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Entrevista a Roadie

La banda de San Miguel de Tucumán, Roadie, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan su presente y sobre el lanzamiento de su último single «Bufandas».

¿Cómo presentarían a Roadie para quienes todavía no los conocen?

Somos una banda de san Miguel de Tucumán, llevamos siete años construyendo este proyecto, cantando lo que sentimos, reinventándonos y explorando sonidos que nos identifican constantemente. Comenzamos con un EP de 3 canciones titulado El Arte de las Decisiones y en 2018 presentamos nuestro primer disco, Diagonal Norte. Hace unas semanas sacamos una canción llamada «Bufandas».

¿Qué es lo que más destacan de su último single “Bufandas”?

La frescura, si bien es un tema que ya veníamos tocando en vivo, a la hora de grabarlo se construyó desde cero.

Producimos el tema con Fleko Correa y Álvaro Morales (Johny Boy) y ellos, en gran parte, pudieron darle otra lectura e incorporar nuevos elementos o reforzar lo que teníamos en mente.

En “Bufandas” se nota la influencia del Synth Pop. ¿Cuáles sienten que son sus principales influencias en el género y hacía dónde siente que está evolucionando el grupo?

Roadie arrancó siendo quizás por así decirlo una banda más «rockera». Nos volvían loco The Strokes, Arctic Monkeys, The Libertines, The Smiths. En ese camino, encontramos mucha más música y elementos que nos gustaban como Two Door Cinema Club, Depeche Mode, etc…

Por lo general componemos en una especie de democracia, entonces se ve involucrado todo lo que escuchamos cada uno y se vuelca en el ensayo. Fue todo un proceso que fue girando constantemente en esa búsqueda de un sonido propio.

Ya en nuestro primer disco nos dejamos llevar al agregarle teclas más presentes y ese disco nos llevó a compartir escenario con bandas como Bándalos Chinos, Usted Señalemelo, Telescopios… En algún momento eso que escuchás constantemente de alguna forma se tramita como influencia y para este single queríamos un sonido actual, de eso se encargó Fleko y Álvaro sobretodo.

¿Cómo están sobrellevando la pandemia de hoy en día como banda?

Si bien veníamos parados, teníamos un show el 8 de abril en el que volvíamos a los escenarios con nueva formación.

Era muy importante para nosotros porque veníamos generando una perspectiva nueva y laburando mucho el show.

La pandemia nos tomó por sorpresa y un poco nos bajoneó, pero de todas formas nos dio también el tiempo de replantearnos decisiones, componer más, también trabajar en nuestros proyectos solistas.

¿Cuáles son sus próximos proyectos como grupo?

Queremos principalmente retomar el ritmo, subir canciones nuevas que ya tenemos grabadas y esperamos con ansias la habilitación para poder realizar esa serie de shows que quedaron pendientes. Actualmente somos un trío y seguro nos vamos a ir sorprendiendo nosotros a medida que pase el tiempo. Hay Roadie para rato.

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La generación del fracaso

Pertenezco a una generación volcada en la desilusión, nacida en la comodidad (sí) pero heredera del desencanto. El grupo de estadísticas al que pertenezco es de ociosos inconformes pero, al mismo tiempo, de activistas conformistas. Somos los vegetarianos, veganos, naturistas, ecologistas, ateos, agnósticos, cientólogos, conspiranoicos, facebookeros, twitteros, yutubers, instagramantes, lesbianas, gays, bisexuales, trasvestis, transgéneros, transexuales, intersexuales, pansexuales, asexuales, demisexuales, queers, zoosexuales, feministas, feminazis, emos, hipsters, morenórdicos, vikingóticos, emprendedores, universitarios, sabionditos, que saben mucho pero no saben qué hacer con lo que saben. Somos una población que tiene toda (¡TODA!) la información a la mano (literal “a la mano”) en un teléfono móvil con veinte pesos de saldo para internet pero que, aún, nos la pasamos viendo videos insulsos y compartiendo memes bobos, entretenimiento ambos para pasmarotes y patosos. En fin, pertenezco a una generación que fracasó. Y ya. Fracasamos y punto.

Las historias de mi antepasado más antiguo que se contaban (las de mi tatarabuelo) eran sobre un hombre paupérrimo entregado al trabajo duro, de campo, de sol a sol, sin descanso más que el lecho amoroso de su esposa y las risas joviales de sus hijos. Él era un hombre que enseñó a mi bisabuelo el valor del trabajo y la familia, hombre de fe que inculcó la devoción y la virtud en toda su decendencia, practicante de buenos hábitos, cariñosos, trabajador (eso ya lo dije pero era tan trabajador que quizá debiera repetirlo tres veces) y, por sobre todas las cosas, trabajador.

Mi bisabuelo fue un revolucionario que peleó por defender a su nación. Era un hombre de principios, de valores, lleno de orgullo y patriotismo. No se amedrentaba ante hombre alguno y era capaz de acomodar una bala en cualquier sien con tal de asegurar el bienestar de su familia, su pueblo y su dios. Él era un hombre valiente, valeroso y honorable.

Mi abuelo, hijo de la revolución, aprendió de su padre sobre honor, fidelidad y patriotismo, y de su abuelo aprendió sobre trabajo, ahorro y sensibilidad. Él aprendió a leer y escribir gracias a que curso tres años de primaria. Heredó de su padre un gran terreno de milpas y ganado, además de la casa y todas sus pertenencias. Aprendió a disparar su arma pero nunca la usó porque nunca fue necesario, ya que todos en el pueblo lo respetaban. Se casó a los quince años y murió sonriente junto a su esposa. Trabajó desde los diez años y no se detuvo hasta los setenta; hizo una fortuna con sus manos enlodadas y su frente bajo el sol; a cada uno de sus hijos le dejó terreno, casa y educación escolar. Era amoroso con sus nietos y nos daba mejores consejos y enseñanzas que cualquiera de nuestros padres o maestros.

Mi padre fue uno de esos hippies revoltosos, luego punketos anarquistas y después rockeros rebeldones. Estudió animosamente hasta la preparatoria y, aunque dejó trunca la universidad tras darse cuenta que no pasaría jamás del segundo semestre, participó de todos los movimientos sociales de posguerra que surgieron en su juventud. Se gastó la riqueza de su padre en banalidades para disfrutar la vida al máximo pero, finalmente, se enroló en una empresa donde trabajó diariamente durante más de treinta años hasta su jubilación por seis mil pesos cada quince días de ocho horas más bonos, aguinaldo y prestaciones. Financió toda mi educación escolar hasta el posgrado y murió en la cama donde duerme mi madre. Él solía decirme que yo podía lograr todo lo que yo quisiera hacer y que lo más importante de todo era mi felicidad. También solía decir que él había superado a su padre y que deseaba que, igualmente, yo lo superara a él en todos sentidos.

Recuerdo que en mi infancia y adolescencia escuchaba canciones con alto entusiasmo en el mensaje social que promovían la unión de los pueblos contra la opresión, dispuestos a todo para conseguir una mejoría en nuestro estilo de vida. Desde la ya para ese entonces vieja Abuso De Autoridad de Three Souls In My Mind hasta la novedosa Energía Contra Ley de Sekta Core. Con sólo los títulos de las canciones ya se sentía un impulso por levantar el puño exigiendo justicia: Andamos Armados de Control Machete, La Carencia de Panteón Rococó, El Vals Del Obrero de Ska-P. Cómo olvidar ese grito insistente, orgulloso de estar entre el proletariado, y aquel gran himno de Molotov, Gimme The Power, en contra de los poderosos, los barbajanes y el gobierno.

Tres grandes bandas que promulgaban la consciencia social y la resistencia de clase eran Resorte, A.N.I.M.A.L. y Brujería. La primera canción del primer disco de Resorte, América, era ya una invitación a la congregación de todo Latinoamérica en pro de los derechos humanos (tal como lo hizo nuevamente Molotov en Voto Latino y A.N.I.M.A.L. en Poder Latino) y no sólo era un mensaje de unión sino de pensamiento; así se reflejaba en Think y en Opina O Muere (las cuales son comparables con Habla Y Piensa de Sekta Core), qué maravilla es que alguien te dé a elegir: opinar o morir.

Las dos Revolución, de Brujería y A.N.I.M.A.L. respectivamente, eran un gran grito de fuerza y coraje. En realidad, Brujería se preciaba de valentía casi al grado de guerrilla: División Del Norte y Marcha De Odio son ejemplo de ello. A.N.I.M.A.L., por su parte, tiene un gran historial de memoria, fuerza y unión: Gritemos Para No Olvidar, Usa Toda Tu Fuerza y Fuerza Para Aguantar por mencionar algunas de las mejores.

Creo que se esperaba demasiado de una generación que creció con tan emblemáticos ídolos de fuerza, resistencia, rebeldía y unión; pero no fue así. Seguramente mi tatarabuelo, mi bisabuelo, mi abuelo, mi padre y todas las bandas que escuchaba en mi juventud estarán decepcionados de un tipo macilento con estudios de maestría en una materia que a nadie interesa y que en nada ayuda a este mundo, sin empleo, sin metas a futuro, sin hijos, que se casó y se divorció por razones estúpidas ambas veces, que vive en casa de su madre y nunca va ni a una junta vecinal porque no le importa su pueblo, su nación ni su integridad propia aunque presume de consciente, tolerante, empático e incluyente. Qué otra cosa se podría esperar de un tipo que pertenece a una generación exitosa para fracasar.

Kobda Rocha

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Scream Masters

Hoy haré algo diferente con la digresión de esta semana, algo que no había hecho hasta ahora y que probablemente sea un ejercicio recurrente a partir de ahora. El recurso será una lista, una especie de top. Comenzaré esta primera lista con los mejores gritos, los cantantes con las cuerdas vocales más fragorosas. No he querido enumerar la lista porque eso supondría que estoy posicionando a unos sobre otros, de mejores a peores o viceversa, y no es ésa mi intención; por ello, he optado por utilizar incisos para que no refleje soberbia superioridad sino coexistencia y comunión.

Probablemente, debiera comenzar con King Diamond, Rob Halford, Bruce Dickinson o alguno de los afamados y siempre nombrados clásicos padres del género; sin embargo, atenderé más a mis preferencias personales y mencionaré los que yo considero más significativos en mi repertorio auditivo, además así no terminaremos repitiendo lo mismo de siempre…

A) Glen Benton es lo más hosco, corpulento y desgarrador que conozco en cuanto a gritos se refiere. Su tratamiento combinado del grave al agudo es sinigual. La escala de alcance que tiene, cada vez mejorado con el tiempo y la práctica, ha hecho de Benton el amo y señor de la maldad vocal. Una invocación al señor oscuro en boca de Glen Benton es el mayor himno a las tinieblas.

B) Peter Tägtgren es poseedor de una garganta estruendosa. Sus gritos, sobre todo los agudos, son un deleite sonoro. Él ha logrado perfeccionar sus desplantes vocales en exacta comunión con sus composiciones; desde los inclementes remates de Roswell 47 en Hypocrisy hasta el ejemplar intermedio de Just Hate Me en Pain, Tägtgren se ha posicionado como un maestro del grito.

C) Dani Filth es otro de los vocalistas con suma potencia vocal. Sus predominantes agudos son el ingrediente explícito de profundidad y malevolencia que dan a su desempeño vocal su peculiar excelsitud. Dani Filth es una eminencia de profundidad, es una aguja que llega hasta el fondo del abismo, es un glorioso taladro en el oído.

D) Los gritos de Morgan Lander en Spit son poderosísimos. Todo el álbum debut de la banda tiene una intensidad en sus desempeños vocales, los cuales tienen una correlación directa con las letras y temáticas, sin mencionar la fuerza rítmica musical. Kittie, en el año 2000, nos ofreció la novedosa epifanía de un new metal femenino con intención y maestría. Éste es un discazo lleno de emoción, de sinceridad, de revelación.

E) Sakis Tolis es también uno de los maestros del grito. El suyo es un grito un poco más mesurado en cuanto a brío se refiere, mas no por ello menos vigoroso. Es intenso, profundo, emotivo, cargado de intención y sentimiento. Su trabajo en Kata Ton Daimona Eaytoy es prueba de su magnanimidad. A lo largo de la biografía de Rotting Christ, Sakis ha tenido grandes etapas con distinto desempeño de buenos alaridos en cada una, aunque quizá su mejor entrega es Elthe Kyrie donde, a dueto con la fabulosa Danai Katsameni, evoca una sonoridad impresionante… inevitable… imprescindible.

F) In This Moment es quizá mi favorito personal. El desenvolvimiento de Maria Brink como vocalista la ha llevado a niveles supremos de emotividad. La música exacta creada a la medida de su voz, sus letras llenas de furia y su agresividad repentina hacen de Maria Brink una garganta estrepitosa, potente, desgarradora y perfectamente sublime. Es ella la mejor de todos.

Ha llegado el momento de nombrar a aquellos que entran a las filas de esta lista por un solo grito en toda su carrera. Y no es que sean malos (de hecho en general su trabajo vocal es bueno… aunque no suficiente para compararse con los grandes, en cuanto a gritos se refiere) sino que en algún momento lograron superarse a sí mismos y nos ofrecen un deleite peculiar, único, casi eventivo.

G) El primero de esta categoría es J Mann de Mushroom Head en These Filthy Hands. Como dije, todo su desempeño en el álbum debut XX y su secuela XIII es excelente; sin embargo, en esta canción en particular se lució al gritar “I gotta get clean! The rain will cleanse me, and I’ve got to wash these filthy hands…” con un perfecto contrapunto a lado de Jeffrey Hatrix.

H) El segundo de la categoría en mi lista es Tavo Limongi, quien ya se preparaba desde su grito de apertura en América. Al igual que J Mann con Jeffrey, Tavo encontró su contrapunto perfecto con Juan Chávez. El grito máximo se encuentra en Mal Te Equivocas del álbum XL con el tan tremendo y desgarrador “Maaaal…!!!”.

I) El tercero es el gallo Micky Huidobro de Garay en la canción Apocalypshit. De hecho, ya tenía sus antecedentes, por ejemplo, desde ¿Por qué no te haces para allá… al más allá? y Que no te haga bobo Jacobo, pero en esta rola de verdad se le metió el diablo en ese grito final desinteresado siquiera cuando termina la canción, pues el grito no cesa sino hasta que el demontre es exorcizado.

Hasta aquí dejaré esta lista por ahora. No obstante, algo que no se debe olvidar es que los gritos no son aislados, siempre están acompañados de todo a su alrededor, todo influye y participa en la calificación del grito: la letra, el ritmo, el momento, incluso el volumen, la duración, el tono, la posición interna en la estructura, aun la ecualización y el motivo. No es lo mismo gritar de dolor, de sufrimiento, de miedo, de placer, de coraje, de nervios, de odio, en fin, los hay de todos tipos y no puedo enlistarlos todos porque es un trabajo largo y exhaustivo; sólo he puesto algunos de mis predilectos sobre la mesa y que cada quien arme su propia lista atendiendo a su gusto personal.

Kobda Rocha

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Arte Visual Musical: Nueva sección

Hola, gente. Mi nombre es Motorik. Bueno, no. No es mi nombre real, sino mi nombre artístico (ya me gustaría conocer a alguien llamado Motorik. Lo demandaría por apropiación de marca registrada). Visto que, dentro de este grupo, los únicos que tienen permitido lucirse son los que saben escribir, decidí ayudar a crear una sección para los artistas gráficos también. Un lugar para nosotros.

No, miento de nuevo. Yo no soy diseñador y carezco de cualquier capacidad para dibujar. Sin embargo, sí que me las arreglo moderadamente con Photoshop, y pensé en que un lugar en esta gran web para gente que se expresa mediante el diseño visual. Para todos ellos, bienvenidos a “Arte visual musical”, lugar donde podrán presentar sus diseños relacionados con música y bandas. Quién sabe, quizás hasta ampliemos el espectro artístico dentro de un tiempo. Tan solo quizás. Como dirían los Beach Boys, solo Dios sabe.

Motorik

PD: la imagen de The Notorious Kim’s Brothers fue comentada por el mismísimo Roger McGuinn de los Byrds:

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Entrevista a Astrománticos

Con fuertes influencias del Glam Rock de los 70s, el Britpop, Powerpop, entre otros géneros, Astrománticos lanzó recientemente su primer EP llamado “Marionetas Olvidadas”. Y Diego Vieites (Juana la loca, Starpunks, Animo) y Junior Fernandez (Zero, Bandoleros) nos cuentan sobre este proyecto, su historia y demás en esta entrevista.

¿Cuentennos la historia de cómo nació el proyecto?

Nació de la necesidad de generar en estos días atípicos que estamos viviendo, habíamos compartido banda con Diego y Hector, (guitarrista y baterista), a fines de los 90´s, y muchas de esas canciones nos habían quedado pendientes, y fue una excusa para empezar a sumar nuevas y grabar.

¿Qué es lo que distingue a Astrománticos de otras bandas?

Creo que lo que distingue a Astrománticos de otras Bandas es la composición y la manera de Producir las canciones, somos una banda con gustos musicales amplios y eso nos da la posibilidad de movernos creativamente dentro de ellos y no con una sola postura. Si bien, el marco es el rock/pop clasico, en ese contexto, elegir sin limitación.

¿Qué es lo que más destacan de su primer EP “Marionetas olvidadas”?

Definitivamente las canciones. La idea innegociable desde el minuto 0 es que lo único inamovible e intransigente sea priorizar el deseo artístico, la «necesidad» musical de la canción, sin que otros factores altere eso. Es un primer paso, que para este año pensamos en tres etapas, segundo EP y disco.

¿Qué opinan del Rock Argentino de hoy en día? ¿Qué otras bandas y artistas escuchan de la actualidad?

Como siempre, hay una escena con mucha vitalidad y diversidad en cuanto a generos, nombrar solo a algunos, es injusto, pero, Excursionistas, Ovnis, Ludomatic, Lic. Pyterson, Toboganes a Marte, Traje desastre, Juguete ruidoso, Siempre es medianoche, Lucas stay free, Triste Realidad, Brixton, Placer, Valle, Juana, y un montón más, siempre están en nuestros playlists.

¿Cómo están sobrellevando la cuarentena general como grupo? ¿En qué sienten que los afectó más el contexto actual?

Mas allá de la cuestión obvia de la socialización y de lo laboral, el hecho de reformular la manera de intercambiar las canciones y generarlas, es lo que más nos afectó del contexto actual, estamos acostumbrados a ensayar para grabar, y eso, hoy es algo en lo que tuvimos que reinventarnos.

¿Qué nos espera para la segunda parte de “Marionetas olvidadas” que estarán lanzando en agosto?

Otras 5 canciones, en la misma línea de melodía y guitarras, de Glam, Power Pop y Brit, creemos que es un poco más «rockero» que “Marionetas”, más cerca de los discos de los 70s de Cheap Trick o Slade, o por lo menos esa es nuestra intención.

Escucha “Marionetas Olvidadas”:

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La tierra de Nunca Jamás

Donde vivo nunca pasa nada. Todo lo que pasa en el mundo sólo pasa allá, en el mundo, pero aquí nunca pasa nada. Cuando hay una guerra, siempre pasa en otros países donde hay algo por qué pelear, pero aquí nunca hay guerra porque no hay nada qué defender porque no tenemos nada qué perder… y nuestra propia vida no es razón suficiente para pelear y morir por ella (aún con su irónica contradicción).

Las personas importantes, ricas, poderosas, inteligentes, nunca son de aquí. Ninguno de mis vecinos es un científico, un presidente, un astronauta, un artista, uno de esos personajes que salen en la tele. Aquí nunca viene nadie de afuera; es más fácil que nosotros salgamos al mundo a que alguien de allá afuera venga de vacaciones para acá. Es éste un lugar donde nunca ha nacido nadie que a la historia le valga la pena recordar.

Los grandes edificios de las grandes empresas nunca se establecen aquí. Los deportivos, los auditorios, las salas de arte, las universidades, las súper autopistas de dos pisos, los trenes y teleféricos, cualquiera de los magnos proyectos urbanos nunca se lleva a cabo por estos rumbos. Todo lo bonito e importante sucede en las grandes ciudades, no aquí. Lo más que ha llegado a pasar es que mandan un camión maroma a echar chapopote en las calles para emparejar las rúas rellenando los baches.

En las noticias siempre dicen que hay ataques terroristas, conflictos bélicos, epidemias sanitarias, locos asesinos, violadores, marchas pacifistas exigiendo mejoras sociales, pero nada de eso pasa aquí, ni las marchas ni las mejoras sociales. Aquí importan poco los derechos humanos, igual nos asaltan y nos matan por cualquier bicoca sin motivo ni justicia. Y cuando dicen que las cosas van a mejorar y que ya vendrán mejores tiempos, en realidad, no se refieren a nosotros; aquí siempre estaremos igual, ni peor ni mejor, sino como siempre ha sido: igual.

A nosotros no nos inmuta si en Medio Oriente se está negociando la paz ni si en China se muere la gente por montón. En donde vivo es irrelevante si el humano ya llegó a Marte o a la Luna. También carece de importancia si hay robots que facilitan la vida y si ya hay cura para el Cáncer o el SIDA. Nada de lo que pase en el mundo altera lo que pasa aquí porque, de todos modos, ese mundo perfecto aquí nunca llegó… ni llegará.

Kobda Rocha

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Últimos Lanzamientos: Marzo y Abril del 2020

Morrissey – I Am Not a Dog on a Chain

Fecha de Lanzamiento: 20/03/2020

Puntaje del Disco: star-rating-3-7842677

«Jim Jim Falls» arranca lo nuevo de Morrissey con impronta frenética y electrónica, como resumen de la búsqueda del ex The Smiths en estos catorce nuevos temas, justo cuando más recalcitrantemente reaccionario se nos volvió desde lo discursivo con innumerable cantidad de polémicas con sus declaraciones, se muestra menos conservador que nunca en lo musical, aunque no en todos los casos el resultado termine siendo placentero.

Así y todo, más allá de sus letras y de sus posturas polémicas su voz continúa siendo un imán en su música, aun cuando en los últimos años pareciera repetirse musicalmente y sacar álbumes prescindibles y poco novedosos.

Childish Gambino – 3.15.2020

Fecha de Lanzamiento: 22/03/2020

Puntaje del Disco: star-rating-3m-8836076

Donald Glover es uno de los actores de comedia más encumbrados de los Estados Unidos en la actualidad por sus trabajos en 30 Rock y en especial en la serie Atlanta (de la que también es guionista y productor ejecutivo). Sorprendentemente ese talento para la actuación lo ha sabido replicar a la música bajo el seudónimo Childish Gambino (inventado de una página de nombres creados al azar), destacando con los éxitos “This is America” y “Redbone”.

El flamante 3.15.20, se basa principalmente en un funk experimental, pero a lo largo de tracklist hay momentos de hip hop, R&B y hasta de pop y trap, con temas que se llevan indudablemente todas las escuchas como “Time” con Ariana Grande, “12.38” con colaboraciones de Ink, Kadhja Bonet y 21 Savage y mi preferida la personal e intensa “53.49”.

Waxahatchee – Saint Cloud

Fecha de Lanzamiento: 27/03/2020

Puntaje del Disco: star-rating-3m-8836076

Waxahatchee es un Proyecto musical americano creado por Katie Crutchfield en el 2010, que este año lanzó su quintó álbum, Saint Cloud, cosechando comentarios muy positivos de la crítica especializada. Adentrándonos de lleno en Saint Cloud, es un disco de Indie Rock, que tiene algunas influencias el Folk y el Country, que tiene melodías agradables y su propio encanto, aunque sinceramente no ofrece nada particularmente revelador. De hecho, si lo comparamos con otros trabajos del género, es bastante promedio.

Pearl Jam – Gigaton

Fecha de Lanzamiento: 27/03/2020

Puntaje del Disco: star-rating-3m-8836076

Gigaton es el primer disco de Pearl Jam en siete años, si bien es apenas una ligera mejora con respecto a su antecesor, Lighting Bolt, tampoco es la renovación de su sonido como prometían con su single adelanto “Dance of the Clairvoyants”.

El flamante lanzamiento tiene algo para todos los gustos, el equilibro perfecto que dejará conforme a los admiradores de su conexión de grunge, rock alternativo y rock clásico con temas que apenas dan respiro, ideales para disfrutar cuando se pueda volver a disfrutar de conciertos al aire libre, y también hay medio tiempos necesarios donde destaca la interpretación de un grande como Eddie Vedder.

Thundercat – It is What It is

Fecha de Lanzamiento: 03/04/2020

Puntaje del Disco:

Thundercat es un artista muy pero muy interesante. Ya había demostrado en Drunk de lo que es capaz, transformándose en una revelación del 2017. Esta vez reapareció con Is is What It is, un álbum en el que hace una combinación de géneros que no recuerdo de otros artistas, electrónica, R&B, Funk y hasta Jazz!! Y pese a parecer una ensalada que no pega, el resultado es impresionante. No solo desde lo experimental, sino también por ofrecer composiciones muy sólidas. Un serio candidato a integrar el Ranking de los mejores discos del 2020.

The Strokes – The New Abnormal

Fecha de Lanzamiento: 10/04/2020

Puntaje del Disco:

Tras una larga inactividad The Strokes volverían en plena pandemia a nivel global con su sexto trabajo de estudio, The New Abnormal, producidos por el genial Rick Rubin alcanzarían la madurez en una mezcla de indie rock, electrónica y new wave, con una colección de canciones tan fuerte como las de sus consagratorios primeros años.

A lo largo del disco se puede ir percibiendo cada etapa de la Carrera de los neoyorquinos: en temas como “The adults are talking” o “Not the Same Anymore” estamos ante los Strokes de siempre, más cercana a los primeros discos de la banda, en otros highlights como “Brooklyn Bridge to Chorus” o “Endless Summer” podemos ver su versión más pop con sintetizadores, en definitiva, es un gran regreso que nos deja con ganas de poder disfrutarlos en directo pronto.

Laura Marling – Song For Our Daughter

Fecha de Lanzamiento: 10/04/2020

Puntaje del Disco:

Laura Beatrice Marling es una cantautora británica de folk, que para la crítica en general editó uno de los discos más valorados del 2020, Song For Our Daughter. En este álbum Laura utilizando su guitarra y su voz como principales armas, sumando buenas melodías, buen ritmo y buenas influencias, armó un trabajo sin grandes pretensiones, lejos de ser algo espectacular, o fuera de lo normal, resaltando por su simpleza como buena artista de Folk Rock. Un muy buen disco, muy consistente en sus canciones.

Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters

Fecha de Lanzamiento: 17/04/2020

Puntaje del Disco:

Fetch the Bolt Cutters, es otro maravilloso álbum de la cantante y música femenina más relevante del siglo veintiuno (como mínimo en Estados Unidos): Fiona Apple. Un trabajo conmovedor, profundo y estimulante, no es común escuchar un álbum y no tener idea de lo que viene después.

Apple siempre rompió el molde pero desde su disco despegue, Extraordinary Machine, se convirtió en una artista de culto que se destaca por sus arreglos complejos, letras ingeniosas y melodías vertiginosas con standars de jazz. Se lo podría resumir como una compilación de todas las virtudes de la artista, aunque el piano sea menos protagonista que en sus antecesores, así y todo, resulta atractivo y ya se lo comienza a señalar como uno de los lanzamientos tops del 2020.

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Lombriz como un infeliz

Lo malo de estar vacío por dentro es que por fuera no se nota.

Por fuera, eres el chistosito del grupo, la chica bonita, la inteligente de la familia, el serio y callado, el amigable, la facilona, la apretada, el mujeriego, el quintito, el godínez, el patrón, la señora de la casa, la licenciada, don Germán el de la tienda, doña Cuca la mesera, el viejito simpático, la mujercita en desarrollo.

Te alegra estar alegre (porque, sí, a veces también sonríes, aun cuando casi siempre sea por nimiedades sin sentido); te alegra cuando un chico guapo te dice que eres muy guapa (aunque dos segundos después te des cuenta de que no te lo dijo él, sino su pene); te alegra sacar un diez en la escuela (no importa que eso no sirva para nada en la vida); te alegra que te den el asiento en el metro (porque, a pesar de que te están tomando por débil, tu vejez sí lo agradece); te alegra estar triste (porque al menos sabes que estás, no importa cómo, lo importante es estar de alguna forma y sentir algo… aunque sea dolor).

Por fuera, eres el depresivo, el enojón, la doña malacara, la amargada solterona, el padre irresponsable, el padre amoroso, la abuelita consentidora, la suegra buena onda, el niño genio, la buenona de la clase, la chichona, el casanova, el chingaquedito, el pelionero, el burro, el fósil, el nini, la cegatona, la mujercita en crecimiento.

Quisieras ser un suicida, un sujeto interesante, una puta interesada, un alcohólico patético, un melancólico misántropo, una niña tímida, una mujer famosa, una estrella de rock, una maravilla en la cama, un acostón de las mil experiencias, un anciano muy sabio, un artista del FONCA, un ratero, un criminal, un violador, una psicópata, una santita, una monja, un maricón, un cristiano extremista, un robot del futuro, un alien desalmado, un zombie masoquista.

Por fuera, eres una feminazi, una lesbiana, una machorra, un alumno de diez, alumno de ocho, el reprobado, médico, científico, el de intendencia, cacharpo, garrotero, lavaloza, mantenido, mandilón, mamá soltera, luchona, hija única, bebito berrinchudo, hijo de puta, vieja pendeja, maldita arpía, bastardo imbécil, desgraciada pérfida, el taxista buena gente, el héroe del barrio, el campeón del pueblo, miss universo, la heroína del cuento, la bruja despiadada, la madrastra maldosa, la reina de Inglaterra, el tontito de la cuadra, la mujercita en transición.

Eres un hombre, eres una mujer; lo eres por pura categorización social, por norma hereditaria, por costumbre. Eres un ser humano sólo porque a los seres humanos les parece que eres un ser humano. Por fuera, eres cualquier cosa, incluso cualquier persona; pero por dentro no eres nadie, porque estás vacío, porque a veces ni siquiera el vacío está contigo, porque casi siempre el vacío eres tú.

Lo malo de estar vacío por dentro es que por fuera, regularmente, no se nota.

Kobda Rocha

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Papa Papaya Papayaso

Un desfile de colores,
de sonrisas de payasos
presumiendo sus amores
surge al vivo de los brazos
de la calle principal.

Con pelucas, brincolines,
van alegres saludando
con cornetas, con clarines;
son artistas parodiando
la figura nacional.

Silban, ríen y saludan
a la gente sin bandera;
a los grises ojos burlan
cuando exhiben su cadera
con sombría libertad.

Maquillaje, motas, rayas
y narices rojas locas,
las sandías, las papayas
que golpean como rocas
a mi patria tempestad.

La silueta celestial
es la única verdad
que el infante más trivial
ha llamado con beldad:
«¡un payaso es mi papá!».

Kobda Rocha

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Larga vida a la inconsciencia

Es momento de aclarar un asunto que jamás se ha discutido y yo ya estoy cansado de que tan sublime tema sea ignorado sin ton ni son, así es que lo pondré a discusión. La verdad es que exagero; cuando digo que nunca nadie ha puesto el tema sobre la mesa es mera indagación supositiva por ignorancia, irónica y paradójicamente pre-establecida por una proposición de facto contradictoria con los métodos resolutivos de la premisa. En palabras vulgares: nomás hablo por hablar, un ligero fanfarroneo para agitar las aguas de la resiliencia. Tal vez muchos ya lo han discutido y resuelto sin necesidad de tanto alboroto, pero por mera diversión aquí va de nuevo.

La palabra del día es INMORTALIDAD. Éste es uno de los tres deseos más solicitados a genios de lámparas maravillosas (después de dinero y placeres sexuales, claro). La cualidad del ser inmortal es, por etimología, no morir. Simple a primera vista, sin embargo, aquí es donde comienza la discusión en serio: qué significa ser poseedor de inmortalidad. ¡Mucho ojo! Dije poseedor de inmortalidad y que esto no se confunda con el común error cometido poseedor de LA inmortalidad porque lingüística y conceptualmente son dos cosas completas y diferentes, así es que habrá que ponernos de acuerdo.

Quien posee inmortalidad no tiene la cualidad de relacionarse con la muerte. Quien posee LA inmortalidad tiene la capacidad de brindar a quien le plazca la cualidad de no relacionarse con la muerte. Es una cosa casi ilógica, llegando a lo absurdo, como decir “tener hambre” y “tener EL hambre”. Por eso, repito para aclarar, la discusión que se propone aquí se basa en poseer inmortalidad, no LA.

Volviendo al tema principal, buscar la inmortalidad es una ambición estúpidamente exagerada, pues para empezar es una de las principales cualidades que adjudicamos a los dioses. La tentación de convertirse en seres inmortales, id est dioses, conlleva una carga no sólo de complacencia insatisfecha sino también de supremacía imperialista. ¿Quién querría ser un dios si no existiera nada más bajo que eso? Lo que quiero decir es que, si pensamos con sinceridad, la inmortalidad sólo tiene valor porque somos seres mortales. Imaginemos un mundo de dioses inmortales que no conocen lo que es la muerte porque nada en su mundo muere nunca; para ellos, la inmortalidad no tiene valor, es una mera característica adjetiva. Lo preciado de cualquier rasgo identitario es su posibilidad contrastiva hacia una adjudicación congénita. Voy a ponerlo en palabras vulgares: la cualidad que tiene valor es la mortalidad. Lo otro sólo es la negación (in-) de esa cualidad (-mortalidad).

En conclusión, quien frotase una lámpara maravillosa de la cual saliese un genio y le concediere tres deseos de los cuales uno fuese INMORTALIDAD, si se lo medita con verdadero detenimiento, en realidad no está pidiendo algo; por el contrario, está solicitando que le quiten algo, su mortalidad. Ergo, ser inmortal significa estar incompleto, ser defectuoso y, por obviedad axiomática, imperfecto. Ahora, si repensamos nuestra ambición de ser dioses y una característica aún más valorada de la deidad es la perfección, al convertirnos en inmortales estaríamos perdiendo de hecho nuestra predilecta perfección mortal, alejándonos así del propósito inicial (ser dioses). Por tanto, somos dioses porque somos mortales. Ergo, los dioses mueren, los dioses pueden morir y, aún más divino entendimiento, ¡los dioses, para que sean de veras dioses, deben morir!

Post Data.

El dios es un ser perfecto: al ser perfecto, para que siga siendo perfecto, no se le puede (¡no se le debe!) quitar una de sus cualidades: ser inmortal es perder la cualidad de morir: el ser inmortal no es perfecto y, como dios es un ser perfecto, dios es mortal.

Kobda Rocha

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