Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Billy Idol – Charmed Life (1990)

Charmed_Life_cover

Puntaje del Disco: 7

  1. The Loveless: 7
  2. Pumping on Steel: 7
  3. Prodigal Blues: 7
  4. L.A. Woman: 8
  5. Trouble with the Sweet Stuff: 7
  6. Cradle of Love: 8
  7. Mark of Caine: 7
  8. Endless Sleep: 7
  9. Love Unchained: 7.5
  10. The Right Way: 7
  11. License to Thrill: 7

El inicio de la década del noventa encontró a Billy Idol lanzando su cuarto disco de estudio, Charmed Life, que lo mostró más escenificado como un ícono de una vida excéntrica que como un músico creativo. Esa identidad encuentra también relación con el muy buen cover del tema de The Doors, “L.A. Woman”.

Sin tener el brillo de trabajos anteriores, Idol de todo modos continúa con el estilo punk rebelde que durante los ochenta lo catapultó. “Cardle of Love” fue sin dudas el tema emblema del disco y que por su cuyo video fue elegido como el mejor de 1990.

En general el álbum mantiene un sonido parejo con temas más melódicos como “Endless Sleep” y “Love Unchained”.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 3)

The Hives – Lex Hives (2012)

The Hives - Lex Hives (2012)

Puntaje del Disco:  7

  1. Come On!: 6,5
  2. Go Right Ahead: 7,5
  3. 1000 Answers: 7        
  4. I Want More: 6
  5. Wait a Minute: 7
  6. Patrolling Days: 7
  7. Take Back the Toys: 8
  8. Without the Money: 6
  9. These Spectacles Reveal the Nostalgics7
  10. My Time is Coming: 8,5
  11. If I Had a Cent: 7
  12. Midnight Shifter7,5

Para su quinto LP, Lex Hives (2012), el grupo escandinavo más roquero de los últimos años se independizó de su discográfica multinacional Universal Music Group y fundó su propio sello Disques Hives y a su vez se convertirían en los productores de su propio material, un gran paso en su carrera realmente mas allá del resultado final.

Sobre porque se tomaron cinco años entre disco y disco su líder Howlin’ Pelle Almqvist expuso dos motivos. El primero que estuvieron cerca de tres años en gira presentando The Black and White Album y el segundo fue el haberse ocupado de la producción ellos mismos: “Pensé que iba a ser más rápido de esta forma porque de esta forma podríamos entrar al estudio cuando quisiéramos pero resulto que tener cinco productores y con la misma posibilidad de opinar todos hace que no sea tan rápido.”

Musicalmente hablando nos encontramos con un disco bastante monótono y predecible. Que su primer single “Go Right Ahead” haya tenido que utilizar un sampler del tema “Don’t Bring Me Down” de Electric Light Orchesta evidencia un poco la falta de ideas por las que esta atravesando uno de los grupos impulsores del garage revival a principios del milenio como The Hives.

Tampoco es que sea una mala canción es bastante pegadiza, pero en el transcurrir de los doce tracks de Lex Hives los suecos demuestran que se encuentran en una decadencia donde exhiben sus fortalezas: los temas potentes y acelerados y el imponente estilo de su líder Pelle Almqvist pero en solo pocos momentos como en “Take Back the Toys” y “My Time is Coming” que logran romper la uniformidad del álbum.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

The Magnetic Fields – Distant Plastic Trees (1991)

The Magnetic Fields - Distant Plastic Trees (1991)

Puntaje del Disco: 7

  1. Railroad Boy: 8,5
  2. Smoke Signals: 8
  3. You Love to Fail: 7
  4. Kings: 5
  5. Babies Falling: 4,5
  6. Living in an Abandoned Firehouse with You: 7
  7. Tar-Heel Boy: 6,5     
  8. Falling in Love with the Wolfboy: 7
  9. Josephine: 6,5
  10. 100,000 Fireflies: 8,5
  11. Plant White Roses: 7

Surgido a principios de los 90s, The Magnetic Fields son una banda de Indie Pop que llamó mucho la atención durante toda esa década, particularmente mediante sus llamativos singles  y sobretodo por su ambicioso álbum 69 Love Songs (Si, como se escucha, es un disco triple compuesto por 69 canciones).

Distant Plastic Trees es el disco que dio inició a la extensa carrera de esta agrupación y marca con claridad las bases de lo que son y siempre serían The Magnetic Fields: Música Pop en sus distintas variaciones; Synth-pop, Dream-Pop y elementos de Noise-pop con letras cálidas y resonantes que generalmente hablan del amor. Y todo es dirigido por el multi-instrumentalista, productor y compositor Stephin Merrit, en resumen la mente y motor del grupo. Pero no hay que dar todo el merito a Merrit, ya que en el caso de este disco la cantante Susan Anway se encarga de las vocales completamente.

El aire de este trabajo es inocente, la percusión es sencilla y todas las canciones van marcadas por el uso del teclado o sintetizador. Tenemos algunos puntos altos como lo son la emotiva “Railroad Boy”, su consecuente “Smoke Signals” que cuenta con una de las mejores melodías de teclado del disco y por último está el single más conocido en la historia de la banda “100,000 Fireflies” una inocente y hermosa pieza que evoca melancolía pura..

Pero así como hay puntos altos, hay puntos bajos y puntos muy bajos que lastiman al disco, a excepción de las tres canciones ya mencionadas, el resto del disco resulta muy genérico y por allí hay un par de molestias que están entre lo peor que Merrit ha fabricado, me refiero a la ruidosa “Kings” y a la aun más molesta “Babies Falling” con un sonido burbujeante que fastidia. No obstante lo que más decepciona es la deficiente calidad de la instrumentación (a veces los teclados parecieran melodías de NES) y una producción que deja bastante que desear. El efecto que esto produce es que el disco pierda trascendencia, al punto de que en reediciones posteriores se combinara con su predecesor The Wayward Bus en forma de un disco doble, con el fin de hacerlo más llevadero.

Se necesitarían unos dos discos más para que la agrupación de Merrit entrara en su mejor momento y entregara obras más concisas.

Gera Ramos

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Stephen Malkmus – Stephen Malkmus (2001)

Stephen Malkmus - Stephen Malkmus (2001)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Black Book: 9
  2. Phantasies: 9
  3. Jo Jo’s Jacket: 8,5
  4. Church on White: 8,5
  5. The Hook: 8
  6. Discretion Grove: 8,5
  7. Troubbble: 8
  8. Pink India: 8,5
  9. Trojan Curfew: 8
  10. Vague Space: 8,5
  11. Jenny and the Ess-Dog:8,5
  12. Deado: 8,5

Hay vida después de Pavement después de todo. Era de esperar que su líder tras su separación decida arrancar con todo su carrera como solista. Lo cual está buenísimo, porque nos da la posibilidad de seguir escuchando a Malkmus, uno de los grandes compositores de los noventa.

Su álbum debut lo grabaría con sus compañeros que luego serían The Jicks. De hecho Stephen quiso que el título del disco sea “The Jicks”. Sin embargo, su discográfica, Matador, se opuso. Querían que el disco salga bajo su nombre, evidentemente por los pergaminos que traía el ex Pavement para hacer más “vendible” al disco. Y así se lanzaría con su nombre y apellido e incluso su cara en la portada.

Para quienes sean fanáticos de  Pavement tendrán que entender que no busca replicar la misma fórmula como si fuera una imitación. No, pero toma cosas que recuerdan a su antiguo grupo. Al final de cuentas estamos ante un disco de rock alternativo, con sus tramos descabellados (clásico en Malkmus como marca registrada para darle un punch de originalidad) y con melodías que son muy buenas y en cierto punto convencionales. Y esa cualidad está presente durante todo el disco, por lo que encuentra como gran cualidad su abrumadora solidez. Me gustan todas las canciones, aunque me cuesta encontrar clásicos. Tal vez “Phantasies”, una joya pop con sus tramos impredecibles que evoca al recuerdo de “Shady Lane” y “Carrot Rope”, aunque no alcance el encanto de estas últimas.

Otra particularidad del disco está en su diversidad. “Black Book” es un arranque oscuro y guitarrero. Pero luego se transforma y pasa al pop de “Phantasies”, “Jo Jo’s Jacket” y “Jenny and the Ess-Dog”, escupe baladas agradables como “Church on White”, canciones con buenos riffs como “The Hook”, bizarreadas neopsicodélicas como “Troubbble”, también espaciales como “Trojan Curfew” e incluso acústicas (“Pink India”).

Así que a no desesperar seguidores de Pavement. Malkmus y sus Jicks tienen mucho material para seguir ofreciendo durante todos estos años.

Persy

 

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Alice Cooper – Billion Dollar Babies (1973)

Alice Cooper - Billion Dollar Babies (1973)

Puntaje del Disco: 9

  1. Hello Hooray: 8,5
  2. Raped and Freezin’: 9
  3. Elected: 9
  4. Billion Dollar Babies: 8
  5. Unfinished Sweet: 8,5
  6. No More Mr. Nice Guy: 8,5
  7. Generation Landslide: 9,5
  8. Sick Things: 8,5
  9. Mary Ann: 7
  10. I Love the Dead: 9

Alice Cooper no paraba de editar discos clásicos a principios de los setenta y su sexta placa Billion Dollar Babies (1973) no sería la excepción, demostrando que el artista se encontraba en un momento de inspiración notable. A esto hay que agregarle que se convirtió en su disco mejor vendido desde su lanzamiento y que fue número uno en los rankings tanto de Estados Unidos como del Reino Unido.

El título se desprendió del repentino éxito que la banda estaba teniendo. Cooper relataba: “Como nosotros, que hace dos años vivíamos en un sótano en Watts, ser la banda número uno del mundo con gente arrojándonos dinero.”

Musicalmente hablando Billion Dollar Babies puede ser considerado su álbum más consistente y parejo, a pesar de no contar con hits como “School’s Out”, su sonido se encuentra más refinado, mucho de esto debe agradecérsele al trabajo del productor Bob Ezrin, como curiosidad podemos señalar la participación del cantante Donovan en el tema que le da título al álbum. En cuanto a las letras Alice hace hincapié en algunas de sus perversiones como la necrofilia, el acoso sexual, el horror y la más cómica el terror hacia los dentistas.

Originales como siempre fueron sus conciertos para la presentación de Billion Dollar Babies por los Estados Unidos. Cooper contrató al mago James Randi para diseñar efectos para el show, quien viajo por todos el país para supervisar la efectividad de los mismos. Para las representaciones en el escenario contrataron entre cincuenta personas y equipamientos de 26.000 libras. Cooper aparecía en escena con un vestido con sangre, atacando maniquíes y siendo decapitado por una guillotina, entre otras locuras.Na

da parecía detener a Alice Cooper por aquellos años donde su popularidad y también su música crecían año tras año. Pero como en muchos otros casos las tensiones entre los miembros de la banda detrás de escena terminarían jugando una mala pasada y forzando una separación, desmembrando la agrupación original al poco tiempo.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

The Chemical Brothers – Come With Us (2002)

The Chemical Brothers - Come with Us (2002)

Puntaje del Disco: 8

  1. Come With Us: 7,5
  2. It Began in Afrika: 9
  3. Galaxy Bounce: 8
  4. Star Guitar: 8,5
  5. Hoops: 8,5
  6. My Elastic Eye: 7
  7. The State We’re In: 8
  8. Denmark: 8
  9. Pioneer Skies: 7,5
  10. The Test: 9

Quizás el último disco bueno en serio de los hermanitos químicos, Come With Us, se editó en el invierno europeo de 2002. Como adelanto a finales del año anterior nos habían dejado como aperitivo el demoledor single “It Began in Afrika” demostrando que el dúo de Manchester apostaría fuerte para su cuarto trabajo.

Come With Us es más bailable y menos roquero que sus anteriores incursiones aunque cuenta con algunas colaboraciones que siempre le aportan algo de interés a sus temas como la de Beth Orton en “The State We’re In” y la de Richard Ashcroft en “The Test”, esta última un viaje épico imperdible. Al margen de estas abundan los beats electrónicos adictivos y los mejores ejemplos son “Galaxy Bounce”, “Star Guitar” y “Hoops”. A pesar de estos buenos tracks tuvo algunos detractores alegando la falta de creatividad y de ideas nuevas por parte del dúo.

Acerca de las colaboraciones que siempre tienen de distintos artistas y en estos casos las antes señaladas, Tom y Ed declaraban lo siguiente en aquellos años: “Lo único que nos lleva a colaborar con ellos es que nos gusta su música y hay buena relación entre nosotros. No nos interesa cualquier otro aspecto. Con Beth siempre estamos dispuestos a hacer alguna canción, trabajar con ella es muy fácil. Con Richard fue muy bien. No nos conocíamos y durante la realización de la canción hubo muy buena relación y lo consideramos un buen amigo.”

Para finalizar les dejamos sus reflexiones sobre el panorama que vivían en ese entonces donde la música electrónica ya era popular, en gran parte gracias a ellos, los Chemical Brothers tuvieron que empezar a lidiar con la competencia que comenzó a surgirle con más fuerza a principios de la década del 2000, sobre esto declaraban con tranquilidad lo siguiente: “A nosotros nos gusta el nuevo disco de Daft Punk o el de Orbital. No creo que grupos como ellos o nosotros lo tengamos más difícil en la actualidad o que la gente se esté olvidando de nosotros. Nosotros tenemos nuestro lugar en la música de hoy de la misma forma que lo teníamos hace unos años. Nosotros somos conscientes de que hay un público que ha crecido con nosotros y que sigue ahí. Si los chicos más jóvenes prefieren el speed-garage, el two-step o el jungle es algo normal y no nos afecta, porque a nosotros son estilos que también nos gustan. Creo que todos tenemos nuestro lugar.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Chvrches – The Bones of What You Believe (2013)

Chvrches - The Bones of What You Believe (2013)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Mother We Share: 9
  2. We Sink: 8
  3. Gun: 8,5        
  4. Tether: 8,5
  5. Lies: 8
  6. Under The Tide: 7
  7. Recover: 9
  8. Night Sky: 7,5 
  9. Science /Visions: 7
  10. Lungs: 8,5
  11. By The Throat: 7,5
  12. You Caught The Light: 7

Chvrches (pronunciado “churches”) es una banda de música electrónica proveniente de Glasgow, Escocia, que venía dando promesas desde el 2012 mediante el lanzamiento de sencillos (ahem, You Tube), hasta que por fin tras la larga espera se presentaron ante el mundo con su debut oficial, llevando a ser considerados una de las bandas revelación del año 2013.
Conformados por el trío de Lauren Mayberry (vocales,

ocasionalmente sintetizadores), Iain Cook (sintetizadores, guitarra y bajo) y Martin Doherty (sampleado, sintetizadores y ocasionalmente vocales), Chvrches se dan a conocer como una banda enérgica y radiante, centralizando su música en un Synthpop bastante melódico y pegadizo, mostrando esbozos de sus influencias; The Knife y M38 así como un gusto por actos más anteriores como Depeche Mode y Kate Bush.

The Bones of What You Believe es un disco conciso que está firmemente establecido en sus brillantes singles, “The Mother We Share” es la canción que más difusión dio a la banda, con unos irresistibles ganchos vocales que la convierten en la mejor canción del disco, “Recover” no se queda atrás contando con una de las mejores instrumentaciones dentro de todo el disco y nuevamente, uff, esas vocales de Mayberry (la sincera voz de la joven en sí es para mí lo más destacable de la banda). “Gun” y “Lungs” son pegajosas y alegres, pero en lo personal le tiro mucho a “Tether”, una de las piezas más calmadas del disco pero que al llegar al centro estalla en un crescendo y termina cerrando de forma espabilante.

Pero en The Bones of What You Believe  no todo es color de rosa “Science/Visions” es una canción relativamente oscura (en letra y musica), y a un grado menor “By the Throat”.

Puede que ocasionalmente surjan temas de relleno (como las canciones en las que canta Doherty “Under the Tide” y “You Caught the Light”), pero considero que el presente disco es un trabajo bien realizado dentro de su ámbito y una prueba de que se pueden lograr buenos productos sin la necesidad de innovar. Se rumorea de una posible continuación a este disco. Si Chvrches logra mantener el nivel (o mejor aún, aumentarlo) sin duda que tendremos otro álbum interesante y la banda avanzará hacia una consolidación.

Gera Ramos

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Beady Eye – BE (2013)

Beady Eye - BE (2013)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Flick of the Finger: 8,5
  2. Soul Love: 8,5
  3. Face the Crowd: 4,5
  4. Second Bite of the Apple: 5,5
  5. Soon Come Tomorrow: 7
  6. Iz Rite: 5,5
  7. I’m Just Saying: 5,5
  8. Don’t Brother Me: 5,5
  9. Shine a Light: 6
  10. Ballroom Figured: 6,5
  11. Start Anew:  6

Antes de empezar quiero hacer un pedido formal: ¡Volve por favor Noel!

Listo, ya me desahogué. Ahora empecemos a hablar de BE, segundo disco de estudio de Beady Eye. Antes de empezar a escucharlo, leí críticas de todo tipo. Las opiniones sobre este álbum son de lo más dispares. Por lo que la incertidumbre fue total. Y eso fue lo que me pasó al pulsar play.

“Flick of the Finger” con su atrapante energía y la sutil, oscura y atmosférica “Soul Love” conforman un arranque muy prometedor del disco. La sensación que nos deja es que estamos ante un muy buen trabajo, que además resaltan como virtud de Liam Gallagher y los suyos que no buscan repetir y reciclar la fórmula de Oasis. Beady Eye parece tener su propia personalidad, con un nivel decente y sin la necesidad de retraerse al britpop guitarrero que hizo famoso a Oasis.

Sin embargo, ya en  “Face the Crowd”, un tema que intenta rockear de manera muy monótona, BE se cae a pedazos y no es un simple resbalón. La banda nunca recupera el nivel. El álbum se transforma en un sinfín de canciones flojas e inmemorables en su calidad compositiva. Desde canciones que intentan ser psicodélicas como “Second Bite of the Apple”, pasando por la seguidilla mediocre conformada por “Iz Rite”, “I’m Just Saying” y la balada innecesariamente larga “Don’t Brother Me”, terminan de destruir toda buena intención de seguir escuchando a BE.

Lo siento por esta agrupación ex Oasis, pero sin la brújula compositiva del mayor de los hermanos Gallagher, parece que la van a tener que remar bastante para mejorar.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Bachman-Turner Overdrive – Bachman–Turner Overdrive (1973)

Bachman-Turner Overdrive - Bachman–Turner Overdrive (1973)

Puntaje del Disco: 7

  1. Gimme Your Money Please: 7
  2. Hold Back The Water: 7
  3. Blue Collar: 6,5
  4. Little Gandy Dancer: 7,5
  5. Stayed Awake All Night: 7,5
  6. Down And Out Man: 6
  7. Don’t Get Yourself In Trouble: 8
  8. Thank You For The Feelin: 7

Disuelto The Guess Who estaba claro que su principal figura el cantante y guitarrista Randy Bachman no se quedaría quieto. Sin perder el tiempo grabo en 1970 su primer álbum en solitario, Axe. Al tiempo intentaría sin éxito un proyecto con el tecladista Keith Emerson sin demasiado éxito hasta que en 1972 fundaría junto al bajista y vocalista Fred Turner y sus hermanos Tim y Robbie Bachman-Turner Overdrive.

En 1973 firmarían contrato con Mercury Records y de inmediato invadirían las calles no solo de su Canadá natal sino de todo Norteamérica con su ansiado debut Bachman-Turner Overdrive. Con un rock similar a sus contemporáneos Lynyrd Skynyrd, ZZ Top, Grand Funk Railroad y la Steve Miller Band fueron capaces de conseguir algún leve éxito con su single “Blue Collar”, aunque no sería hasta su siguiente placa lanzada ese mismo año Bachman–Turner Overdrive II que alcanzarían un éxito mayor.

Cuatro de las ocho pistas son composiciones exclusivas de la pluma del ex Guess Who y son de lo mejorcito que podemos rescatar del inicio de BTO entre ellas “Little Gandy Dancer”, “Stayed Awake All Night” y “Don’t Get Yourself In Trouble” son las que sobresalen en un trabajo que solo sería una muestra previa de lo que sería esta explosiva banda canadiense de los setenta.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Bob Marley & The Wailers – Uprising (1980)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Coming in from the Cold: 8
  2. Real Situation: 8
  3. Bad Card: 8
  4. We and Dem: 8
  5. Work: 8
  6. Zion Train: 8.5
  7. Pimper’s Paradise: 8
  8. Could You Be Loved: 9
  9. Forever Loving Jah: 8.5
  10. Redemption Song: 10

Uprising, editado en 1980 fue el último disco que The Wailers grabó con Bob Marley en vida; al año siguiente comenzaría la leyenda. Tal vez a modo profético, esta fue una de las producciones más destacadas del grupo jamaiquino, mostrando una notoria agudeza musical, ayudada fundamentalmente por el talento y el carisma de Marley.

Si bien el estilo musical es muy similar con las discos anteriores, el aporte de Al Anderson en guitarra le da a este instrumento una participación muy interesante como en “Zion Train”. En cuanto a las letras, Marley demuestra claramente sus creencias rastafarias con composiciones bien elaboradas y comprometidas.

Cerrando el disco, “Could You Be Loved”, uno de los clásicos en la carrera de Marley y considerado por los fanáticos del reggae, con notorias influencias de la música disco. En el final, “Redemption Song”, la única canción en forma acústica, es la más perfecta canción de protesta que con frases como “None but ourselves can free our minds” dejan en claro que Bob Marley estaba un paso más allá en el camino de la libertad.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)