Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Incubus – Make Yourself (1999)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Privilege: 9,5
  2. Nowhere Fast: 9,5
  3. Consequence: 9
  4. The Warmth: 8,5
  5. When It Comes: 9
  6. Stellar: 9
  7. Make Yourself: 9
  8. Drive: 10
  9. Clean: 8,5
  10. Battlestar Scralatchtica: 7
  11. I Miss You: 8,5
  12. Pardon Me: 9
  13. Out From Under: 8,5

Incubus es una banda de rock alternativo formados por el vocalista Brandon Boyd, el guitarrista Elnziger, el batería Jose Pasillas, el bajista Ben kenney y el DJ Kilmore.

A menudo son encasillados en la corriente del Nu Metal, fundamentalmente por sus dos primeros discos Fungus Amongus y principalmente S.C.I.E.N.C.E; donde se reunían ciertos elementos que compartían los grupos de ese estilo como un Dj. Pese a esto Incubus era un grupo con muchas más pretensiones artísticas que sus coetáneos, quedando de manifiesto en su tercer álbum llamado Make Yourself, donde lograrían despegarse de la moda imperante.

Influenciados por bandas como los Red Hot Chili Peppers, Beastie Boys, Faith No More, The Police, Mr Bungle y Rage Against The Machine principalmente. Esto deja claro que el sonido del grupo se relaciona con los sonidos Funk, Metal, Rock y Rap. Llevados a cabo por un grupo mucho más versátil que la media de aquella época.

Sustentado por su gran vocalista, que genera la impresión de naturalidad en este estilo, que no condiciona su actuación vocal. Es tal cual como le sale, es la esencia de cantante. Una guitarra que lo mejor no es de las mas técnicas del mundo, pero si posee una intensidad y decisión para machacar cada acorde para que suene lo mejor posible. Y el bajo y la batería son totalmente sólidos, los cuales no tienen problemas para tomar el mando cuando la canción lo amerita.

Desde el inicio el álbum te invita a cantar con la rítmica canción llamada “Privilege”, con una gran labor de la guitarra y el bajo que dan un dinamismo importante a la canción junto con el impecable trabajo del vocalista. La siguiente que se titula  “Nowhere Fast”, con una alentadora letra y unos riffs entrecortados, con momentos de silencio y un estribillo con mucha fuerza, pero por sobre todo con sentimiento, sin duda es uno de los puntos más altos del disco. Pero no el más alto; ese distintivo es para “Drive” con un riff mucho más calmado, pero inclusive más complicado que la gran mayoría de los presentes del disco. Cabe destacar además de la gran melodía la labor del DJ. Debo confesar que no soy un gran admirador de este instrumento, pero realmente creo que Incubus junto con Deftones son los que mejor utilizan este recurso para dar texturas a las canciones y no usarlo de la forma tradicional con ese sonido scratch (o algo así). En definitiva, es la canción que los llevó a la fama internacional. Claro que hay mas canciones merecedores de ser descriptas como la homónima con esos alaridos del final, o  “When It Comes” (con otros altos y bajos y dinámica de voz e instrumentos) y el juego de ritmos de “Stellar”.

Con este álbum Incubus logró despegarse del lugar donde se los querían encasillar, para seguir su propio camino, como en su momento lo hizo System of a Down y Deftones. Logrando trascender en el tiempo y seguir siendo una banda digna de respeto para cualquier fan de la música con un mínimo de tolerancia.

Diego

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Machine Head – Burn My Eyes (1994)

Machine Head - Burn My Eyes (1994)

Puntaje del Disco: 9

  1. Davidian: 9,5
  2. Old: 9
  3. A Thousand Lies: 9
  4. None But My Own: 9
  5. The Rage Of Overcome: 8,5
  6. Death Church: 8,5
  7. A Nation On Fire: 9
  8. Blood For Blood: 9
  9. I’m Your God Now: 8,5
  10. Real Eyes, Realize, Real Lies: 7,5
  11. Block: 8

Machine Head es una banda formada en 1991 por el ex-guitarrista de Vio-Lence y Forbidden Robb Flynn como cantante y guitarrista rítmico, el bajista Adam Duce, el guitarra principal Logan Mader y el baterista Chris Kontos.

Se podría decir que Machine Head son los nuevos Pantera tanto por el estilo de voz de Robb Flynn que se parece mucho al de Philip Anselmo (no mucho en este disco, pero si en los posteriores), y también porque los riffs son tan devastadores y con unos solazos de guitarra de Robb Flynn y Logan Mader como los de Dimebag Darrell, además de que son bandas del mismo género. Machine Head pudo haber tenido sus bajones después de su segundo álbum, pero actualmente está considerada no una sino la banda más importante del Groove al recuperar todas sus fuerzas a partir de su quinto álbum de estudio.

Y su debut fue indispensable para cualquier fan del género. Burn My Eyes lanzado en 1994 se convirtió en un clásico, al meter en un puente el género musical del Groove de Pantera y el Thrash de Slayer, haciendo un trabajo muy, muy pesado. Tan solo las primeras impresiones son muy altas al escuchar los excelentes 4 primeros temas del álbum. El calibre en el disco se mantiene y se mantiene y además te deja sin respiro con temas como «A Nation On Fire» y «Blood For Blood», las canciones más pesadas de la banda.

En cada tema se presenta mucha técnica de las guitarras, el bajo espectacular de Adam Duce y especialmente Chris Kontos, que es un tipo que roza la perfección con demasiada agresividad alrededor de todo el disco. Todos los instrumentos están excelentemente producidos. Además a la banda no le importa pasar de un ritmo hacia el otro explotando todos los instrumentos, en temas como «Old» o «A Nation On Fire», por ejemplo. Otros tienen atmósferas mucho más agresivas, como «Blood For Blood».

En fin, quizas no es el mejor disco de la banda (para mí lo supera por mucho The Blackening del 2007), pero es un clásico que dejará sin aliento a cualquier fanático del género. Es también el álbum más pesado del grupo. Es un debut irresistible y rico en cuanto a calidad. Y pese a que hayan pasado casi 21 años no deja de ser un mastodonte de disco. Super recomendado.

Toto

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Sting – Brand New Day (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. A Thousand Years: 7
  2. Desert Rose: 8
  3. Big Lie, Small World: 7
  4. After the Rain Has Fallen: 7.5
  5. Perfect Love…Gone Wrong: 8
  6. Tomorrow We’ll See: 7.5
  7. Prelude to the End of the Game: –
  8. Fill Her Up: 7.5
  9. Ghost Story: 8.5
  10. Brand New Day: 9

A fines de la década del noventa la carrera solista de Sting contaba con una buena reputación y los éxitos lo venían acompañando, especialmente luego del lanzamiento de Mercry Falling de 1996. El sexto material de estudio del británico, editado en 1999, llevó el nombre de Brand New Day que continuó por el camino correcto, con dos Premios Grammy.

El disco presenta características similares al anterior trabajo, aunque menos melancólico y con una menor carga política. Con melodías suaves y buenos arreglos Sting incluso explora un poco el funky en “Perfect Love…Gone Wrong”. “Desert Rose”, el segundo corte de difusión, es uno de los temas más destacados.

En el final, los últimos dos temas “Ghost Story” y “Brand New Day” cierran de la mejor manera este buen material del legendario Sting.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Klaxons – Myths of the Near Future (2007)

Klaxons - Myths of the Near Future (2007)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Two Receivers: 7,5
  2. Atlantis to Interzone: 7,5
  3. Golden Skans: 9
  4. Totem on the Timeline: 7
  5. As Above, So Below: 8
  6. Isle of Her: 7,5
  7. Gravity’s Rainbow: 7,5
  8. Forgotten Works: 6
  9. Magick: 8,5
  10. It’s Not Over Yet: 7,5
  11. Four Horsemen of 2012: 6,5

La banda británica Klaxons irrumpió con fuerza a mediados de la década pasada entre la innumerable cantidad de bandas de indie rock. Pero a diferencia del común denominador fueron tan únicos y distintos que con ellos se empezó a popularizar un nuevo tipo de genero, el new rave.

El termino new rave fue popularizado por la revista musical NME y se definía como una conjunción de la electrónica, rave y el new wave, y además de Klaxons está asociado a otros contemporaneos como New Young Pony Club, Late of the Pier, Shitdisco y Hadouken!, entre otros.

El trío Compuestos por Jamie Reynolds (bajo y voz), James Righton (teclados y voz) y Simon Taylor-Davies (guitarra) lanzó su single debut «Gravity’s Rainbow» en Marzo de 2006 con una tirada de tan solo 500 copias. Su segundo single, editado un mes después, «Atlantis to Interzone» obtuvo aún más repercusión y comenzarían a tocar en algunos shows y festivales importantes como Reading y Leeds.

Su siguiente single el adictivo “Golden Skans” lanzado una semana antes que su primer disco sería el aperitivo ideal para lo que sería Myths of the Near Future. Su mezcla de electrónica y rock los asoció desde el comienzo al sonido de sus compatriotas de la movida Madchester: Happy Mondays o Stone Roses, pero con un sonido moderno, intenso y energético.

Si bien tiene sus momentos olvidables y desiguales el nivel general de  Myths of the Near Future es más que aceptable. Además de la ya citada “Golden Skans”, se lucen en “As Above, So Below” y “Magick”. Definitivamente no son la reinvención del indie rock ni mucho menos, pero lograron anotarse un debut lo suficientemente fuerte para ganarse un nombre propio para sobrevivir a una era hype que ha aplastado a demasiadas bandas recientemente.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Family of the Year – Loma Vista (2012)

Family of the Year - Loma Vista (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Stairs: 9
  2. Diversity: 8
  3. Croix: 8
  4. Buried: 7,5
  5. Hero: 9,5
  6. Everytime: 8,5
  7. Living on Love: 8
  8. Hey Ma: 8,5
  9. In the End: 7,5
  10. Never Enough: 7,5
  11. Find It: 7,5

Debo reconocer que empecé a conocer este grupo hace poco, por su tema “Hero” que integró parte de la banda sonora de Boyhood, una de las películas destacadas del 2014. A decir verdad, es el mejor tema de ese film. O por lo menos, el que más sorprende cuando lo escuchamos.

Y detrás de una canción hay una banda. Está banda es Family of the Year, conformada por Joseph Keefe (vocalista y guitarrista), Sebastian Keefe (batería y voces), James Buckey (guitarra y voces) y Christina Schroeter (teclado y voces). ¿Y qué estilo tienen? Son una especie de hippies del siglo XXI, que desarrollan un indie con bases en el Folk que recuerdan a Fleet Foxes, con encantadoras y coloridas melodías pop que se remontan a grupos como The Shins.

En el 2012, lanzarían su segundo disco, Loma Vista, el cual incluye en su tracklist el dichoso hit que los llevaría a la fama por Boyhood: “Hero”. Como es de esperarse “Hero” es el eje central del álbum. Su excelente melodía acústica y vocal, y cómo te captura su estribillo lo hacen tan espectacular que si lo hubiesen compuesto para la película seguramente se llevaba el Oscar. Pero Loma Vista no es lo único que ofrece, hay muy buen material que vale la pena y es diverso. “The Stairs” es una apertura acústica que combina melodía vocal femenina masculina de manera muy efectiva. “Everytime” entra dentro de ese grupo también. Pero el sonido acústico no es el único que emerge del álbum, las guitarras eléctricas y teclados aparecen en cortes pop más eufóricos como “Diversity” y “Living on Love”. Asimismo hay country (“Buried”), temas pop más contundentes en bateria y guitarra (“Living on Love”) y canciones a base de piano (“Hey Ma”).

Aquellos que vieron Boyhood espero les haya servido la reseña para conocer un poco más este grupo. Y quienes no la vieron, pueden ir al cine, o mejor dicho escuchen “Hero” de una buena vez.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Kanye West – Graduation (2007)

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 Puntaje del Disco: 8,5

  1. Good Morning: 8,5
  2. Champion: 7
  3. Stronger: 7,5
  4. I Wonder: 7,5
  5. Good Life: 8
  6. Can’t Tell Me Nothing: 8,5
  7. Barry Bonds: 6,5
  8. Drunk and Hot Girls: 7
  9. Flashing Lights: 9
  10. Everything I Am: 9
  11. The Glory: 8
  12. Homecoming: 8,5
  13. Big Brother: 8,5

Con Graduation (2007), Kanye West trató de abordar los problemas de sus dos primeras placas y solucionarlos y a grandes rasgos lo consiguió. El más importante era la duración y el uso del tiempo. Este disco dura solo algo más de cincuenta minutos y sin “skits” (separadores comunmente usados por los artistas populares de hip hop, que no aportan demasiado).

La expectativa no fue tan grande como en sus otros lanzamientos pero el resultado fue más que satisfactorio. Se convirtió en un trabajo fundamental en su carrera y debutó en las principales listas musicales alrededor del mundo y vendió solo en los Estados Unidos más de dos millones y media de copias, en tiempos que no se venden demasiados CDs físicos es todo un logro.

Con cada lanzamiento Kanye manifestaba que crecia como compositor. Demostrando creatividad para mezclar el hip hop con la electrónica y el rock como pocos de sus contemporaneos lo pueden hacer. Mucha de su inspiración en aquel período provino sorprendentemente de U2, The Rolling Stones y otros grupos de rock. En especial con los irlandeses por haber pasado el año anterior abriendo las giras del Vertigo Tour, West quedó impresionado con el manejo del público de Bono y su capacidad para interpretar himnos de estadios. Como resultado de esto Kanye experimentó con la electrónica y el rock de los ochenta a la hora de componer sus nuevas canciones y de seleccionar los samples a utilizar que no provinieron solamente de clásicos del soul sino también de grupos de distinto “palo” como Daft Punk, Mountain, Elton John. Can, entre otros. Inclusive en “Homecoming” aportó voces Chris Martin de Coldplay, en otra muestra de su mayor apertura hacia otros géneros.

Esta evolución en su música acercandose más al indie rock y a la electrónica y alejandose de a poco del hip hop puro, no encontramos hits vendedores como “Gold Digger” pero tiene sus puntos altos en temazos como “Good Morning”, “Can’t Tell Me Nothing”, “Everything I Am” y “Big Brother”. Este crecimiento también se reflejó en las letras. Graduation es más instrospectivo y toca temas personales que lo aquejan. Buscó ser inspirador y hacer foco en la experiencia y en poder conectarse con los problemas de sus oyentes.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Rammstein – Herzeleid (1995)

Rammstein - Herzeleid (1995)

Puntaje del Disco: 8

  1. Wollt Ihr Das Bett In Flammen Sehen?: 8,5
  2. Der Meister: 8,5
  3. WeiЯes Fleisch: 8
  4. Asche Zu Asche: 7,5
  5. Seemann: 7
  6. Du Riechst So Gut: 9
  7. Das Alte Leid: 8
  8. Heirate Mich: 7,5
  9. Herzeleid: 8
  10. Laichzeit: 8
  11. Rammstein: 7,5

Herzeleid es el primer álbum de la banda alemana Rammstein, lanzado al mercado en septiembre de 1995 en Europa y 3 años más tarde en Estados Unidos con diferente portada.

Este disco fue el que dio reconocimiento a un nuevo movimiento musical Alemán, conocido como la Neue Deutsche Härte, y Rammstein se terminaría consagrando como banda líder del género, al lanzar luego su primer gran sencillo, «Du Riechst So Gut».

Para los que le encanta el género, Herzeleid es sin duda una obra maestra del género, pero casi como la mayoría de los debuts, como Muse con Showbiz, como Red Hot Chilli Peppers con su homónimo, a Rammstein con este disco le faltaban pulir más cosas, incluyendo la producción entre otras cuestiones. Pero desde entonces no deja de ser un excelente disco.

En Herzeleid se nota la gran diferencia que hay respecto de sus álbumes posteriores (sin incluir Sehnsucht, que suena igual pero mejor), va un poco más orientado al Synth-Rock y Synth-Pop («Du Rieschst So Gut» y «Asche Zu Asche»), sin salirse de su propio género, que es el metal industrial, como siempre con la característica voz de Til Lindemann, los muy sucios riffs faltos de producción, sin olvidar los sintetizadores y teclados raros. Además en este LP hay más solos de guitarra que los que hizo Rammstein en sus álbumes posteriores.

Claramente, para mí, las letras son lo mejor de este disco, son violentisimas, como su propio lenguaje. Hay que ver a cada una de ellas para entenderlas. Están llenas de perversión, violencia, sexo y muerte, pero narrada de una forma que el propio Lindemann podría componer. Pero es que siempre la banda fue de componer estas temáticas sin quitarle poder a ninguna de ellas.

En conclusión, Herzeleid es un excelente debut que definió el ya dicho género alemán, aunque más tarde la banda estaría puliendo aún más los sonidos en sus próximos LPs. Muy recomendable para fans del género.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Cat Stevens – Tea for the Tillerman (1970)

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Puntaje de Disco: 8

  1. Where Do the Children Play: 8
  2. Hard Headed Woman: 8
  3. Wild World: 9
  4. Sad Lisa: 7
  5. Miles From Nowhere: 7.5
  6. But I Might Die Tonight: 8
  7. Longer Boats: 7
  8. Into White: 7
  9. On the Road to Find Out: 8
  10. Father and Son: 9
  11. Tea for the Tillerman: 7

Luego de haber superado una grave enferemedad y del lanzamiento del disco Mona Bone Jakon, Cat Stevens estaba listo para recuperar el tiempo perdido y pronto editó en 1970 su cuarto disco de estudio, en el que empleó a los mismos músicos y productores.

Tea for the Tillerman, a diferencia del trabajo anterior, está focalizado en la vida más que en la muerte y presenta un tono más alegre. “Where Do the Children Play” por ejemplo se pregunta sobre la relación entre la tecnología y el progreso y los chicos en una hermosa balada al mejor estilo Stevens. “Wild World” con la característica introducción, es uno de los temas más destacados.

Luego el disco muestra una serie de baladas muy llevaderas y agradables como “But It Might Die Tonight” o “”Into White”, para concluir con el clásico y bellísimo “Father and Son”, que en unas simples líneas el padre le enseña a su hijo algunas interesantes lecciones de vida.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)

The Strokes – Comedown Machine (2013)

The Strokes - Comedown Machine (2013)

 Puntaje del Disco: 7

  1. Tap Out: 6
  2. All the Time: 9
  3. One Way Trigger: 7
  4. Welcome to Japan: 7,5
  5. 80’s Comedown Machine: 7
  6. 50/50: 8,5
  7. Slow Animals: 7
  8. Partners in Crime: 8
  9. Chances: 6,5
  10. Happy Ending: 7
  11. Call It Fate, Call It Karma: 7

The Strokes volvería al ruedo dos años después de Angles con Comedown Machine (2013). Quizás un tanto apresurados, ya que no encontramos demasiadas justificaciones entre su tracklist para tanto apuro. Puede que la propia industria los haya forzado a ello para no perder terreno, que ya habían perdido antes de su período de inactividad o que el propio grupo ya se crea demasiado importante y puede editar cualquier cosa sin miedo a las consecuencias.

Para recuperar su gloria la banda neoyorquina buscó inspirarse en el new wave ochentoso y en nuevos trucos con sintetizadores que si bien deja momentos agradables, no aporta nada nuevo ni interesante a su repertorio, aún menos que su antecesor. Con  Comedown Machine los Strokes se alejan cada vez más del rock y mutan hacia un synthpop para muchos inaguantable.

Para aportar algo de luz y destacar sus buenos pasajes prefiero hablar de sus momentos más convincentes como los disfrutables “50/50”, “Welcome to Japan”, “Partners in Crime” y el single y su tema más escuchado “All the Time”. De manera aislada son temas que funcionan bien pero en el contexto general quedan bastante perdidos.

Uno se puede preguntar si The Strokes siguen existiendo solo para cumplir el contrato con RCA de cinco discos el cual terminarían de cumplir aquí, o para complacer a sus numerosos fanáticos que aguardan cada novedad con tanta expectativa. Muchos se dejaron seducir por este nuevo trabajo y lo apoyaron pero algunos de sus seguidores más roqueros que los siguen desde sus inicios terminaron desilusionados con el resultado final.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Talking Heads – Little Creatures (1985)

Talking Heads - Little Creatures (1985)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. She Was: 9,5
  2. Give Me Back My Name: 8
  3. Creatures Of Love: 7,5
  4. The Lady Don’t Mind: 9
  5. Perfect World: 8,5
  6. Stay Up Late: 7,5
  7. Walk It Down: 8
  8. Television Man: 7
  9. Road to Nowhere: 9

Little Creatures es la sexta producción de Talking Heads, gestada en un momento en que la banda había estaba en su máximo punto comercial (no tanto artísticamente, los mejores momentos de Talking Heads ya habían sido escritos con Fear of Music y Remain in Light), para este entonces David Byrne y los suyos ya habían experimentado con el New Wave burdo y alocado, con los afro beats y el funk ¿Qué siguió ahora? Bajar las revoluciones de locura y dedicarse a hacer canciones más convencionales.

Lo sé, es raro ¿Talking Heads haciéndose normales? Algo pasó en la mente de David Byrne (nuevos pensamientos o simplemente una madurez encontrada) de modo que se puso en modo serio, ya no todo es letras caóticas y sin sentido de modo que ahora en ocasiones hay letras más reservadas y de temas serios, algo como se había visto en el tema “This Must Be The Place (Naive Melody)” de Speaking in Tongues.

Little Creatures por tanto es un disco de pop relajado y directo en el que ocasionalmente se adentran en Country (“Creatures of Love”) y Funk (“Walk It Down”), puede que no sean impredecibles como lo fueron en su época New Wave, pero los ganchos vuelven a este trabajo en un disco agradable. Para empezar la canción de partida es un verdadero temazo “And She Was” es, una canción pop enérgica que se convierte en uno de los hits más importantes de la banda.

Otros temas destacados son “The Lady Don’t Mind” de estribillo llamativo, “Perfect World” de letra ingeniosa y la canción de cerradura “Road to Nowhere” una especie de himno a la vida y los caminos que se toman a lo largo de ella (Se los dije; Byrne en modo serio).

Este disco probablemente es el último disco destacado de Talking Heads, los subsecuentes lanzamientos perderían algo de brillo. Pero no importa, a estas alturas los Heads ya habían hecho su historia, convirtiéndose en una banda de las más respetables de los finales de los 70s, principios de los 80s.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)