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Control Machete

Control Machete – Mucho Barato (1996)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Control Machete: 8
  2. ¿Comprendes Mendes?: 8,5
  3. Andamos Armados: 7
  4. Humanos Mexicanos: 7,5
  5. Cheve: 8
  6. Así Son Mis Días: 7,5
  7. ¿Te Aprovechas del Límite?: 7
  8. Justo ‘N: 8
  9. La Lupita: 8
  10. Grin-Gosano: 6,5
  11. El Son Divo: 7,5
  12. Mexican Curios: 8,5

Todo asiduo televidente de MTV Latinoamérica en la década del noventa (cuando estaba bueno y no era un canal repleto de reallities basura sin sentido como en la actualidad) se debe acordar del impacto y fenómeno que causo la irrupción de Control Machete en la música de nuestro continente.

Este grupo de mexicanos oriundos de Monterrey integrados por “Toy” Hernandez, Patricio Elizalde y Fermin Caballero abandonarían el circuito under con la aparición de su primer disco Mucho Barato (1996), considerado precursor del Hip Hop mexicano. Su gran hit ¿Comprendes Mendes?” les trajo la popularidad de inmediato y sonó intensamente durante esos años.

Mucho Barato es un disco mas interesante de lo que se puede presumir de antemano, si bien las influencias y similitudes a Cypress Hill se notan de principio a fin, tiene buen resultado la combinación de la cultura y música del norte de México con el Hip Hop. Desde que Control Machete apareció un género tan lejano a la cultura mexicana comenzó a masificarse de forma impensada. Llegando a vender más de 100 mil copias en su país natal y 400 mil en America Latina.

Su siguiente trabajo unos años después los encontraría más maduros y evolucionados en su sonido. Pero este trabajo inicial resulta clave en la historia de la música de México y es altamente recomendado para los fanáticos del Hip Hop y del rock en general.

F.V.

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Eurythmics

Eurythmics – Touch (1983)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Here Comes The Rain Again: 9
  2. Regrets: 7,5
  3. Right By Your Side: 8,5
  4. Cool Blue: 7,5
  5. Who’s That Girl?: 8,5
  6. The First Cut: 8
  7. Aqua: 7
  8. No Fear, No Hate, No Pain (No Broken Hearts): 7,5
  9. Paint a Rumour: 8

En Noviembre de 1983 Eurythmics, sin perder tiempo y con apenas diez meses de diferencia en el lanzamiento de “Sweet Dreams”, editó su segundo material, “Touch”, que buscaba alcanzar un éxito similar a su predecesor. La fama y el gran quiebre ya se había dado en la carrera del dúo Lenox – Stewart, ahora sólo era cuestión de demostrar que el talento estaba intacto.

Utilizando los mismos recursos que en “Sweet Dreams”, con los sintetizadores como principales instrumentos, “Touch” es un gran trabajo y uno de los más destacados de Eurythmics. “Here Comes The Rain”, en un tono más melodramático con una genial ambientación musical, compara la lluvia con un amor no recíproco. “Right By Your Side” experimenta una especie de sonido caribeño que en las notas de Lennox queda bastante bien. “Who’s That Girl?” personifica a la cantante en la postura de mujer demandante de argumentos a su hombre, quien aparentemente andaba con varios amoríos. La sensualidad y a su vez frialdad en la voz hacen de esta una de las mejores de  “Touch”.

En una segunda línea encontramos otros temas también interesantes como “The First Cut” y la casi tecno dance “Paint a Rumour” de más de siete minutos. Estas cualidades de adaptación a los diversos géneros electrónicos de los años ochenta fue una de las principales caractecterísticas de este gran dúo británico.

Piro

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Agenda del Rock Nacional

Agenda del Rock Nacional #3

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En nuestra tercera entrega de la Agenda del Rock Nacional de este fin de semana resaltamos para los fanáticos del buen Blues la celebración del Primer Festival de Verano de Blues que se lleva a cabo en «La Trastienda» desde el fin de semana pasado los días Sabados y esta oportunidad cuenta con la participación de un guitarrista de lujo el gran Miguel Botafogo un groso de lo mejor que se puede escuchar en este género en Argentina.

VIERNES 4
  • Los Cafres – Rock & Arena (San Bernardo) 21:00 Hs.
  • La Vela Puerca – Disco Low (Sunchales, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Kapanga – Corso Unquillo (Unquillo, Cordoba) 23:00 Hs.
  • Pedro Aznar –  Anfiteatro de Costanera Sur (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Festival Sonido Argie: 107 Faunos, Viva Elástico, Nairobi y Los Reyes del Falsete – Niceto Club (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Horcas – GAP (Mar del Plata) 20:00 Hs.
  • Diego Mizrahi – Anfiteatro Municipal Miramar (Miramar) 21:00 Hs.
  • Loquero – El Sótano (Rosario, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Panza – Ultra (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
SABADO 5
  • Ataque 77 – Paseo Las Toscas (Mar del Plata) 16:00 Hs.
  • Primer Festival de Blues de Verano: Botafogo & Ciro Fogliatta, La Tana Spinelli y Hamudis Blues Band – La Trastienda (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Los Cafres – La Rural de Malagueño (La Perla, Cordoba) 00:00 Hs.
  • Bahiano – Anfiteatro de Costanera Sur (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Catupecu Macho – Peteco’s (Lomas de Zamora, Prov. Buenos Aires) 21:00  Hs.
  • La Mancha de Rolando – Rock & Arena (San Bernardo) 21:00 Hs.
  • Pez – GAP (Mar del Plata) 20:00 Hs.
  • Arbolito – Ciudad Cultural Konex (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Malika Sellami – El Malevaje Arte Club (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Javier Malosetti – Boris Club de Jazz (Ciudad de Buenos Aires)
  • Diego Mizrahi – El Ventanal (Villa Gesell) 23:00 Hs.

DOMINGO 6

  • Auténticos Decadentes– Intersección bv. Santa Fe y José Pereyra Lucena (Lomas de Zamora, Prov. De Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • La Vela Puerca – Abbey Road Concert Bar (Mar del Plata) 20:30 Hs.
  • Nonpalidece – Estadio Racing Club (Gualeguaychu, Entre Rios) 19:00 Hs.
  • Javier Malosetti – Anfiteatro Costanera Sur (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • La Mosca – Estadio del Club Atlético Argentino (Tres Lomas, Prov. Buenos Aires) 21:30 Hs.
  • Diego Mizrahi – Auditorio Municipal de Villa Gesell (Villa Gesell) 22:00 Hs.
  • MAD – GAP (Mar del Plata) 20:00 Hs.
  • Magos Cuánticos – Parque Chacabuco (Ciudad de Buenos Aires) 16:00 Hs.


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Free

Free – Tons of Sobs (1968)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Over the Green Hills Pt. 1: –
  2. Worry: 8.5
  3. Walk in My Shadow: 8.5
  4. Wild Indian Woman: 8
  5. Goin’ Down Slow: 8.5
  6. I’m a Mover: 9
  7. The Hunter: 9
  8. Moonshine: 8
  9. Sweet Tooth: 8
  10. Over the Green Hills Pt. 2: 7

Pensar que a fines de los años sesenta un grupo de adolescentes que apenas habían pasado la pubertad se transformaría en una gran banda de rock junto a los colosos que por aquellos años ya se habían consagrado, es realmente algo para destacar y sobre todo admirar. Tan sólo basta con escuchar un par de temas de su primer disco, para darse cuenta el que desarrollaron estos muchachos. “Tons of Sobs” es un verdadero deleite para el rock y una extraordinaria avanzada en el Blues Británico.

Un año después de la formación de la banda, Free editó su prometedor disco debut. La producción estuvo a cargo de Guy Stevens, quien una década más tarde también se encargó del enorme “London Calling” de The Clash. El presupuesto fue casi miserable pero Stevens y la banda se las ingeniaron para crear un interesante material.

«Over The Green Hills» abre y a su vez cierra el disco con el cantante recitando la lírica casi sin música pero acompañado de sus compañeros en los coros. La mayoría de las composiciones fueron obra de Paul Rodgers, que no sólo dejaba sus notas en cada letra sino que además lograba con las mismas una pura expresión de Blues, como en “Walk in My Shadow”. “I am a Mover” es otra destacada composición de Rodgers que se lleva gran parte del espectáculo. “Moonshine” deleita con su sonido denso mientras que “Sweet Tooth” cambia el ritmo y acelera para volver a raíces más rockeras. Aunque sin dudas la versión de “The Hunter” es lo más destacable del disco.

“Tons of Sobs” no logró hacer pie en los charts británicos y tampoco tuvo una resonancia importante al otro lado del Atlántico; sin embargo fundó las bases para una banda que sería considerada como una de las grandes del Blues Rock Británico. La contra que tuvo la salida del disco fue quizás la salida del primer disco de Led Zeppelin en el mismo año que se llevó todos los flashes.

Piro

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El Mato a un Policía Motorizado

El Mato a un Policía Motorizado – El Mato a un Policia Motorizado (2004)

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el-mato-a-un-policc3ada-motorizado-el-mato-a-un-policia-motorizado-2004-6873484Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sábado: 8,5
  2. Tormenta Roja: 8,5
  3. Nuestro Verano: 8
  4. Escupime: 7,5
  5. Doctora Muerte: 8,5
  6. Rock Espacial: 9
  7. Terrorismo en la Copa del Mundo: 8,5
  8. Diamante: 8
  9. Guitarra Comunista: 7,5
  10. Prenderte Fuego: 9

El Mato a un Policía Motorizado, un nombre nada común para una banda. Y ni hablar de los seudónimos de sus integrantes: Santiago Motorizado (bajo y voz), Doctora Muerte (batería), Pantro Puto (guitarra), Niño Elefante (guitarra) y Chatrán Chatrán (teclados). De todas formas, lo que más destaca a esta banda y la hacen menos corriente es el estilo que ellos desarrollan: Indie Rock que toma mucho de la vertiente del Rock Alternativo asemejada con el Noise Rock. ¿Cuántos grupos argentinos se adentraron en el Noise Rock? Mmm, deben ser pocos.

En el año 2004 llegaría su homónimo álbum debut, en el que se puede apreciar la gran influencia que bandas como Sonic Youth, The Velvet Underground y Pixies tuvieron sobre ellos. Si tenemos en cuenta este detalle, no resulta sorpresivo que el principal ingrediente del álbum sean las guitarras distorsionadas. Ahora bien, si me preguntan mi opinión sobre El Mato, lo primero que quiero decir es que son realmente buenos en el género. Vale la pena escuchar todas sus canciones, que en general tiene un buen nivel. Pero (siempre hay un pero) también son muy parecidas entre sí. Puede resultar dificil identificar o distinguir algún tema en especial sobre el resto. Esto puede deberse a su énfasis en imbuir sus guitarras estridentes en sus melodías. Por algo no hay hits, como si fueran una versión primaria de Sonic Youth.

Aún así hay dos temas que me llaman la atención y hacen la diferencia. “Rock Espacial” es uno de ellos, porque le encuentro cierta conexión con Flaming Lips. Tiene un comienzo a lo “She Don’t Use Jelly”. Y luego está “Prenderte Fuego”, que tiene la melodía más atractiva. Es la menos reiterativa y menos ruidosa del álbum.

El balance para el Mato es positivo. Es original en cierto punto ante la ausencia de grupos independientes que hagan Noise Rock en español. Y eso lo transforma en un exponente del género. Pero si solo tengo en cuenta este álbum, también pienso que pueden experimentar mucho más para seguir creciendo.

Persy

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Deep Purple

Deep Purple – Burn (1974)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Burn: 10
  2. Might Just Take Your Life: 6,5
  3. Lay Down, Stay Down: 5
  4. Sail Away: 7,5
  5. You Fool No One: 5
  6. What’s Goin’ On Here: 6
  7. Mistreated: 8,5
  8. «A» 200: 8

Luego del mal paso que significo Who Do We Think We Are, Deep Purple sufriría cambios en su formación. Con la partida de Ian Gillan y Roger Glover, se incorporarían David Coverdale y Glenn Hughes como vocalista y bajista respectivamente. Esta daría el inició de Deep Purple Mark III, que se caracterizaría por encauzar al grupo en una de sus peores épocas. Tal vez esto se deba al crecimiento de la figura de Coverdale, quien es un excelente cantante (aunque prefiero a Gillan) pero encaminaría a la banda en un estilo más funk sin ser un gran compositor desde mi punto de vista.

Con su nueva formación editarían en 1974 el álbum Burn, un disco que muestra ciertas mejorías respecto de lo que fue Who Do We Think We Are, pero también refleja sus nuevas flaquezas. El problema con Burn es que resulta bastante irregular por la presencia de canciones que no son sólidas ni interesante como las mediocres “Lay Down, Stay Down” y “You Fool No One”, y como las genéricas “What’s Goin’ On Here” y “Might Just Take Your Life”.

De todos modos, el álbum también cuenta con un par de clásicos bastante elogiables. El más destacado entre ellos es el homónimo “Burn”, que abre el disco de gran forma haciéndonos pensar que el mal trago de su último disco quedaría en el olvido. El riff de Blackmore es espectacular, muy agresivo y veloz, compitiendo sin problemas como uno de los mejores en la carrera de Purple. “Mistreated” es el segundo tema dentro del podio. Es un hard blues bastante bien llevado con otro gran riff de Ritchie, similar al estilo de “Since I’ve Been Loving You” de Zeppelin, aunque esta vez no tan atrapante y excedido en minutos. Y por último se puede remarcar a “»A» 200”, un instrumental que parece de ciencia ficción, por el tambor constante de Paice, los efectos que agrega con sintetizador Jon Lord y el solo de Blackmore. Por su parte, “Sail Away” tiene un buen riff pero no esta a la altura de las circunstancias.

A pesar de sus altibajos, Burn fue marcado por algunos críticos como uno de los mejores discos de Deep Purple post Machine Head. Pero a mi modo de ver, es un álbum sobrevalorado que nos indica que la mejor étapa de Deep Purple ya había terminado.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Catupecu Machu

Catupecu Machu – Dale! (1997)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Todo Pasa, todo queda: 7.5
  2. Calavera Deforme: 7.5
  3. Los Tres Deseos: 6
  4. El Lugar: 6.5
  5. Apiere´ Omapare Piarolo´: 7
  6. Elevador: 7
  7. Come Together: 5
  8. Mil Voces Finas: 6.5
  9. Dale!: 7.5
  10. La Polca: 8
  11. Ritual: 6.5
  12. La Llama: 6.5
  13. Le Di Sol: 6
  14. Hay Casi Un Metro Al Agua: 6.5
  15. El Sueño: 7

Catupecu Machu?…Qué diablos es eso, unas ruinas antiguas, una nueva especie de dinosaurio?. Cuando a principios del nuevo milenio la banda liderada por Fernando Ruiz Díaz comenzó a hacerse más conocida a nivel masivo, fueron muchos los neófitos musicales o incluso entendidos del tema que se preguntaban la procedencia de tan extraño nombre para una banda de rock. La respuesta la tenía el mismo Fernando, quien lo había inventado refiriéndose a un animal imaginario. Con la humildad de un adolescente lleno de curiosidad y energía, quizás nunca hubiese concebido que ese animal llegaría a existir  y a hacer furor entre miles de jóvenes argentinos.

Entre Mayo y Agosto de 1997 el propio Gabriel Ruiz Díaz, hermano y bajista de Fernando, se encargó de grabar y mezclar lo que sería el primer trabajo de Catupecu, “Dale!”. Abril Sossa en batería completaba el trío fijo de la banda que por aquel entonces se dio a conocer con este interesante material.

Dominado el Rock Nacional de mediados de los años noventa por grupos de corte rollinga tales como los Ratones Paranóicos y Viejas Locas, y por otros de estilo latino y Ska, “Dale!” apareció en un momento preciso para irrumpir con un Rock más recalcitrante. Lo primero que llama la atención en Catupecu es la energía y el ímpetu que Fernando Ruiz Díaz le pone a las letras, al punto de quedarse afónico. El exasperante pedido por el ascensor en “Elevador” es una muestra de esto.

Más allá de la característica voz del cantante, Catupecu Machu es una banda que tomó diversos estilos musicales y logró combinarlos muy bien demostrando una gran dinámica. El metal queda plasmado en el arranque del disco con “Todo Pasa, todo queda”, mientras que un estilo más grunge se aprecia en “Le di Sol”. Por su parte “Dale!” (uno de los temas de difusión), con guitarras distorsionadas adopta una onda alternativa, siendo éste uno de los géneros que mejor se adapta a la banda. “Polca”, el otro tema dado a conocer en las radios, como su nombre lo indica, se remite a ese estilo oriundo de Europa en el siglo XIX.

Es apreciable la buena adaptación de estilos que hace Catupecu a lo largo de su disco debut, sin embargo, un punto flojo e innecesario fue la adaptación del clásico de los Beatles “Come Together”. En una valoración totalmente personal ese magnífico tema podría resistir una versión sólo con tinte blusero. De todos modos, “Dale!” es un buen disco que obtuvo una considerable aceptación entre los más diversas tribus urbanas de Buenos Aires.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Fiona Apple

Fiona Apple – When the Pawn… (1999)

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Puntaje del Disco: 9

  1. On the Bound: 9,5
  2. To Your Love: 8,5
  3. Limp: 9
  4. Love Ridden: 7,5
  5. Paper Bag: 9
  6. A Mistake: 8
  7. Fast as You Can: 9
  8. The Way Things Are: 8,5
  9. Get Gone: 8,5
  10. I Know: 7

Fiona Apple pudo haber sido parte del grupo de artistas femeninas que dominaron los charts de pop a finales de los noventa pero su estilo ambicioso y refinado la diferencio desde un comienzo y se iría acentuando en su siguiente material When the Pawn (1999) la diferencia de sofisticación entre su segundo trabajo y Tidal es prometedor.

El titulo del álbum no es simplemente When the Pawn, es un poema de noventa palabras escrito por Fiona, el titulo completo es: When the pawn hits the conflicts he thinks like a king, What he knows throws the blows when he goes to the fight, And he’ll win the whole thing ‘fore he enters the ring, There’s no body to batter when your mind is your might, So when you go solo, you hold your own hand, And remember that depth is the greatest of heights, And if you know where you stand, then you know where to land, And if you fall it won’t matter, cause you’ll know that you’re right. Se dice que Apple lo escribió luego de leer las cartas de los lectores de Spin Magazine, tras un artículo que la encasilló de forma negativa, en una edición anterior.

El disco fue gestado durante la relación que mantenía con el director cinematográfico Paul Thomas Andersen (director de Magnolia y Boogie Nights entre otras) que lógicamente dirigió todos los videos que se lanzaron en rotación. En When the Pawn fiona no rompería del todo con sus composiciones jazz pop de Tidal pero su música maduraría de forma notaria refinando su sonido y expandiéndose a nuevos horizontes, hay experimentaciones de sonidos nuevos, más instrumentos, un sonido mas oscuro y más estribillos. Además, la magistral voz de Apple, suena más alegre y seria. Su talento para componer se ve apuntalado por la buena dupla que forma con su productor Jon Brion, con el que trabaja de forma ideal para llevar a cabo sus canciones tan personales. El disco abre de la mejor forma con la elegante «On the Bound» y poco tiempo después una especie de cruza entre jazz y sonidos funk rock arremeten en “Limp”, “Paper Bag” es tiene una melodía mas accesible pero no deja de ser un gran tema, “Fast as You Can” es el titulo perfecto para la locura de esa canción una fusión de jazz y rock acelerada.

Los anteriormente mencionadas son solo unas muestras de lo que se pueden encontrar en When the Pawn un disco sorprendente para una artista con tan solo veintidós años de edad, que escribe sus propios temas, toca el piano magistralmente y para fortuna de nuestros oído, los canta.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Led Zeppelin

Led Zeppelin – Presence (1976)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Achilles Last Stand: 10
  2. For Your Life: 6
  3. Royal Orleans: 4,5
  4. Nobody’s Fault But Mine: 8
  5. Candy Store Rock: 4
  6. Hots On For Nowhere: 4
  7. Tea for One: 6

Cuando me refería a que Zeppelin se estaba oxidando desde Physical Graffiti iba muy en serio. Este es el momento que todo fan no desea que llegue, el de la decadencia artística de la banda de sus amores. Presence es un disco bastante irregular en el que se nota que compositivamente el grupo estaba en un mal momento. El disco se caracteriza porque Led Zeppelin deja sus intensiones de explorar nuevos estilos como en Houses of the Holy o Physical Graffiti, y prefiere abordar lo más genérico de hard rock sin la presencia de pianos ni guitarras acústicas.

Como resultado, Zepp parece un conjunto de vejestorios sin ideas y que además perdieron sus mejores cualidades. Si bien ninguno estaban en su plenitud (porque se encontraban sumergidos en sus adicciones y problemas), posiblemente el que más lo sintió fue Robert Plant que grabó el álbum en silla de ruedas y muletas luego del accidente de transito que sufrió por aquel entonces. Tanto lo afectó, que pese a su esfuerzo, su voz suena algo apagada y sin la energía desgarradora que tenía años atrás.

De hecho el accidente de Plant inspiró a la composición del mejor tema de Presence, “Achilles Last Stand”. No solo es el más destacado del disco, también es la gran última canción épica de Led Zeppelin, un canto a la guerra de 10 minutos, apasionante desde lo que hace Jimmy Page en guitarra, que te incita a agarrar una lanza y unirte a Aquiles en su última resistencia… ¿O tal vez la última resistencia de Zeppelin?

Una vez que termina “Achilles”, si no queres angustiarte te recomiendo dejar de escuchar el disco, porque lo que sigue son canciones que marcan el mal momento del grupo. Temas de hard rock bastante inexpresivos, odiosos y nada memorables. “Royal Orleans”, “Candy Store Rock” y “Hots On For Nowhere” son un conjunto de descartes que no son dignos del repertorio de Zeppelin. Por su parte, “For Your Life” es marcado como uno de los temas escuchables, pero desde mi punto de vista es un rocker que no ofrece mucho. La melodía es genérica y las piruetas de Page apenas la salvan.

“Nobody’s Fault But Mine” es otra de las canciones comúnmente rescatadas. Comienza como un tema para el olvido, hasta que su riff empieza a tomar mayor potencia junto con el acompañamiento de la armónica dejando un buen tema, aunque que no esta cerca de ser un clásico de la banda.

Y sobre el final está “Tea for One”, una reescritura mal hecha de “Since I’ve Been Loving You”. Por dios ¿No se dan cuenta que el ritmo es calcado? Con la diferencia de que no están dejando su sangre a la hora de interpretarlo y de que resulta muy poco inspirador. Así y todo, es un heavy blues que safa.

Hay gente que suele defender este álbum. Pero a mi solo me genera desesperación al hacerme la idea de que Zeppelin estaba acabado desde este punto. Solo puedo proteger a “Achilles”, la última obra maestra de su carrera.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)