Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Rolling Stones

The Rolling Stones – Tattoo You (1981)

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The Rolling Stones - Tattoo You (1981)

Puntaje del Disco: 9

  1. Start Me Up: 9,5
  2. Hang Fire: 8
  3. Slave: 8
  4. Little T&A: 8,5
  5. Black Limousine: 9
  6. Neighbours: 7,5
  7. Worried About You: 8,5
  8. Tops: 8
  9. Heaven: 9
  10. No Use in Crying: 6
  11. Waiting on a Friend: 9

Tatoo You (1981) se baso mayormente en desechos de grabaciones anteriores de los Rolling Stones, pero con un resultado mucho más positivo que en su anterior trabajo que estuvo compuesto también por temas que no entraron en el corte definitivo.

El productor Chris Kimsey, ligado con los Stones desde Sticky Fingers, tuvo la brillante idea de rescatar todos esos temas al ver que la pareja Jagger/Richards no pasaba por un gran momento tanto de inspiración como tampoco personal. Estaba claro que el nivel de años anteriores era tan alto que cualquier tema”desechable” se convertía en todo un clásico. Tal es el caso del que se convertiría en uno de los grandes clásicos de su carrera “Start Me Up” un auténtico himno stone adornado con un riff marca registrada.

Contradiciendo en cierta forma los rumores peleas internas, Richards declararía lo siguiente sobre la idea de usar canciones de grabaciones anteriores: “Lo que paso con Tatoo You no fue que dejamos de escribir cosas nuevas, fue una cuestión de tiempo. Acordamos que nos iríamos de gira y queríamos hacerlo apoyados por un disco. No hubo tiempo para grabar un disco completo y empezar con la gira”.

Otros singles adictivos que obtuvieron una difusión significativa fueron la balada “Waiting on a Friend”, que incluye un recordado solo de Sonny Rollins en saxo, y el frenético rock de “Hang Fire”. “Slave” que cuenta con la presencia de Pete Townsend en coros, “Little T&A” con Keith en voces, «Worried About You» con el recurso del falsetto en la voz de Mick como lo hiciera en “Emotional Rescue”, la blusera “Black Limousine” y la hipnótica “Heaven” también hacen de Tatoo You un disco de los más completos en los últimos treinta años de su carrera.

Tatoo You fue un éxito en ventas, llegando a lo más alto de todos los rankings y fue una excusa perfecta para que vuelvan a donde mejor se sentían por aquellos años y a lo que más desaban: a los escenarios. Como resultado de esta gira editarían el álbum en directo Still Life (1982) donde se puede apreciar la faceta de animadores en detrimento de lo que realmente son: grandes músicos.

F.V.

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(Votos: 3 Promedio: 3.7)
Best Coast

Best Coast – Crazy For You (2010)

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Best Coast - Crazy For You (2010)

Puntaje del Disco: 8

  1. Boyfriend: 8,5
  2. Crazy For You: 8
  3. The End: 8
  4. Goodbye: 7,5
  5. Summer Mood: 8
  6. Our Deal: 7,5
  7. I Want To: 8
  8. When the Sun Don’t Shine: 8
  9. Bratty B: 8,5
  10. Honey: 9
  11. Happy: 6
  12. Each and Everyday: 7
  13. When I’m with You: 7,5

Cuando hablamos de Best Coast nos referimos al dúo conformado por Bethany Cosentino y Bobb Bruno. Está banda es otra de las nuevas apariciones dentro del mundo Indie que en los últimos años está creciendo poco a poco.

La formula de Best Coast, como podemos apreciar en Crazy For You, consiste en hacer canciones pop, en las que se realzan las melodías vocales de Cosentino (muy de los sesenta), combinando una pizca de psicodelia, generando un sonido alternativo fresco (muy de los noventa) que también hace uso del Lo-Fi. Las canciones del álbum son más bien cortas, son similares entre sí, pasando rápidamente para los oídos, demostrando la influencia de los Ramones.

Aunque la similitud de los cortes hace que por momentos Crazy For You resulte un poco repetitivo. Las letras tampoco son el fuerte de la banda, apelan más que nada a la inocencia y al amor juvenil, lo cual para algunos puede resultar algo inmaduro y hasta zonzo. Pero sepan que en el segundo disco es muchísimo peor.

En cuanto a los temas para destacar, el único que es un claro hit (para minas) es “Boyfriend”, que tiene un estribillo muy pegadizo. Es un poco gracioso porque la entonación de Cosentino suena a “I Wish she was my boyfriend”, es decir, “Desearía que ella fuera mi novio”, bastante contradictorio. Pero en lo personal me gusta “Honey», que es de lo más oscuro de la banda.

Así que en líneas generales, resaltándose las melodías y defraudando un poco desde lo lírico, Crazy For You es una buena propuesta. Lamentablemente no puedo decir lo mismo de su siguiente álbum.

Persy

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Steve Hackett

Steve Hackett – Voyage of the Alcolyte (1975)

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Steve Hackett - Voyage of the Alcolyte (1973)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Ace of Wands: 9
  2. Hands of the Priestess pt. 1: 8,5
  3. A Tower Struck Down: 8,5
  4. Hands of the Priestess pt. 2: 8
  5. The Hermit: 8
  6. Star of Sirius: 7,5
  7. The Lovers: 7
  8. Shadow of the Hierophant: 9,5

“El álbum perdido de Genesis”, ese es un titulo que se le ha dado a Voyage of the Alcolyte y no es por menos, ya que esta entrega de debut de Steve Hackett tiene un nivel que lo haría codearse sin muchos problemas entre los discos clásicos del Genesis de Gabriel.

Como miembro de Genesis, Steve había estado mostrando dotes compositivas y habilidad con la guitarra, no obstante se sentía incomodo debido a que sentía que cada vez tenía menos peso en la banda. Por tanto decidió preparar su primer disco cuando aun pertenecía a la banda, debido a este detalle es que el disco tiene un sonido similar al del Genesis de aquellos años.

Para la creación de este disco Hackett contó principalmente con la colaboración de sus compañeros de banda, Mike Rutherford (Bajo) y Phil Collins (Batería), así como de su hermano John Hackett (flauta) quien a veces suena idéntico a Peter Gabriel.

Consciente de que su principal habilidad radicaba con la guitarra, Hackett decidió centrarse en sacar a relucir sus riffs y arpeggios. Debido a este detalle de entre las ocho piezas presentes solo tenemos tres con interpretación vocal, el resto son instrumentales, todos ellos de calidad.

El álbum abre con la explosión guitarresca que es “Ace of Wands”, una de las piezas más destacadas del disco y sin duda que la más pegajosa.

Ambas partes de “Hands of the Priestess” son interesantes pasajes medievales de flauta y guitarra. Y si de interesante se trata “A Tower Struck Down” no se queda atrás con un sonido sucio y repetitivo, que nos hace recordar el disco Red de King Crimson.

Después tenemos las decentes canciones de “The Hermit”, la única donde Steve utiliza su voz, así como “Star of Sirius” que en mi opinión es un poco arruinada por el canto de Phil Collins.

Ahora bien, la mejor pista del disco la tenemos justo al final, hablamos de la esplendorosa “Shadow of the Hierophant”, en esta canción minimalista que le pega a los 12 minutos contamos con la participación vocal de Sally Oldfield (la hermana de Mike Oldfield) cuya suave voz se acopla perfectamente con el ambiente que Steve y compañía crean, todo esto para terminar en un épico cierre de guitarra, campanas y mellotrón.

El veredicto final es que Voyage of the Alcolyte es un disco altamente recomendable no solo para los amantes de Génesis, sino para cualquiera que guste del rock progresivo.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Can

Can – Soundtracks (1970)

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Can - Soundtracks (1970)

Puntaje del Disco: 7

  1. Deadlock: 7
  2. Tango Whiskyman: 6,5
  3. Deadlock (Titelmusik): –
  4. Don’t Turn the Light On, Leave Me Alone: 7
  5. Soul Desert: 5
  6. Mother Sky: 9,5
  7. She Brings the Rain: 8

Para comienzos de 1970 el sello discográfico de la legendaria banda de krautrock Can les demandaba un segundo material cuanto antes; a pesar de esto el grupo que tenía una cierta noción de cómo sería estaba lejos de terminarlo.

La solución para esto resultó ser la recopilación de todos los temas que los alemanes habían aportado a bandas de sonidos de películas exitosas en su país hasta la fecha: “Deadlock”, “Cream”, “Mädchen”, “Deep End” y “Bottom”.

Así bajo el nombre de Soundtracks (1970) nacería el sucesor de Monster Movie. Como dato importante el disco marca el último registro del vocalista Malcolm Mooney como parte de la banda en «Soul Desert» y «She Brings the Rain», y el primero de su reemplazante el excéntrico japonés Damo Suzuki responsable de las voces en el resto del material.

El tema “Mother Sky” de catorce minutos y medio de duración es el momento más lucido y justifica la escucha de todo el material. Reversionado en varias ocasiones “Mother Sky” fue incluido en una lista de la revista especializada Q en el puesto número 48 entre los “100 mejores temas de guitarras”.

Musicalmente Soundtracks ilustra la transición desde su sonido psicodélico primario hacia la electrónica y experimentación que se acentuaría en sus siguientes dos magistrales trabajos (Tago Mago y Ege Bemyasi).

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Blondie

Blondie – Blondie (1976)

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Blondie - Blondie (1976)

Puntaje del Disco: 8

  1. X Offender: 8,5
  2. Little Girl Lies: 7,5
  3. In The Flesh: 8
  4. Look Good in Blue: 7,5
  5. In The Sun: 7
  6. A Shark in Jets Clothing: 8,5
  7. Man Overboard: 8
  8. Rip Her to Shreds: 8
  9. Rifle Range: 7,5
  10. Kung Fu Girls: 6
  11. The Attack of the Giant Ants: 5

Blondie es una banda procedente de New York y un sinónimo del movimiento New Wave surgido a finales de los años. A diferencia de sus bandas pop contemporáneas, Blondie presenta una enérgica vocalista femenina en la rubia Debbie Harry (a la cual se debe el nombre de la banda), también como miembros prominentes figuran Chris Stein (Guitarra), Clem Burke (Batería) y Jimmy Destri (Sintetizador).

¿Qué se puede esperar de Blondie? Música acelerada, a veces hasta bailable, muy centrada en el uso de ganchos y con un uso extensivo de sintetizadores. Debbie Harry se expresa como una chica rebelde y seductiva, cualidades que definen ampliamente a la banda.

Precisamente la actitud punk de Debbie queda demostrada en el mismísimo álbum debut de la banda, ya que precisamente el disco abre con la controversial “X Offender” (originalmente llamada “Sex Offender”), canción que cuenta de una prostituta que se enamora de un policía que la ha arrestado. A partir de ese momento, la vocalista toma papeles que van desde una chica mala  (“Rip Her to Shreds”) hasta una enamorada joven desesperada (“In The Flesh”).

En cuanto al disco debut autonombrado con el nombre de la banda, nos encontramos con una diversidad musical, con canciones pop genéricas (“Little Girl Lies”, “A Shark in Jets Clothing”), tango (“Look Good in Blue”) y ritmos Funk (Man Overboard). Por desgracia a veces tanta experimentación se sale de control creando canciones molestas como “Kung Fu Girls” y The Attack of the Giant Ants“.

Por tanto Blondie termina siendo un disco regular, donde tenemos una alineación ambiciosa pero aun inmadura, por suerte esto se corregiría al avanzar el tiempo, convirtiendo así a Blondie en una de las bandas pop más interesantes de los últimos años de los setentas.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)
David Bowie

David Bowie – Scary Monsters (1980)

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David Bowie - Scary Monsters (1980)

Puntaje del Disco: 9

  1. It’s No Game (Part 1): 9
  2. Up The Hill Backwards: 8,5
  3. Scary Monsters (And Super Creeps): 8,5
  4. Ashes To Ashes: 9,5
  5. Fashion: 9
  6. Teenage Wildlife: 8,5
  7. Scream Like A Baby: 8
  8. Kingdom Come: 8,5
  9. Because You’re Young: 9
  10. It’s No Game (Part 2): 8,5 

La culminación de la etapa más experimental de Bowie. El Duque Blanco se había transformado en una estrella del Glam Rock, más adelante nos sorprendió con su trilogía de Krautrock. Ahora en Scary Monsters desarrolla un estilo que se acerca al Post Punk y al New Wave combinando los diferentes géneros en los que se supo desenvolver.

De esta forma, Scary Monsters tiene un sonido denso, por momento muy recargado y extravagante. Debo confesar que en las primeras escuchas me gustaba, pero no tanto como otros de sus anteriores trabajos. De a poco uno le va encontrando el atractivo, porque Bowie nunca deja de ofrecer muy buenas melodías y de reinventarse.

Además es un disco bastante diverso y sólido, con varios puntos altos para remarcar. El que se llevó la mayor atención fue “Ashes To Ashes”, un clásico, en el que Bowie retoma la historia de “Major Tom” (para quienes no lo recuerden del primer temazo del Duque “Space Oddity”). Pero también está “It’s No Game (Part 1)” que abre en gran forma el disco con esa bizarrísima voz nipona. “Fashion” es otra de las destacadas con su sonido bailable que ya anuncia de lleno la intromisión de David en los ochenta. Y está la guitarrera “Because You’re Young”, una de mis favoritas, que contó con la participación nada menos que de Pete Townshend.

El resto del material también es muy bueno. Scary Monsters es otro de los grandes discos de este genio que seguía mutando sin dejar de lado su esencia.

Persy

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(Votos: 3 Promedio: 4.3)
Queens of the Stone Age

Queens of the Stone Age – Queens of the Stone Age (1998)

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Queens of the Stone Age - Queens of the Stone Age (1998)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Regular John: 9
  2. Avon: 8
  3. If Only: 8,5
  4. Walkin’ on the Sidewalks: 7
  5. You Would Know: 7,5
  6. How to Handle a Rope: 8
  7. Mexicola: 8,5
  8. Hispanic Impressions: 5
  9. You Can’t Quit Me Baby: 7,5
  10. Give the Mule What He Wants: 6,5
  11. I Was a Teenage Hand Model: 6,5 

El primer disco de lo que hoy en día es Queens of the Stone Age. Como empezó la historia de esta banda es algo un tanto rara. Todo viene de la disolución de la banda de Stoner Rock, Kyuss, todos sus miembros tomaron distintos rumbos. Josh Homme comenzó un proyecto llamado Screaming Trees en 1996. Este estando en gira por Seattle contactó al ex baterista de Soundgarden, Matt Cameron, para grabar algunos demos, luego contacto al último baterista de Kyuss, Alfredo Hernández. Iban a grabar bajo el nombre de Gamma Ray, como ya existía ese nombre de una banda de Power Metal alemana, Homme decidió ponerle Queens of the Stone Age, ya que un compañero de ellos le había hecho un comentario que decía: «Chicos, suenan como la reina de la edad de piedra».

Lograron grabar su primer disco, el homónimo. Este disco fue todo un éxito para los fans de Kyuss, quienes no se quedaban solo con la etapa de Kyuss y le daban la bienvenida a una de las que se serían de las mejores bandas, QOTSA. Este disco es el más pesado entre los cinco discos que lleva esta banda, mantiene muchas las raíces y las matices de Kyuss.

«Regular John» es la primera canción, con un estridente y profundo sonido durante toda la canción, una voz provocativa de Homme lo realza y la hace una magnífica canción. «Avon» es grabada en las sesiones de la otra banda de Homme, Desert Sessions, es la primera de las seis canciones grabadas en Desert Sessions que aparece en este álbum de QOTSA. «If Only», es grabada como «If Only Everything» del disco Kyuss/Queens of the Stone Age.

«Mexicola» es la favorita por los fans en este disco, la cual siempre piden que la toquen en los conciertos, junto con «You Can’t Quit Me Baby», que aún en la gira del disco Era Vulgaris, ha sido interpretada. «Hispanic Impressions» es una canción instrumental, no muy bien lograda como se esperaba, pero no le quita lo bueno. «Give the Mule What He Wants» es de las sesiones de Gamma Ray, la cual es tocada por el ex baterista de Soundgarden, Matt Cameron.

Y en «I Was a Teenage Hand Model», se puede escuchar al final de la canción un mensaje de voz de Nick Oliveri (ex bajista de Kyuss) el cual dice que va a tocar en el próximo álbum de Queens.

En total, es un buen comienzo para la banda, es muy buen disco para lo que es hoy en día Queens of the Stone Age, un sin fin de artistas aún quieren tocar con esta banda y estos siempre tienen las puertas abiertas. Lo que fue en algún momento con Kyuss, lo es y seguirá siendo en QOTSA.

Miguel Pardellas

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Jack White

Jack White – Blunderbuss (2012)

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Jack White - Blunderbuss (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. Missing Pieces: 8,5
  2. Sixteen Saltines: 8
  3. Freedom at 21: 9
  4. Love Interruption: 8
  5. Blunderbuss: 8,5
  6. Hypocritical Kiss: 8,5
  7. Weep Themselves to Sleep: 8
  8. I’m Shakin’: 7
  9. Trash Tongue Talker: 7
  10. Hip (Eponymous) Poor Boy: 8
  11. I Guess I Should Go to Sleep: 7,5
  12. On and On and On: 7
  13. Take Me with You When You Go: 7,5

Jack White nunca se detiene, es un hombre inquieto y esa es una de las características más destacadas de uno de los artistas clave en los últimos tiempos. Por mas que The White Stripes, grupo con el que salto a la fama y el reconocimiento mundial, no se encontrara produciendo material, el se las rebusco para formar parte de distintos proyectos todos exitosos como The Racounters, The Dead Weather y como si le faltara algo se decidió por encarar una carrera solista.

El año 2012 lo encontró ante un nuevo desafío, grabar su propio álbum solista Blunderbuss. A pesar de haber declarado en alguna entrevista años atrás: “La idea de hacer discos solista hasta el fin de mis días me parecía demasiado fácil y aburrida”, el hombre que no puede quedarse quieto al menos por ahora recién cumplidos los treinta y seis años decidió experimentar una experiencia por su cuenta.

A pesar de esto White se apoyo en un grupo, no encontramos aquí un trabajo unipersonal, sobre esto Jack aclara lo siguiente: “Mucha gente había entendido eso. Me gustaría hacer un álbum realmente solo, lo haré sin duda algún día. Siempre dejo que las canciones me digan qué hacer con la música. Jamás digo “quiero hacer un disco country, o un disco de rock’n’roll, o un disco acústico”. Trabajo las melodías hasta que ellas encuentran una forma y se vuelven canciones. Para hacer un álbum solo, debería entonces decidir no trabajar con músicos y escuchar el humor de las canciones.”

En Blunderbuss encontramos un White mas tranquilo, refinado, rotando en diferentes músicos a lo largo de los temas y dejando los momentos intensos solamente para sus sobresalientes solos de guitarra marca registrada. El disco en líneas generales es muy bueno, ubicándose desde su salida como uno de los mejores del año gracias a algunos tracks que serán recordados como “Missing Pieces”, “Sixteen Saltines”, “Freedom at 21”, “Blunderbuss”, “Hypocritical Kiss” y “Hip (Eponymous) Poor Boy”.

Mas allá que se extrañen por momentos los golpes de batería incontrolables de Meg White que sumarían bastante en algunos temas, Jack nos ofrece un gran disco, a la altura de lo que esperamos de el y siempre a la vanguardia dentro del rock alternativo.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Linkin Park

Linkin Park – Minutes to Midnight (2007)

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Linkin Park – Minutes to Midnight

Puntaje del Disco: 0,5

  1. Wake: –
  2. Given Up: 1
  3. Leave Out All the Rest: 0
  4. Bleed It Out: 4
  5. Shadow of the Day: 0
  6. What I’ve Done: 6
  7. Hands Held High: 0
  8. No More Sorrow: 0,5
  9. Valentine’s Day: 0
  10. In Between: 4
  11. In Pieces: 0
  12. The Little Things Give You Away: 5

Después de Hybrid Theory y Meteora, y de robar con discos de remixes como Reanimation, llegaría en el 2007 el completo nadir en la carrera de Linkin Park: Minutes to Midnight.

Creo que conociéndolos nunca le pondría más de un “2” de puntaje a uno de sus discos, pero este trabajo está muy cerca de lo más horripilantes que se compusieron en la historia del rock. Minutes to Midnight es sin dudas el PEOR trabajo de la banda (en un catalogo que deja mucho que desear), reconocido incluso por muchos de sus fans que lo tomaron como una grandísima decepción.

Como diría Max Cavalera de Sepultura en una entrevista: “Todo se empezó a pudrir cuando aparecieron estas bandas pop como Limp Bizkit o Linkin Park. Se puso todo muy pop, sobre todo con Linkin Park… pelo corto, teclados, música muy pop, más rap que heavy metal, eso no es para mí”.

Fantástica descripción, pero a nuestro amigo metalero le faltó una pizca de rigor. En Minutes to Midnight Linkin Park muta a algo aún peor de lo que venían siendo: se transforman en una BOY BAND. Sí, la similitud con grupos como N SYNC es bochornosa. Y para colmo Chester Bennington se supera a sí mismo. Ya no solo exhibe sus intolerables gritos guturales sino que ahora también canta como si fuese Justin Timberlake. En otras palabras, Linkin Park es una completa mariconeada.

Esto se ve reflejado en las abundantes e infantiles baladas del disco: “Leave Out All the Rest”, “Shadow of the Day”, “Valentine’s Day”… Mi dios!!! No se cual de todas es peor!! Esto es más dañino que escuchar a Tokio Hotel!!

El resto de las canciones del disco no mejoran. Linkin Park al “suavizarse” abandonan prácticamente el metal. Lo más rockero vendría a ser “Given Up” de riff genérico y estructura que repite su formula del éxito poniendo un estribillo violento. Algo de Rap clásico del Nu Metal todavía queda, pero es puro, purísimo relleno de Shinoda como “Hands Held High”. También está “Bleed It Out” que tiene un poco más de ritmo gracias a Shinoda, Chester también trata de dar energía con sus condenados gritos, pero es más de lo mismo.

Mike Shinoda también interpreta “In Between”, otra balada, un poco más calma pero vacía. Tratan de experimentar con arreglos electrónicos como si fuesen Radiohead pero terminan pareciéndose a Simple Plan. “The Little Things Give You Away” es similar en ese sentido. Otra balada electro pop, melódica e insípida.

“What I’ve Done” (utilizada en la banda sonora de Transformers) sin ser la gran cosa es la única con un gancho que más o menos pega en su estribillo.

De todas formas, el disco no se salva. Minutes to Midnight es pura basura, en sus letras (que encima repiten frases entre sí), en sus composiciones y en su nuevo afrancesado estilo. ¿Aunque saben qué? A pesar de no ser ni del agrado de muchos seguidores de la banda, llegó a vender más de 12 millones de copias!! Es decir, más de 12 millones de personas fueron estafadas en el mundo, demostrando nuevamente que el éxito en ventas no implica que un disco sea bueno desde lo artístico.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Limp Bizkit

Limp Bizkit – Significant Other (1999)

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Limp_Bizkit_Significant_Other

Puntaje del Disco: 7.5

  1. Intro: –
  2. Just Like That: 7
  3. Nookie: 8
  4. Break Stuff: 7.5
  5. Re-Arranged: 8
  6. I’m Broke: 7  
  7. Nobody Like You: 6.5
  8. Don’t Go Off Wandering: 7
  9. 9 Teen 90 Nine: 7
  10. N 2 Gether Now: 7.5
  11. Trust?:7
  12. No Sex: 7
  13. Show Me What You Got: 7
  14. A Lesson Learned: 7.5
  15. Outro: 7

En menos de cuatro años Limp Bizkit había pasado de ser una banda que captó la atención de Korn a acaparar la atención de numerosos jóvenes que veían en Fred Durst una especie de ícono moderno que arremetía contra el sistema insultando y denigrando por doquier. En 1999 y tras cosechar buenas críticas con su disco debut, el grupo oriundo de Florida lanzó Significant Oher, considerado como uno de los más destacados de la banda.

Pasada la sensación de Three Dollar Bill Y’All, Durst y compañía debían al menos equiparar el esfuerzo realizado con el primer material. El hip hop fue uno de los géneros que Limp Bizkit incorporó en esta nueva producción (como se aprecia desde “Just Like That” y a través de los demás tracks), que escaló inmediatamente al número uno en los charts americano. “Nookie”, el primer sencillo del álbum es una cruda crítica del cantante hacia su exnovia, en un ritmo slung más lento que la hizo muy pegadiza. “Break Stuff” deja desde la primera estrofa la clara consigna de la canción de destruir cosas a modo de catarsis. “Re-Arranged”, por otra parte, baja un poco los decibeles para generar una de las canciones más logradas del disco.

“Significant Other” es un disco que mejoró lo hecho por el anterior trabajo y colocó a Limp Bizkit en los primeros planos de la escena de fines del siglo.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)