Todas las entradas de: persimusic

The Rolling Stones – Sticky Fingers (1971)

The-Rolling-Stones-Sticky-Fingers-Persimusic

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Brown Sugar: 9
  2. Sway: 8
  3. Wild Horses: 9,5
  4. Can’t You Hear Me Knocking: 9,5
  5. You Gotta Move: 8
  6. Bitch: 9
  7. I Got the Blues: 8
  8. Sister Morphine: 9
  9. Dead Flowers: 8,5
  10. Moonlight Mile: 9,5

En el periodo post Brian Jones con la incorporación de un gran guitarrista de rock y blues Mick Taylor, que los acompañaría hasta It s Only Rock and Roll (1974) los Rolling Stones encontrarían su verdadera identidad dejando atrás la psicodélia y experimentación, y abocándose al rock en estado puro como solo los Stones pueden interpretar.

En Abril de 1971 se editaría Sticky Fingers un clásico en su discografía cuenta por primera vez con la participación integra de Taylor, ya que en Let It Bleed colaboro en solo algunas canciones. La portada fue diseñada por el artista Andy Warhol y se incluye por primera vez su logotipo y los labios, realizado por John Pasche.

Un tema preponderante y recurrente en las letras del álbum es la droga, en la mitad de las canciones se hace mención explicita y en las otras se alude a la misma.

Para abrir el disco de gran forma arremete “Brown Sugar” verdadero tema histórico y representativo de los Stones,  seguidos por la simpática “Sway” y una emotiva balada entre las mejores de su repertorio “Wild Horses”, para cerrar la primera parte aparecen “Can’t You Hear Me Knocking” que demostraba los muy buenas aptitudes de su nuevo guitarrista Mick Taylor y una versión de un tema de blues de Fred Mcdowell y del reverendo Gary Davis “You Gotta Move”.

La segunda parte comenzaba de vuelta con energía con “Bitch” y otro tema “blusero” I Got the Blues”, un párrafo aparte merece “Sister Morphine” (la letra había sido escrita por Marianne Faithfull, ex novia de Jagger) que narra con intensidad la agonía de un hombre en el hospital a causa de una sobredosis, y sus deseos de conseguir morfina. Para finalizar este trabajo “Dead Flowers” es un tema country de los que nos tenían acostumbrados los Stones por esas épocas especialmente en Let It Bleed y “Moonlight Mileelaborada a partir de tomas incompletas de Richards, que Taylor se encargó de desarrollar y transformar, sirve para poner un broche de oro a uno de sus mejores y mas aclamados materiales discográficos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)

AC/DC – Let There Be Rock (1977)

ACDC-LetThereBeRock-Persimusic

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Go Down: 8,5
  2. Dog Eat Dog: 8
  3. Let There Be Rock: 9
  4. Bad Boy Boogie: 8,5
  5. Problem Child: 9
  6. Overdose: 7
  7. Hell Ain’t a Bad Place to Be: 8
  8. Whole Lotta Rosie: 8,5

En 1977 AC/DC editaría su primer disco con lanzamiento simultaneo a nivel mundial, esto ayudaría a afianzar su nivel de popularidad en el mercado Europeo y principalmente el Norteamericano donde vendió mas de dos millones de ejemplares.

Let There Be Rock es un muy buen disco de rock como Bon Scott y los hermanos Young nos acostumbraron en sus comienzos de carrera pero no logra llegar a ser de sus mejores trabajos. El problema en Let There Be Rock no son las canciones en si, el grupo sigue sonando de maravillas, sino que no ofrece nada nuevo a su repertorio de la banda es como un disco calcado de sus dos primeros trabajos, una continuación, incluso en la reedición en CD del disco se repite una versión mas extendida de “Problem Child” incluida en Dirty Deeds Donde Dirt Cheap. Mas haya de esto hay pasajes como “Bad Boy Boogie”, “Let There Be Rock” y “Whole Lotta Rosie” que sobresalen sobre el resto y demuestran que la etapa de Bon Scott al frente del grupo fue la mas prolifera e interesante de su carrera, la reputación de Bon iba adquiriendo cada vez más tonos de indecencia pura que le daban al grupo un ingrediente extra a la hora de analizar sus letras y comportamientos.

Mas haya de esto el disco los consolidaria en su sonido y busqueda musical y dejaria en claro que los muchachos de AC/DC estaban destinados para ser grandes.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Byrds – Mr. Tambourine Man (1965)

the Byrds_-_Mr_Tambourine_Man 1965

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Mr Tambourine Man: 9,5
  2. I’ll Feel A Whole Lot Better: 9,5
  3. Spanish Harlem Incident: 8
  4. You Won’t Have To Cry: 7,5
  5. Here Without You: 7,5
  6. The Bells Of Rhymney: 7,5
  7. All I Really Want To Do: 8
  8. I Knew I’d Want You: 8
  9. It’s No Use: 8,5
  10. Don’t Doubt Yourself Babe: 7,5
  11. Chimes Of Freedom: 8
  12. We’ll Meet Again: 7,5

Bonus Tracks:

  1. She Has A Way: 8
  2. I’ll Feel A Whole Lot Better (alternate version): 9
  3. It’s No Use (alternate version): 8
  4. You Won’t Have To Cry (alternate version): 7,5
  5. All I Really Want To Do (single version): 8
  6. You And Me: 8

En 1965 los Byrds harían su aparición en la puesta de escena publicando uno de los discos debut más recordados de la historia del rock: Mr. Tambourine Man. El nombre del álbum es simbólico, ya que los Byrds (al igual que muchos artistas del período) eran reconocidos admiradores de Bob Dylan. De esta forma, decidieron llamar al álbum del mismo modo que el mejor cover que realizaron del legendario cantautor. Su interpretación de “Mr Tambourine Man” fue tan deslumbrante, que logró superar a la versión original e inspiró al mismo Dylan a que comience a electrificar su sonido.

Respecto al álbum, Mr. Tambourine Man es un trabajo de folk rock que sin ser espectacular logra entretener. En él podemos encontrar 3 tipos de temas: los covers de Dylan, las composiciones de Clark y McGuinn y el resto de los covers. Entre los covers de Dylan, además del ya mencionado “Mr Tambourine Man”, están “Spanish Harlem Incident”, “All I Really Want To Do” y “Chimes Of Freedom”; todos ellos valen la pena. Por otro lado, dentro de las composiciones del grupo se destaca especialmente un número de Gene Clark, “I’ll Feel A Whole Lot Better”, uno de los clásicos más rutilantes de su carrera. La melodía del tema es tan buena que hasta inspiraría a Charly Garcia a hacer un cover del mismo, “Me siento mucho mejor”.

Esta adaptación del disco también incluye versiones alternativas de sus cortes, junto con la instrumental “You and Me”.

El éxito que lograrían los Byrds con Mr. Tambourine Man los haría tan famosos en los sesenta que llegaron a considerarse la competencia más firme de los Beatles surgida de EEUU.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

Que bien estas! Segui así! Sos un 10!

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=jxwD-2wg0cg]

Un nuevo Festival ha pasado y el “Sos un 10”, el legendario latiguillo patentado de “La gata” Lucho (creador de la sección homologa) es la frase emblemática que demuestra nuestro amor por los discos recientemente posteados. Discos para disfrutar. “Sos un 10” es un grito de pasión por el rock más allá de nuestro juicio crítico.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Deep Purple – Machine Head (1972)

Deep Purple-Machine Head 1972

Puntaje del Disco: 10

  1. Highway Star: 9
  2. Maybe I’m a Leo: 8
  3. Pictures of Home: 9
  4. Never Before: 8
  5. Smoke on the Water: 10
  6. Lazy: 8
  7. Space Truckin: 9

La irrupción de “Machine Head” en la escena rock de principios de los setenta, dio sustento al histórico trípode del heavy metal británico que ya contaba “Led Zeppelin IV” y “Paranoid” de Black Sabath (ambos editados en 1971). El sexto disco de Deep Purple significó la inevitable evolución que la banda había presentado en sus dos materiales anteriores: “Fireball” y “Deep Purple in Rock”.

“Highway Star” comienza con un electrizante riff de guitarra a cargo de Ritchie Blackmore, al que luego de la incorporación vocal de Ian Gillan, sigue un excelente solo de órgano de John Lord. Como la mayoría de los temas del álbum, los solos de viola se destacan, pero sin dudas el más conocido y que se mantiene inalterable en el tiempo es “Smoke on the Water”. El título de la canción toma no nombre del incendio ocurrido en el Gran Hotel de Montreux, donde Frank Zappa se encontraba brindando un concierto y los integrantes de Purple estaban próximos.

Sin embargo, también se destacan otros importantes riffs como en “Pictures of Home” y “Never Before”.

En “Lazy” el tecladista John Lord utiliza un órgano eléctrico Hammond que lego se verá acoplado a la guitarra y a la armónica de Gillan, para componer el track más largo del disco con casi ocho minutos de duración. El cierre con “Space Truckin” no podía ser menos para semejante disco. Los alaridos de Ian expresan el más puro rock heavy de los setenta, que gracias a Deep Purple, dieron tiempo y espacio a un gran avance progreso del género.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Suede – Suede (1993)

r-1890801-1250445404-jpeg

Puntaje del Disco : 10

  1. So Young: 10
  2. Animal Nitrate: 8,5
  3. She’s Not Dead: 8
  4. Moving: 9
  5. Pantomime Horse: 8,5
  6. The Drowners: 10
  7. Sleeping Pills: 8,5
  8. Breakdown: 9
  9. Metal Mickey: 9
  10. Animal Lover: 8
  11. The Next Life: 7,5

Suede fue uno de los primeros grupos en Gran Bretaña encargados de dejar atrás las fusiones dance conocidas como el movimiento Madchester y pasar a primer plano el rock verdadero de la mano del Britpop. Formados a principios de los noventa y de la mano de su dúo compositivo el cantante Brett Anderson y el guitarrista Bernard Butler, comenzarían a ser los nuevos niños mimados de la prensa británica que los colocaría como la mejor banda nueva del momento junto con Blur.

En Marzo de 1993 debutarían con su disco homónimo Suede que se convertiría en el disco debut que más rápido se vendió en la historia Británica.

La sexualmente ambigua tapa del disco provocó controversia, llevando a Brett Anderson a declarar «No estoy realmente interesado en ser controversial. Si hubiésemos querido crear controversia tendríamos que haber nombrado al álbum ‘I Fuck Dogs'».

La inspiración de David Bowie, T.Rex y The Smiths se puede percibir en cada pasaje de este trabajo, y los ayudaría a forjar un sonido distintivo, elegante y sutil para Suede de la mano de la guitarra de Butler, otro punto destacable es la emocional voz de Anderson y sus buenas letras, que cuentan historias de sexo, nocturnidad y angustia juvenil.

Canciones históricas como “So Young”, “The Drowners”, “Sleeping Pills”, “Animal Nitrate” y “Metal Mickey” ayudaron a ubicar a Suede entre los discos pioneros del Britpop que tanta difusión alcanzaría en los noventa.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Who – Quadrophenia (1973)

The_Who_Quadrophenia_1973

Puntaje del Disco: 10

  1. I Am the Sea:
  2. The Real Me: 9,5
  3. Quadrophenia: 9
  4. Cut My Hair: 9
  5. The Punk and the Godfather: 10
  6. I’m One: 9
  7. The Dirty Jobs: 8,5
  8. Helpless Dancer: 7,5
  9. Is It in My Head?: 8
  10. I’ve Had Enough: 8
  11. 5:15: 9,5
  12. Sea and Sand: 8
  13. Drowned: 7,5
  14. Bell Boy: 9
  15. Doctor Jimmy: 9
  16. The Rock: 8
  17. Love, Reign O’er Me: 10

En pleno avance del rock progresivo, The Who publicaría en 1973 posiblemente el proyecto más ambicioso de su carrera, Quadrophenia. En esta oportunidad Pete Townshend nos trae la segunda opera rock de la banda. Una opera rock como Tommy pero con un sonido que se acerca más a Who’s Next, por el uso de sintetizadores y por su formidable hardrock.

Conceptualmente esta opera rock relata la historia de Jimmy, un joven mod (seguidor de lo que está de moda) de la década de los sesenta, fanático de los Who, que atraviesa diferentes problemas en su adolescencia: las drogas, las mujeres, el trato con su familia, su grupo social de pertenencia, etc. Frente a este contexto, Jimmy desarrolla diferentes personalidades en medio de la búsqueda del sentido de su vida. Desde esta óptica, “Quadrophenia” es un tipo de esquizofrenia, significa alguien que tiene 4 personalidades simultáneamente. Estas cuatro personalidades son los cuatro integrantes de The Who que están representados por diferentes cortes de Quadrophenia: “Helpless Dancer” (Roger Daltrey), “Bell Boy” (Keith Moon), “Doctor Jimmy” (John Entwistle) y “Love, Reign O’er Me” (Pete Townshend).

El mensaje de Quadrophenia es rebuscado, pero parece ser más profundo y menos ridículo que en Tommy. De hecho Pete da lo mejor de sí escribiendo excelentes letras con las cuales uno puede sentirse identificado, tal como sucede en “Cut My Hair” (el por qué de seguir un movimiento), “I’ve Had Enough” (el hartazgo por los inconvenientes de la adolescencia), entre otras tantas.

Dejando el concepto de lado, musicalmente Quadrophenia es sencillamente excelente. Supera sin problemas a otras operas rock del palo como The Wall. Es una obra maestra en la cual se pueden apreciar fabulosos rockers, con Entwistle dando cátedra de lo que es tocar el bajo, como en “The Real Me” y “The Punk and the Godfather”. También hay canciones demoledoras como “5:15”; fantásticos instrumentales como “Quadrophenia” y “The Rock”; y otros números únicos como “Bell Boy”, con Keith Moon cantando en el estribillo, o “Doctor Jimmy” con sus cambios de ritmo y sobretodo cuando Roger Daltrey entona esos cautivantes “Is it me for a moment”. Pero la gloria de Quadrophenia la representa su intensa balada final “Love, Reign O’er Me”, la más hermosa melodía de álbum, capaz de apoderarse de tu alma. Es un momento inspiración y emoción que recomiendo a cualquiera, al igual que todo el disco.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Van Halen – Van Halen (1978)

van halen van halen 1978

Puntaje del Disco: 10

  1. Runnin’ with the Devil: 9
  2. Eruption: 10
  3. You Really Got Me: 8
  4. Ain’t Talkin’ ‘bout Love: 8
  5. I’m the One: 7,5
  6. Jamie’s Cryin: 8
  7. Atomic Punk: 8
  8. Feel Your Love Tonight: 8,5
  9. Little Dreamer: 7
  10. Ice Cream Man: 8
  11. On Fire: 8

Oriunda de Pasadena, California, Van Halen tuvo su origen en 1974 a cargo de los hermanos Eddie y Alex. Cuando comenzaron a tocar Alex era el encargado de la guitarra y Eddie la batería, pero luego alternaron los puestos, comenzando de esta manera el despliegue de talento en la viola del hermano menor. David Lee Roth, a quien le alquilaban el sistema de sonido, se sumó como vocalista de la  banda que por ese entonces se llama Mammoth. La formación se completaría con Michael Antonhy en el bajo. La banda luego cambiaría su nombre y en 1978, tras tocar durante un tiempo en Sunset Stip de Hollywod, cambiarían la historia del heavy metal con el lanzamiento de su disco debut: Van Halen.

En “Runnin’ with the Devil” el trompo del comienzo anterior al riff de guitarra, da inicio a uno de los más importantes álbumes del rock. Las innovaciones musicales, los arreglos y las producciones definieron el estilo avasallante que proponía la banda norteamericana. Aunque si de nuevos sonidos se trata, “Eruption” significó como su nombre lo indica, una verdadera explosión en los solos de guitarra. Utilizando el “tapping”, que consiste en tapar con la mano que tiene la púa las cuerdas sobre el mástil para hacer sonar las notas, Eddie Van Halen rompe los moldes y gracias a este fantástico solo, su nombre se hizo paso en la historia grande del rock.

Van Halen también muestra su respeto por The Kinks y ofrece una buena versión de “You Really Got Me”, adaptada a los sonidos de fines de los setenta. El resto del disco no sólo son grandes riffs, sino que constituyen verdaderas expresiones de rock n’ roll en su más pura versión. Las canciones son una descarga emocional de potencia que, combinados con cierto toque de humor (como la letra de “Jamies’s Cryin’) completan el álbum con grandes clásicos de la banda como “Ain’t Talkin’ bout’ love” y “Atomic Punk”.

Van Halen, con su disco homónimo ingresó al mundo de la música de la mejor manera. Demostrando un rock poderoso e innovador, la banda liderada por Eddie Van Halan llegaba a la cima con uno de los más importantes discos de heavy metal.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Joy Division – Closer (1980)

Joy Division-Closer-Persimusic

Puntaje del Disco: 10

  1. Atrocity Exhibition: 8,5
  2. Isolation: 9
  3. Passover: 9,5
  4. Colony: 7,5
  5. A Means to an End: 9
  6. Heart and Soul: 8,5
  7. Twenty Four Hours: 10
  8. The Eternal: 8
  9. Decades: 10

La epilepsia, el fracaso de su matrimonio y la depresión fueron demasiado para el joven Ian Curtis que con tan solo 23 años se suicido en su casa de Manchester el 18 de Mayo de 1980. Joy Division hasta el momento solo había editado un disco, Unknow Pleasures que los proyectaba como uno de los conjuntos mas interesantes y prometedores en Gran Bretaña a principios de los ochenta.

En Agosto de ese año editarían su segundo álbum Closer que ya habían grabado con antelación a la muerte de Curtis. El disco producido por Martin Hannet tiene un sonido más sombrío y demoledor que su antecesor , donde los sintetizadores y efectos de sonido toman un rol protagónico. Las canciones, en su mayoría, tienen una desesperada y profunda atmósfera fúnebre que logran no hacerlo pasar por desapercibido en ningún momento imposible de ignorar y de resistir. Joyas como “Decades”, “Isolation”, “Passover”, “Twenty Four Hours” brillan en este trabajo y pasarían a formar parte del legado que posicionaría a Joy Division como uno de los grupos de culto más importantes de la historia de la música inglesa.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)