Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Can – Future Days (1973)

Can - Future Days (1973)

Puntaje del Disco: 9

  1. Future Days: 9
  2. Spray: 8
  3. Moonshake: 9,5
  4. Bel Air: 9

En su quinto álbum de estudio, Future Days (1973), la banda alemana experimental Can adquiere un sonido con mayor orientación a la música ambient, aunque continúa sonando fantásticamente y totalmente avanzados a su época.

Sería el último trabajo con el japones Damo Suzuki y a su vez el fin del período dorado en la carrera de la banda que a partir de aquí bajaría bastante en calidad y no serían los mismos.

Future Days solamente contaba con cuatro temas. En la cara uno del LP encontramos al tema que le da el nombre a la obra de nueve minutos y medio de duración, “Spray” de ocho y medio y un tema corto como “Moonshake” que podría oficiar tranquilamente de single, siendo el tema más accesible y conciso del material. En el lado dos es donde se ve su veta más ambient con el track de veinte minutos “Bel Air”, que a pesar de su extensión es una verdadera experiencia musical imperdible.

Con este nuevo disco Can confirmaría su capacidad para crear paisajes sonoros en distintas capas y ritmos. Es complejo pero hermoso a la vez y además cuenta con un valor extra por ser la última aparición del mítico Suzuki en voces.

Damo dejó Can por amor. Se caso con su novia alemana y se convirtió en testigo de Jehova. Aunque en una entrevista reciente develaría también que lo alejo de la música durante tantos años: “No sé si todos lo saben: me encontraron un cáncer hace casi treinta años. Luego de sobrevivir a una operación sin transfusión de sangre, me llevó mucho tiempo volver a la normalidad. ¿Pero qué significa ser normal? Lo cierto es que, cuando uno pasa por semejante experiencia, nunca más se vuelve a ser como antes. Por eso, poco después, decidí hacer las cosas que realmente llevo en mi corazón. Entonces empecé a cantar de nuevo.”

En esta misma entrevista se le consulto sobre Can y dejó en claro su poco interes por lo que pueda pasar con su ex proyecto que lo hizo conocido mundialmente: “Sinceramente, no tengo ganas de hablar sobre mi período en esa banda alemana. No me gusta usar mi energía en cosas que no cambian y nunca lo harán. Lo siento, no tengo interés: prefiero seguir moviéndome por mi propio camino.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

A Perfect Circle – Mer De Noms (2000)

A Perfect Circle - Mer De Noms (2000)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. The Hollow: 9
  2. Magdalena: 9,5
  3. Rose: 8,5
  4. Judith: 10
  5. Orestes: 9
  6. 3 Libras: 9,5
  7. Sleeping Beauty: 8,5
  8. Thomas: 8
  9. Renholder: 8
  10. Thinking Of You: 8,5
  11. Breña: 9
  12. Over: 7

A Perfect Circle fue concebido por un técnico de guitarra llamado Billy Howerdel. Éste trabajo para  importantes grupos como Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Fishbone y Tool. En 1992 durante una gira donde Tool teloneaba a Fishbone, Billy conoció a Maynard James Keenan donde lograron establecer una amistad, que forjaron principalmente en su instancia de ambos en Hollywood Los Ángeles. Durante este periodo Billy le mostró algunos demos de canciones en las que el había estado trabajando, sobre las cuales Maynard se sentía totalmente atraído. Sin embargo, la idea principal para estas canciones era que las cantara una mujer. Pese a esta situación Howerdel estuvo de acuerdo de que Maynard las cantara. Para completar la formación se les unió la bajista  Paz Lenchantin, Troy Van Leeuwen y el antiguo batería de Primus Tim Alexander, entre muchos otros colaboradores más, que finalmente es la razón del nombre de este disco: Mer De Noms.

Si se pudiera de alguna manera encuadrar el sonido del grupo, diría que es Rock Alternativo, con dosis de  Psicodelia un poco de Metal, su resto de electrónica para otorgarle una sonoridad ambiental, y una voz más melódica que la que le conocemos en Tool.

El álbum desde el inicio pretende sumergir en sus sonoridades, cambios de ritmos y extraña accesibilidad en sus melodías, desde  “The Hollow”, con una muy buen estribillo, y guitarras y bajo complementándose muy bien con la sonoridad abren el disco. La que sigue es la inquietante “Magdalena“ mucho más ambiental que la anterior, menos rockera si se quiere, igualmente muy buena. “Rose” sigue esa línea ambiental que a la vez juega con la agresividad de Maynard James Keenan, añadiendo también al final de la canción unos arreglos de violines y domases. A continuación viene el primer single del álbum que es “Judith” que vuelve a la tónica del principio de mayor presencia de guitarra que le otorga una densidad especial con sus efectos. Con una letra dedicada a su madre haciendo alusión explicita al cristianismo. Gran canción. Luego viene la parte mas emotiva de la placa con las canciones “Orestes”, “3 Libras“ y “Sleeping Beauty”, todas ellas tienen la capacidad de sumergirte en su melancolía y emoción. El disco, salvo “Over” que es una canción experimental rara que igual terminas aceptando, no sufre grandes baches en su totalidad.

Mer De Noms terminó por convertirse en un gran éxito comercial y de crítica. Un proyecto paralelo del cual no se tenían quizás esas expectativas. Se convirtió en una banda de importancia  de principios de este siglo y no un “Tool de segunda mano” como algunos podrían aseverar. Ellos poseen su propia su propia identidad como demuestran en este gran disco.

Diego

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(Votos: 1 Promedio: 4)

The Mamas & The Papas – If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Monday, Monday: 9,5
  2. Straight Shooter: 8
  3. Got A Feelin’: 7,5
  4. I Call Your Name: 9
  5. Do You Wanna Dance?: 8
  6. Go Where You Wanna Go: 9,5
  7. California Dreamin’: 10
  8. Spanish Harlem: 7,5
  9. Somebody Groovy: 8
  10. Hey Girl: 8
  11. You Baby: 7,5
  12. The ‘In’ Crowd: 9,5

Lanzado en 1966, este es el álbum debut de The Mamas & The Papas, grupo formado por Cass Elliot, Michelle Philips, John Philips y Denny Doherty, uno de los máximos exponentes del sonido “hippie” de mediados de los ’60. Este grupo se destacaba por sus bellas armonías vocales, haciendo una perfecta mezcla entre las voces de los cuatro, sumado a sus melodías, en su mayoría bastante tranquilas, no demasiado espectaculares en cuanto a variedad de sonido, pero que tiene ese aire sesentoso que le queda muy bien.

Abre el disco uno de sus temas más famosos, “Monday, Monday”, compuesto al igual que la mayoría de los temas, por John, en el que escuchamos unos coros muy bonitos de parte de las mujeres y una buena vocalización de parte de Denny.

Después nos encontramos con un muy buen cover de un tema de The Beatles, “I Call Your Name”, haciéndolo a su manera, totalmente distinta a la versión original. Y también tenemos “Go Where You Wanna Go”, una canción fuertemente orquestada y con buenas intervenciones de Michelle.

Luego llegamos a escuchar su canción más famosa, la melancólica “California Dreamin’”, una canción con aire otoñal, sobre todo por las descripciones que da la letra, con una excelente interpretación de parte de los cuatro, y hay que destacar de vuelta la gran presencia de las mujeres en los coros, resultando sus componentes más fuertes vocalmente.

Para el final, tenemos una excelente interpretación por parte de Cass en el cover “The ‘In’ Crowd”, en la que demuestra que es posiblemente la que mejor canta de los cuatro. Lástima que su carrera no llegaría tan lejos como podría haberlo hecho. Esta canción cierra fenomenalmente este álbum, que es un genial debut de parte de esta banda californiana, que tendría una carrera bastante corta, pero aun así dejaría un buen recuerdo y sería tal vez el grupo con mejores armonías vocales que se haya oído.

Tommy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)

John Mayer – Room For Squares (2001)

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Puntaje del Disco: 8

  1. No Such Thing: 9
  2. Why Georgia: 8
  3. My Stupid Mouth: 8.5
  4. Your Body Is A Wonderland: 8.5
  5. Neon: 8
  6. City Love: 8.5
  7. 83: 8
  8. 3X5: 8
  9. Love Song For No One: 8
  10. Back To You: 8.5
  11. Great Indoors: 8
  12. Not Myself: 8
  13. St. Patrick’s Day: 8

Oriundo de Connecticut, John Mayer nació a fines de los setenta y su destino en la música quedó marcado luego de ver a Marty McFly, el personaje que Michael J. Fox interpretaba en la recordada película Back to the Future, tocando la guitarra. Ese instrumento fascinaría tanto a Mayer que pronto comenzó a tomar clases y a tocar luego en una banda con un grupo de amigos de la Escuela Secundaria.

El primer suceso del norteamericano llegaría en 1999 con el lanzamiento del EP Inside Wants Out que incluyó el sencillo “No Such Thing”, una bellísima canción que se convertiría en un éxito inmediato. En 2001 y con la ayuda del veterano productor John Alagia, Mayer editó su primer disco Room For Squares, en honor al álbum de Hank Mobley llamado No Room For Squares.

Con melodías simples y letras interesantes, Mayer apuesta por un estilo despojado y amigable que combina tanto la acústica de la guitarra como ciertos toques de jazz y funky como en “Neon”. Por supuesto que también acude a algunos temas más melosos como “Your Body Is A Wonderland” que acapara más al público femenino, pero no se le puede negar que con Room For Squares, John Mayer ha encontrado una fórmula exitosa que causó una muy buena sensación.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The 13th Floor Elevators – Easter Everywhere (1967)

The 13th Floor Elevators - Easter Everywhere (1967)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Slip Inside This House: 9
  2. Slide Machine: 8,5
  3. She Lives (In a Time of Her Own): 8,5
  4. Nobody to Love: 8,5
  5. It’s All Over Now, Baby Blue: 9
  6. Earthquake: 8,5
  7. Dust: 8,5
  8. I’ve Got Levitation: 7,5
  9. I Had to Tell You: 8
  10. Postures (Leave Your Body Behind): 8,5

El segundo disco de estudio de The 13th Floor Elevators, titulado Easter Everywhere, es considerado por muchos como el mejor trabajo de este grupo de los sesenta.

Habiendo sido editado en 1967 y considerando que eran pioneros del género, como no podía ser de otra manera estamos ante un nuevo trabajo discográfico que supo brillar desde la psicodelia a su manera en este fantástico año.

En Easter Everywhere los Elevators logran dibujar sus propias atmosferas psicodélicas.  En ese sentido si hay algo que distingue es el sonido del jarrón eléctrico de Tommy Hall, que ciertamente le da una tonada “flotadora”. Pero su condenado jarrón se repite tanto en cada uno de los cortes del álbum que puede llegar a fastidiar al oyente.

El otro defecto notorio de este grupo y se replica mucho en este disco, está en que pecan de no ofrecer clásicos. Por eso Easter Everywhere no llegó a alcanzar el mismo nivel revolucionario que la mayoría de los discos editados en ese año. Incluso se podría decir que por este problema no llegaron a tener el mismo reconocimiento y fama que grupos como Jefferson Airplane, que si bien no llegaron a la altura de grandes de esa época como Hendrix y The Doors, están en el recuerdo de muchos en base a sus clásicos rutilantes como “White Rabbit”.

Lo que sí hay que reconocer de Easter Everywhere es que es un producto mucho más consistente que su primer álbum, con sus solos de guitarras fumados e incluso con sus incursiones en el folk. Y hay canciones para destacar, como “Slip Inside This House” y el cover del tema de Dylan “It’s All Over Now, Baby Blue”. Aun así, decir que supera a su disco debut no es tan sencillo. Pero tiene todos los condimentos necesarios  para que lo disfrutes como cualquier disco del ‘67.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Lenny Kravitz – 5 (1998)

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 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Live: 8
  2. Supersoulfighter: 6
  3. I Belong to You: 7,5
  4. Black Velveteen: 7
  5. If You Can’t Say No: 8
  6. Thinking of You: 6,5
  7. Take Time: 7,5
  8. Fly Away: 9,5
  9. It’s Your Life: 8
  10. Straight Cold Player: 7
  11. Little Girl’s Eyes: 7
  12. You’re My Flavor: 7,5
  13. Can We Find a Reason: 7,5

Luego de la oscuridad de su anterior trabajo, Circus, estaba claro que Lenny Kravitz necesitaba revitalizar su carrera y volver a ocupar su lugar. En Mayo de 1998 saldría a las ventas 5, uno de sus discos más importantes en su carrera.

Como otros artistas de la época Lenny se vió seducido por la tecnología y a su característico sonido inspirado en los setenta le agrego electrónica y sintetizadores dandole algo de modernidad a su música, aunque por algunos pasajes no suene tan efectivo como seguramente lo esperaba.

5 expandió el éxito de Kravitz en Europa apoyado escencialmente en su archifamoso single “Fly Away”, canción que sonó no solo en canales de música y radios sino en publicidades en todo el mundo. Aunque esta no sería la única pieza recordada otras como “I Belong to You”, “Black Velveteen”, “If You Can’t Say No” y “It’s Your Life” también captaron algo de atención.

Sin ser nada memorable 5 sirvió para revitalizar el sonido de Lenny y devolverlo a las primeras planas mundiales. A pesar de ser algo desparejo y hasta falta de inspiración por momentos esta claro que a grandes rasgos esta es la dirección por la que debía avanzar de aquí en más sino quería pasar al olvido como ocurrió con muchos otros artistas que brillaron en los noventa y no supieron mantener su vigencia.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

Pantera – Cowboys From Hell (1990)

Pantera - Cowboys From Hell (1990)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Cowboys From Hell: 9,5
  2. Primal Concrete Sledge: 7,5
  3. Psycho Holiday: 9
  4. Heresy: 9
  5. Cemetery Gates: 10
  6. Domination: 9,5
  7. Shattered: 8,5
  8. Clash With Reality: 8
  9. Medecine Man: 7,5
  10. Message In Blood: 7
  11. The Sleep: 8
  12. The Art Of Shredding: 7

Pantera es un grupo de Groove Metal  originario de Texas. En un principio la agrupación la conformaban los hermanos Dimebag Darrell (Guitarra) y Vinnie Paul (Bateria). Además de Rex Brown (Bajo) y Terry Glaze (Vocalista). Éste ultimo sería remplazado, ya que la banda quería tomar otra dirección artística, dejando atrás el estilo Glam Metal que utilizaron durante los 80, por el Thrash Metal de grupos como Slayer y Metallica. Por ende decidieron cambiar de vocalista, por uno que se ajustara a lo que querían hacer. Después de varias audiciones, decidieron incluir a Phil Anselmo, con el cual grabaron el disco Power Metal (1988).

Con Cowboys From Hell Pantera enterró todo pasado Glam, añadiéndole mayor agresividad a su música, de la mano de la guitarra ecualizadora de Dimabag, el doble bombo y la velocidad de Vinnie, y la rabia en el canto de Phil Anselmo, matizándolo con tonos agudos en algunas canciones.

La homónima con la que se da inicio al disco es la gran puerta de entrada al disco, con un riff sensacional (parece más de una guitarra) y Phil ya dando muestra de toda su personalidad, y claro, la veloz batería  y el bajo machacando atrás de todo esto. Pero el premio de la mejor canción del álbum es para “Cemetery Gates“, la balada por excelencia de Pantera, con su intro en donde Anselmo susurra  una dulce melodía, para luego desencadenar en un riff que engancha desde la primera nota. Y Phil entregando su mejor performance de todo el disco, dominando el agudo y el grave de gran manera.

“Domination“ comienza como una canción de Metal más, pero luego va agregando cualidades como solos y cambios de ritmo a medida de que avanza el minutero. Las demás que destacan son “Heresy”, “Psycho Holidaye y “Shattered”. De ahí en adelante el disco se vuelve más predecible, con menor intervención de la voz y con composiciones que sin ser malas, no se encuentran a la altura de la primera parte del disco.

Con Cowboys  From Hell Pantera empezó a cimentar su identidad, a base de Thrash Metal como Slayer y Metallica. Y además aparecieron los primeros atisbos de Groove Metal con el que este banda se convirtió en uno de los grupos de Metal más influyentes de los 90. No es su mejor disco, eso está reservado para sus siguientes obras, pero es un disco disfrutable que contiene varios clásicos.

Diego

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Muse – Black Holes and Revelations (2006)

Muse - Black Holes and Revelations (2006)

Puntaje del Disco: 10

  1. Take a Bow: 9
  2. Starlight: 9,5
  3. Supermassive Black Hole: 9,5
  4. Map of the Problematique: 10
  5. Soldier’s Poem: 7
  6. Invincible: 8,5
  7. Assassin: 9
  8. Exo-Politics: 8,5
  9. City of Delusion: 9,5
  10. Hoodoo: 7
  11. Knights of Cydonia: 10

Nuevamente, otra puntuación alta para esta genial y asombrosa banda, que aún no deja de sorprenderme, con cada trabajo que hacen (sin contar el último).

Black Holes and Revelations es el cuarto disco de la banda, lanzado en 2006, 3 años después del asombroso Absolution. Es quizás el álbum más exitoso de Muse, por pistas como “Supermassive Black Hol”e o “Knights of Cydonia” que los llevaron a la fama mundial. El titulo proviene de una parte de la letra de la canción de “Starlight”.

En este álbum, Muse recoge todo el comprometido rock progresivo y sinfónico de Absolution y lo lleva hacia un sonido más espacial, desde los asombrosos teclados sinfónicos de “Take A Bow” hasta los riffs de “Knights of Cydonia”. Estamos ante uno de los trabajos más completos y complicados de la banda.

Se presenta una parte muy exquisita del bajo por parte de Christopher Wolstenholme, manteniendo esa esencia y bestialidad que hizo en «Hysteria» del disco anterior. Mientras tanto, no se pierden los riffs castigadores y el carisma de Matt Bellamy y las épicas baterías de Dominic Howard. Esta obra maestra de Muse enviste un sonido cargado de una producción excelentísima, muchas instrumentaciones y un pop sinfónico como se muestra en «Supermassive Black Hole». Pero ojo, tampoco olvidemos a la asombrosa melódica e inocente «Starlight», ni a «Map of the Problematique», un pastelito del disco que está repleta de rock electrónico y sinfónico bien parejo. Sin embargo, hay una pista infravalorada del álbum que se llama «City of Delusion», que si bien arranca un poco brusco, termina con unos riffs jazzeros brutales, que recuerdan a bandas del rock progresivo de esa década como The Mars Volta.

Pero la mejor canción, sin dudarlo, es «Knights of Cydonia», no solo es la cereza del pastel del disco, sino también es la mejor canción de la carrera de Muse. No solo es épica, sino que es brutal en cuanto a composición y producción. Empezando con un sonido de guerra futurista, para dar paso a un riff acústico cañero y luego un riff eléctrico de Matt muy bueno, acompañado de unas trompetas excepcionales. Las letras también son bien épicas. Sin embargo, la parte en donde se me paran los pelos bien de punta, es cuando Matt canta:

 No Ones Gonna Take Me Alive
 The Time Has Come To Make Things Right
You And I Must Fight For Our Rights
 You And I Must Fight To Survive

Y ese riff tan brutal e inolvidable que quedara en la historia del rock moderno sin dudas, ya que parece que una banda como Iron Maiden o Black Sabbath la han compuesto en sus tiempos de oro. No solo es la mejor canción de la banda, sino que es de las mejores de la década (probablemente cerca de ser la mejor). Esta pista fue incluida en la película 300, cosa que queda muy ambientada contra ella.

Sin duda, Black Holes and Revelations es otra obra maestra de la banda. Es un trabajo imprescindible y totalmente de calidad y divertido, donde el rock sinfónico y el progresivo comprometidos se encuentran con el pop. A gusto de la gente, probablemente sea el mejor álbum de la banda, pero por culpa de Origin of Symmetry y Absolution, está en mucha competición.

Toto

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 2.7)

Maroon 5 – It Won’t Be Soon Before Long (2007)

Maroon 5 - It Won't Be Soon Before Long (2007)

Puntaje del Disco: 4,5

  1. If I Never See Your Face Again: 6
  2. Makes Me Wonder: 7
  3. Little of Your Time: 4,5
  4. Wake Up Call: 4
  5. Won’t Go Home Without You: 6,5
  6. Nothing Lasts Forever: 5,5
  7. Can’t Stop: 3,5
  8. Goodnight Goodnight: 5
  9. Not Falling Apart: 4,5
  10. Kiwi: 4,5
  11. Better That We Break: 5
  12. Back at Your Door: 5,5

Lo lamento chicas, pero si hay una banda que verdaderamente apesta en la actualidad es sin dudas Maroon 5, representante de lo peor que se hace hoy en día.

La historia de este grupo se remite a los noventa, cuando tenían otro nombre (Kara’s Flowers) y donde no tendrían mucho éxito con el único disco que lanzarían. Sin embargo, a principios de la década pasada se reagruparían encontrando la fama en base a su hit “This Love” de su primer álbum Songs About Jane.

Evidentemente el éxito de “This Love” fue tan importante para ellos, que les serviría de pauta para lo que serían de ahí en más: una banda que optó por ser decididamente comercial apostando a un sonido más pop, más dance y con ciertos toques funk. Pero Maroon 5 no es una banda de rock, pese a que eso es lo que se creen e intentan demostrar en sus videos promocionales. De hecho están más cerca de ser una Boy Band. Solo una delgada línea los separa de ser un grupo como ‘N Sync. Tampoco ayuda mucho que Adam Levine sea uno de los cantantes más irritantes de esta época. Todo esto lo vamos a encontrar en su segundo trabajo It Won’t Be Soon Before Long.

En este disco un detalle importante juega la producción que honestamente a veces es buena y efectiva, pero en otros pasajes del álbum esta desperdiciada y sobreproducida por lo pésimo grupo que es Maroon 5.

It Won’t Be Soon Before Long tiene 2 hits muy reconocibles: el pegadizo y bailable “Makes Me Wonder” y la baladita pop “Won’t Go Home Without You” que sigue los pasos de ser masiva como “This Love”. Sin embargo, si sacamos los temas conocidos lo que queda es una mariconeada mediocre, con canciones de melodías pop intrascendentes y molestas y baladitas melosas. Algunas cuantas de estas canciones son realmente muy malas, como “Wake Up Call” (un ejemplo de lo peor de su estilo) y “Can’t Stop” (su horrendo intento de hacer algo más rockero).

También me molesta un poco la jugada de los grupos que incluyen a Rihanna (o artistas de índole similar) solo para ser más comerciales. Y Maroon 5 es un precursor en este estilo. A la morena la encontramos en el video promocional de “If I Never See Your Face Again”.

Lo llamativo es que It Won’t Be Soon Before Long es considerado uno de sus mejores discos. Así que repasar sus próximos trabajos que son aún peores va a ser un verdadero desafío.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)

Phil Collins – Dance Into the Light (1996)

DanceIntoTheLight

Puntaje del Disco: 4.5

  1. Dance Into The Light: 5
  2. That’s What You Said: 4
  3. Lorenzo: 4
  4. Just Another Story: 6
  5. Love Police: 4
  6. Wear My Hat: 4
  7. It’s In Your Eyes: 5
  8. Oughta Know By Now: 4
  9. Take Me Down: 5
  10. The Same Moon:
  11. River So Wide: 5
  12. No Matter Who: 4
  13. The Times They Are A-Changin’: 5

Haciendo un salto en la línea temporal en la carrera de Phil Collins, pasaremos de largo sus inicios como actor y cantante y su debatible etapa como líder y voz principal de Genesis; para caer directamente a mediados de los años noventa en pleno época de solista. Lo otro quedará para otra revisión en otro momento.

En 1996 Collins lanzó su sexto álbum de estudio como solista llamado Dance Into the Light, un disco que retomaba el estilo de No Jacket Required de 1985, que lo había puesto en los primeros planos del pop británico. But Seriously y Both Sides no habían causado el efecto esperado, por lo que el artista sintió la necesidad de readaptar la fórmula que le había garantizado el éxito nueve años antes.

Más allá de las sensaciones que la particular voz que Phil Collins pueda generar, especialmente en los seguidores de Genesis que se habían acostumbrado a los tonos de Peter Gabriel, en Dance Into the Light, queda en claro el anacronismo musical que emplea el cantante. El disco está basado en una mixtura de estilos tanto el R&B como el dance pop  y baladas, que parecen haber quedado en los tiempos del wordlbeat de una década atrás, siendo prueba de ellos, los dos primeros temas o “Wear My Hat”, que si no es una copia de “You Can Call Me All” de Paul Simon, se asemeja bastante.

Si bien las críticas y las ventas no acompañaron, el Tour del disco por los Estados Unidos fue uno de los más extensos de aquellos años entre 1996 y 1997. De todos modos, esta performance de Collins no quedará en el mejor de los recuerdos.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)