La contradicción es buena. Comúnmente, se piensa que uno debe ser consistente y estable en las opiniones, en los principios y en las ideas que uno tenga sobre cualquier cosa. Sin embargo, la historia nos ha enseñado que apegarnos rigurosamente a una ideología, postura u opinión es un defecto de obstinación, pretensión e intolerabilidad. En contraparte, cuando uno posee la sabia habilidad para considerar ambas caras de la moneda y poder transitar de un lado hacia otro de la oposición ideológica, uno tiene mayores posibilidades de descubrir la verdad aplicada a su propia existencia. Aunque eso provoque un cambio de opinión muy drástico de un momento a otro… pues todo tiene un precio. Esto lo planteo ahora porque anteriormente (en otras digresiones) he dicho que las obras no se pueden ni se deben dividir en sus partes, y también he dicho que no es posible hacer elecciones de preferencia sin que esta decisión cambie abrupta y repentinamente. Y, sin embargo, lo voy a hacer, porque me gusta contradecirlo todo, incluso a mí mismo. Así que he aquí mi top de discos, bueno, de hecho, de finales de discos.

A) Κατά τον δαίμονα εαυτού de Rotting Christ. De hecho, es menester mencionar que el disco es completo, una obra maestra de principio a fin. Sin embargo, si sólo consideramos el cierre, es de lo mejor que hay. Un ritual, un himno al abismo, una ofrenda a las llamas del subsuelo. Lo oscuro, lo sublime y lo terminante. Es, sin duda, uno de los mejores cierres de discos que el black metal ha heredado al mundo.

B) Raza Odiada de Brujería. Un track instrumental bastante denso, con el toque representativo de Dino Cazares en las guitarras y de Raymond Herrera en la batería. Tiene una esencia de apocalipsis y satanismo al mismo tiempo. Es, además, uno de los mejores tracks instrumentales de la escena. ¡Pero no es todo! Cuando uno piensa que ya se terminó, comienza una invocación del libro Los Secretos del Infierno, el Emperador Lucifer y su ministro Lucífugo Rofocale. ¡Salve!

C) Evangelion de Behemoth. En realidad, dudé bastante en escoger este disco por sobre algunos otros de esta gran banda. The Satanist, por ejemplo, o I Love You At Your Darkest también tienen un cierre de primera. Sin embargo, Lucifer es la canción que se lleva el premio mayor. Toda la complejidad lírica, musical y conceptual son suficiente argumento para justificarlo. Además, claro, del excelente video que le fue asignado. Simplemente, ¡una chulada!

D) Monotheist de Celtic Frost. Hablar del final de este disco no es hablar de una canción solamente sino de tres tracks unidos por una sola línea. Podríamos decir que sí hay una canción pero también hay un lamento/oración vocal, prácticamente a cappella y hasta una melodía de cámara con violines, piano, cellos, violas y algunos otros instrumentos orquestales por el estilo. El disco entero es un agasajo interlingüístico, poliarmónico y monoteísta.

E) Pandora’s Piñata de Diablo Swing Orchestra. Los tres discos de esta banda tienen un final espectacular (nótese que estoy ignorando a propósito el cuarto trabajo de DSO). Cada cierre es exacto con su disco; sin embargo, en el tercero agregaron un elemento que le da ese plus que pocas canciones de pocos cierres de pocos discos de pocas bandas poseen. Primero, una melodía de violines, cellos e instrumentos similares acompaña al desenvolvimiento vocal tan tremendo y armonioso que evoca el sonido de un santo. Luego, el desenlace, instrumentado a la forma de DSO con un extra de dubstep. Suena extrañísimo. Pero Diablo Swing Orchestra son los expertos en hacer que algo muy raro suene de lujo. ¡Imperdible!

F) Lo podrido corona la inmensidad de Transmetal. Un track instrumental con una línea de bajo adictiva e hipnotizante y unos solos de guitarra cortesía de Ernesto Torres y Juan Partida que no tienen comparación alguna. En verdad, esta canción, este disco y estos músicos majestuosos coronan la inmensidad.

Kobda Rocha

Un disco es una sola obra, es una unidad indisoluble, infraccionable en sus partes. Todo album es una pieza completa, dedicarse a una sola canción sería como leer un solo capítulo de un libro. Escuchar un álbum es una experiencia que debe vivirse de principio a fin, sin interrupciones y sin divisiones. Por ello, he aquí mis más altas recomendaciones a mi personal top de discos perfectos.

A) El Amor Supremo de Transmetal. Una revisión conceptual del mito cosmogónico de Eva y Adán. Musicalmente, el disco forja un hilo perfecto entre track y track para sustentar el discurso lírico magistralmente escrito por Lorenzo Partida. Éste álbum es mi favorito personal por lo que lo he posicionado en la cúspide de mi lista.

B) Blackwater Park de Opeth. Llevo aproximadamente quince años (desde que escuché por primera vez este disco) tratando de encontrar las palabras exactas para describir la sensación que esta obra provoca al escucharla. Sinceramente, aún no me atrevo a hacerlo. ¿Qué palabras estarían a la altura de tan magnánima obra maestra? Lo único que diré es que al subir el volumen, cerrar los ojos y no pensar sino sentir la música, el alma se transporta a otro mundo, a uno mejor, lleno de belleza, tranquilidad y plenitud.

C) Gymnopaidia Del Leteo de Eidyllion. Un sube y baja; ésa sería mi mejor descripción. Pasa por lo melódico y lo apacible, por lo agresivo y lo aterrorizante, por lo complejo, lo instrumental, lo sinfónico incluso, lo medieval, lo oscuro, lo natural, lo etéreo, lo espiritual, lo visceral, lo corrosivo, lo sensible y lo violento. Este álbum es un recorrido por el corazón humano, por su espíritu y su mente.

D) Issues de Korn. Este disco es una película de terror. La construcción instrumental de esta obra se forja principalmente de sonidos experimentales entre mezclas de guitarras, efectos digitales, sintetizadores y un tratamiento de producción bastante quisquilloso. La voz de Davis está exhaustivamente trabajada para conseguir el impacto y la conmoción exactas. Además, las letras de las canciones hacen un recorrido de emociones extravagantes como sólo Jon sabe hacerlo. Simplemente, un discazo oscuro y poderoso.

E) Sing Along Songs For The Damned And Delirious de Diablo Swing Orchestra. El estilo de esta banda por sí solo ya es lo suficientemente innovador y bien construido para posicionarse al instante en cualquier top de sonidos perfectos. Y, por si fuera poco, se dan el lujo (o debería decir “nos brindan el honor”) de componer un disco sin topes, sin tropiezos, sin titubeos y sin sobrantes. Nada le falta y nada le sobra, así es DSO.

F) Κατά τον δαίμονα εαυτού de Rotting Christ. Un himno máximo a la oscuridad, el homenaje más alto al abismo, una majestuosa alabanza al gran demontre. Un trabajo casi enciclopédico en todos los sentidos: musicalmente, tiene cruces alternos de compases y un ensamble minucioso de instrumentos orquestales y paganos; líricamente, tiene un uso interlingüístico de griego, latín, inglés, español, francés, hebreo y otras lenguas ingentes que escapan a mi conocimiento; conceptualmente, tiene la exactitud de ser directo, redondo y claro. Una declaración, demostración y purificación de la evolución artística humana.

G) Burning: A Wish de Lacrimas Profundere. Doom, gothic, melodic rock o cualquiera que sea el género que se supone toca esta banda, éste es uno de los mejores discos de todos esos géneros. Emotivo, casi romántico, pero también triste y melancólico. Tiene sus guturales y sus sopranos aunque ninguno de los dos domina la totalidad de los sonidos vocales. Schmid hace un excelente trabajo con las líricas y el balance vocal; canta lo justo y justo cuando tiene que hacerlo. Musicalmente, tiene un hilo conductor armónico, todas las melodías circundan una misma serie de tonos que a ratos parece un disco de una sola canción, inseparable en sus partes. Simplemente, perfecto.

H) The Satanist de Behemoth. Si el gran emperador Lucifer ha esperado tantos milenios para recibir el halago perfecto, es sin duda este disco merecedor de tan alto título. Escucharlo, incluso sólo mirar la portada del álbum, es una condena blasfémica. He aquí la mayor tragedia del cielo y la mejor victoria del averno. Y todo eso sólo hablando del sentido conceptual y lírico del disco. Musicalmente, es un derroche de maestría, creatividad y verdadero espíritu artístico.

Kobda Rocha

Una canción, mejor dicho, una buena canción, es un éxtasis auditivo. Es claro que la posición de una canción dentro de un álbum es muy importante, esto puede aumentar o disminuir la intensidad emotiva de la canción; sin embargo, las buenas canciones también deben poder funcionar por sí solas, independientemente de su disco y su concepto integral dentro de una obra mayor de un cantante o banda. Lo que es más, hay canciones que solitas te llevan por un mar de orgasmos auditivos en diferentes momentos (el intro, el solo, el intermedio, etcétera). En la digresión de hoy, haré mención de algunas canciones con los mejores finales que han pasado por mi rocola personal.

A) Invocation of the Continual One de Morbid Angel. Comienzo con esta banda porque el final de esta gran pieza es prácticamente una canción completa. Su duración es de casi diez minutos, y los últimos cuatro minutos son (repito) un salto melódico completo. Al minuto 5:20 hay un corte total, se detiene la música hasta el punto del silencio. Cuando entra de nuevo la instrumentación, lo hace con un cambio de compas, de tempo, de tono, de todo. La velocidad es distinta, el motivo es otro y hasta el tono ha variado indiscutiblemente. Y sin embargo, sigue siendo la misma canción y complementa la obra con un cierre exquisito. Además, todo esto sucede con una invocación en lengua hebrea y un solo de los mil diablos. ¡Una chulada de rola!

B) Deliverance de Opeth. Ésta es una canción que tiene una cantidad insospechada de cambios rítmicos y melódicos. De pronto es muy acústico, luego muy agresivo, muy rápido y después lento, guturales, voces limpias, solos y adornos por aquí y por allá. En fin, algo en lo que esta banda se ha especializado magistralmente. Esta canción, que es un buen resumen del trabajo conjunto de Opeth, tiene además un final impresionante. Un ritmo único contrapuesto entre sí: mientras la línea rítmica es pausada, grave y lenta, la línea melódica es veloz, aguda y continua; luego viene el sentido inverso y los roles van y vienen continuamente. Un final con un mismo ritmo de tres minutos que no cansa, no aburre, y al término uno quiere más y más.

C) Frozen Memory de Dark Lunacy. Otro final que bien podría ser una canción completa. Justo a la mitad del track comienza lo que uno, ingenuo en su primera escucha, interpreta como el intermedio de la canción. Pero la sorpresa es que ya es el final. Un vuelco de lo agresivo, rápido y oscuro a lo pasivo, armónico y complejo. Comienza un ensamble coral de voces femeninas al cual se le suma eventualmente la presencia de la voz masculina, en susurros, gritos, guturales y todo cuanto ha sido ingeniado para reforzar esta gran pieza. Es un contrapunto bellísimo aunado a una progresión sonora tan bien compuesta, ensamblada y ejecutada que uno simplemente agradece estar vivo para poder escuchar tal magnificencia.

D) Apology for Pathology de Haemorrhage. El último track del disco homónimo a esta canción. El género de esta banda es de esos demasiado acelerados, llenos de brutalidad; pero esta última canción baja sus niveles de velocidad aunque no por ello deja de ser feroz. Y al final de la canción, cuando parece que ya todo terminó, comienza una revisión del soundtrack de NekRomantik. No sólo la adaptación musical es pertinente y acertada, sino también la intención. Esa imagen que automáticamente viene a la mente del necrófilo masturbándose mientras se apuñala a sí mismo; el semen y la sangre brotan incontrolablemente a la par, confundiéndose el uno con la otra; luego, la eyaculación y el suicidio llegan a su respectivo final; la muerte y el orgasmo han llegado juntos. Así es este gran final de esta gran canción de este gran disco de esta gran banda.

E) The Satanist de Behemoth. Una obra maestra de principio a fin. El final tan catártico sólo es comparable con el intro tan impactante. Los tonos generales de la canción son la representación perfecta de los sonidos luciferinos más altivos. La filosofía lírica, la fuerza vocal, la firmeza instrumental, todo está puesto en el lugar exacto para formar una pieza digna de honores y alabanzas. Y aún hay más, porque el final es tremendamente desgarrador e inclemente. Primero, el grito develador “I am the great rebellion!”. Después, el solo… uno que no tiene descripción, debe ser escuchado y punto final.

F) Alegoría de Ultratumba. Esta banda es una de esas pocas que no han cometido un solo error en toda su carrera, tiene acierto tras acierto en cada álbum nuevo que componen. Liderado por Lorenzo Partida, este súper grupo ha sido sede de grandes músicos, tales como Víctor Baldovinos, Alejandro González, Iván Ramírez, Antonio Tenorio, Arturo Huizar, Ricardo III, Sergio Burgos, Juan Partida, Javier Partida, Julio Márquez y Gerardo Lugo. En esta canción se demuestra a toda magnitud la calidad de estos grandes talentos mejicanos. El recorrido es maravilloso desde los primeros segundos del track, la letra profunda y poética como siempre a manos de Lorenzo Partida y la música explotando el talento de todos los involucrados. Al llegar al final uno ya está satisfecho con el gran trabajo musical que tuvieron a bien desarrollar estas grandes personalidades; y, sin embargo, no ha terminado aún, ellos ponen en decreto que tienen mucho más que ofrecer y lanzan un solo sobre una alteración del tempo y el compás seguido de una reordenación del coro, además de una aparición totalmente inesperada del barítono Roberto Ramírez, lo cual agrega el ingrediente final para esta gran obra maestra.

G) Hasta que te conocí de Juan Gabriel. Éste es el pilón. Nomás pa que vean que se debe ser ecléctico. Y es que ¿quién no se emociona con el final tan estruendoso, tan lleno de emoción y sentimiento? Después de una intensidad lírica y vocal por parte del divo, llegan las trompetas casi como caídas del cielo anunciando el apocalipsis. Baile, llanto, emoción y mariachi. ¡Quién me va a decir que no es un final digno de esta lista!

Kobda Rocha

En la música, el solo de guitarra tiene una posición privilegiada, pues ha sido elevado al grado de lo sublime y climático. La guitarra es el instrumento que da vida, sostiene la existencia y perfecciona la presencia de una canción. Esto ha sido un poco injusto con el resto de los instrumentos, de los cuales también existen solos catárticos y momentos supremos; sin embargo, por la reputación de la guitarra, este instrumento ha sido estudiado y manipulado en tantas formas que no sorprende, tarde o temprano, llegar a los solos más memorables de esta era musical. Solos hay muchísimos, buenos solos también hay bastantes y la mayoría siempre son de los guitarristas que figuran en las listas de los mejores. Esto es sabido y repetido hasta el cansancio. Hoy, por eso, haré mención de algunos solos perdidos por la mayoría de los (por nombrarlos de algún modo) historiadores de la música. No están enumerados, pues no es mi intención colocar a unos sobre otros sino posicionarlos a todos juntos en una comunión horizontal. En fin, he aquí este humano top de solos de guitarra:

A) Everything Invaded de Moonspell tiene uno de los solos más exactos de todo el cosmos. Ricardo Amorim ejecuta un espléndido motivo ascendente que explota tras un momento de calma personificado por la voz de Ribeiro y una espera armónica en las cuerdas de Paixão. El solo encaja perfectamente en el sentido de la canción, comulga con las líricas, conjuga la intención de toda la pieza, y en un momento de perfecta comunión el sonido te invade completamente.

B) Only For The Weak de In Flames posee una línea melódica con base en los adornos de guitarra que desde el primer compás de la canción ya es ansiado el momento del solo. Björn Gelotte no sólo desempeña un maravilloso trabajo dentro del solo, sino que hace toda una preparación a lo largo de la canción con constantes figuras melódicas sobre la línea musical. Éste es un solo extendido, uno que se prepara con cautela y no se detiene hasta finalizar la canción con una satisfacción plena, de la cual sólo los débiles de espíritu musical podrían quejarse.

C) Heavyweight de Infected Mushroom tiene también un solo que perdura a lo largo de toda la canción. De hecho, ésta es una de esas piezas de las que se dice no ser una canción con solo, sino un solo con canción. El dúo israelí conformado por Erez Eisen y Amit Duvdevani logran una magistral pieza musical. Es cierto que el solo no es exclusivamente de guitarra, pues combinan sus recursos electrónicos con sintetizadores y samplers; sin embargo, la línea melódica líder sigue siendo la guitarra, poderosa y profunda como sólo este dúo de pesos pesados sabe hacerlo.

D) In The Fire en el proyecto Roadrunner United logró conjurar un extenso doble solo. Matt Heafy y Corey Beaulieu hacen mancuerna perfecta para dar vida a una canción exigente. Con la voz de King Diamond y la batería de Dave Chavarri, el trabajo solístico no era una tarea sencilla; así es que, con la estrategia maestra de combinar sus talentos, estos dos guitarristas encumbraron una pieza inolvidable. Tiene de todo: técnica, melodía, intención, profundidad, además es gratificantemente largo y representa, al punto, las ardientes llamas de una hoguera tostando brujas.

E) Una Juventud Perdida de Tierra Santa es una canción que ha sido injustamente olvidada por la crítica, opacada siempre por otras piezas de la banda; pero hoy le haremos justicia. Arturo Morras realizó un trabajo excelente en todo el álbum Tierras de leyenda, y logró en esta canción su más grande obra maestra, aún por encima de la majestuosa y tan afamada Canción del pirata. Tres veces dentro de la canción, parece que el solo ya llegó y terminó, como es lo común; todas las guitarras y figuras melódicas son magistrales y uno queda satisfecho con ellas; pero Morras no se detiene y, con cada sentimiento de la lírica, él nos brinda un nuevo motivo instrumental hasta que finalmente concluye en ese grito materno de añoranza, esperanza y preocupación por su hijo perdido en la guerra. Entonces, el verdadero y concreto solo de guitarra llega justo para llevarnos de la mano por un camino de lágrimas y coraje. La duración del solo redobla el tiempo que dura la canción en sí; es decir, el track es mitad canción y mitad solo; y aun así, el sonido se va en un fade out gradual, pues sería una insolencia detener la emoción que se ha desatado por este gran solo de guitarra. Sin duda, Una juventud perdida es una maniobra de emotividad pura.

F) Simple Man de Lynyrd Skynyrd es otra pieza llena de emoción y sentimiento. Gary Rossington es un genio sensitivo; no sólo su línea musical es melancólica y hasta nostálgica, sino también el momento del solo casi imperceptible. Uno está metido en los consejos de sabiduría que, cuando se presenta el solo de guitarra, parece seguir dándonos una cátedra de madurez. Éste es un solo maestro, no solo por ser una obra maestra sino porque es un solo que te enseña a vivir, que te enseña a sentir, que te enseña a ser un hombre simple.

G) Unhealer de Ihsahn, en un grandioso dueto con Mikael Akerfeldt por cierto, nos ofrece su mejor solo de guitarra. Se luce desde la figura melódica que encabeza la canción, pero no es hasta el momento del solo en que se puede ver su verdadera genialidad. Con un contraste en el tempo del acompañamiento musical, logra un abrupto golpe armónico a los oídos. Una vez escuchándolo, la marca de grandeza es incurable.

H) Marc Rizzo ha creado muchos solos espléndidos, sin embargo, es en Introspection Of An Introvert donde deja salir lo mejor de sí. Diez dedos que parecen cincuenta y una experiencia formada de metal y flamenco hacen que Rizzo tenga un desempeño óptimo en cada cuerda que roza. Es imparable, es indomable, es incuestionable. En el puente melódico de la canción es donde logra la perfección; en algún momento uno deja de escuchar sonidos de guitarra y se comienza a oír la voz del alma de Marc, su introspección, su introversión, su maestría.

Kobda Rocha

En esta ocasión, la digresión de esta semana estará destinada a lo intros de bajo más sabrositos. Es menester aclarar que de estos hay muchísimos, por lo que no voy a mencionar “los mejores” según los análisis musicales por teoría o desempeño (que la crítica haga su trabajo sin mi intromisión) sino, más interesante aún, mencionaré los que personalmente causan una impresión, una emoción o una sensación maravillosa al escucharlos. Así pues, aquí mi top:

A) Twiggy Ramirez en Weak And Powerless de A Perfect Circle hace una entrada espectacular: el caminar de los escarabajos. Refleja el perfecto andar de una sirena cavando su propia tumba, desesperada y hambrienta, débil y despoderada. Complementando su actuación con un ciempiés a media canción, tantas pisadas sin tropiezo, en total armonía.

B) Schism es probablemente la canción con el intro de bajo más intenso que Justin Chancellor haya podido llevar a cabo. Es profundo, es excelso, es magistral, es… Tool.

C) En Seemann, Oliver Riedel alcanzó uno de los bajos más nostálgicos de todos los tiempos. La destreza tanto en composición como en ejecución es sublime. Esta gran canción de Rammstein, liderada por este gran intro, no tiene falla alguna; de principio a fin, la línea armónica del bajo es una maravilla.

D) Poder de Maniática tiene uno de los mejores intros de bajo que España ha logrado conjurar. Luis Miguel Ruiz “Txispin” alcanza un movimiento prodigioso tan tremendo que no importa lo que venga después, la canción ya vale con solo el puro intro de bajo, el cual es incluso por mucho mejor que el solo intermedio de guitarra.

E) Por Piedad de Luzbel abre con un supremo bajo de Antonio Morante. Lento, hosco, acompasado y monotonal; el sonido representa a la perfección el viacrucis, cada golpe al instrumento es un paso de cristo acarreando el madreo sobre su espalda.

F) En general, Chris Wolstenholme hace un excelente trabajo como bajista en Muse; sin embargo, en Hysteria logró detonar una sensación de verdadera histeria. Apenas comienzan a sonar los primeros compases, uno siente la irrefrenable ansiedad de ir y poseer aquello que uno quiere con más ganas en esta vida. Este intro tiene la aceleración al punto que se necesita para ser genial.

G) Talena Atfield ejecuta una eminente Paperdoll, posicionando a Kittie en el pináculo de su sonido inaugural. Tiene una agresividad desconcertante, como un rencor desenfundado que explota mucho antes de que el resto de la instrumentación se atreva a seguirle el paso. Éste es un desempeño digno de ser un intro solo de bajo, sin compañía alguna, es suficiente con su propia majestuosidad.

H) Type O Negative en Black No. 1 abre con un ultra súper duper archi réquete recontra espléndido bajo. El sonido de la noche sensual, la oscuridad en luna llena, la muerte seductora, la número uno. Peter Steele se sacó un diez redondito con este intro, sin desconsiderar todo el gran trabajo realizado a lo largo de su carrera como bajista.

I) Transmetal tiene muy pocos intros de bajo. Algunos buenos están acompañados por el resto de los instrumentos o no son precisamente intros (Las alas del emperador como ejemplo), pero entran a esta lista gracias a la grandiosa El único oscuro del disco Zona Muerta. Un bajo tremendo, gran trabajo del maestro Lorenzo Partida.

J) Y finalmente, Micky Huidobro en Que no te haga bobo Jacobo. Masterice!!

En fin, la lista podría extenderse harto más. No he mencionado a muchos: República de ciegos y Caliente de Juan Chávez en Resorte, Escupes la daga de Mario Amador en Leprosy, Matando güeros de Hongo en Brujeria, Memento Audere Semper de John KillerBob en Cadaveria, etcétera, etcétera y mucho más etcétera. Sin embargo, quiero terminar esta digresión con una mención especial:

K) En el álbum tributo a Transmetal, Ricter interpreta Amanecer en el mausoleo, la cual es una canción instrumental carente de intro. Pero en este cover se añade un intro (no solo de bajo) pero la línea melódica del bajo es una preciosura musical. Por mucho, este cover supera a la canción original, pero eso ya es tema de otra digresión…

Kobda Rocha

Hoy haré algo diferente con la digresión de esta semana, algo que no había hecho hasta ahora y que probablemente sea un ejercicio recurrente a partir de ahora. El recurso será una lista, una especie de top. Comenzaré esta primera lista con los mejores gritos, los cantantes con las cuerdas vocales más fragorosas. No he querido enumerar la lista porque eso supondría que estoy posicionando a unos sobre otros, de mejores a peores o viceversa, y no es ésa mi intención; por ello, he optado por utilizar incisos para que no refleje soberbia superioridad sino coexistencia y comunión.

Probablemente, debiera comenzar con King Diamond, Rob Halford, Bruce Dickinson o alguno de los afamados y siempre nombrados clásicos padres del género; sin embargo, atenderé más a mis preferencias personales y mencionaré los que yo considero más significativos en mi repertorio auditivo, además así no terminaremos repitiendo lo mismo de siempre…

A) Glen Benton es lo más hosco, corpulento y desgarrador que conozco en cuanto a gritos se refiere. Su tratamiento combinado del grave al agudo es sinigual. La escala de alcance que tiene, cada vez mejorado con el tiempo y la práctica, ha hecho de Benton el amo y señor de la maldad vocal. Una invocación al señor oscuro en boca de Glen Benton es el mayor himno a las tinieblas.

B) Peter Tägtgren es poseedor de una garganta estruendosa. Sus gritos, sobre todo los agudos, son un deleite sonoro. Él ha logrado perfeccionar sus desplantes vocales en exacta comunión con sus composiciones; desde los inclementes remates de Roswell 47 en Hypocrisy hasta el ejemplar intermedio de Just Hate Me en Pain, Tägtgren se ha posicionado como un maestro del grito.

C) Dani Filth es otro de los vocalistas con suma potencia vocal. Sus predominantes agudos son el ingrediente explícito de profundidad y malevolencia que dan a su desempeño vocal su peculiar excelsitud. Dani Filth es una eminencia de profundidad, es una aguja que llega hasta el fondo del abismo, es un glorioso taladro en el oído.

D) Los gritos de Morgan Lander en Spit son poderosísimos. Todo el álbum debut de la banda tiene una intensidad en sus desempeños vocales, los cuales tienen una correlación directa con las letras y temáticas, sin mencionar la fuerza rítmica musical. Kittie, en el año 2000, nos ofreció la novedosa epifanía de un new metal femenino con intención y maestría. Éste es un discazo lleno de emoción, de sinceridad, de revelación.

E) Sakis Tolis es también uno de los maestros del grito. El suyo es un grito un poco más mesurado en cuanto a brío se refiere, mas no por ello menos vigoroso. Es intenso, profundo, emotivo, cargado de intención y sentimiento. Su trabajo en Kata Ton Daimona Eaytoy es prueba de su magnanimidad. A lo largo de la biografía de Rotting Christ, Sakis ha tenido grandes etapas con distinto desempeño de buenos alaridos en cada una, aunque quizá su mejor entrega es Elthe Kyrie donde, a dueto con la fabulosa Danai Katsameni, evoca una sonoridad impresionante… inevitable… imprescindible.

F) In This Moment es quizá mi favorito personal. El desenvolvimiento de Maria Brink como vocalista la ha llevado a niveles supremos de emotividad. La música exacta creada a la medida de su voz, sus letras llenas de furia y su agresividad repentina hacen de Maria Brink una garganta estrepitosa, potente, desgarradora y perfectamente sublime. Es ella la mejor de todos.

Ha llegado el momento de nombrar a aquellos que entran a las filas de esta lista por un solo grito en toda su carrera. Y no es que sean malos (de hecho en general su trabajo vocal es bueno… aunque no suficiente para compararse con los grandes, en cuanto a gritos se refiere) sino que en algún momento lograron superarse a sí mismos y nos ofrecen un deleite peculiar, único, casi eventivo.

G) El primero de esta categoría es J Mann de Mushroom Head en These Filthy Hands. Como dije, todo su desempeño en el álbum debut XX y su secuela XIII es excelente; sin embargo, en esta canción en particular se lució al gritar “I gotta get clean! The rain will cleanse me, and I’ve got to wash these filthy hands…” con un perfecto contrapunto a lado de Jeffrey Hatrix.

H) El segundo de la categoría en mi lista es Tavo Limongi, quien ya se preparaba desde su grito de apertura en América. Al igual que J Mann con Jeffrey, Tavo encontró su contrapunto perfecto con Juan Chávez. El grito máximo se encuentra en Mal Te Equivocas del álbum XL con el tan tremendo y desgarrador “Maaaal…!!!”.

I) El tercero es el gallo Micky Huidobro de Garay en la canción Apocalypshit. De hecho, ya tenía sus antecedentes, por ejemplo, desde ¿Por qué no te haces para allá… al más allá? y Que no te haga bobo Jacobo, pero en esta rola de verdad se le metió el diablo en ese grito final desinteresado siquiera cuando termina la canción, pues el grito no cesa sino hasta que el demontre es exorcizado.

Hasta aquí dejaré esta lista por ahora. No obstante, algo que no se debe olvidar es que los gritos no son aislados, siempre están acompañados de todo a su alrededor, todo influye y participa en la calificación del grito: la letra, el ritmo, el momento, incluso el volumen, la duración, el tono, la posición interna en la estructura, aun la ecualización y el motivo. No es lo mismo gritar de dolor, de sufrimiento, de miedo, de placer, de coraje, de nervios, de odio, en fin, los hay de todos tipos y no puedo enlistarlos todos porque es un trabajo largo y exhaustivo; sólo he puesto algunos de mis predilectos sobre la mesa y que cada quien arme su propia lista atendiendo a su gusto personal.

Kobda Rocha