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The Rolling Stones

The Rolling Stones – Exile on Main St (1972)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Rocks Off: 10
  2. Rip This Joint: 9
  3. Shake Your Hips: 7,5
  4. Casino Boogie: 8,5
  5. Tumbling Dice: 9
  6. Sweet Virginia: 8,5
  7. Torn and Frayed: 10
  8. Sweet Black Angel: 8
  9. Loving Cup: 9
  10. Happy: 8,5
  11. Turd on the Run: 8,5
  12. Ventilator Blues: 9,5
  13. I Just Want to See His Face: –
  14. Let It Loose: 10
  15. All Down the Line: 9
  16. Stop Breaking Down: 9,5
  17. Shine a Light: 9
  18. Soul Survivor: 9

Exile on Main St es señalado como el álbum más brillante y exquisito en la vasta carrera de los Rolling Stones. Es un disco que toma tiempo asimilarlo, de esos que con cada nueva escucha se descubren cosas nuevas que te hacen quererlo y disfrutarlo aun mas.

Se edito en Mayo de 1972 como disco doble mezclando rock & roll, blues, soul y country, lo que demuestra que los Stones no buscaban nada nuevo, lo nuevo era la sustancia la forma en que perfectamente se mezclan las distintas facetas en las que atraviesa las distintas composiciones. Destacándose de sobremanera la presencia de las guitarras de Mick Taylor que junto a Keith Richards logran complementarse de maravillas como en ningún otro momento en los que Taylor participo en la banda.

Acerca del disco Keith decía sobre Exile » fue un álbum doble y por ello tocamos diferentes áreas. No comenzamos pensando en que iba a ser doble; pero cuando terminamos con las grabaciones no pudimos dejar mucho material afuera”. Por otro lado Mick en los últimos años a declarado que era un disco sobrevalorado y que no entendía el fanatismo de los fans de los Stones porque no tenia demasiados hits, “No estoy seguro que tan grandiosas son las canciones, pero conjuntamente forman una linda pieza”

Exile arremete de entrada con el mejor tema de apertura en un disco de los Stones “Rocks off”, seguido por el rock acelerado de “Rip this Joint”, de inmediato nos encontramos con otros puntos altos como la emocional “Tumbling Dice”, un gran tema country “Sweet Virginia” y otro gran momento en “Torn and Frayed”. A continuación se puede apreciar en forma impecable la voz de Mick en “Loving Cup” y una de las canciones que interpreta Richards más emblemáticas “Happy”. Cerrando esta obra de excelente forma se encuentran una andanada de temas uno mejor que el otro como para terminar satisfechos de tanta buena música como “All Down the Line”, “Stop Breaking Down” y un clásico olvidado en el repertorio Stone la balada “Let it Loose”.

Casi a 40 años de su salida Exile continua sonando contemporáneo y sólido como pocos álbumes dobles lo pueden hacer enmarcándolo en no solo uno de los mejores trabajos de los Rolling Stones sino también en uno de los mas importantes en la historia del rock and roll incluyéndose entre los mejores discos de todos los tiempos en cada ranking habido y por haber.

En Abril de este año los fans de los Stones recibieron una noticia atrayente especialmente para los fanaticos de esta época de la banda, con motivo del 38 aniversario de la edicion de Exile se edito una reedición de este emblematico disco, con distintas versiones de algunos de ss temas y canciones ineditas de la sesión de grabacion. Un mes mas tarde la reedicion de Exile on Main St alcanzo el numero uno en los charts británicos. The Rolling Stones se convirtieron en el primer grupo que consiguió que un disco reeditado alcanzara el numero uno decadas despues de su primera edición.

F.V.

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(Votos: 3 Promedio: 5)
Lou Reed

Lou Reed – Coney Island Baby (1976)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Crazy Feeling: 9,5
  2. Charley’s Girl: 8
  3. She’s My Best Friend: 9
  4. Kicks: 9
  5. A Gift: 8,5
  6. Ooohhh Baby: 8,5
  7. Nobody’s Business: 8
  8. Coney Island Baby: 9

El retorno de un héroe. Lou Reed luego de la inaguantable bofetada de Metal Machine Music vuelve en su mejor forma con Coney Island Baby, un disco que nos sigue mostrando la increíble evolución de Reed, quien afortunadamente deja de intentar parecerse a David Bowie para ser él mismo. Este cambio de actitud conllevo en que adopte un estilo más pasional, templado, sin grandes pretensiones como en Berlin y más convencional como la última etapa de la Velvet (como en Loaded y The Velvet Underground).

Coney Island Baby es un álbum integrado por canciones cargadas del romanticismo de Reed, que no cuenta con melodías espectaculares, pero que igualmente generan un clímax sensacional. Y en esto también tiene que ver mucho en cómo interpreta Lou Reed las canciones. No solo en sus singulares entonaciones, sino también en que deja de cantar para recitar sonando “cool” en todo momento. Basta con escuchar el tema titular del álbum, “Coney Island Baby”, para darse cuenta.

Y es así como nos encontramos con un disco parejito, sin bajones como Berlin, ni arrebatos comerciales como en Sally Can’t Dance. Haciendose notar por un lado canciones más seductoras como “A Gift” y “Coney Island Baby”, y cortes más dinámicos como “Crazy Feeling” y “She’s My Best Friend”. Y en el medio también tenemos a “Kicks”, un tema que rompe esquemas con su estructura semi-jazzera y que rockea descontrolándose sobre el final con Lou interpretando con genialidad y gracia la frase: “I ne ne ne ne ne need some Kicks!”.

Un capo que “necesita patadas”, pero en realidad merece un aplauso por este trabajo.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Alanis Morissette

Alanis Morissette – Supposed Former Infatuation Junkie (1998)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Front Row: 6,5
  2. Baba: 6
  3. Thank U: 9
  4. Are You Still Mad: 7
  5. Sympathetic Character: 6
  6. That I Would Be Good: 8
  7. The Couch: 7
  8. Can’t Not: 7,5
  9. UR: 6,5
  10. I Was Hoping: 8
  11. One: 7
  12. Would Not Come: 6,5
  13. Unsent: 7
  14. So Pure: 8
  15. Joining You: 7
  16. Heart of the House: 7
  17. Your Congratulations: 7

El gran éxito musical y comercial de “Jagged Little Pilled” de 1995 posicionó a Alanis Morissette en el escalón de celebridad mundial. La enorme cantidad de ventas y la calidad de sus canciones le otorgaron no sólo diversos premios, sino también la posibilidad de colaborar con prestigiosos artistas, como fue el caso del disco “Before This Crowded Streets” de Dave Matthews Band. Aquellos reconocimientos agrandaban su figura así como también la ansiedad de sus fans por un nuevo material.

En 1998 Morissette lanzó su cuarto álbum “Supposed Former Infratuation Jinkie”, con la compleja tarea de superar lo hecho por su antecesor. El efecto “disco siguiente al súper disco” cumplió su premisa, por lo que en rasgos generales, no logró un efecto tan impactante. En esta oportunidad Alanis presenta un planteo algo inusual a lo que venía mostrando anteriormente, ya que acude a canciones sin puentes o coros, tales son “Front Row”, “The Couch” y “I Was Hoping”. Por otro lado, luego de un viaje a la India, la canadiense descubrió los preceptos del Budismo, los cuales marcarían sus experiencias personales y se verían reflejadas en un no muy logrado “Baba” y “Thank U”, que en cambio, sería uno de los hits en la carrera de Alanis. Estas influencias religiosas quedaron expresadas también en la tapa del disco, con la sonrisa de la artista de fondo.

“Are You Still Mad” y “Sympathetic Character” son dos temas en los que se destaca la gran voz de Alanis con tonos altos aunque cortos. En “That I Would Be Good”, con un cálido piano y una guitarra acústica se puede apreciar en perfecta dimensión su maravillosa voz. De las siguientes cinco canciones sobresale “I Was Hoping”, una balada más enfocada en la letra que en la música, similar a “Joining You”. Con un estilo dance pop Alanis introduce también “So Pure”, un tema que fue originalmente grabado antes de la salida de “Jagged Little Pilled”.

En el final “Your Congratulations” retoma la vía lírica para cerrar el disco con los dotes corales de Morissette. Las ventas no fueron las mismas que el disco anterior, el suceso se había estabilizado; sin embargo, “Supposed Former Infatuation Junkie” es uno de los mejores trabajos en la carrera de esta talentosa artista.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Dandy Warhols

The Dandy Warhols – Thirteen Tales from Urban Bohemia (2000)

1 comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. Godless: 8
  2. Mohammed: 7
  3. Nietzsche: 8
  4. Country Leaver: 6,5
  5. Solid: 8,5
  6. Horse Pills: 8
  7. Get Off: 7,5
  8. Sleep: 8
  9. Cool Scene: 8
  10. Bohemian Like You: 9,5
  11. Shakin’: 8,5
  12. Big Indian: 8
  13. The Gospel: 6

Procedentes de Oregon, Estados Unidos The Dandy Warhols es un grupo de rock alternativo surgido a principios de los noventa que recien comenzaria a obtener notoriedad a nivel mundial para principios de la década siguiente llegando a ser teloneros de grosos como David Bowie y The Rolling Stones. De la mano de su líder el vocalista y guitarrista Courtney Taylor son capaces de confeccionan un pop vibrante y crear un sonido rico e hipnótico. Junto a Taylor desde un primer momento estuvieron Zia McCabe (bajo y teclados), Peter Holmstrom (guitarra), y Eric Hedford (bateria), luego reemplazado por Brent De Boer en el 2000.

Sus primeros discos Dandy’s Rule, OK? (1995) y The Dandy Warhols Come Down (1997) les ayudo a tener un exito moderado y a realizar distintas giras por Estados Unidos. Con el correr de los discos debido a la ola de brit pop reinante en la época el sonido de los Dandy Warhols comenzo a europeizarse lo que les gano muchos mas adeptos y repercusión en el Reino Unido que en su país natal.

Su tercer trabajo en el verano del 2000 Thirteen Tales From Urban Bohemia Marcaria su despegue definitivo debido al éxito que provoco su hit por excelencia el pegadizo “Bohemian Like You”, pero hay otras sorpresas en este álbum como las notarias inspiraciones de Lou Reed y Elastica en “Solid Lou Reed, y “Shakin’” respectivamente. Además demuestran moverse bastante bien en su faceta épica en “Godless” y “Nietzsche” y también en momentos mas pop como “Sleep”. “Get Off” y “Cool Scene”.

Mas haya de ser un disco con altos y bajos, The Dandy Warhols comenzarían a enderezar su carrera hacia el buen camino con Thirteen Tales From Urban Bohemia y Taylor continuaría demostrando creatividad y buenas canciones en sus siguientes trabajos que empezaron a ser observados por su creciente masa de fanáticos y a ser de bastante influencia para el Indie rock reinante en la década pasada.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Jethro Tull

Jethro Tull – Thick as a Brick (1972)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 10

  1. Thick as a Brick (Part 1): 10
  2. Thick as a Brick (Part 2): 10

Si Aqualung te gustó Thick as a Brick te va a encantar. Aqualung fue la perfecta combinación de hardrock y rock progresivo de Jethro Tull, pero Thick as a Brick es su verdadera obra maestra que consagró a Ian Anderson como un legítimo genio.

Según Anderson: «El álbum fue una parodia a los álbumes de Yes y Emerson, Lake & Palmer”. Y qué manera de reírse de todos. Ian nos trae un disco conceptual respondiendo a aquellos que catalogaban a Aqualung como tal. Y el resultado fue brillante.

Aparentemente, según los dichos de Anderson, su concepto se basó en la letra de un poema de un chico (ficticio) llamado Gerald Bostock, la cual también figura en la portada del álbum diseñada como si fuera el diario de un pueblo.

Ahora bien, la genialidad de Thick as a Brick se encuentra en que a pesar de ser una sola canción dividida en dos partes, se puede apreciar la abrumadora combinación de folk rock y hard rock. Es una mezcla sencillamente perfecta de tramos acústicos y otros eléctricos, que te permite deambular en diversos pasajes sin puntos flojos y que además nunca pero nunca aburre. Y esto es algo para recalcar, es difícil conservar este nivel sobresaliente en más de 40 minutos de disco. Ian Anderson lo logró, manteniendo el clásico sonido de Jethro Tull (con su inimitable flauta) e incursionando también en el uso de sintetizadores.

Y para que los fanáticos tengan en cuenta, nuevas adaptaciones de este disco incluyen la muy buena y acortada versión en vivo de “Thick as a Brick” desde el Madison Square Garden en 1978.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Novedades de la pagina

Guitar Sacrifice

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Mucho debate genera la pregunta «¿Quién fue el mejor guitarrista de todos los tiempos?». Las respuestas son muy diversas teniendo en cuenta el gusto de cada persona. Se han hecho rankings con este tema. Sin embargo, la mayoría (incluyendo la encuesta que se hizo en el Persi Music hace un tiempo) ubica en un pedestal por sobre todos a nuestro inigualable dios electrico: Jimi Hendrix.

Por eso para conmemorarlo y para culminar este maratón de «Guitar Heroe», les dejamos uno de los momentos más emblemáticos de Hendrix, su ceremoniosa guitarra en llamas:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=fvSr_N3aV0I&NR=1]

Y para los fans, su solo de guitarra con los dientes:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=ExSNjdGtTBc]

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Jimi Hendrix

Jimi Hendrix – Band of Gypsys (1970)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Who Knows: 9,5
  2. Machine Gun: 9
  3. Changes: 8,5
  4. Power to Love: 8
  5. Message to Love: 8,5
  6. We Gotta Live Together:9

Jimi Hendrix formaría inmediatamente después de la disolución de The Jimi Hendrix Experience, su nuevo grupo de colaboradores Bando f Gypsys que consistía en, además del gran Jimi en la guitarra y voces, al bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles.

Band of Gypsys (último disco que salió en vida de Jimi y autorizado por el) se llamaría también el trabajo homónimo en vivo grabado en dos conciertos realizados en el fin de año de 1969, mas precisamente el 31 de Diciembre de ese año y el 1 de Enero de 1970 en el Filmore East de Nueva York solo unos meses antes de la muerte de Hendrix.

Este trabajo muestra un cambio radical en la dirección de su música, con tres músicos de raza negra, Jimi se sumergió en sus raíces: por es una fervorosa celebración de blues, soul, funk y rock intenso, sin incluir atinadamente sus canciones mas emblemáticas y darle lugar a temas nuevos y también a dos composiciones del baterista Buddy Miles como “Chenges” y “We Gotta Live Together”. Las letras pueden ser manifiestamente antibélicas, (“Machine gun”), cambios inevitables que trae el paso de los años (“Changes”) o reflejar el ansia de un cambio social (“Message to love”).

Unos meses mas tarde la Band of Gypsys se disolvería por deseo del manager de Hendrix Michael Jeffery de volver a la formación original de Experience, deseo que se vería interrumpido por su fatídica e inesperada muerte.

En este año se cumplen nada mas y nada menos 40 años de la desaparición física de uno de los mejores guitarristas y artistas genuinos que sintieron el rock realmente desde adentro e inspiraron varias generaciones con su música, y su espíritu, su muerte sirvió para hacer más grande el mito, para crear una leyenda y para que las compañías discográficas se llenaran los bolsillos sacando al mercado todo tipo de grabaciones, conciertos piratas, recopilaciones y directos como aun en estos días continua ocurriendo con la edición de grabaciones inéditas con motivo al aniversario de su fallecimiento.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Eric Clapton

Eric Clapton – Journeyman (1989)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Pretending: 9
  2. Anything For Your Love: 8
  3. Bad Love: 9
  4. Running On Faith: 9
  5. Hard Times: 8
  6. Hound Dog: 7,5
  7. No Alibis: 8,5
  8. Run So Far: 7,5
  9. Old Love: 7,5
  10. Breaking Point: 8
  11. Lead Me On: 7,5
  12. Before You Accuse Me: 9

Después del excelente “Slowhand” de 1977, Eric Clapton no tuvo durante los siguientes años un disco que rozara la perfección que había logrado con aquel material. Durante aquellos años se sucedieron trabajos como “Backless”, “Another Ticket” y “Behind The Sun”. La década de los 80 también había afectado en cierto modo la inspiración de Clapton. No sería hasta 1989 que retomaría la senda con el lanzamiento de “Journeyman”.

El disco presenta un sonido electrónico, con la utilización de sintetizadores en clara sintonía con las influencias de los años ochenta, aunque tampoco deja de lado el blues rockero característico de Clapton. Para la realización de su onceavo disco como solista, contó con la colaboración de artistas como George Harrison, Phil Collins, Greg Philliganes, entre otros. Compuesta también con la ayuda de Mick Jones del grupo Foreigner, “Bad Love” se convirtió en uno de los clásicos del disco y en la carrera de Clapton. Como en otras oportunidades, Eric versiona temas legendarios como “Hard Times” de Ray Charles, “Houng Dog” o “Run So Far” de Harrison.

Se destacan “Pretending” con un sonido fuerte y una gran letra, “Bad Love” por supuesto y “Running On Faith”. En una segunda línea, por catalogarlo de alguna manera están “No Abilis” y la balada “Hard Times”. Pero si de baladas bluseras se trata, “Before You Accuse Me” se alza como la más resonante.

“Journeyman” fue para Clapton una especie de resurgimiento luego de un período de poca influencia. Con este disco el Dios Blanco de la Guitarra dejaba en claro que todavía mantenía vigencia y cuerda para rato.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Steve Vai

Steve Vai – Passion and Warfare (1990)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Liberty: 6,5
  2. Erotic Nightmares: 9,5
  3. The Animal: 8
  4. Answers: 8,5
  5. The Riddle: 8,5
  6. Ballerina 12/24:9,5
  7. For the Love of God: 10
  8. The Audience Is Listening: 9
  9. I Would Love To: 8
  10. Blue Powder: 9
  11. Greasy Kid’s Stuff: 9
  12. Alien Water Kiss: 8
  13. Sisters: 9
  14. Love Secrets: 9

Steva Vai, de niño soñaba. Sueños de niño, claro está.

Passion and Warfare es la extrapolación de esas aventuras oníricas, traducidas al lenguaje musical. Las diversas técnicas con guitarra que Vai utiliza, no son pura demostración ególatra de su capacidad de shredding; tienen un uso expresivo totalmente justificado y logrado.

Claro que el disco empieza con “Liberty”, una de esas monumentales basuras que, a pesar de ser puramente instrumental, chorrea patriotismo americano chato e insulso. ¡Oh, Vai, cuánto daño te ha hecho Whitesnake!

Pero KRAPÁM, “Erotic Nightmares” es una bofetada sorpresiva de demencias musicales, fuertemente derivativa y original. En la pista se ven los pingos: imposible adivinar lo que hace Vai en este tema.

Steve es muy transparente, y sus influencias se notan muy marcadamente. De su paso por Frank Zappa and the Mothers tenemos “Answers” y “Greasy Kids Stuff”. De las malas influencias de David Lee Roth y su temprano involucramiento con Whitesnake, tenemos la mencionada “Liberty” y “I would love to”. La excelente semi-balada “Blue Powder” está claramente epigrafeada por Joe Satriani.

Pero esto no es en función de quitarle mérito a Vai, Passiond and Warfare, a pesar de tener una tapa muy mersa, es un disco bueno y entretenido. Especialmente entretenido, ya que cuenta con canciones como “The Audience is Listening” que merece un alto puntaje sólo por lo pelotuda y divertida que es. Pero no es que Steve no se tome la música en serio, como lo demuestra “Ballerina 12/24”, una simple cancioncita con un punteo violentamente complicado, que allana cualquier tipo de dudas sobre el virtuosismo de Vai (que Frank Zappa comparó con el de Liszt o Paganini, por ejemplo).

Y, en el medio de esas dos canciones, “For the Love of God”. ¿Vieron cuándo se dice: “esta persona no necesita introducción alguna”? Bueno, así es “For the Love of God”. Baste decir que fue rankeada como el 29º mejor sólo de guitarra en la historia por la revista Guitar World, que es una violación cerebral y un orgasmo para los tímpanos, que el que no llora mientras la escucha tiene menos sensibilidad que un zócalo, y que el nombre está muy buen puesto: una vez terminado el tema, uno inevitablemente piensa: “Por el amor de Dios… ¡¡qué buen tema!!”

La curiosidad: ¿Y cómo pudo Steve Vai componer y ejecutar semejante obra? Algo realmente sencillo, que cualquiera puede hacer.  Simplemente pasó diez días de ayuno y purificación material y espiritual y meditación. Y al cuarto día… “For the Love of God” vio la luz.

Barba

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