Puntaje del Juego:
- Año: 2002
- Género: Acción
- Estilo: Sandbox
- Plataforma: Playstation 2, Microsoft Windows, Xbox, Playstation 3
- Saga: Grand Theft Auto
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Todas las entradas de: persimusic
Eric Clapton – From the Cradle (1994)
Puntaje del Disco: 9
- Blues Before Sunrise: 9
- Third Degree: 8
- Reconsider Baby: 9
- Hoochie Coochie Man: 8
- Five Long Years: 9
- I’m Tore Down: 8
- How Long Blues: 9
- Goin’ Away Baby: 9
- Blues Leave Me Alone: 9
- Sinner’s Prayer: 9
- Motherless Child: 8
- It Hurts Me Too: 9
- Someday After a While: 9
- Standin’ Round Crying: 9
- Driftin’: 8
- Groaning the Blues: 9
Algo más de tres décadas le llevo a “Mano Lenta” tomar la sabia decisión de conformar a sus fieles seguidores en otorgar un trabajo ciento por ciento blusero. El factor que determinó la postura, quizás haya sido el deseo del artista en mostrar a las generaciones recientes los sonidos que él absorbió en su adolescencia cuando se agolpaba en los puertos ingleses en busca de aquellas joyas emanadas del Chicago y Mississippi.
Su carrera por ese entonces tenía un techo ilimitado al galope de su último trabajo Unplugged y el artista (valga la redundancia) se quería desenchufar de tal acontecimiento. En From the Cradle se cubre las espaldas con antiguos camaradas del talante de Jim Keltner, Chris Stainton, Dave Bronze , Andy Fairweather Low y Jerry Portnoy. Todos británicos y blancos que entendían a la perfección el concepto que Clapton impondría. El disco se tendría que grabar en vivo en el estudio y en pocas sesiones como sus maestros procedían en tales circunstancias cruzando el Atlántico.
En dos semanas la historia estaba concluida de esta manera, dieciséis canciones en donde la guitarra del creador de «Layla» era la figura principal de esta labor. Clásicos invalorables y refaccionados de sus idolos como Waters, Wolf, Dixon, Fulson, etc. y lo más importante: la conciencia tranquila del deber cumplido.
Desde «Blues Before Sunrise» hasta «Groaning the Blues» hay un Clapton que sabe pagar sus deudas, un pasivo que algunos siguen debiendo después de haber coqueteado con el blues tanto tiempo y no haberlo correspondido.
Recomendable y disfrutable, dos adjetivos que le caen a la perfección a esta gema de Slowhand.
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Entrevista a Le Vietnam
En la antesala del lanzamiento de su disco debut, Le Vietnam, un grupo que no solo le da importancia a su música, sino también a su costado cinematográfico y literario, se estuvo presentando en Capital Federal y Buenos Aires en estos días.
En la siguiente entrevista nos cuentas quienes son y nos adelantan cómo va a ser su primer disco “Carretera”. Y no detienen su marcha, el 4 de abril se estarán presentando en Mar Del Plata.
¿Cómo nació Le Vietnam? ¿Por qué eligieron ese nombre para el grupo?
VTM en Marzo del 2014, luego de la separación de Laissez Faire. De ahí en más se fue formando una cofradía artística integrada no solo por los músicos de la banda, sino por cineastas, fotográficos, diseñadores y poetas.
Vietnam es un lugar de resistencia cultural, importantísimo en la década de los 60, y nosotros lo que intentamos es articular todas las ramas para generar espacios de imaginación y vuelo. No solo con la música, sino con el cine y la literatura.
¿Cuáles son las cualidades de Le Vietnam que sienten los distingue de otras bandas?
El concepto, la búsqueda, la trasgresión que no somos solamente una banda de canciones sino con una proyección visual y literaria que disparan diferentes historias.
Estuvieron presentando su versión acústica y eléctrica en estas últimas fechas. A su entender ¿En cuál de las dos maneras suenan mejor? ¿Qué es lo que más disfrutan de cada formato?
Cada formato es diferente, pero entendemos que hay que tocar mucho para diferentes públicos y generar un movimiento no solo con toda la banda sino con las proyecciones y los acústicos, o los shows más íntimos.
Las canciones surgen de la madera, de la intimidad y del living, volver a esa situación más pequeña es volver a la raíz. Y eso vale.
Eléctrico con toda la banda es otra situación, pero hay que generar y disfrutar todos los espacios para mostrar la banda.
Su álbum debut, “Carretera”, estaría llegando en los próximos meses. ¿Qué nos pueden adelantar respecto al disco?
Es un viaje, tiene esa cosa On the Road. Es el camino, el viaje, una historia, 3 capítulos, y la electricidad que lleva esa historia son las canciones.
Hay personajes, odio, amor, desamor, pasión, fuego, ruta…
Es una historia cruzada que nos hace divagar por diferentes caminos. y es muy rutero…
¿Qué es lo que más les gusta del álbum hasta ahora y qué sienten faltaría pulir para terminar de lanzarlo?
Las canciones y los personajes. Las historias. Esto es fundamental para cerrar este concepto.
Nos faltan quizás recursos para poder hacer todo lo que queremos!
¿Próximos proyectos además del disco venidero?
Tocar mucho las canciones, presentarlo el 16 de Mayo y seguir girando con los temas y el discometraje por todos los lados posibles.
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AC/DC – Flick of the Switch (1983)
Puntaje del Disco: 6
- Rising Power: 6,5
- This House Is on Fire: 5,5
- Flick of the Switch: 7
- Nervous Shakedown: 7,5
- Landslide: 5
- Guns for Hire: 6
- Deep in the Hole: 6
- Bedlam in Belgium: 5
- Badlands: 7,5
- Brain Shake: 5
Para Flick of the Switch (1983) la banda de Hard Rock, AC/DC, esgrimió que estaban ante su vuelta al sonido pesado y crudo de sus primeros años pero al ver el resultado nos queda claro que estuvieron lejos de conseguirlo.
Allá por la década del ochenta las cosas no andaban del todo bien la agrupación australiana, su histórico bajista Phil Rudd, sería echado en el medio de las grabaciones de este su noveno esfuerzo de estudio, y las baterías fueron completadas por Simon Wright, futuro batero de Dio, quien se ganaría el lugar en una audición de ambos lados del atlántico donde desfilaron 700 bateristas para luego ser seleccionado y permanecería con AC/DC hasta la vuelta de Rudd en 1994.
La idea de recapturar la fiereza y simpleza de sus primeros años fue del productor Mutt Lange que por momentos lo consiguió, exhibiendo más energía que en su predecesor, For Those About to Rock We Salute You, el problema esta en las composiciones en si. Podemos rescatar algunos momentos efectivos como “Nervous Shakedown” y “Badlands”, pero estamos a nivel general ante un disco totalmente olvidable, sin ideas y con temas de rock monótonos como sería costumbre por aquellos años para el conjunto de los hermanos Young.
A partir de aquí comienza la decadencia de AC/DC. La magia de antaño parece ir perdiéndose con los años y solo los fanáticos obnubilados de lo que fue en mi opinión una de las mas grandes bandas de rock and roll de la historia (en su momento de esplendor con Bon Scott) continúan entusiasmándose con sus nuevos lanzamientos que perduran hasta estos días.
F.V.
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The Walking Dead: Quinta Temporada
Puntaje de la Temporada:
- Año: 2015
- Género: Drama, Terror
- Show Runner: Scott M. Gimple
- Reparto: Andrew Lincoln, Norman Reedus, Steven Yeun, Lauren Cohan, Chandler Riggs, Danai Gurira, Melissa McBride, Michael Cudlitz, Emily Kinney, Chad Coleman, Sonequa Martin-Green, Lawrence Gilliard, Jr., Josh McDermitt, Christian Serratos, Alanna Masterson, Seth Gilliam
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Death – Human (1991)
Puntaje del Disco: 9
- Flattening of Emotions: 9
- Suicide Machine: 8
- Together As One: 8,5
- Secret Face: 8
- Lack of Comprehension: 10
- See Through Dreams: 8,5
- Cosmic Sea: 8,5
- Vacant Planets: 9
Antes de empezar la crítica, demosle la bienvenida a un nuevo género y el más extremo de todo el Persi Music, el Death Metal. Si, nada mejor que empezar con Death, no una sino quizás la mejor banda del género.
Death se formó en 1983 en Orlando, Florida bajo el nombre de Mantras, cambiado por algo más original. La banda está comandada por Chuck Schuldiner de apenas 16 años en guitarra principal, vocalista y mentor principal de la banda (tocó un período el bajo durante 1987 y 1988 pero lo dejó). Se los consideran los creadores del propio género ya dicho, aunque ya habían bandas como Possessed o Sepultura en sus inicios que hicieron algo más pesado que el Thrash Metal. Death lo definió con su debut Scream Bloody Gore en 1987.
Sin embargo, muchas formaciones han transcurrido en esta banda durante toda su carrera. La original duró muy poco y es incontable la cantidad de otros guitarristas, bajistas y bateristas que han salido y entrado de Death. El único que quedó activo todo el tiempo fue el propio Chuck.
En Human, tenemos que presentar a Paul Masvidal como el otro guitarrista del álbum (que se fue de Death en 1992 y quien ya había trabajado en Spiritual Healing del 1990), luego a Steve DiGiorgio en el bajo y Sean Reinert en la batería.
Human es el cuarto disco de estudio de este grupete o alter ego de Chuck Schuldiner. Anteriormente, los otros 3 discos habían sido muy buenos, especialmente Leprosy del 88′, pero Chuck decidió dar un paso más grande, en la producción y arreglo de los temas con Human, logrando el álbum que los habrá llevaría al éxito como banda de Metal.Por cierto, esta banda no es para cualquiera, pero si hay que empezar a entrenar el oído para este género, Death es la primera que tienes que escuchar.
El álbum abre muy bien con «Flattening of Emotions» con una introducción brutal de Sean Reinert en la batería para luego atacar aún más acompañado de los riffs agresivos de Chuck y de Paul Masvidal, para dar paso a un solo terrible. Y ni hablemos del bajo de DiGiorgio que es súper denso y pesado. Seguimos con pistas similares como «Suicide Machine», «Together As One» y «Secret Face» aunque estas bajan un poco el calibre no dejan de sonar muy bien con cambios de ritmo constantes y un montón de efectos. El disco asciende y asciende a un escalón muy grande con «Lack of Comprehension», quizás la canción más exitosa de Death con un perturbador vídeo y letras muy profundas y emotivas. La misma arranca con un acorde acústico de Chuck y una batería lenta para después dar paso a riffs agresivos y solos espectaculares.
Después tenemos a «See Through Dreams» que sigue la línea de las canciones anteriores. Luego está la instrumental «Cosmic Sea», y terminando de una forma agresiva y excelente con «Vacant Planets».
No nos tenemos que olvidar de las letras y composiciones.
Anteriormente Chuck solía componer letras que trataban acerca de violencia extrema y de muertes, pero ahora en este CD decidió cambiar su temática a cosas que tienen que ver más con la filosofía del ser humano, la naturaleza y así siguió la línea hasta su último LP.
Human supuso la evolución de Death como lo que ya venían demostrando que podían hacer en el Death Metal. Individual Thought Patterns es similar a Human, pero los últimos LP, Symbolic y The Sound of Perseverance se consideran los puntos más fuertes y altos de la trayectoria de la banda.
Lamentablemente, Death desapareció en 2001, Chuck Schuldiner falleció ese año a los 34 de edad, tras una larga lucha contra un glioma de tronco encefálico (cáncer). Posiblemente una de las muertes más consternantes y tristes en la historia del Metal, tan solo porque no solo la familia colaboró por la salud de Chuck sino que los propios fans hicieron casi todo el esfuerzo para mantenerlo vivo. Pero no, la primera cirugía resultó muy bien para Chuck, sin embargo en mayo del 2001, su glioma volvió y esta vez necesitaba urgentemente otra cirugía pero los médicos no pudieron por problemas financieros. En noviembre de ese mismo año contrajo neumonía con efectos secundarios y falleció en diciembre. Las creencias de Chuck fueron muy positivas considerándose «amante de la vida, los animales y la cerveza». Es una pena no tenerlo vivo, pero su legado sigue latente y está reconocido como un talentoso guitarrista y «El Padre del Death Metal».
Toto
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House of Cards: Tercera Temporada
Puntaje de la Temporada:
- Año: 2015
- Género: Drama
- Show Runner: Beau Willimon
- Reparto: Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Nathan Darrow, Mahershala Ali, Reg E. Cathey, Molly Parker, Jimmi Simpson, Elizabeth Marvel, Derek Cecil, Lars Mikkelsen, Paul Sparks
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Peter Bjorn and John – Peter Bjorn and John (2002)
Puntaje del Disco: 8
- I Don’t Know What I Want Us To Do: 8
- Failing And Passing: 7
- People They Know: 7.5
- A Mutual Misunderstanding: 7.5
- From Now On: 8
- Matchmaker: 8
- Collect, Select, Reflect: 7.5
- 100 M Of Hurdles: 8
- Education Circle: 7.5
- Please, Go Home: 8
Provenientes de Estocolmo, Suecia, Peter Bjorn and John nació en 1999 con Peter Morén en la voz, guitarra y armónica, Björn Yttling en coros, bajo y teclados y John Eriksson en batería y percusión. Influenciados por los sonidos clásicos de los años sesenta, el pop y el new wave, el trío comenzó a realizar pequeñas presentaciones en vivo y editó el EP Forbidden Chords.
“Failing and Passing» y «I Don’t Know What I Want Us to Do» fueron los primeros dos sencillos de lo que sería el álbum homónimo, editado en 2002. También conocido como el álbum rojo, este muy buen material debut deja excelentes sensaciones, alcanzando un sonido perfectamente logrado, que encuentra una gran armonía entre los diferentes géneros de los cules el grupo se inspira.
“Matchmaker”, “Collect, Select, Reflect” y en el final “Please, Go Home” componen el núcleo fundamental que le brinda una calidad admirable a este disco de Peter Bjorn and John.
Piro
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Leo García – Mar (2001)
Puntaje del Disco: 8
- Isla: 7
- Morrisey: 8
- Amor al Arte: 7
- Eco: 7,5
- El Amor es Ciego: 7,5
- Humo: 8
- Cerca: 7
- Por Qué: 7,5
- Muerto: 8
- Nadie Salva: 8
- Mar: 8,5
- Poesía Rock: 8,5
- Renacer: 7,5
- Alguien: 8
La carrera de Leo García esta emparentada por completo con la de su gran amigo y descubridor, Gustavo Cerati. Su primer banda, Avant Press, allá por mediados de los noventa fue invitada por Soda Stereo para telonearlos en el Festival Alternativo de Vélez en 1996, y hasta fueron invitados en los recordados shows de despedida en River Plate.
Cuando Soda se disolvió, Leo pasó a formar parte de la banda solista de Cerati como guitarrista y, a su vez su propia carrera solista fue apoyada grabando algunas canciones y como productor por Gustavo.
El punto cúlmine en la carrera de Leo García fue Mar (2001), gracias a su mega hit “Morrissey”, una especie de “One Hit Wonder” porque nunca pudo igualar tal suceso. En aquellos frenéticos dias Leo estaba en todos lados como invitado tocando su recordado clásico y guarda como recuerdo y reflexión con el correr del tiempo y el olvido lo siguiente: “No siento eso de no ser ya el ídolo pop, a veces tengo alguna recaída, pero trato de que los pensamientos negativos no me invadan, yo vivo una vida que no tiene edad».
Pero Mar no es todo “Morrisey”, cuenta con otros temas pop electrónicos y algunas baladas valiosas, podemos citar “Humo”, “Muerto”, “Nadie Salva”, “Mar”, “Poesía Rock” y “Alguien” como un claro ejemplo de que estamos ante un muy buen material
“Es un disco muy importante porque reúne todo lo que vengo queriendo hacer desde que tengo noción, anteriormente hice otros discos pero responden más a situaciones personales de dispersión musical y artística”, comentaba García sobre este buen trabajo que vale la pena escuchar sin pre conceptos que a veces se tiene frente a ciertos artistas.
F.V.
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The Byrds – Ballad of Easy Rider (1969)
Puntaje del Disco: 8
- Ballad of Easy Rider: 8,5
- Fido: 8
- Oil In My Lamp: 7,5
- Tulsa County Blue: 7,5
- Jack Tarr The Sailor: 8
- Jesus Is Just Alright: 8,5
- It’s All Over Now Baby Blue: 8
- There Must Be Someone: 8
- Gunga Din: 8
- Deportee (Plane Wreck At Los Gatos): 7
- Armstron, Aldrin & Collins: –
Ballad of Easy Rider es el segundo disco de los Byrds (luego del éxodo) que grabó la alineación conformada por Roger McGuinn, Clarence White, John York y Gene Parsons.
Es un álbum que escuché con cero expectativas luego de lo que fue Dr. Byrds and Mr. Hyde. Pero muy sorpresivamente esta nueva formación de los Byrds con McGuinn como líder parece haberse asentado para bien. Ballad of Easy Rider es menos olvidable que su predecesor compositivamente hablando. Y otro cambio está en que McGuinn abandona prácticamente sus intereses por lo psicodélico/espacial para darle más lugar al folk rock y al country más clásico con el que nació el grupo.
Dicho esto, no es un álbum muy largo, ni tiene puntos altos que a uno lo emocionen, pero es ciertamente más sólido de lo que uno puede esperarse. Lo más destacado aparece con la homónima “Ballad of Easy Rider”, que fue coescrita con Dylan y que como el nombre lo sugiere es la balada folk por excelencia que cuenta con la mejor melodía del disco. En el mismo nivel está “Jesus Is Just Alright” que es lo más rockero que ofrecen en el disco y que combinado con Gospel suena bien.
Y así se reparte todo el disco, con decentes canciones folkys como “There Must Be Someone” y “Gunga Din”, otros números de rock más movidos como “Fido”. Por supuesto, tampoco falta el cover de Dylan, que en este caso es “It’s All Over Now Baby Blue”, llevado a una versión más lenta pero atractiva. Y hasta hay cierta experimentación en “Jack Tarr The Sailor”, que me agrada por su estilo medio Western, aunque no me gusta su interpretación vocal.
Ballad of Easy Rider, pese a los percances y cambios que sufrió la banda a lo largo de los años, es un disco bastante redondo con el que despidieron los sesenta los Byrds. Y si consiguen la reedición de 1997, el tracklist se extiende hasta 18 canciones.
Persy
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