Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Beatles – Rubber Soul (1965)

The Beatles - Rubber Soul (1965)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Drive My Car9
  2. Norwegian Wood (This Bird Has Flown): 10
  3. You Won’t See Me8
  4. Nowhere Man8,5
  5. Think for Yourself8,5
  6. The Word8,5
  7. Michelle9
  8. What Goes On8,5
  9. Girl9,5
  10. I’m Looking Through You: 9,5
  11. In My Life9,5
  12. Wait8
  13. If I Needed Someone: 8
  14. Run for Your Life: 9,5

Rubber Soul significo el primer paso de los Beatles hacia una perfección madura que estaba ya a la vuelta de la esquina. Dentro de la discografía de los de Liverpool es un disco bastante infravalorado, culpable de esto es lo genial que fueron sus siguientes trabajos como Revolver o Sgt. Pepper’s en comparación pareciera que Rubber Soul fuera una obra menor pero no lo es.

“Nos estábamos volviendo mejores, técnica y musicalmente, eso es todo. Por fin fuimos capaces de dominar el estudio. Al principio, hacíamos lo que se nos decía: ni siquiera sabíamos cómo subir el bajo. Aprendimos las técnicas en Rubber Soul. Fuimos más precisos sobre cómo grabar un disco. Y lo controlamos todo, hasta la portada” así explicaba John Lennon el salto de calidad que significo este trabajo.

Luego de finalizar una gira por Estados Unidos para mediados de 1965 los Beatles, a pesar del éxito, los miembros del grupo estaban cansados de los gritos de los fans en los conciertos, que hacían que la misma banda no pudiera oír su música y por lo tanto no conocer su progreso musical. Luego de la gira se tomaron un descanso de un mes para luego centrarse en lo que sería su siguiente trabajo que debía editarse a fines de ese año para aprovechar el mercado navideño. Así fue como en menos de dos meses de sesiones lanzarían en diciembre de 1965 Rubber Soul.

El disco continua siendo directo pero es el primero donde empezaron a expandir los parámetros de la instrumentación más allá de la convencional para un grupo de rock, comenzarían a evolucionar a pasos agigantados marcando el alejamiento de la “beatelmania” hacia una mayor introspección, temas de adultos. Este crecimiento también se puede percibir en las letras que son más complejas, ambiguas y maduras.

Los pilares de Rubber Soul son la excelente “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)” con la utilización de un sitar en primer plano, las roqueras, que abren y cierran el disco respectivamente, “Drive My Car” y “Run for Your Life”, la balada “Michelle” con sonidos griegos en las lineas de guitarras, otra bella balada como “Girl” con inhalación incluida en el estribillo, “Nowhere Man” con sus fantasticos coros, “I’m Looking Through You” el mejor aporte de Paul en el disco y una de las mejores composiciones de Lennon en toda su trayectoria “In My Life”.

Lo notable en Rubber Soul es como sus mejores fragmentos superan su sencillez de hits para adentrarse en terrenos mucho mas frondosos, mientras el oyente no se da cuenta y necesita unas cuantes escuchar para caer en los detalles. Convirtiendolo en el primero de esta nueva etapa que posibilitando que su talento se siga expendiendo hacia la perfección conseguida años más tarde.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Grizzly Bear – Horn of Plenty (2004)

Grizzly Bear - Horn of Plenty (2004)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. DeepSea Diver: 8,5
  2. Don’t Ask: 8,5
  3. Alligator: 7
  4. Campfire: 7
  5. Shift: 6
  6. Disappearing Act: 6,5
  7. Fix It: 7,5
  8. Merge: 7
  9. A Good Place: 7
  10. Showcase: 7,5
  11. Le Duchess Anne: 7,5
  12. Eaves Dropping: 8
  13. Service Bell: 7
  14. This Song: 7

Grizzly Bear, una de las bandas con cierto renombre en la actualidad y también una de las que más me aburrió de lo último que pude escuchar. ¿Qué tenemos aquí? Un grupo de Indie rock experimental oriundo de Brooklin comandado por Ed Droste.

Justamente, su primer álbum, Horn of Plenty, nació como un proyecto de grabaciones caseras del propio Droste. Eso se nota en la calidad del sonido del disco, que de por sí busca ser profundo, algo psicodélico, oscuro y minimalista. Horn of Plenty tiene diversidad de arreglos que ayudan a constituir canciones atmosféricas e hipnóticas, en las que también se resaltan las combinaciones vocales.

Sin embargo, la otra cara del disco está en que resulta bastante depresivo. La mayoría de los temas tienen melodías melancólicas que no enganchan. Son poco atractivas y sin un solo estribillo memorable, en otras palabras son vacías y hasta pueden resultar tediosas para ciertos oyentes (sobretodo por la uniformidad de los cortes). De todas formas, las canciones de Grizzly Bear no están mal, entusiasman poco pero son todas escuchables. Incluso hay un puñado de buenos cortes como “Deep Sea Diver” y “Don’t Ask”. Aunque sinceramente el álbum solo lo van a encontrar atractivo aquellos que busquen sumergirse en un universo hipnótico y lisérgico lleno de canciones lentas y sombrías.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

The Move – The Move (1968)

The Move - The Move (1968)

Puntaje del Disco: 9

  1. Yellow Rainbow: 8,5
  2. Kilrow Was Here: 8
  3. (Here We Go Round) The Lemon Tree: 9
  4. Weekend: 8
  5. Walk Upon The Water: 9
  6. Flowers In The Rain: 9
  7. Hey Grandma: 8
  8. Useless Information: 8,5
  9. Zing Went The Strings Of My Heart: 8,5
  10. The Girl Outside: 8
  11. Fire Brigade: 9
  12. Mist On A Monday Morning: 8,5
  13. Cherry Blossom Clinic: 9

The Move es una de las tantas bandas de los 60 injustamente olvidadas. Procedentes de Birmingham, Inglaterra, lograron desarrollar un pop barroco/psicodélico de muy buen nivel gracias a su líder, el compositor y multi instrumentista Roy Wood. Conocido también por formar posteriormente grandes bandas como Electric Light Orchestra y Wizzard.

Su primer álbum homónimo no solo es una demostración de su sonido, sino que el de toda la época en general. Es decir que The Move no es un disco muy original, a pesar de eso es innegable la calidad de las canciones aquí presentes. También el formato de disco es lo que lo hace tan particular, raramente las canciones superan los 3 minutos, convirtiendo a este LP en una obra muy entretenida y adictiva.

Los mejores momentos del disco se encuentran en los singles como “Flowers In The Rain”  y “Fire Brigade” que incluso lograron trepar a los primeros puestos de las listas de Reino Unido y lograr cierta popularidad a nivel local. Pero eso no quiere decir que los otros cortes sean prescindibles, al contrario, todos los temas tienen melodías fantásticas y son muy pegadizos.

La versión en CD del disco contiene muchos más cortes imperdibles que en su época fueron difundidos como singles, tal es el caso de “Night Of Fear” y “I Can Hear The Grass Grow” que hacen de este álbum aún mejor. Es por eso que The Move es una joya perdida de la música y cualquier fanático del pop británico de los sesentas lo va encontrar sumamente interesante.

Martín

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The Cure en Argentina – Estadio River Plate (12/04/13)

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Luego de sus accidentados shows en Ferro en marzo de 1987, donde Robert Smith llegó a decir que nunca más volvería a nuestro país, The Cure saldaría esa deuda de veintiséis años con su público en el escenario del estadio de River Plate ante más de cuarenta mil almas.

Iconos del movimiento dark y gótico generaron un paisaje distinto al de otros recitales, pelos parados, ropa negra, pantalones ajustados, maquillaje, mucho lookeo y una alta presencia de mayores de 35 años, muchos de ellos pensaban que nunca iban a volver por ello esta noche era por demás especial.

Los primeros acordes de la guitarra de Robert Smith y del inconfundible bajo de Simon Gallup comenzaron a hacerse sentir con “Plainsong” y “Pictures of You” los primeros de un largo set list de cuarenta temas, desde ese momento continuarían con una seguidilla frenética casi sin ninguna interrupción para interactuar con sus fanáticos con excepción de un “muchas gracias” o “thank you” posteriores a los aplausos de los más festejados.

Hay que decirlo a pesar de que por momentos el sonido no era el mejor y se perdía en la inmensidad del estadio la banda sonó muy bien, sin fisuras y Robert Smith con sus cinco décadas a cuestas mantiene intacta su voz única e irrepetible.

El primer momento que hizo estremecer a la totalidad de los presentes fue el tandem compuesto por las irresistibles “In Between Days” y “Just Like Heaven”, luego de algunos altibajos (personalmente hubiera preferido que dejen de lado algunas canciones sin demasiada trascendencia que fueron recibidas con indiferencia) la hipnótica “A Forest” dominó la escena con una excelente versión. Antes del primer receso nos dejaron lindos momentos como “Friday I’m In Love”, “High”, “One Hundred Years” y “Disintegration”.

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En los primeros bises, la banda se tomo un respiro, con un pasaje oscuro compuesto por “The Kiss”, “If Only Tonight We Could Sleep” y “Fight”. Pero lo mejor estaba aún por venir.

Luego del segundo encore llegó la parte más redonda del show con hits que hicieron vibrar al público como nunca en la noche, a pesar del frío invernal que se hacía sentir por esas horas de la noches, como “The Lovecats”, “Close to Me”, “Hot Hot Hot!!!”, “Why Can’t I Be You?”, “Boys Don’t Cry”, “10:15 Saturday Night” y el cierre a cargo de “Killing an Arab” dejando al público más que satisfecho, curado, luego de más de tres horas de show.

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F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Police – Ghost in the Machine (1981)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Spirits in the Material World: 8
  2. Every Little Thing She Does Is Magic: 9
  3. Invisible Sun: 8.5
  4. Hungry for You (J’aurais toujours faim de toi): 8
  5. Demolition Man: 7.5
  6. Too Much Information: 8
  7. Rehumanize Yourself: 8
  8. One World (Not Three): 7.5           
  9. Omegaman: 8
  10. Secret Journey: 8
  11. Darkness: 7.5

Paradójicamente a la imagen tan arraigada con el Reino Unido, especialmente Sting, The Police recién en su cuarto álbum eligió un título en inglés. Ghost in the Machine debe su nombre al libro homónimo de Arthur Koestler, publicado en 1967 y que tiene como teoría central que la mente del ser humano no es independiente del mundo material y explica también la tendencia hacia la autodestrucción, sobre todo por las amenazas nucleares que tanto proliferaron a comienzos de los sesenta.

En base a esta teoría y a la afición por la lectura, Sting tomó el nombre de aquella obra para darle forma a lo que sería uno de los discos otro gran disco en la corta trayectoria de The Police. El curioso arte de tapa, como era habitual en los otros materiales, mostraba las caras de los tres integrantes de grupo. Sin embargo, en esta oportunidad estaban representados por el display de siete segmentos y según el corte de cabellos, podían distinguirse a cada uno de los músicos.

Más maduros en su sonido y con Sting haciéndose cargo de casi todas las composiciones a excepción de “Omega Man” y “Darkness” “Spirits in the Material World” es el tema que mejor expresa la visión que Sting quiso tomar de la teoría del libro que inspiró al álbum. “Every Little Thing She Does Is Magic” es uno de los tantos clásicos inconfundibles del grupo así como “Invisible Sun”, que con un tono más sombrío, es un tributo a la gente que convivió con la violencia en Irlanda del Norte.

“Hungry for You (J’aurais toujours faim de toi)” retoma un poco los sonidos reggae que The Police había mostrado en los inicios. “Too Much Information” y “Rehuminaze Yourself” mezclan diversos estilos que el grupo ha demostrado estar a gusto.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Belle & Sebastian – Dear Catastrophe Waitress (2003)

Belle & Sebastian - Dear Catastrophe Waitress (2003)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Step into My Office, Baby: 9
  2. Dear Catastrophe Waitress: 8
  3. If She Wants Me: 8
  4. Piazza, New York Catcher: 8,5
  5. Asleep on a Sunbeam: 7,5
  6. I’m a Cuckoo: 8,5
  7. You Don’t Send Me: 8,5
  8. Wrapped Up in Books: 8
  9.  Lord Anthony: 8,5
  10. If You Find Yourself Caught in Love: 8
  11. Roy Walker: 7,5
  12. Stay Loose: 8

Con Dear Catastrophe Waitress (2003) los escoceses de Belle & Sebastian volverían a su mejor forma tras algunos experimentos algo irregulares como la banda de sonido de la película Storytelling y el conflicto intento de democratización interno en Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant.

Con la producción de Trevor Horn, famoso por sus trabajos con bandas totalmente diferentes como Frankie Goes to Hollywood y el dúo de lesbianas adolescentes Tatu, la banda se encontró enfocada y precisa convirtiendo a Dear Catastrophe Waitress en uno de sus mejores obras.

El disco se aleja de los aires Indie folk de sus primeros trabajos para orientarse más al pop, obviamente el resultado fue mucho más éxito y convertirse en archi-conocidos en el Reino Unido y en lugares que no habían logrado conquistar todavía.

Otra de las claves para esta mejora fue que Stuart Murdoch se puso a la cabeza del grupo nuevamente, ocupándose de la composición y las voces principales a lo largo del disco. Esta nueva actitud pop resulto algo decepcionante para sus seguidores más fieles, aunque se les debe perdonar por temazos como ‘I’m a Cuckooy ‘Step into My Office, Baby’, “Piazza, New York Catcher”, “Lord Anthony” y “You Don’t Send Me”.

Con Dear Catastrophe Waitress se abriría una nueva era para estos melancólicos escoceses con discos como The Life Pursuit que continuarían acrecentando su fama y llevarían sus hermosas melodías a nivel mundial.

 F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Kinks – Everybody’s in Show-Biz (1972)

The Kinks - Everybody's in Show-Biz (1972)

Puntaje del Disco: 8

Disco 1:

  1. Here Comes Yet Another Day: 8,5
  2. Maximum Consumption: 8,5
  3. Unreal Reality: 8
  4. Hot Potatoes: 7,5
  5. Sitting In My Hotel: 9
  6. Motorway: 7,5
  7. You Don’t Know My Name: 7,5
  8. Supersonic Rocket Ship: 8,5
  9. Look A Little On The Sunnyside: 7,5
  10. Celluloid Heroes: 10 

Discos 2:

  1. Top Of The Pops: 7
  2. Brainwashed: 8,5
  3. Mr Wonderful: –
  4. Acute Schizophrenia Paranoia Blues: 9
  5. Holiday: 8,5
  6. Muswell Hillbilly: 8,5
  7. Alcohol: 8
  8. Banana Boat Song: 6
  9. Skin And Bone: 6,5
  10. Baby Face: 5,5
  11. Lola:

Para unos cuantos fanáticos de los Kinks Everybody’s in Show-Biz es su último gran disco. El hecho es que se trata de un álbum bastante infravalorado pero que no llega a superar a Muswell Hillbillies.

En este sentido, Everybody’s in Show-Biz es una continuación de Muswell Hillbillies. Es un álbum doble que mantiene ese estilo cómico y algo burlón de su predecesor en canciones que también son similares desde lo musical. Hay pop rock, country rock, blues rock y destellos de jazz con saxofón y piano. Y las melodías en general son bastante buenas, aunque menos pegadizas e interesantes que las de Hillbillies.

Lo que además cambia es la temática. El primer disco de Everybody’s in Show-Biz está conformado por sus canciones de estudio en las que Ray e incluso Dave escribieron letras relacionadas a los viajes en las giras como “Motorway”, “You Don’t Know My Name” y “Supersonic Rocket Ship”, y tocan temas relacionados a la vida de las estrellas. Justamente entre estas últimas encontramos lo más destacado del álbum con la encantadora balada sobre la soledad “Sitting In My Hotel” y el sensacional clásico (lejos la mejor canción del disco por su melodía y estribillo) “Celluloid Heroes”.

Por otro lado, en el segundo disco lo que tenemos es a The Kinks en vivo, conformado desde las grabaciones en Carnegie Hall, Nueva York, el 2 y 3 de marzo de 1972. Esta segunda parte se caracteriza por contener principalmente versiones en vivo de Muswell Hillbillies, interesante si lo analizamos en que los temas son interpretados desde el mismo estilo sardónico del disco, alcanzando puntos altos como “Acute Schizophrenia Paranoia Blues”. También tenemos alguna perlita como “Brainwashed”, pero sobre el final decae un poco su nivel y por la falta de clásicos algunos fanáticos lo toman como un disco incluso desechable.

De todas formas, Everybody’s in Show-Biz termina siendo un trabajo bastante bueno y desvalorado en líneas generales, que no se puede pasar por alto sobre todo si tenemos a “Celluloid Heroes” entre nosotros.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Brian Eno – Taking Tiger Mountain (By Strategy) (1974)

Brian Eno - Taking Tiger Mountain (By Strategy) (1974)

Puntaje del Disco: 8

  1. Burning Airlines Give You So Much More: 8,5
  2. Back In Judy’s Jungle: 8
  3. The Fat Lady of Limbourg: 7
  4. Mother Whale Eyeless: 8,5
  5. The Great Pretender: 6
  6. Third Uncle: 8
  7. Put a Straw Under Baby: 8
  8. The True Wheel: 8,5
  9. China My China: 6
  10. Taking Tiger Mountain8

Antes que nada lean de pasada los títulos de las canciones que se presentan en este disco, más de una tiene un nombre raro ¿No es así? Bien, pues permítanme decirles que así como se leen de extravagantes, así se escuchan.

Taking Tiger Mountain (By Strategy) es la segunda entrega de Brian Eno, lanzada tan solo diez meses después de su aclamado disco debut. Pero eso no nos haga pensar que estamos frente a temas que no alcanzaron a pasar el recorte en su primera producción, la verdad es que estamos frente a un animal diferente.

¿Qué tiene de peculiar este disco? Bueno, en primer lugar hay muchas referencias a China, algunas muy obvias y otras ocultas (lo cual ha llevado a especulaciones de que Taking Tiger Mountain es un disco conceptual). En segundo lugar, en este trabajo el señor Eno, siendo tan experimental, toma las bases que definían a Here Comes The Warm Jets y las exagera; humor negro, letras oscuras, sintetizadores, sonidos de guitarra innovadores ¡Todo lo lleva a los extremos!

El resultado de tal experimentación es un disco Avant Garde, y altamente drogo, basta prestar atención a las psicodélicas “Back In Judy’s Jungle” y “Mother Whale Eyeless” para darnos cuenta de que en esos tiempos pasaban cosas muy raras en la cabeza del flamboyante Eno.

No obstante, el fuerte de este artista sigue siendo la innovación, esto se destaca en piezas como la proto-metalera “Third Uncle” (Donde el guitarrista Phil Manzanera deleita con una avalancha de riffs) y  la oscura “Put a Straw Under Baby”; una canción de cuna con letra subliminal.

Como canciones destacadas tenemos a la entretenida opener “Burning Airlines Give You So Much More” y también la pegajosa “The True Wheel” que cuenta con unos curiosos coros femeninos y unos atractivos pasajes psicodélicos.

Interesante es resaltar la pieza final del disco, nos referimos a la minimalista “Taking Tiger Mountain” que con su atmósfera ambiental nos anticipa el camino que Eno seguiría en sus próximas entregas, Brian se reinventaría nuevamente y entraría a la mejor etapa de su carrera.

                                   Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Strokes – Angles (2011)

The Strokes - Angles (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. Machu Picchu: 9
  2. Under Cover of Darkness: 9
  3. Two Kinds of Happiness: 8
  4. You’re So Right: 6,5
  5. Taken for a Fool: 8,5
  6. Games: 8
  7. Call Me Back: 7
  8. Gratisfaction: 7,5
  9. Metabolism: 8,5
  10. Life is Simple in the Moonlight: 7,5

El cuarto y no último disco de una de las bandas que más lograron distinguirse en la década pasada, The Strokes. Se espera ya un disco para este 2013 que ha logrado mantener su auge de autenticidad a tope. Este cuarto disco, dicho por los mismos miembros, está inspirado en bandas como MGMT, Arctic Monkeys, Crystal Castles, A-ha, Thin Lizzy y el legendario Elvis Costello.

Su antecesor, First Impressions of Earth, ya habían pasado casi 5 años de que no grababan juntos. Cada integrante en ese período de tiempo se dedicó a otros proyectos; Julian Casablancas (Vocalista) sacó un disco de solista y a hacer colaboraciones con otras bandas, Albert Hammond, Jr. (Guitarra) sacó dos discos como solista, Nikolai Fraiture (Bajista) sacó un disco con su otra banda Nickel Eye y Fabrizio Moretti (Baterista) con Little Joy.

Es notorio la influencia en música electrónica y uso de sintetizadores en este disco, de principio a fin. Overdubbed en guitarras. Cambios de voz en las letras de Casablancas. Según, sería un retorno a lo «básico». El disco paso por momentos difíciles, luego de un abuso de drogas por parte de Hammond; y Casablancas que decidió grabar su voz en otro lugar e ir mandando por correo lo que tenía. Casablancas lo hizo con la intención de que la banda tuviera más control del proceso creativo en las canciones.

Tienes sus buenos temas como «Machu Picchu», «Under Cover of Darkness», «Taken for a Fool» y «Metabolism». Valió la pena la espera de 5 años por este disco, críticas favorables y obviamente sigue siendo una banda que no ha decaído desde su álbum debut. Y aquí seguimos, con ansias de más en este 2013 para su nuevo disco.

Miguel Pardellas

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Lenny Kravitz – Circus (1995)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Rock and Roll Is Dead: 8
  2. Circus: 7
  3. Beyond the 7th Sky: 7
  4. Tunnel Vision: 6
  5. Can’t Get You Off My Mind: 9
  6. Magdalene: 6,5
  7. God Is Love: 4
  8. Thin Ice: 6
  9. Don’t Go and Put a Bullet in Your Head: 5,5
  10. In My Life Today: 7
  11. The Resurrection: 6,5

Circus, el cuarto álbum de estudio de Lenny Kravitz, significo su punto más bajo en ventas hasta ese momento. Por ese entonces quedaba claro que no estaba en el mejor momento de su vida. Contrariado con el negocio de la música en el momento y por la enfermedad terminal de su madre.

En septiembre de 1995 saldría a las calles Circus, a su sonido setentoso y funk a la vez se le incorporaría un ambiente sombrío y oscuro que se perciben notoriamente en sus letras como en “Rock and Roll Is Dead”, “Circus”, entre otros.

La balada “Can’t Get You Off My Mind” es la canción con todas las letras del disco. El resto de los singles no son ni la mitad que los de sus discos anteriores redondeando el trabajo más flojo de su carrera hasta ese entonces.

A pesar de esto Circus tuvo bastante éxito comercial, ocupando buenas posiciones en charts americanos y británicos vendiendo en todo el mundo más de un millón de copias. Aunque este fenómeno se debió más al viento de cola de sus anteriores publicaciones que a lo que significa en si.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)