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La Portuaria – Huija (1995)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Ruta8
  2. Supermambo7.5
  3. No tengo nada7
  4. Sofía6
  5. Dios7
  6. Ven a mí7
  7. Vudú danza: 
  8. La diablada: 7
  9. Donde hubo fuego7.5
  10. Diez segundos7

Después de devorar corazones con aquel exitoso disco de 1993, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, “Huija”.

El nombre del disco es una exclamación folclórica por parte del personaje de historietas Patouruzú, y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción.  En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Bayrne.

La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)

The Beach Boys – Summer Days (And Summer Nights) (1965)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Girl From New York City: 7
  2. Amusement Parks USA: 7,5
  3. Then I Kissed Her: 8,5
  4. Salt Lake City: 7,5
  5. Girl Don’t Tell Me: 8,5
  6. Help Me Rhonda: 8,5
  7. California Girls: 9,5
  8. Let Him Run Wild: 9
  9. You’re So Good To Me: 8
  10. Summer Means New Love: 7,5
  11. I’m Bugged At My Ol’ Man: 8
  12. And Your Dream Comes True:

Como la portada del disco indica, los chicos de playa vuelven a hacer lo que más les gusta: canciones de playa sobre chicas de playa, diversión y noches de playa. Esto puede ser tomado como una continuación o incluso un retroceso de los Beach Boys respecto de Today!, ya que apostaron a volver a lo más comercial y lo que hizo popular a la banda, posiblemente presionados para transformarse en una maquina de Hits, en lugar de adentrarse más a lo que después sería Pet Sounds.

Brian Wilson cumplió con esas expectativas. Aportó sus composiciones pop de playa, pero en un nivel superior que en Today! desde mi punto de vista. Por supuesto, son inocentes, juveniles, llenas de esas armonías vocales y alegría irreverente que los caracteriza, pero simultáneamente más sólidas y divertidas.

En Summer Days (And Summer Nights) se pueden encontrar varias canciones que valen la pena. La que sobresale claramente es “California Girls”, uno de los clásicos mejor logrados de su primera etapa, por sus arreglos y por su famoso estribillo. En un segundo lugar aparece la agradable balada pop “Let Him Run Wild”. Después tenemos a “Then I Kissed Her”, una perlita pop que podría ser tomado tranquilamente como una composición de Ray Davies. “Girl Don’t Tell Me”, en cambio, parece una replica a “Ticket to Ride” de los Beatles. “Help Me Rhonda” es algo zonza, pero es pegadiza y la más comercial del disco. Y la irónica “I’m Bugged At My Ol’ Man” es la ultima de las canciones a destacar.

Es un disco bastante consistente. Puede resultar reiterativo la temática que abordan, pero si tenemos en cuenta la época en que fue lanzado, es de lo mejorcito en el catalogo de los Beach Boys.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)

The Rolling Stones – It’s Only Rock ‘n Roll (1974)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. If You Can’t Rock Me: 8,5
  2. Ain’t Too Proud to Beg: 9
  3. It’s Only Rock ‘n Roll (But I Like It): 9,5
  4. Till the Next Goodbye: 7
  5. Time Waits for No One: 9
  6. Luxury: 8,5
  7. Dance Little Sister: 8
  8. If You Really Want to Be My Friend: 8
  9. Short and Curlies: 7,5
  10. Fingerprint File: 8

Con el álbum It’s Only Rock ‘n Roll  se cierra definitivamente la denominada por algunos “Edad  de Oro” de los Stones, la cual abarca toda la participación del injustamente subvalorado guitarrista Mick Taylor. Los años en los que Taylor fue el quinto integrante de la banda mas grande del planeta fueron señalados por muchos (entre los que me incluyo) como la mejor época de los Stones. El sonido del grupo mutó mientras desarrollaban nuevas ideas y asimilaban nuevas influencias. Fue el estilo sofisticado de Taylor, alimentado de blues y jazz, lo que les agregó una dimensión entre 1969 y 1974, que no tuvieron antes ni después. Más haya de los buenos discos (pocos) que sacarían luego con Ron Wood y la época psicodélica y de locura extrema con el gran Brian Jones anteriormente, con Taylor y todo su inmenso talento el grupo alcanzaría una magnitud inigualable.

Promediando la década del setenta el grupo estaba por las nubes, más que nunca. Cada año que pasaba, más se alejaban de la realidad, y más se separaban sus miembros entre si. Jagger era una caricatura de la estrella de rock, codeándose con el jet set internacional y Richards por su lado estaba más adicto que nunca lo que generaba disenso y conflictos entre las figuras de los dos lideres de la banda. Pero los roces no acababan solamente entre ellos dos. El tímido Mick Taylor también era parte de objeción interna. Se decía que Keith quería a Taylor fuera del grupo para que entrase un viejo amigo, Ron Wood, guitarrista principal de The Faces por ese entonces. Con el que había cultivado una relación desde años atrás que los terminaría convirtiendo en grandes amigos aun hasta en la actualidad, se dice que para 1969 después de la muerte de Brian Jones quisieron incorporarlo como segunda guitarra pero en ese entonces los Faces no lo permitieron. Por todo esto y ciertos celos profesionales de Richards hacia Taylor, Keith se dedico a hacerle la vida imposible al rubio guitarrista al que humillaba constantemente, borrándole las cintas que había grabado, ninguneando su talento y, por supuesto, aunque esto estaba acordado de antemano, sin acreditarle nunca en canciones de las que era tan responsable como él o Jagger. Acerca de esto Taylor declararía mas adelante: «Tuve una pelea con Jagger, en algunas canciones sentí que debería haber sido acreditado con la co-escritura de algunos temas. En It’s Only Rock ‘n Roll   colabore muy de cerca para que el disco salga bien. Por ese entonces Mick y Keith no eran realmente un equipo así que tuve que pasarme mucho mas tiempo en el estudio».

Hablando estrictamente de lo musical It’s Only Rock ‘n Roll   es un disco mas roquero que su anterior trabajo Goats Head Soup. Aunque popularmente se lo recuerda siempre por su hit “It’s Only Rock ‘n Roll (But I Like It)” y consiguiente histórico y cómico video musical, el disco no se reduce solo a esto. Basta comenzar a escuchar el puro rock and roll de “If You Can’t Rock Me” para darse cuenta que a pesar de las fisuras internas cuando el riff marca registrada de Richards y la ardiente guitarra de Taylor se conjugan la banda se encontraba en su mejor versión. Se repite esta magia en  el cover de un clásico de The Temptations “Ain’t Too Proud to Beg” para mas adelante encontrarse con una de las joyas ocultas de la carrera de los Rolling “Time Waits for No One” con un Mick Taylor que se gana el cielo con un gran solo en la que sería su última gran contribución a la historia de los Rolling Stones. “Luxury” y “Fingerprint File” son otros dos temas interesantes que demuestran la versatilidad musical de los Stones, algo de reggae en la primera y música disco en la segunda, llegando a usar sintetizadores, marcando el camino hacia “Miss You”.

Se puede decir que Mick Taylor ingreso a los Rolling Stones siendo un chico tímido y talentoso y acabo sus días con el grupo con un matrimonio fracasado, adicto a la heroína y exprimido creativamente en un grupo que ni siquiera le reconocía como coautor de los temas y en el que nunca se había sentido integrado, nada bueno a grandes rasgos pero seguramente le reditúo creativamente y económicamente con creces. Todo esto llevo a que en una fiesta en diciembre de 1974 Taylor aborde a Jagger y le comunicase su decisión de abandonarlos, esa misma semana tenían que entrar a grabar su siguiente material. Era el momento de Ron Wood. Pero ésa es otra historia. Los Stones nunca volverían a ser los mismos.

F.V.

 

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Las Anti Bandas de Culto

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Habremos estado hablando de bandas de culto durante la última semana. Pero también están aquellos grupos que simbolizan lo contrario. Bandas y artistas que aparecieron sin ningún talento natural u originalidad, y con el único proposito de vender, vender, vender y vender.

Lo más común es encontrar incontables bandas y músicos de Teen Pop con esta catacterística: Los Jonas Brothers, Justin Bieber, los Back Street Boys, Five, Britney Spears, etc etc. Por eso para cerrar, este festival de bandas de culto, les dejamos este histórico enfrentamiento de Celebity Deathmatch entre las Spice Girls y los Hanson por la banda más insoportable de aquel momento.

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Neutral Milk Hotel – In the Aeroplane Over the Sea (1998)

Puntaje del Disco: 10

  1. The King of Carrot Flowers, Pt. 1: 10
  2. The King of Carrot Flowers, Pts. 2 & 3: 10
  3. In the Aeroplane Over the Sea: 9,5
  4. Two-Headed Boy: 9
  5. The Fool: 8,5
  6. Holland, 1945: 9,5
  7. Communist Daughter: 8,5
  8. Oh Comely: 8,5
  9. Ghost: 10
  10. The Penny Arcade in California: 8
  11. Two-Headed Boy, Pt. 2: 9

Esta es una reliquia oculta de los noventa. Pocos conocen a Neutral Milk Hotel, pero cuando hablamos de ellos en realidad tenemos que referirnos a su líder Jeff Mangum. Este tipo fue el responsable material e intelectual de haber compuesto uno de los mayores manifiestos del Indie Rock, una obra maestra del género con su segundo álbum: In the Aeroplane Over the Sea.

Que así sea, tal vez sea una simple casualidad de alguien que repentinamente encontró la luz (estando drogado o no) o tal vez este tipo sea un verdadero genio. Yo prefiero pensar en la segunda postura. Jeff Mangum ante todo lo que logró fue consolidar un estilo muy particular, difícil de comparar con otras bandas de la misma época. Folk rock fusionado con algo de psicodelia y Lo-fi.

Las canciones de In the Aeroplane Over the Sea son muy pintorescas y entretenidas por su instrumentación. Están repletas de arreglos de viento que incluyen trombones, fiscornos y saxofones. En ellas predomina la guitarra acústica de Jeff, quien también acapara la atención interpretando sus canciones cantando con pasión, trasmitiendo emoción, arrebatándose y con frecuencia desafinando (solo escuchen sus tonos de voz de “Two-Headed Boy”).

Así que nos encontramos con una especie de Dylan eufórico pero ubicado en el rock de los noventa que ofrece encantadoras canciones acústicas con melodías espectaculares como “The King of Carrot Flowers, Pt. 1”, “Two-Headed Boy” y la homónima “In the Aeroplane Over the Sea”. Todas excelentes, muy bien conectadas con otros cortes instrumentales como “The Fool” y “The Penny Arcade in California” que sintetizan el extraordinario sonido del álbum. También están aquellas más dinámicas como la parte 2 y 3 de “The King of Carrot Flowers” y “Ghost” con sus lucidos feedbacks de guitarra, al igual que la espectacular “Holland, 1945”, que toma referencias en Anne Frank y la Segunda Guerra Mundial. En realidad, según se dice entre los fans de Neutral Milk Hotel, se piensa que es un álbum conceptual enteramente inspirado en Anne Frank.

In the Aeroplane Over the Sea no sería muy exitoso en cuanto al nivel de ventas. Pero sería aclamado por la crítica y adorado por su reducido número de fans transformándo a Neutral Milk Hotel en una banda de culto. Sin embargo, cuando uno pensaba que podían crecer en popularidad, en 1999 se separarían. Y Jeff Mangum se retiraría (colaborando ocasionalmente con otros grupos) dejándonos con el interrogante de a donde podría haber llegado este capo si seguía componiendo.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)

Más Solistas Argentinos

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Nuestro país tiene varios solistas de rock (al igual que personajes de Capusotto) que hicieron historia y pudieron formar parte de este maratón de discos. Fito Paez, el Indio Solari, Ciro, Nito Mestre, Leon Gieco, David Lebon, etc. Incluso algunos ladris como Diego Torres podrían haber formado parte del mismo. Pero a no desesperar, todos serán tenidos en cuenta. Así que no te bajes del Persi Musica que nuevos Festival y Artistas estarán llegando!

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Andrés Calamaro – Nadie Sale Vivo de Aquí (1989)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Nadie sale vivo de aquí: 8
  2. Pero sin sangre: 8
  3. Vietnam:
  4. Pasemos a otro tema: 9
  5. Con la soga al cuello: 8.5
  6. No tengo tiempo: 8
  7. Señoritas: 8
  8. Adiós, amigos, adiós: 8
  9. Ni hablar: 9
  10. Una deuda al corazón (traicionero): 8.5
  11. No me vuelvas la espalda por eso: 8
  12. Señal que te he perdido: 8.5
  13. Dos Romeos: 8

Desde corta edad Andrés Calamaro estuvo ligado a la música, primero con un bandoneón y luego con un tambor. En su casa del barrio de Once, el pequeño Andrés ya mostraba las dotes para los instrumentos y comenzaba a componer. Tras un frustrado intento de estudio de la carrera de Derecho, fue el piano lo que lo sedujo y le ayudó a inclinar la balanza a favor de la música. A los 17 años formó parte de su primera banda, Raíces, de candombe rock con la que debutó discográficamente.

A principios de los ochenta, Calamaro tuvo la gran oportunidad de involucrase con la élite del rock nacional, cuando Miguel Abuelo lo reclutó para darle vida a la nueva etapa de Los Abuelos de la Nada. Temas como “Mil Horas”, “Sin Gamulán” y “Costumbres Argentinas”, entre otras,  le otorgaron a joven Andrés una respetable consideración entre sus pares. Acompañó a Charly García como soporte de su banda, a la que luego dejó paso a Fito Páez, para dedicarse de lleno a Los Abuelos.

Paralelamente a la carrera con Miguel Abuelo, en 1984 Andrés grabó “Hotel Calamaro”, su primer disco solista, que a pesar de haber sido casi ignorado por el público dejó en el recuerdo temas como “Fabio Zerpa tiene razón” y “Otro amor en Avellaneda”. “Vida Cruel” y “Por Mirarte” fueron los siguientes materiales en solitario, que si bien fueron mejorando respecto a los anteriores, no captó el interés suficiente.

Ya con una banda estable y con Los Abuelos de la Nada disuelta, en 1989 se editó “Nadie Sale Vivo de Aquí”, considerado por la crítica y los fanáticos como uno de los más destacados trabajos de Andrés. Sin embargo, el humor de la gente por la difícil situación económica que atravesaba la Argentina de entonces, no estaba en los ánimos como para enfocarse en los nuevos lanzamientos musicales. Incluso el tema que da nombre al álbum, hace clara referencia a esta coyuntura, aunque letra se dirija en otra dirección.

El disco es básicamente de corte pop rock (“Pero sin Sangre”, “Señoritas”) y significó una notoria evolución en las composiciones. “Pasemos a otro tema”, tal vez el más recordado, es una linda balada con el sello clásico de Calamaro. “No tengo tiempo” y “Adiós, amigos, adiós” en cambio, tienen un estilo más tanguero.

La falta de repercusión entre la gente de este muy buen disco hizo que Calamaro encontrara refugio en España donde luego formaría Los Rodríguez, banda con la que alcanzaría gran éxito.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Can – Monster Movie (1969)

Puntaje del Disco: 9

  1. Father Cannot Yell: 9,5
  2. Mary, Mary So Contrary: 8,5
  3. Outside My Door: 9
  4. Yoo Doo Right: 8,5

Para finales de los sesenta un puñado de bandas originarias de Alemania iniciarían el movimiento musical conocido como krautrock, su principal innovación fue incorporar al rock, elementos propios de la psicodelia, de la música electrónica, del minimalismo y de la música experimental, principalmente. Entre ellas se destaco sobre el resto y logro relevancia a nivel mundial Can. Su disco debut Monster Movie (1969) comenzaría a mostrar algunas cosas de lo que mas adelante haría característico el sonido de Can.

En la portada del álbum aparece un robot gigante se trata de Galactus, un personaje de una revista de Marvel Comics de la que la banda era fanática.

Este disco representa un krautrock aún sin cuajar; álbumes posteriores de la banda como el recordado Tago Mago (1973) serán verdaderos representantes del krautrock maduro. Aun así la experimentación e improvisación dice presente en todo el disco, con una base de sonido bastante primitivo, pero no por sin sorpresa y locura que los caracterizaría en sus siguientes trabajos.

Monster Movie cuenta con la presencia del vocalista original de la banda el norteamericano Malcolm Mooney que cantaría también en dos temas mas de su siguiente disco Soundtracks para luego ser remplazado por el recordado Damo Suzuki, pieza clave en la mejor época de Can.

El disco cuenta con solo cuatro tracks pero en su mayoría muy largos, entre ellas la épica improvisación de “Yoo Doo Right” de más de veinte minutos, que en ningún momento te aburre, para solo nombrar un caso.

Monster Movie es una buena muestra de lo que se vería (en forma maximizada y mejorada) en los siguientes trabajos del grupo alemán a principios de los setenta. Un excelente balance entre hipnótica improvisación, experimentación y talento de este gran grupo conocido por pocos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Big Star – # 1 Record (1972)

Puntaje del Disco: 9

  1. Feel: 9
  2. The Ballad of El Goodo: 9
  3. In the Street: 9
  4. Thirteen: 10
  5. Don’t Lie to Me: 9
  6. The India Song: 8.5
  7. When My Baby’s Beside Me: 9
  8. My Life Is Right: 9
  9. Give Me Another Chance: 9
  10. Try Again: 8.5
  11. Watch the Sunrise: 8.5
  12. ST 100/6: 8

Probablemente al nombrar a la banda Big Star, a muchos no se les dispare rápidamente una idea clara de qué hizo este grupo o qué canciones las hicieron conocido. Pero si uno indaga un poco en la historia de Big Star se dará cuenta que este grupo oriundo de Memphis, Tenesse, ha tenido una profunda influencia en la música de los setenta y ha creado un importante legado dentro del llamado Power Pop.

Big Star tuvo sus raíces en Icewater, la banda que Chris Bell compartía con el guitarrista Steve Ray, el bajista Andy Hummel y el baterista Jody Stephens, de principios de los años setenta. Al poco tiempo de su formación Ray abandonó el grupo y en su lugar ingresó Alex Chilton, un joven de 16 años que ya había conseguido un número uno con la canción “The Letter”. Fascinado con la música e imágenes que The Beatles había producido en Estados Unidos en su arribo en 1964, Chilton y Bell tomaron las riendas de las composiciones y encausaron su camino tomando como referencia al dúo más popular, Lennon/McCartney.

En 1972 el grupo grabó su álbum debut, cuyo nombre salió de casualidad al final de las sesiones, como una especie de deseo más que una posible realidad. De no haber sido por un problema de Stax Records con la distribución del disco, quizás éste hubiese alcanzado mayor cantidad de ventas. De todos modos, los especialistas de aquel entonces coincidían en que “#1 Record” era uno de los mejores de ese año, con un sonido brillante y según comentó la revista Rolling Stone, “un disco excepcionalmente bueno”.

Lo interesante del álbum es la diversidad de sonidos que presentaba, sobre todo si se contextualiza el momento en el que fue grabado. Con las Invasiones Británicas en pleno auge, Big Star concentró sus esfuerzos en tomar un poco de lo mejor. Es así como se nota la influencia de The Beatles y ciertas semejanzas con The Kinks y The Who, que estaban en sus años de gloria.

El cuarteto de temas del inicio es verdaderamente genial, sin desperdicio, desde “Feel”, pasando por los coros de “The Ballad of El Goodo” y la despreocupada “In the Streets”, hasta “Thirteen”, el tema por excelencia del disco y una maravillosa composición que retrata muy bien a la adolescencia (“rock n’ roll is here to stay”). Por supuesto que un disco de esta calidad contó también con otros temas destacados. “Don’t Lie to Me”, que sin ahondar demasiado en la letra, las distorsiones de guitarra le dan muy buen ritmo o “When My Baby’s Beside Me” que toma bastante de The Rolling Stones.

Después de dos álbumes más en los setenta Big Star se reunió en el nuevo siglo para lanzar nuevo material, pero siempre quedará el gran aporte que la dupla Bell/Chilton han realizado a la música.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)

Luis Alberto Spinetta – Artaud (1973)

luis-alberto-spinetta-artaud-1973-3868022Puntaje del Disco: 10

  1. Todas las Hojas son del Viento: 10
  2. Cementerio Club: 8,5
  3. Por: 9
  4. Superchería: 8,5
  5. La Sed Verdadera: 8
  6. Cantata de Puentes Amarillos: 9,5
  7. Bajan: 9
  8. A Starosta, el Idiota: 9
  9. Las Habladurías del Mundo: 10

Aclaración: Antes de que empiecen a comentar que el disco es de Pescado Rabioso y no del flaco solista la realidad es que Artaud fue acredito a Pescado Rabioso, pero en realidad corresponde a Luis Alberto Spinetta como solista. En el año 1973, con Pescado Rabioso ya disuelto, Spinetta graba este disco, con dos ex Almendra, Emilio Del Guercio y Rodolfo García, y su hermano, Carlos Gustavo Spinetta, tocando la batería en dos canciones; aunque Luis toca solo en varias canciones. El flaco lo publicó todavía bajo el nombre de Pescado Rabioso, porque según él, «Luis Alberto Spinetta», le parecía muy pomposo, y además, quería demostrarle a los otros integrantes de Pescado, que Pescado era él.

Luego de la aclaración pertinente pasaremos a analizar un clásico absoluto en la carrera de Spinetta. Considerado por muchos músicos no solo su mejor disco, sino también el mejor del rock argentino. Con un tono intimista mucho menos rocker de lo que venia haciendo con Pescado, Artaud cuenta con canciones bellísimas enmarcadas en guitarras acústicas, estructuras complejas que denotan una marcada incorporación del jazz en su música. Con letras profundas ya características en todos sus trabajos, toda esta combinación hace del disco algo imperdible y totalmente redondo de principio a fin. Solo para destacar los mejores temas me quedo con “Todas las Hojas son del Viento”, “Cantata de Puentes Amarillos”, “Bajan” y “Las Habladurías del Mundo”.

El titulo hace referencia directa al poeta francés Antonin Artaud, de hecho, el concepto del álbum está influenciado por dos de sus obras: «Heliogábalo, el anarquista coronado» (1934) y «Van Gogh, el suicidado por la sociedad» (1947). Otro dato más extramusical es el diseño original del LP en forma de estrella verde con formato irregular, totalmente extraño para la época que marco un antes y un después a la hora del diseño de tapa para los discos en el rock nacional.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)