Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Rammstein – Sehnsucht (1997)

Rammstein - Sehnsucht (1997)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Sehnsucht: 8,5
  2. Engel: 9,5
  3. Tier: 8,5
  4. Bestrafe Mich: 8
  5. Du Hast: 10
  6. Buck Dich: 9
  7. Spiel Mit Mir: 9,5
  8. Klavier: 8
  9. Alter Mann: 9,5
  10. Eifersucht: 8
  11. Kuss Mich (Fellsfroch): 8

Sehnsucht es el segundo disco de la banda Rammstein, lanzado mundialmente en agosto del 1997, para muchos, esto es la obra cumbre del género Neue Deutsche Härte, y con los sencillos «Engel» y «Du Hast» pegando duro en las radios como en cadenas en MTV, catapultaron a Rammstein al éxito, obteniendo una gran venta comercialmente. Y siendo para algunos, el mejor álbum de la banda.

La producción aumentó brutalmente, también la gran variedad de sonidos desde la primera canción, ya no es tan simple como Herzeleid, ahora los sintetizadores cobran protagonismo, las guitarras castigadoras son más potentes, aunque se echan de menos los solos de guitarra de su álbum anterior, por lo cual son más simples. El synth-rock mezclado con el metal industrial de Rammstein es la principal característica de este álbum, no nos olvidemos de la gran cantidad de efectos excelentemente producidos y las capas que se muestran en cada uno de ellos.

También hay un poco de hasta hip hop, los propios sencillos lo demuestran, aunque «Du Hast» y «Engel» son las que más pegan. Esta primera es considerada la mejor canción del grupo de lejos, además de tener un gran video.

Mientras tanto, las letras ya no son un tema de violencia pura a diferencia de Herzeleid, aquí las letras cobran temas de surrealismo, terror o humor negro bizarro que se puede comparar a álbumes como Angel Dust de Faith No More, en esas temáticas. Se nota que Lindemann ha cobrado un estilo como más poético y también demuestra que es capaz de crear historias muy buenas de drama como se muestra en «Alter Mann» (Anciano).

Rammstein fue evolución hecha con Sehnsucht. Cada detalle y variedad musical del género está hecha en este disco. Pulieron muchísimas cosas que a Herzeleid les faltaba. Aunque para mí no sea el mejor álbum de la banda ya que se pasaron con sus siguientes 2 LPs (Live Aus Berlin y Mutter), pero no deja de ser un revientacabezas y quizás uno de los mejores discos producidos en su país natal.

Demasiado recomendable.

Toto

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Devo – Question: Are We Not Men? Answer: We Are Devo! (1978)

Devo - Question Are We Not Men Answer We Are Devo (1978)

Puntaje del Disco: 9

  1. Uncontrollable Urge: 9
  2. (I Can’t Get No) Satisfaction: 8,5
  3. Praying Hands: 9
  4. Space Junk: 9
  5. Mongoloid: 9
  6. Jocko Homo: 8,5
  7. Too Much Paranoias: 7,5
  8. Gut Feeling: 9
  9. Come Back Jonee: 8,5
  10. Sloopy (I Saw My Baby Getting’): 8,5
  11. Shrivel-Up: 8,5

Devo es un grupo estadounidense de new wave creado en el año 1972 en la ciudad de Akron, Ohio. Mark Mothersbaugh y Gerard Casale formaron Devo ese año en la facultad de arte de la Universidad de Kent. El nombre «Devo» se deriva de su concepto de ‘de-evolución’, que es la idea de que la sociedad, en lugar de evolucionar, está en realidad involucionando, «como lo demuestra la actitud de rebaño de la sociedad estadounidense».

El momento decisivo para la formación de Devo, fue el tiroteo ocurrido en la Universidad de Kent en 1970. Casale conocía a dos de los estudiantes muertos, e incluso pudo ver a otra estudiante herida. En ese momento, Casale cuenta que consideró la idea de la de-evolución sería muy similar a este tipo de hechos y que es una realidad tacita.

El estilo de Devo es una hibrido entre punk, new wave, post punk, art rock y pop. Además el contenido musical del grupo se entrelaza entre lo surrealista, lo kitsch, la sátira social y la ciencia ficción. Todo esto hace a Devo uno de los grupos más influyentes del pasado siglo en géneros de todo tipo, como el synth pop ( uno de los impulsores), industrial, rock, alternativo,  grunge , metal, experimental y muchos otros.

El álbum fue producido por Brian Eno, en los estudios Conny Planck en Colonia, Alemania. La banda logró ponerse en contacto con Eno cuando consiguieron entregarle un demo a David Bowie durante un show en Cleveland.

La gran facultad del disco es el nivel muy parejo de las canciones. Realmente no hay ni una canción en la que uno pudiera decir que es “la canción” del disco. No en absoluto; es el nivel sumamente parejo de las canciones el que le otorga una gran consistencia de la primera a la última canción.

Si tuviera que destacar un momento del álbum sería el cover de “(I Can’t Get No) Satisfaction”, no porque sea la mejor de la placa (de hecho no lo es) sino más bien por haber descuartizado un clásico del rock sin crear una bazofia. De hecho, la canción es buena y ni siquiera tiene el riff de guitarra característico y se apoya principalmente en el bajo y los teclados.

Un disco de elementos terrenales: riff simples, melodías que cumplen su cometido, batería que se sostienen con suficiencia, bajo rítmico. Todos por separados a lo mejor no son de otro mundo (salvo los teclados), pero todos estos elementos unidos crean algo que realmente no está al alcance de todos. Tanta admiración no es gratuita, es un poco lo que pasa con Kiss, son admirados con un cariño que excede en algunas ocasiones lo musical, principalmente en la puesta de escena, que siguen copiando (también a Bowie entre otros) la infinidad de artistas pop de ayer y hoy. La gran  diferencia es que ellos no son Devo.

Diego

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Pixies – Trompe le Monde (1991)

Pixies - Trompe le Monde (1991)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Trompe le Monde: 7,5
  2. Planet of Sound: 8
  3. Alec Eiffel: 7,5
  4. The Sad Punk: 7
  5. Head On: 7,5
  6. U-Mass: 8,5
  7. Palace of the Brine: 7,5
  8. Letter to Memphis: 8
  9. Bird Dream of the Olympus Mons: 8
  10. Space (I Believe in): 7,5
  11. Subbacultcha: 8,5
  12. Distance Equals Rate Times Time: 7,5
  13. Lovely Day: 7,5
  14. Motorway to Roswell: 7,5
  15. The Navajo Know: 7,5

Entre rumores de separación cada vez más recurrentes los Pixies editarían su cuarta placa de estudio, Trompe Le Monde (1991), para el mismo prometían inspirarse en el heavy metal y hacer un rock cada vez más pesado aunque lo harían por tramos y no en su totalidad.
A pesar de tener una buena recepción por parte del público en general, el álbum no es comparable a los primeros y a pesar de sus esfuerzos para no perder empuje y sonar cada vez más potentes no logran mantener la singularidad de sus mejores momentos y ofrecen sonidos más convencionales. Nada distinto ni especial.

Trompe Le Monde sigue con la temática de los OVNIs, los alienijenas y la ciencia ficción que tanto parece cautivar a Black Francis (ver “Planet of Sound” y “Motorway to Roswell”). Como particularidad podemos destacar la versión del tema “Head On” de otros grandes del rock alternativo como The Jesus and Mary Chain.

Con posterioridad la banda se embarcó primero en una extensa gira por los Estados Unidos y poco tiempo después en otra desgastante gira como teloneros de U2 (en su gira Zoo TV de 1992), que terminó dinamitando las relaciones entre los miembros de la banda. En 1993 en una entrevista con la BBC, Black declara que Pixies estaban disueltos, tomando por sorpresa a los restantes integrantes que se enteraron de la noticia vía fax. A partir de ese momento el cantante se rebautizaría como Frank Black y dio inicio a su carrera en solitario comenzada con su disco homónimo, Frank Black (1993).

F.V.

 

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(Votos: 2 Promedio: 4)

Conspiraciones del Rock: El Rey está vivo!

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El mundo de la música no es ajeno a los fenómenos paranormales y han sido muchos los sucesos que a lo largo de la historia han suscitado controversias y cuyos desenlaces no han sido esclarecidos. Internet se ha convertido en la fuente y depósito para la conjetura de las más intricadas teorías conspirativas, que buscan darle una razón a tantos acontecimientos relacionados con la música. Muertes aparentemente fingidas, símbolos y letras con sentidos ocultos, músicos reemplazados por dobles, artistas manipulados por fuerzas desconocidas y demás teorías encontrarán un nuevo espacio de análisis y debate en el Persi Music. Los invitamos a conocer un poco más acerca de estas conocidas y no tan conocidas teorías que involucran al Rock.

El Rey está vivo!

En la primera entrega de Conspiraciones del Rock vamos a ocuparnos de una leyenda urbana que se ha esparcido a través de los años y que tiene como protagonista a un ícono del siglo XX como fue Elvis Presley.

images-17El 8 de enero pasado el Rey del Rock & Roll, nacido en Memphis en 1935, hubiese cumplido ochenta años. ¿O efectivamente los celebró en vida?. Sobre la hipótesis que Elvis no murió aquel fatídico 16 de agosto de 1977 en su mansión en Graceland, se centra uno de los más extendidos e investigados casos de conspiración, que continúa desvelando a miles de sus seguidores alrededor del mundo.

Son varios los puntos dudosos en torno a la muerte de Presley que muchos aún no encuentran respuestas y que podríamos resumir en los siguientes aspectos que siembran desconfianza en la versión oficial.

1. Su relación con el FBI

El 21 de diciembre de 1971 Elvis se reunión con el presidente Richard Nixon en el Salón Oval de la Casa Blanca tras haber pasado por el Departamento de Narcóticos y Drogas Peligrosas del FBI, solicitándole en una nota manuscrita ser nombrado “agente federal especial” para combatir la “cultura de las drogas y el movimiento hippie”. Se dice que Elvis habría perdido una millonaria suma de dólares en un negocio inmobiliario y habría pedido al FBI una nueva identidad.
descarga2. Las incongruencias en las declaraciones de los testigos de su muerte

Se advirtieron ciertas diferencias en torno a las declaraciones brindadas por los testigos sobre cómo fue encontrado Elvis tras sufrir un ataque cardíaco causado por el consumo abusivo de sustancias dañinas.

3. La inscripción errónea de su nombre en la tumba

No sólo llamó la atención que la tumba de Elvis haya sido colocada entre los restos de su padre y su abuela y no junto a su madre, que era su verdadero deseo; sino que además el segundo nombre, Aron, fue escrito con una “a” adicional. Por otro lado, testigos del funeral aseguran que el ataúd se encontraba extremadamente frío, lo que servía para mantener en condiciones al maniquí montado, según puede verse en la foto publicada por The Enquirer.

4. Su peso

Desde hacía tiempo Elvis se había vuelto adicto a las drogas y pastillas de todo tipo, causándoles desórdenes alimenticios, que lo llevaron a pesar casi 130 kg. En las últimas presentaciones en vivo se podía apreciar el desmejorado estado físico que evidenciaba el Rey. Es curioso entonces que la partida de defunción estableciese que al momento de su muerte, Presley pesara tan sólo 76 kg, pero más curioso aún fue que el certificado original haya desaparecido.

5. Las declaraciones de Tom Parker en el funeral

En el funeral de Elvis, el Coronel Tom Parker, manager del Rey pronunció las siguientes palabras: «Elvis no murió. El cuerpo lo hizo. Vamos a mantener el buen humor. Estamos manteniendo a Elvis vivo. Hablé con él esta mañana y me dijo: ‘Sigamos adelante’”. Esas declaraciones pueden sonar reconfortantes para los dolidos fanáticos por la muerte de su ídolo, o también pueden entrever que el Rey verdaderamente seguía con vida.

6. La compra de un pasaje de avión

Dos horas después del anuncio oficial del fallecimiento, un hombre bajo el nombre de John Burrows, con un gran parecido a Elvis, compró un boleto de avión con destino a la ciudad de Buenos Aires. Ese era uno de los muchos seudónimos que el Rey solía utilizar en hoteles para pasar inadvertido. Al igual que tantos otras teorías que relacionan a la Argentina como el lugar elegido por otros reconocidos personajes en la historia para escapar o refugiarse, Elvis también se suma a esta lista.

7. Las flores de “Lancelot”
Al día siguiente de la muerte de Elvis, una de sus ex novias recibió un ramo de flores de parte de “Lancelot”, un apodo que sólo Presley y sus mujeres conocían.

8. Las presentaciones de Orión

Al poco tiempo de su muerte, un cantante enmascarado identificado como Orión se presentó en diversos conciertos muy similares a los brindados por Elvis. Sin embargo, pronto Orión desapareció y nunca se supo más de él.

9. Apariciones de Elvis en todo el mundo

Muchas son las versiones de testigos que dicen haber visto a Elvis en diferentes rincones del planeta, desde Estados Unidos, pasando por Japón, hasta llegar a Australia. Un ejemplo es el siguiente video donde se enfoca a un desconocido tomando fotos en la asunción como presidente de Barak Obama en Washington en 2009:

https://www.youtube.com/watch?v=63cMRh1mxxU

10. Seguro impago

Hasta el día de hoy ninguno de los familiares ha reclamado el seguro por la muerte de Elvis.

Las dudas aún persisten y son muchos los interrogantes alrededor de la muerte de Presley. Los invitamos a que nos dejen sus opiniones y comentarios sobre el tema.

¿Elvis, está vivo?

Piro

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The Space Project – The Space Project (2014)

The Space Project - The Space Project (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. Giove (Porcelain Raft): 7
  2. Jupiter (The Antlers): 7
  3. Terraform (Mutual Benefit): 8,5
  4. Miranda (Anna Meredith): 5,5
  5. Always Together With You [The Bride Song] (The Spiritualized Mississippi Space Program): 8
  6. Amphitrites Lost (The Holydrug Couple): 8
  7. Worms (Youth Lagoon): 8
  8. Blues Danube (Blues Control): 6
  9. Saturn Song (Beach House): 7,5
  10. Moonlet (Zomes): 5,5
  11. Earth I (Absolutely Free): 5
  12. Song of Earth (Jesu): 7
  13. Long Neglected Words (Benoit & Sergio): 6,5
  14. Sphere of Io [For Georg Cantor] (Larry Gus): 7

The Space Project es un lanzamiento Indie a cargo de Lefse Records que fue elaborado para el Record Store Day; un dia en que las disqueras lanzan vinilos y Cd’s de edición limitada. Ahora bien, esta colección de catorce canciones tiene una peculiaridad muy especial y la cual es la misma razón por la que elaboré esta reseña y esta es su producción inusual: las canciones fueron hechas a partir de sonidos espaciales.

Ahora bien ¿Cómo es eso posible? Resulta que las sondas espaciales Voyager I y Voyager II lanzadas por la NASA en 1977 captaron fluctuaciones de radiación electromagnética en la magnetosfera de algunos cuerpos celestiales, las cuales al ser ondulaciones con frecuencia fueron transformadas en sonido por parte de científicos. Para The Space Project fueron reclutados catorce artistas para que utilizaran tales grabaciones como base para crear canciones (entre los más conocidos Spiritualized, Beach House, Youth Lagoon, The Antlers). El disco por tanto tiene el “sonido característico” de Júpiter, Miranda (Luna de Urano), Neptuno, Urano, Saturno, la Tierra e Io (Luna de Júpiter); contando con dos temas por cara cuerpo celeste.
Tomando en cuenta la variedad de bandas que participaron, nos encontramos con diversos géneros musicales como el Folk, Dream Pop. Ambiental y no podía faltar Space Rock. Hay de todo; ambientes tranquilos que contrastan con ambientes de misterio, eso sí, siempre manteniéndose un toque de experimentación y psicodelia.

Precisamente la variedad de artistas participantes desembocan en diversos niveles de calidad, respecto a cuales bandas se tomaron en serio el proyecto y cuales lo tomaron como un pasatiempo. Las dos primeras canciones (Júpiter) son temas ambientales muy a la Brian Eno. Pero tras ese par de viajes espaciales se viene la suave folky “Terraform” a cargo del colectivo Mutual Benefit, la cual en mi opinión es la mejor canción del disco.

Las canciones de Neptuno son las que se me hacen la mejor pareja de temas en el disco, con Spiritualized soltando el single “Always Together With You” una canción reconfortante de armonías destacadas y una temática romántica. Los chilenos de The Holydrug Couple crean un dream pop muy melódico en forma de “Amphitrites Lost”; canción que pasa de ser acústica a sintetizada sonando muy bien elaborada.

Otros temas destacados son “Worms” de Youth Lagoon que cuenta no solo con el sonido de los anillos de Urano, sino también con una de las mejores letras del disco. Beach House no se queda atrás soltando la nostálgica y minimalista “Saturn Song” una pieza más del Dream Pop arrullador que acostumbra hacer este dúo.

Al final el disco tiene sus puntos débiles como la intrascendente y extensa “Blues Danube”, la oscura “Moonlet” y la horrorosa “Earth I” que no es más que puro ruido y balbuceos sin sentido. Pero a pesar de los altibajos recomiendo este disco a cualquier oído curioso que esté interesado en familiarizarse con los sonidos de los magníficos satélites del Sistema Solar, vale la pena escuchar el disco aunque sea por curiosidad.

Gera Ramos

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Porcupine Tree – Signify (1996)

Porcupine Tree - Signify (1996)

Puntaje del Disco: 9

  1. Bornlivedie:
  2. Signify: 9
  3. The Sleep of No Dreaming: 10
  4. Pagan:
  5. Waiting Phase One: 9,5
  6. Waiting Phase Two: 8
  7. Sever: 8,5
  8. Idiot Prayer: 9
  9. Every Home Is Wired: 8
  10. Intermediate Jesus: 7
  11. Light Mass Prayers: 5,5
  12. Dark Matter: 8,5

A 1 año después de haber lanzado el considerado Wish You Were Here de los 90’s, Sky Moves Sideways, Porcupine Tree no tardaría en lanzar el excelente Signify, su cuarto LP de estudio que fue un paso cada vez más grande para la banda.

Para los que les gustó el sonido más experimental y clásico de la banda es considerado por muchos como una obra maestra del propio Wilson. Otros se quedan más en el sonido pesado que dejaría Lightbulb Sun en adelante.

En este LP decidieron dejar un poco el space rock psicodélico de los anteriores discos y las canciones largas para combinar más el rock progresivo con canciones experimentales, de jazz fussion o incluso del Krautrock al estilo bandas alemanas como Can («Idiot Prayer» es un ejemplo). Al principio del disco, con la pista «Signify» anuncian claramente el sonido metalero que va a adaptar la banda a partir de sus próximos trabajos. El resto del disco es diferente y es el fin de la etapa de lo que los Porcupine venían haciendo. Es el último álbum de la primera era de ellos.

Otro cambio que representa Signify es que Porcupine Tree ya no es un proyecto solista comandado por Wilson con músicos de sesión, sino que ahora es una banda propia. Wilson en la voz, guitarra rítmica, samplers y teclados, Richard Barbieri también en los teclados que más tarde tocaría la guitarra principal, Chris Maitland en la batería y Colin Edwin en el bajo. Otros instrumentos como el mellotron o el bombo también son tocados.

El concepto del disco se anuncia en la primera pista, “Bornlivedie”, que trata de que toda persona debe evolucionar, significar o trascender. Puede que durante momentos el concepto se desarrolle erróneamente, pero no es nada.

El disco prosigue con la metalera e instrumental «Signify», para luego dar paso a «The Sleep of No Dreaming», una de las canciones más infravaloradas de los Porcupine, con una melodía excelente y unas letras tan espectaculares como emotivas. Luego del interludio «Pagan», se da paso a «Waiting (Phase One)», la más tranquila del disco con unos pocos acordes acústicos acompañados de unos bellos punteos y de unos sintetizadores de Barbieri que dan más ambiente a la canción. La segunda parte de esta canción está repleta de sintetizadores y cosas experimentales. El resto del disco sigue un poco más esa onda. Sin embargo al llegar a la tediosa «Light Mass Prayers» Signify pierde calidad, aunque al final, «Dark Matter» termina bien y con uno de los solos más improvisados del grupo.

Signify es el fin de la era de los 3 primeros discos, el mejor cierre para esta etapa (y en mi opinión personal tiene la mejor portada jamás hecha para un álbum de música). Luego pasarían a una calidad extensa desde Stupid Dream y terminando en las obras maestras In Absentia, Deadwing y Fear of a Blank Planet. Pero desde luego Signify suena aún diferente y es considerado un punto clave para el grupo. Muy recomendable.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Gorillaz – D-Sides (2007)

Gorillaz - D-Sides (2007)

Puntaje del Disco: 8

  1. 68 State: 7,5
  2. People: 8
  3. Hongkongaton: 8,5
  4. We Are Happy Landfill: 7,5
  5. Hong Kong: 9,5
  6. Highway (Under Construction): 8
  7. Rock It: 8,5
  8. Bill Murray: 8
  9. The Swagga: 9
  10. Murdoc Is God: 5,5
  11. Spitting Out the Demons: 8
  12. Don’t Get Lost In Heaven (Original Demo Version): 8
  13. Stop the Dams: 8,5

Luego del éxito conseguido por su segundo álbum de estudio Demon Days (2005), la banda liderada por Damon Albarn y el dibujante Jamie Hewlett aseguraban que no habría más trabajos discográficos luego de este. Sin embargo, en 2007, la banda editó un disco que contenía lados B y canciones inéditas de las sesiones de grabación de dicho álbum, al que más tarde lo titularían bajo el nombre de D-Sides.

Este disco se podría considerar como una segunda parte de Demon Days, ya que contiene canciones que quedaron fuera del álbum. En conclusión, su sonido es bastante similar a este disco, con melodías oscuras, sombrías y melancólicas, como se puede escuchar en “Hong Kong”, una bella composición musical, donde se distingue el suave sonido del “Guzheng”  o “Cítara China”, o como “Stop the Dams”, una melodía muy profunda y nostálgica, probablemente una de las canciones mas melancólicas de todo el repertorio que ofrece Gorillaz.

El álbum abre con “68 State”, a la que le siguen “People”, una combinación de brit-pop y synth-pop, y “Hongkongaton”, con su dub sintetizado. Luego está “We Are Happy Landfill”, una melodía bastante pegajosa con una letra agresiva, a la cual, se podía conseguir mediante descarga digital en la web oficial de Gorillaz (pero luego decidieron eliminar el link).

Uno de mis tracks favoritos del álbum es sin duda “Highway (Under Construction)”, que posee una simple pero buena línea de bajo y unos excelentes pianos al final de la canción. Y desde luego “Rock It”, un tema que según Albarn, dispara contra el pop comercial y sus letras sin sentido. El brit-pop sintetizado se sigue haciendo presente en canciones como “The Swagga” y “Bill Murray”. Mientras que “Don’t Get Lost In Heaven (Original Demo Version)” posee una melodía bastante diferente a su versión final, que de alguna forma esta se me hace más entretenida. Y “Murdoc Is God” es una canción bastante ruidosa y escandalosa seguida por el pegajoso dub de “Spitting Out the Demons”

En fín, este disco se me hizo bastante bueno y confortable. Me sorprende la gran habilidad de Damon de crear música melancólica y oscura. En mi opinión es tan bueno como Demon Days. Vale totalmente la pena escucharlo.

Damian

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Bob Marley & The Wailers – Live! (1975)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Trenchtown Rock: 9
  2. Burnin’ and Lootin’: 8
  3. Them Belly Full (but we Hungry): 9
  4. Lively Up Yourself: 8.5
  5. No Woman, No Cry: 10
  6. I Shot The Sheriff: 9
  7. Get Up, Stand Up: 10

Lanzado en diciembre de 1975, Live! Es un magnífico registro del concierto que Bob Marly & The Wailers ofrecieron el 19 de Julio de aquel año en el Teatro Lyceum de Londres, grabado por The Rolling Stone Mobile Studio.

Por entonces The Wailers ya contaban con una buena cantidad de discos editados y Natty Dread se alzaba como su último material. Pero este disco en vivo quedaría guardado para siempre en los corazones de los afortunados que se dieron cita en Londres viendo a Marley desplegando todo su talento.

Con tan sólo siete temas, el material no necesitó más para erigirse como un extraordinario trabajo. No sólo la figura de Marley es lo más resaltable sino que también los buenos arreglos de guitarra de Al Anderson (como en “Trenchtown Rock” y “Burnin’ and Lootin’) le dan un toque mágico a esta presentación.

En el final los clásicos “No Woman, No Cry” en su versión más escuchada en las radios, y los sensacionales “I Shot the Sheriff” y “Get Up, Stand Up” dan por concluido a este sensacional álbum.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Alice in Chains – Live (2000)

Alice in Chains - Live (2000)

 Puntaje del Disco: 8,5

  1. Bleed the Freak: 7
  2. Queen of the Rodeo: 8,5
  3. Angry Chair: 9
  4. Man in the Box: 8
  5. Love, Hate, Love: 8,5
  6. Rooster: 9
  7. Would?: 9
  8. Junkhead: 8
  9. Dirt (Drunk and Disorderly version): 8
  10. Them Bones: 8,5
  11. God Am: 7,5
  12. Again: 8,5
  13. A Little Bitter: 7,5
  14. Dam That River: 8,5

Alice in Chains se merecía un disco en vivo que retrata sus momentos de gloria en los noventa, su época de esplendor, y en diciembre del 2000 cuando el grupo se encontraba en un paréntesis musical su compañía musical Columbia Records compilaría buenos momentos de diversos shows para dar forma a Live.

En rigor de verdad la banda ya contaba con un directo que databa de 1996 cuando se presentaron en los por entonces populares MTV Unplugged, pero la verdadera fortaleza de uno de los referentes del grunge era su potencia y demoledoras presentaciones “enchufados”.
Los tracks elegidos se reparten en seis presentaciones que van desde 1990 hasta 1996 en algunas locaciones de Estados Unidos,

Escocia y Japón, repasando así distintos momentos de su carrera con Jerry Cantrell en voces antes de su fallecimiento en Marzo de 1996 y la última parte cuando Layne Staley se hace cargo de su lugar.

Con excepción a la disfrutable “Queen of the Rodeo” el resto de los temas forman parte de discos de Alice in Chains. Así nos podemos deleitar de grandes versiones de “Angry Chair”, “Rooster”, “Would?” y “Them Bones”, entre otros. Brillan por su ausencia algunos temas claves en su carrera, o por lo menos otros que me hubiera gustado escuchar aquí como “Sludge Factory”, “No Excuses” o “Sickman”.

Aún así con Live los fanáticos de buena ley de Alice in Chains, y del grunge y el buen rock en general, se encontraran más que satisfechos y podrán disfrutar de la agrupación de Seattle en su esplendor.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Janis Joplin – Live at Winterland ’68 (1998)‏

Janis Joplin - Live at Winterland ’68 (1998)‏

Puntaje del Disco: 9

  1. Down On Me (version 1): 9
  2. Flower in the Sun: 8,5
  3. I Need a Man to Love: 8,5
  4. Bye Bye Baby: 8,5
  5. Easy Rider: 8
  6. Combination of the Two: 8,5
  7. Farewell Song: 9
  8. Piece of My Heart: 9,5
  9. Catch Me Daddy: 8
  10. Magic of Love: 8
  11. Summertime: 9,5
  12. Light is Faster than Sound: 7,5
  13. Ball and Chain: 10
  14. Down On Me (version 2): 9

Si alguien tenía muy buena reputación en los sesenta, es sin dudas Janis Joplin junto a su banda Big Brother & the Holding Company, y este disco podría ser tomado como un testimonio de ello. Live at Winterland ’68 fue grabado en el Winterland Ballroom, San Francisco, California, en sus presentaciones del 12 y 13 de abril de 1968. Lo interesante de este álbum es justamente que nos trae el despliegue en vivo de Janis y su grupo en su mejor momento, en la época de Cheap Thrills. De hecho estas presentaciones fueron anteriores a su famoso disco e interpretarían muchas de las canciones que luego lo integrarían.

Así que Live at Winterland ’68 suena muy bien, con una calidad similar a la de Cheap Thrills. Y si bien Janis es el eje principal del álbum con su desgarradora e esplendida voz, los Big Brothers también rockean y son más que un simple apoyo.

Respecto al material, para quines nunca los escucharon en vivo, tenemos un disco de Blues Rock, con un estilo similar al que tenían grupos como Jefferson Airplane, especialmente en la combinación de duetos vocales femenino masculino. Después de todo los Airplane tenían a Grace Slick y de este lado está Janis. Aunque Jefferson Airplane era mucho más acido.

Las canciones de Live at Winterland ’68 se podrían dividir entre canciones de blues rock enérgico y entretenidas, sobresaliendo “Down on Me”, con sus muy buenas versiones, y «Piece of My Heart». Y luego tenemos a los temas en los que diversifican un poco más bajando un cambio a su ritmo dinámico, como la balaba “Farewell Song”, y los heavy blues “Summertime” y “Ball and Chain”. Esta última es la más destacable por llegar a tener una intensidad similar a “Since I Being Loving You” de Zeppelin.

El material de Live at Winterland ’68 es muy bueno y sólido. Y a quienes les guste Janis y el álbum Cheap Thrills, les va a encantar por traernos más de la tremenda voz de Joplin.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)