
  8. Casanova: 7,5
  9. A Really Good Time: 9,5
  10. Prairie Rose8

Como ya había insinuado en Stranded (1973), la salida de Brian Eno de Roxy Music no sería para nada traumática (por lo menos al principio), a este sólido trabajo le seguiría al siguiente año, tal vez el punto más alto en su carrera, el consistente Country Life.

Roxy Music tenía como principal virtud en sus primeros años de sonar distinta a cualquier otra banda, no era ni hard rock ni el rock revolucionario de los sesenta de los Beatles y los Stones, tenían su toque particular de sofisticado y elegante art rock, y en esta placa suenan con más energía y más guitarreros que nunca.

Country Life nos ofrece su colección de temas más sólido de su carrera y que difícilmente igualarían más adelante con puntos altísimos como “The Thrill of It All”, “All I Want Is You”, “Out of the Blue”, “Bitter-Sweet” y mi preferida “A Really Good Time”.

La portada del álbum hoy considerada como un ícono de la historia del rock y el pop fue todo un tema en si mismo. La foto tomada por Eric Boman de dos hermosas modelos, Constanze Karoli (prima de Miachael Karoli integrante del grupo alemán Can) y Eveline Grunwald (novia de Karoli en aquella época) resultó controvertida en algunos países y hasta censurada en otros, llevó hasta tener otro lanzamiento con otra portada en Estados Unidos durante 1975 y 1980.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Of Montreal – Coquelicot Asleep in the Poppies: A Variety of Whimsical Verse (2001)

Of Montreal - Coquelicot Asleep in the Poppies A Variety of Whimsical Verse (2001)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Good Morning Mr. Edminton: 8,5
  2. Peacock Parasols: 8
  3. Look at the Bell: 7
  4. An Introduction for Isabell: 7
  5. Let’s Do Everything for the First Time Forever: 8,5
  6. Rose Robert: 8
  7. It’s a Very Starry Night: 6,5
  8. Mimi Merlot6,5
  9. Butterscotching Mr. Lynn: 6
  10. Coquelicot, Claude and Lechithin Dance Aboard the Ocean Liner: –
  11. Go Call Your Mine: 5,5
  12. The Events Leading to the Collapse of Detective Dullight: –
  13. Penelope: 7,5
  14. A Dreamy Day of Daydreaming of You: 7
  15. Hello from Inside a Shell (Zombies Enter the Harbor): 7
  16. Lechithin’s Tale of a DNA Experiment That Went Horribly Awry: –
  17. It’s Just So: 7
  18. The Frozen Island: 7,5
  19. Upon Settling on the Frozen Island, Lechithin Presents Claude and Coquelicot With His Animals Creations for Them and Approve or Reject: –
  20. Let’s Go for a Walk (Coquelicot Leaves the Frozen Island to Resume Her): 6,5
  21. The Hopeless Opus or the Great Battle of the Unfriendly Ridiculous:7

Kevin Barnes, el frontman de Of Montreal es reconocido por ser un personaje extravagante tanto en su comportamiento en escenarios como en su música, pero aunque tenga acostumbrado al mundo a sus bizarras sorpresas, el encontrarme con Coquelicot Asleep in the Poppies: A Variety of Whismical Verse me he dado cuenta de que su mente es aun más disparatada de lo que uno pudiera imaginar.

Siguiendo ese drama Vaudevilliano que aplicó en The Gay Parade, Of Montreal vuelve a presentar un disco conceptual que supera en locura a cualquiera de los anteriores trabajos de la banda de Twee Pop. La inspiración de acuerdo a Barnes son Os Mutantes y Frank Zappa, exponentes y precursores de la música Avant-Garde en el pasado.

No trataré de explicar el concepto del disco, ya que es algo tan aleatorio y fantasioso que no tiene sentido tratar de entenderlo, así que solo quedemos en que “Coquelicot es un hada y el disco habla de las aventuras de su subconsciente”. De lo que si les puedo hablar es de la música que nos encontramos, misma que es tan rara como el planteamiento del disco. La impredictibilidad rige todo el álbum, una sola canción cambia de melodías constantemente que es difícil darse cuenta si es el mismo track o ya es el siguiente, este cambio constante hace que se da la impresión de que lejos de ser 21 temas, sean alrededor de 40. Con setenta minutos de duración es un reto escuchar este trabajo, uno hecho únicamente para los más fieles fans de esta banda.

Al final Coquelicot Asleep in the Poppies es el disco que finaliza la primer parte de la historia de Of Montreal, cuando las narraciones dramáticas iban por encima de todo y el caos y locura dominaban por completo. Por fortuna más adelante ya vendría la etapa dorada de a banda, donde se tendrían estructuras más concisas y llamativos.

Gera Ramos

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Chevelle – Wonder What’s Next (2002)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Family System: 9,5
  2. Comfortable Liar: 9
  3. Send The Pain Below: 9
  4. Closure: 8
  5. The Red: 9
  6. Wonder What’s Next: 9
  7. Don’t Fake This: 9,5
  8. Forfeit: 8,5
  9. Grab Thy Hand: 7,5
  10. An Evening With El Diablo: 8,5
  11. One Lonely Visitor: 7

Chevelle es una banda de Metal Alternativo fundada en 1995, originalmente llamados Los Loefflers, ya que la formación constaba de 3 hermanos: Pete, Sam y Joe Loeffler. A partir del disco Vena Sera, Joe se fue dejando a Dean Bernandini a cargo del bajo.

Después de un flojito debut, que no tenía una producción bastante acertada y sobre todo caracterizado por sus influencias indie y su simplicidad, Chevelle aprovechó la gran cantidad de éxito que estaban teniedo los artistas de Nu Metal por aquel entonces. Así que decidió dar un paso en grande, no solo en lo comercial, sino también musicalmente, pasandose hacia Epic Records y finalmente publicando Wonder What’s Next en el año 2002.

En mi opinión, tras haber desaparecido tiempo en la página, me tomé el tiempo para descubrir nuevos tipos de música. En el proceso, descubrí que el Nu Metal es uno de mis tantos géneros favoritos (PD: Mil disculpas por la reseña del Iowa de Slipknot. Me gusta ese trabajo, pero leo esa reseña y me arrepiento cada vez más de mi vida, ya que no fui sincero al escuchar ese trabajo. Es más, ni siquiera llegue a la quinta pista. Y sobre todo no me gustan que les pongan un 1 o un 0 a discos como el Hybrid Theory de Linkin Park o bien el primero de Slipknot, cuando hay discos muchísimo, años luz, peores…). Pero aceptamos el reconocimiento, este género no consta de grandes o históricos trabajos, pero por supuesto que hay bandas en el under que han hecho trabajos excepcionales de este género (Escuchese: Glow de Unjust, Ascension de Three Years Hollow, Juicy Planet Earth de Flapjack, etc… son algunos).

Y como bien sabrán todos los científicos del Nu Metal, Around The Fur de Deftones (excelente trabajo por cierto), fue el que le dio el bombazo comercial a todas las bandas. No necesariamente este grandioso disco fue el más exitoso, pero el sonido que otorgó a la comunidad metalera era algo que no se había escuchado antes. Algunos Metaleros piensan que no va a haber otro álbum de Nu Metal más excelente y definitivo que ese.

Pero faltarían 5 años para que Wonder What’s Next arrasara con todo. Ni siquiera se ha susurrado el nombre de esta banda, porque apareció como una gigante sorpresa que asustó al Nu Metal y le dijo: «BUH!!». «The Red», su primer sencillo, fue el que los llevó al éxito absoluto, sobre todo por su estribillo, casi tan pegadizo y adictivo que es una canción que no se puede dejar de escuchar.

Sin embargo, Wonder What’s Next va mucho más allá. Es un trabajo lleno de tranquilidad pero también lleno de furia como otros discos del género. No nos olvidemos de mencionar la grandísima influencia de Tool en Chevelle. La voz de Pete Loeffler es casi igual que la de Maynard, solamente que se expresa con mucha más ferocidad y además contiene growls y screams. De hecho, este disco se debe a la furia vocal de este cantante.

Y volviendo a la musicalidad, es único en su estilo. Brutales riffs (todos afinados a Drop B), llenos de Palm Mutes que luego dan paso a los característicos acordes de las últimas 3 cuerdas (sobre todo en «Family System», la canción más pesada de la banda). Pero también elevados a un grandioso nivel compositivo. Canciones muy pegadizas («Send The Pain Below», «The Red», «Don’t Fake This»), excelentes ejecuciones de tempos… En fin, comprobando esto, Chevelle es una banda con talento compositivo. Imagínense una combinación entre Tool + la época Nu de Deftones = Chevelle. No hay más palabras.

En fin, si quieren empezar a familiarizarse con el Nu Metal, deberían escuchar sí o sí este álbum. Es casi tan importante como el primer disco de Korn y sobre todo tiene un nivel compositivo bastante acertado que lo diferencia entre otros álbumes del género. Chevelle es una de esas bandas que vale mucho la pena escuchar hoy en día. Si no te gusta este disco prueba con otro, pero sobre todo prueba con los nuevos (La Gárgola, Sci Fi Crimes), ya que ellos van de menos a más en su carrera.

Toto

Muy… Muy recomendable.

PD: Me alegro de volver a escribir una reseña para la página, esto fue una reseña rápida, pero ya se me va a ocurrir otra… Espero que estén bien y no dejen de descubrir nueva música. Un fuerte abrazo.

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Paul McCartney en Argentina – Estadio Único de La Plata (17/05/2016)

Finalmente y luego de varios rumores que surgieron en los últimos años sobre su vuelta a la Argentina, Sir Paul McCartney regresó a tierras criollas después de sus presentaciones en 2010 en la Ciudad de Buenos Aires. Esta vez, iniciando el One on One Tour en el Estadio Mario Alberto Kempes de la Ciudad de Córdoba, la leyenda del pop rock mundial desembarcó en la La Plata para brindar el primero de los dos recitales que tendría programado en dicha localidad.

En un atardecer que comenzaba a vislumbrar una noche muy fría, la Ciudad de las diagonales se poblaba de seguidores que debían sortear no sólo las bajas temperaturas, sino también las incoherencias organizativas, sin saber bien dónde estaban los ingresos según cada ubicación. Que las puertas estén previstas para abrirse a las 18 hs. cuando una hora más tarde estaba programado que toque la banda soporte El Kuelgue, era llamativo y daba la pauta de que los horarios no se respetarían. Más sorprendente fue haber encontrado a gente de la organización ofreciendo a quienes poseían entradas para Campo, canjearlas por Plateas. Sería acaso que las ventas no fueron las esperadas y no sería buena imagen ver las Plateas semi vacías?.

Al margen de esa desprolijidad y de no haberse cumplido el pedido de Paul de no vender carne en las inmediaciones (mención aparte a la genialidad criolla de nombrar a uno de sus platos como “Mc Carne”), el ingreso al Estadio se realizó sin inconvenientes, dando tiempo al grupo soporte a presentarse y dejar el escenario  para que Chris Holmes, el DJ que viene acompañando a Paul en sus giras, envolviese al público con versiones raras de temas de The Beatles y McCartney, mezcladas con clásicos de Chuck Berry y Little Richards, entre otros.

A las 21.15 y cumpliendo con el horario estipulado, el ex Beatle hizo su aparición en el escenario con un saco azul y una figura envidiable para su edad, acompañado luego por la banda de músicos que desde hace tiempo vienen rodando por el mundo. “A Hard Day’s Night” inició el recital haciendo saltar y vibrar a los miles de fanáticos que buscaban hacerle frente al frío. Siguieron “Save Us” del disco New y nuevamente otro clásico Beatle como “Can’t Buy Me Love”. “Hola, chicos!” fue el saludo elegido para dar la bienvenida a lo que sería una verdadera fiesta, y a partir de entonces se fueron alternando clásicos del repertorio de los cuatro de Liverpool (“Here, There and Everywhere”, “You Won’t See Me”, “Lady Madonna”, entre muchas otras) con sus tiempos en The Wings como “Nineteen Hundred and Eighty-Five”, y otras de su carrera solista. “My Valentine”, dedicado a su actual esposa Nancy y “Maybe I’m Amazed”, compuesto para Linda fueron junto a “Black Bird”, de las baladas más hermosas del repertorio elegido.

Siempre atento a los ánimos de público y con sus características miradas cómplices, McCartney encantaba al público argentino con cada palabra, animándose incluso a intercalar frases en un muy entendible español. Fue una noche de muchas emociones, especialmente cuando Paul recordó a su amigo John dedicándole “Here Today” y acompañó al público con los acordes del “Olé Olé Olé Lennon, Lennon” típico del público argentino. George Harrison también fue recordado con una hermosa interpretación de “Something” en el ukelele y antes de los bises “Band on the Run” y “Live and Let Die” sonaron con una puesta de fuegos artificiales y explosiones de gran nivel. La infaltable “Let It Be”, con Paul en el piano, fue una caricia directa al corazón, mientras que “Hey Jude” puso de pie a todo el Estadio para acompañar en los coros.

Después de casi dos horas sin detenerse, la banda ingresó a bastidores y luego de unos minutos, el regreso lo trajo a Paul con su guitarra acústica tocando “Yesterday” como si aquel joven que salía a escena por primera vez en los años sesenta. Con todo el Estadio de pie para disfrutar las últimas piezas de un concierto impecable, “Get Back” (no incluida en el setlist original), contó con la participación de Leila, una niña que subió al escenario junto a su mamá para darse el lujo de “tocar” el bajo junto a la leyenda. “Birthday”, “Golden Slumbers” y  “Carry That Way” comenzaban a marcar el final del recital, que, como no podía ser de otro modo, finalizó con “The End” y con Paul esfumándose detrás de una cortina de humo, aunque no antes sin agradecer a sus músicos, colaboradores y por supuesto a su público fiel, que lo idolatra como el verdadero Maestro de la música que es. Gracias Paul por volver, gracias por este hermoso recital y gracias por permitirnos ser testigos de la historia viva de la música!.

Piro

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