Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Alice in Chains

Alice in Chains – Black Gives Way to Blue (2009)

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Alice in Chains - Black Gives Way to Blue (2009)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. All Secrets Known: 7
  2. Check My Brain: 8,5
  3. Last of My Kind: 8
  4. Your Decision: 7,5
  5. A Looking in View: 7,5
  6. When the Sun Rose Again: 8
  7. Acid Bubble: 7,5
  8. Lesson Learned: 7
  9. Take Her Out: 7,5
  10. Private Hell: 7
  11. Black Gives Way to Blue: 8

Luego de tantos años de ausencia y más aún consumada la muerte de su cantante Layne Staley en 2002 resultaba impensado que Alice in Chains, uno de los grupos fundamentales en la movida grunge de principios de los noventa, retornaría a los estudios para grabar su cuarto LP.

Tres años después de la trágica noticia en febrero de 2005 se pudo volver a ver en los escenarios a Cantrell, Kinney y Inez en un concierto benéfico en su Seattle natal. Concierto en favor de las víctimas del tsunami de finales del año 2004 en el este del Océano Índico, dejando la puerta abierta para una posible reunión de la banda.

Al parecer la idea de un retorno calo bastante hondo en la banda y en 2006 comenzarían una breve gira por Europa, Estados Unidos y Japón para la cual reclutaron al vocalista William Duvall. Por suerte esta reunión no se limitó solo a los conciertos y prepararon durante tres años su nuevo álbum Black Gives Way to Blue (2009), editado catorce años después de su anterior trabajo.

Con Black Gives Way to Blue parecería como si el tiempo no hubiera pasado y se hubiera lanzado a mediados de los noventa, la banda suena muy bien, sin tratar de adaptarse a las nuevas tendencias y es destacable la adaptación de Duvall en una tarea nada fácil como la de reemplazar al cantante original de un conjunto que supo alcanzar la fama mundial y contaba con innumerables fanáticos deseosos de escucharlos nuevamente.

Como punto en contra quizás no encontremos temas para el recuerdo como las legendarias “No Excuses”, “Angry Chair” o “Sludge Factory”, por solo nombrar algunas, pero podemos rescatar algunos interesantes momentos como “Check My Brain”, “Last of My Kind”, “When the Sun Rose Again” y la que le da el título a la obra.

En definitiva lo más destacable de este regreso, que funciono bastante bien comercialmente vendiendo más de un millón de copias mundialmente en tiempos donde casi no se venden discos en comparación a su época de oro, es que todavía suenan fieles a si mismo y que volvieron para recuperar su espacio que se noto que hacia falta durante su larga ausencia.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Aretha Franklin

Aretha Franklin – Aretha Arrives (1967)

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Aretha Franklin - Aretha Arrives (1967)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. (I Can’t Get No) Satisfaction: 8,5
  2. You Are My Sunshine: 9
  3. Never Let Me Go: 8,5
  4. 96 Tears: 6,5
  5. Prove It: 7,5
  6. Night Life: 8,5
  7. That’s Life: 7
  8. I Wonder: 7
  9. Ain’t Nobody (Gonna Turn Me Around): 7
  10. Going Down Slow: 7
  11. Baby I Love You: 8

¿Qué suele pasar cuando un disco es un éxito rotundo? Se trata de aprovechar el impulso sacando nuevos trabajos. Pero a veces los resultados no son los mismos, porque por ahí no se preocupan tanto en la calidad.

Aretha Arrives es el sucesor de I Never Loved A Man The Way That I Love You y su segundo disco con Atlantic Records, que fue editado también en 1967. En ese sentido es como una continuación de lo que Franklin venía realizando, pero la formula en sí comienza a repetirse. En Arrives da la sensación de que Aretha y su banda simplemente se limitan a elegir qué temas interpretar (porque al fin de cuentas son covers) poniendo su poderosa voz y el impecable sonido de su grupo.

Sin ser zonzos eligen clásicos que nadie conoce para versionar como “Satisfaction”, donde la performance para plasmar todo su soul no esta nada mal, aunque no llega a superar la mayoría de las veces a las canciones originales. Y también empieza a suceder que sus covers de soul como “96 Tears” empiezan a ser más bien genéricos.

En ese sentido Arrives defrauda un poco, porque no llega a alcanzar ni tiene la magnitud de los clásicos de I Never Loved A Man. En el anterior álbum Aretha había logrado transformar en propios clásicos como “Respect”.

Si bien en Arrives pierde ese poder, hay varios números para rescatar como la balada a piano “Never Let Me Go”, la blusera “Night Life” (que bien canta el blues en este tema), el mini hit “Baby I Love You” y la que más me sorprendió en lo personal “You Are My Sunshine”, donde se nota lo extraordinaria cantante que es y además la banda transmite un clima de calma tensión realmente atrapante al iniciar el tema.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Peter Gabriel

Peter Gabriel – Peter Gabriel II (1978)

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Peter Gabriel - Peter Gabriel II (1978)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. On the Air: 8,5
  2. D.I.Y: 7
  3. Mother of Violence: 7,5
  4. A Wonderful Day in a One-Way World: 7,5
  5. White Shadow: 8
  6. Indigo: 8,5
  7. Animal Magic: 7,5
  8. Exposure: 6
  9. Flotsam and Jetsam: 6,5
  10. Perspective: 7
  11. Home Sweet Home: 8

En el disco debut de Peter Gabriel se había percibido una tendencia a alejarse del estilo progresivo que le había caracterizado en Genesis, esta transformación se hizo aun más notable con la presentación de su segunda entrega en la que incluso termina llegando a entrar en territorio del pop.

Peter Gabriel II conocido también como Scratch por la imagen de su portada, fue realizado bajo la producción de Robert Fripp (King Crimson) quien optó por dejar un sonido crudo y orgánico en el trabajo, es de notar que la interpretación Gabriel se escucha natural, al igual que la instrumentación es bastante directa y minimalista; tenemos mucho teclado apoyado ocasionalmente con las armonías de la guitarra de Fripp como fondo.

En sí, el disco es bastante plano en comparación con su antecesor, nos topamos con bastantes piezas de pop-rock; “D.I.Y”, “Animal Magic”, “Perspective” y el highlight del disco, la optimista y enganchadora “On the Air”. Complementan baladas como “Mother of Violence” (lo más cercano a Genesis que hay en el disco) y la emotiva “Home Sweet Home” y en un tercer grupo están las piezas un poco más experimentales de las cuales resalta “White Shadow”.

Este segundo trabajo de Peter Gabriel suele ser el más ignorado entre sus cuatro álbum homónimos, esto es comprensible por el hecho de que no sea un disco de hits, pero he de resaltar que tiene fortaleza en su letra, todas las canciones parecen contener una especie de crítica social. Este atributo es algo que destaca en los discos de Gabriel y una de las razones que hacen interesante su trayectoria musical.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Beastie Boys

Beastie Boys – Ill Communication (1994)

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Beastie Boys - Ill Communication (1994)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sure Shot: 9
  2. Tough Guy: 7
  3. B-Boys Makin’ with the Freak Freak: 8,5
  4. Bobo on the Corner: –
  5. Root Down: 8,5
  6. Sabotage: 10
  7. Get It Together: 9
  8. Sabrosa: 7
  9. The Update: 8
  10. Futterman’s Rule: 8,5
  11. Alright Hear This: 7
  12. Eugene’s Lament: 8
  13. Flute Loop: 7,5
  14. Do It: 8,5
  15. Ricky’s Theme: 8
  16. Heart Attack Man: 8,5
  17. The Scoop: 8
  18. Shambala: 8
  19. Bodhisattva Vow: 8,5
  20. Transition: 7,5

Ill Communication es la continuación ideal de Check Your Head, los Beastie Boys ya habían dejado claro que podían moverse en diversos estilos y ser capaces de ampliar su paleta sonora y que no eran solo un grupo que revoluciono el hip hop sino la música alternativa en general.

En Ill Communication nos encontramos con clásicos del trío de Nueva York como “Sure Shot”, “Root Down”, “Get It Together” con el cameo del rapero Q-Tip pero la canción que rompería todos los moldes sería la recordada y roquera “Sabotage” con su famoso video dirigido por Spike Jonze donde se parodiaba a los policías de la década del setenta.

Ill Communication también incursiona en las raíces de la banda en dos pistas punk como “Tough Guy” y “Heart Attack Man”, también cuenta con un pasaje funk en “Flute Loop”, “Do It” y “Ricky’s Theme” y esta repleto de tracks instrumentales algunos más destacados de otro, entre los mejores podemos citar a “Futterman’s Rule” y “Eugene’s Lament”.

Con este CD los Beastie Boys confirmarían que ya existiría una marca registrada de su estilo que conjuga al rap, pop, funk, jazz, punk y rock alternativo. A pesar de no ser su mejor álbum y no ser del todo parejo es trascendente por consolidar una identidad y afirmar su importancia dentro del rock alternativo de los noventa, que los tendría como uno de sus exponentes fundamentales.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Queen

Queen – Queen (1973)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Keep Yourself Alive: 9
  2. Doing All Right: 7.5
  3. Great King Rat: 8
  4. My Fairy King: 8
  5. Liar: 8.5
  6. The Night Comes Down: 7
  7. Modern Times Rock N’ Roll: 7.5
  8. Son and Daughter: 7.5
  9. Jesus: 8
  10. Seven Seas of Rhye: 9

Luego de tocar en diversos clubes en los circuitos londinenses, finalmente hacia 1972 Queen tuvo la oportunidad de acceder a De Lane Lea Studios para grabar lo que sería el primer disco de esta extraordinaria banda.

En julio de 1973 se lanzó Queen, que incluyó cinco temas que ya habían sido demos y que en total daba como resultado diez canciones, escritas mayoritariamente por Freddie Mercury y Brian May. Sobre las influencias del rock progresivo y el hard rock Queen comenzó a mostrar un estilo particular, aunque sin alcanzar aún la unidad que lograrían luego. Las armonías operísticas de Freddie y los riffs de guitarra de May empezaban a tomar forma, y a asomar como los seguidores de Led Zeppelin, según comparaban por aquel entonces.

“Keep Yourself Alive” es la encargada de abrir el álbum con un sonido potente, mientras que “Doing All Right” y “Great King Rat” mantienen ese estilo, matizado con las formidables expresiones acústicas de Mercury. Promediando el disco, “Liar” se alza como uno de los temas más destacados.

Roger Taylor también hace su aporte compositivo con la rockera “Modern Times Rock N’ Roll” y “Son and Daughter” cierra con un ambiente denso las letras de Brian May. “Jesus” expone el lado religioso de Mercury, combinándolo con excelente instrumentación. En el final, un cierre acorde al disco, con “Seven Seas of Rhye”.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Jefferson Airplane

Jefferson Airplane – Jefferson Airplane Takes Off (1966)

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Jefferson Airplane - Jefferson Airplane Takes Off (1966)

Puntaje del Disco: 8

  1. Blues From An Airplane: 9
  2. Let Me In: 8,5
  3. Bringing Me Down: 8
  4. It’s No Secret: 8,5
  5. Tobacco Road: 7,5
  6. Come Up The Years: 8
  7. Run Around: 8
  8. Let’s Get Together:  7,5
  9. Don’t Slip Away: 6,5
  10. Chauffeur Blues: 7,5
  11. And I Like It: 8,5

Entiendo a la gente que cuando le preguntan de Jefferson Airplane apuntan a Surrealistic Pillow. La principal razón tiene nombre y apellido: Grace Slick. Pero antes de la llegada de la bella cantante con su tremenda voz y sus vibrantes himnos (“White Rabbit” y “Somebody to Love” sin ir más lejos), había una banda con vida. Jefferson Airplane nació en 1965 y el año siguiente editaría su primer álbum: Jefferson Airplane Takes Off.

Su disco debut sería revolucionario por el sonido ácido que el grupo pregonaba diferenciándose del resto; con un Marty Balin liderándolos como cantante y principal compositor pero con un sonido muy consistente en base a lo que hacen Kaukonen, Casady y Kantner. Además en lugar de Slick había una chica llamada Signe Toly Anderson como corista que no hace extrañar tanto a Grace, incluso llega a ser vocalista líder en «Chauffeur Blues”. Pero Signe solo colaboraría en este álbum.

Como decía Takes Off tiene un sonido de acidez psicodélica, basado en el blues y remitiéndose a los Byrds, que los hace muy originales ya desde el primer corte del álbum: “Blues From An Airplane”. Y su estilo se consolida a lo largo de este trabajo con llamativos clásicos como “It’s No Secret”, canciones que rockean con su psicodelia dando sorpresa como “Let Me In” y por supuesto con buenas baladas como la blusera “And I Like It”.

Takes Off  sería un puntapié inicial muy prometedor para aquella época. Y así quedaría plasmado su talento en su siguiente imprescindible obra maestra Surrealistic Pillow.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Dire Straits

Dire Straits – Dire Straits (1978)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Down to the Waterline: 8
  2. Water of Love: 7
  3. Setting Me Up: 7
  4. Six Blade Knife: 7.5
  5. Southbound Again: 7
  6. Sultans of Swing: 10
  7. In the Gallery: 7.5
  8. Wild West End: 7
  9. Lions: 7.5

Como muchas otras bandas, aunque distinta a todas, Dire Straits dio sus primeros pasos en la música con el lanzamiento de un disco homónimo, editado entre  febrero y marzo de 1978 en Basin Street Studios. A pesar del poco tiempo y las presiones por grabar un álbum, la banda británica logró alcanzar el objetivo y recopilar en nueve canciones lo mejor de su joven repertorio.

Tras una prolongada introducción, el primer acorde la guitarra de Mark Knopfler corta ese silencio dando comienzo a “Down to the Waterline”, uno de los temas más salientes. Pero si de destacados se trata, “Sultans of Swing”, tema por excelencia de Dire Straits y sencillo que le permitió al grupo colocarse en los primeros planos a nivel mundial.

“Wild West End”, cerrando el disco es uno de los temas en los cuales Knopfler despliega gran parte de su talento con la guitarra y “Lions” concluye con este buen debut de la mítica agrupación británica.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Rob Zombie

Rob Zombie – Hellbilly Deluxe (1998)

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Rob Zombie - Hellbilly Deluxe (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Call of the Zombie: –
  2. Superbeast: 8
  3. Dragula: 9
  4. Living Dead Girl: 9
  5. Perversion 99: 7
  6. Demonoid Phenomenon: 8,5
  7. Spookshow Baby: 7,5
  8. How to Make a Monster: 6
  9. Meet the Creeper: 8,5
  10. The Ballad of Resurrection Joe and Rosa Whore: 7,5
  11. What Lurks on Channel X?: 6,5
  12. Return of the Phantom Stranger: 8
  13. The Beginning of the End: 7

Hellbilly Deluxe: 13 Tales Of Cadaverous Cavorting Inside The Spookshow International (1998), mayormente conocido por su título más corto Hellbilly Deluxe, es el álbum debut del ex cantante del grupo de heavy metal White Zombie, Rob Zombie.

Rob comenzó a trabajar en su debut solista desde los primeros días de 1998, al poco tiempo de la disolución de su famoso grupo, junto a Scott Humphrey (trabajo con Mötley Crüe, Metallica, entre otros) quien coproduciría el álbum con Zombie y escribirían juntos la mayoría de los temas. Musicalmente estamos ante un álbum de metal pesado y metal industrial con referencias durante todas las canciones a películas clásicas de terror clase B, en particular de la década del setenta. En referencia a esto Zombie declararía su admiración por este tipo de Films: “Todavía pienso que los setenta fueron el último gran momento donde el cine se hacía por algo que no sea solo el dinero.”

El primer single en Hellbilly Deluxe, “Dragula”, contó con bastante rotación en canales musicales y bastante más atención a nivel global que lo que recibía con White Zombie. Esta junto a otros buenos tracks como “Living Dead Girl”, “Superbeast”, “Demonoid Phenomenon”, “Meet the Creeper” y “Return of the Phantom Stranger” conforman los mejores momentos de un sólido debut en solitario que se convirtió en un éxito comercial y continúa siendo su disco más vendido a la fecha.

La mayoría de los oyentes comunes no sabrían distinguir si se trata de un material de White Zombie o de Rob Zombie, ya que en por lo menos su primera aparición solista continúa realizando todo lo bueno que el artista nos supo ofrecer en el pasado, del mismo modo para alegría de sus fanáticos de siempre dándoles exactamente lo que ellos buscaban.

F.V.

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Lou Reed

Lou Reed – Lou Reed (1972)

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Lou Reed - Lou Reed (1972)

Puntaje del Disco: 8

  1. I Can’t Stand It: 8,5
  2. Going Down: 7,5
  3. Walk And Talk It: 7,5
  4. Lisa Says: 8
  5. Berlin: 9
  6. I Love You: 8,5
  7. Wild Child: 8
  8. Love Makes You Feel: 8,5
  9. Ride Into The Sun: 7,5
  10. Ocean: 8

Muchos piensan o se dirigen en forma automática a Transformer para apreciarlo como el primer disco de Lou Reed. Es un gran disco, de eso no hay dudas, pero meses antes en realidad había editado su primer trabajo compuesto principalmente por temas de la época de la Velvet.

Ahora bien el primer álbum en solitario de Lou Reed no tiene nada que ver con The Velvet Underground. Si hay un álbum alejado al estilo de su antiguo grupo aquí lo tienen. Simplemente porque no tiene nada de experimental. Al contrario es muy convencional. Las canciones son en general promedio, con melodías muy buenas como su punto fuerte.

De hecho, no sé si recordarán, pero en los ochenta se editaría un disco con temas inéditos de la Velvet que se titularía VU y que contiene muchas de estas canciones. Sin embargo las que podemos encontrar aquí no se parecen mucho a las de VU.

Así nos encontramos con “I Can’t Stand” y “Lisa Says”, que siguen siendo buenos con la diferencia en la incorporación de coros de la onda de “You Can’t Always Get What You Want”. Sí, su estilo se acerca mucho al de los Stones.  “Walk And Talk It” por ejemplo es una especie de rock and roll a lo “Brown Sugar” (el riff es demasiado parecido), aunque obviamente inferior.

Lo que más rescato del álbum son sus baladas, son muy buenas y diversas. Como “Love Makes You Feel”,  la folky “I Love You” y especialmente la balada a piano “Berlin” (luego incluida y reversionada en su álbum conceptual  que llevó el mismo título).

Si sos una de esas personas con ganas de empezar a escuchar a Lou Reed no está mal que empieces con su más glorioso momento marcado por Transformer. Pero este que fue su primer disco es también recomendable.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Blur

Blur – Leisure (1991)

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Blur - Leisure (1991)

Puntaje del Disco: 8

  1. She’s So High: 9
  2. Bang: 8
  3. Slow Down: 7,5
  4. Repetition: 8
  5. Bad Day: 8
  6. Sing: 7
  7. There’s No Other Way: 9,5
  8. Fool: 7,5
  9. Come Together: 7,5
  10. High Cool: 7
  11. Birthday: 8
  12. Wear Me Down: 8

Cuando la movida de “Madchester” ya se encontraba en pleno declive y el grunge estaba en plena ebullición, cuatro jóvenes británicos emergieron para comenzar una nueva era que cambiaría el rumbo musical de la década del noventa: el britpop.

El 26 de Agosto de 1991 se lanzaría a los mercados lo que sería el primer paso en la exitosa carrera de Blur, Leisure, un buen disco debut que sería bien recibido por la crítica como por el público, que siendo unos desconocidos los llevo al puesto número siete en los mas vendidos en Gran Bretaña.

Blur vino a imprimir melodía pop alegre y simpática en el momento justo. Si bien Leisure no estaría a la altura de lo que años más tarde conoceríamos de ellos tampoco esta mal y cuenta con varios pasajes para resaltar como su glorioso comienzo con “She’s So High” y “Bang”, otros temas disfrutables y con tintes alternativos como “Repetition”, “Bad Day”, “Birthday” y “Wear Me Down” y su hit más reconocible “There’s No Other Way”.

Más allá de que el propio Damon Albarn años más tarde dijese que este disco le parecía horrible y que por momentos tenga un sonido incompleto, Leisure fue un más que aceptable primer paso para unos chicos talentosos con muchas ganas de hacer música fresca, original algo que confirmarían en su siguiente trabajo que los llevaría al estrellato definitivo y en los subsiguientes años donde harían historia.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)