Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Snot – Get Some (1997)

Snot - Get Some (1997)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Snot: 6,5
  2. Stoopid: 6
  3. Joy Ride: 8
  4. The Box: 6,5
  5. Snooze Button: 7,5
  6. 313: 7
  7. Get Some: 6
  8. Deadfall: 7
  9. I Jus’ Lie: 6,5
  10. Get Some O’Deez: 6
  11. Unplugged: 6
  12. Tecato: 7,5
  13. Mr. Brett: 6
  14. Get Some Keez: 5,5
  15. My Balls: 6,5

Snot fue una banda estadounidense de funk metal, nu metal y punk, una de las primeras (y quizá de las mejores) en abanderar esa amalgama de estilos que se llamaría a la postre nu metal. Se formaron en 1995, con el cantante Lynn Strait, el bajista Lethal Dose y el guitarrista Mike Doling, incorporando nuevos miembros en los años posteriores.

Snot son en sí una rara avis en su género. Casi todos los grupos de nu metal que son -mundialmente- conocidos tienen o han tenido un gran éxito comercial, pero malas críticas. Snot son el caso inverso: muchos alabaron su buena capacidad de sintetizar los ritmos del hardcore y del funk, y un toque hip hop con las estructuras del metal clásico, pero las ventas no se expandieron masivamente más allá de su California natal.

El álbum comienza con «Snot», un tema metal muy clásico, una especie de mezcla entre el culto al riff de Black Sabbath y el funky ochentero de Red Hot Chili Peppers. «Snooky» sigue la línea, evocando los mejores tiempos de Rage Against The Machine, aunque con menor acierto. Pasamos luego a «Joy Ride», la gran joya de este disco. Un témpano hard rock a la vieja usanza perfectamente pensado y combinado con velocidad y con una letra que encaja a la perfección.

La fórmula en todos los temas suele ser prácticamente la misma. Encontramos las vertientes thrash y grindcore en «My Balls», en la que recuerdan la rabia de los Napalm Death, la adictiva «Snooze Button» con melodías a lo Tom Morello, el thrash metal de influjo Motörhead de «Deadfall» (otra de las destacadas con un desconcertante toque de banjo incluido), así como otras canciones que pueden englobarse más propiamente en el nu metal, sobre todo «The Box», tema que les emparenta con Korn y con Limp Bizkit, «I Jus’ Lie», con una doble voz y un reseñable bajo grindcore muy influyentes en los años siguientes o la menos inspirada «Get Some», tema bien construido pero que únicamente busca el estribillo fácil.

En el álbum, los californianos nos ofrecen también tres instrumentales, siendo «313» sin duda el más original. Quizá ésta sea la pieza más «experimental» de la banda y de todo el nu metal junto con «Shoots and Ladders» de Korn y «Nobody Like You» de Limp Bizkit. «Get Some O’Deez», deudora de Red Hot Chili Peppers, y «Get Some Keez», un soul instrumental con un ritmo clásico del nu metal, pasan aquí sin pena ni gloria para el oyente, al igual que la divertida (y esta vez cantada) «Mr. Brett».

Don’t believe the lies nos cantan en «Umplugged», mensaje y música que no se salen del estilo marcado, mientras que «Tecato», otro de los indiscutibles puntos fuertes del disco es un tema de mayor inspiración punk, con ramalazos de Sonic Youth y evocaciones a la filosofía cuasi depresiva de Mission of Burma, resumiendo perfectamente el estilo y el mensaje principales del disco.

En resumen, no estamos ni de lejos ante una de las piedras filosofales de la historia del metal (a excepción del primer disco de Korn ninguno de los discos de la ola nu metal lo es) pero no deja de ser, con sus fallos y su, por momentos, evidente falta de ideas, un conjunto disfrutable de canciones que mezclan el rap, un bajo funky y la rapidez guitarrera del thrash que gustarán a cualquier fan del género, y que supera con mucho a otros grupos del estilo mucho más encumbrados y comerciales.

Ruben S.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Deftones – White Pony (2000)

Deftones - White Pony (2000)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Feiticeira: 7,5
  2. Digital Bath: 8
  3. Elite: 5,5
  4. Rx Queen: 7
  5. Street Carp: 6
  6. Teenager: 7,5
  7. Knife Party: 7
  8. Korea: 6,5
  9. Passenger: 8
  10. Change (In the House of Flies): 9,5
  11. Pink Maggit: 7,5

El sonido de Deftones ha sido siempre difícil de explicar o de catalogar en un género específico. Pero a pesar de no sentirse comodos en ese lugar han sido uno de los grupos que mejor capitalizo la movida del Nu Metal a principios de la década pasada.

Formados en Sacramento, California en 1988 comenzaron como una banda de heavy metal con ciertas influencias de hard rock y rock alternativo. Sus dos primeros trabajos Adrenaline (1995) y Around the Fur (1997) sirvieron para hacerse conocidos fronteras adentro de su propio país; pero recién con su tercera placa White Pony (2000) Deftones lograría adquirir un nombre a nivel mundial ganándose el respeto de la crítica especializada y logrando sonar masivamente.

La etiqueta de abanderados del Nu Metal les sentó incomoda desde siempre: “La gente intentó que estuviésemos dentro de esa escena del nuevo metal, pero nosotros estábamos en otra onda. Todos en ese momento hacían lo mismo, pero en nuestro caso teníamos un sonido propio. Nuestras influencias nos diferenciaban del resto, el thrash metal, la electrónica o el pop-rock de los ochentas, eso provocaba que fuésemos distintos a los demás. Faith No More era un buen ejemplo para el grupo, porque cada disco era siempre una reformulación de su estilo, con el rock, el hip-hop o cualquier cosa que se les pasase por la cabeza como posibilidad sonora” de esta forma su líder Chino Moreno dejaba claro que no les interesaba formar parte de esta movida.

«Change (In the House of Flies)» y «Digital Bath” fueron los temas emblemáticos de White Pony. Algunos otros como la tranquila “Teenager” sorprendieron por la variación con respecto al estilo de la banda. También vale la pena destacar la presencia de Maynard James Keenan cantante de Tool quien se desenvuelve muy bien en el dúo que realizan con Moreno en “Passenger”.

A pesar de renegar de la etiqueta de “banda clave de Nu Metal”, gracias a esta corriente Deftones incrementó su popularidad sideralmente y logró mantenerse a través de los años mutando en su sonido. Una de las virtudes de los californianos fue justamente esta, contar con la versatilidad para desarrollar distintos estilos durante su carrera, como el metal alternativo, heavy metal, hip hop, Nu metal, post-grunge, rock alternativo, rock progresivo y rock experimental.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Korn – Korn (1994)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Blind: 7.5
  2. Ball Tongue: 7
  3. Need To: 7
  4. Clown: 7
  5. Divine: 7
  6. Faget: 7.5
  7. Shoots and Ladders: 8
  8. Predictable: 7
  9. Fake: 7
  10. Lies: 7.5
  11. Helmet in the Bush: 7
  12. Daddy: 7

Durante la época del movimiento grungue con Nirvana y Pearl Jam a la cabeza, hubo también una nueva oleada de metal que se hizo presente a mediados de los noventa. Una de las primeras bandas en llevar adelante estos nuevos sonidos fue Korn.

Esta agrupación sugió como una confluencia entre el cantante Jonathan Davis, que a comienzos de los noventa lideraba el grupo Sexart y el resto de los músicos  que eran parte de LAPD, entre quienes estaban James «Munky» Shaffer, David Silveria, Reginald «Fieldy» Arvizu y Brian «Head» Welch. Tras oir cantar a Davis, queLAPD quedó asombrado con su voz y pronto se formó la unión de lo que luego sería Korn.

En 1994 se lanzó el álbum debut del grupo sin la promoción de las radios o de la MTV, como sí tenían por entonces numerosos grupos devenidos del rock. A pesar de la poca promoción que recibió el disco, obtuvo buenos resultados de venta así como también la aprobación de los críticos que dieron una respuesta favorable al material.

La cruda voz de Davis y sus problemas personales son la principal característica del disco, mientras que las guitarras distorsionadas dan un aspecto más lúgubre y terrorífico a las composiciones. Temas como «Faget», «Shoots and Ladders» se destacan por el grado de dramatismo que Davis le pone a las estrofas.

Con el álbum debuto Korn no sólo expresó su malestar con la sociedad sino que además abrió la puerta para numerosas bandas de lo que se conocería como el Nu Metal.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Slipknot – Slipknot (1999)

Slipknot - Slipknot (1999)

Puntaje del Disco: 1

  1. 742617000027:
  2. (Sic): 4
  3. Eyeless: 1,5
  4. Wait and Bleed: 3,5
  5. Surfacing: 0
  6. Spit It Out: 0,5
  7. Tattered and Torn: 1,5
  8. Frail Limb Nursery: –
  9. Purity: 5
  10. Liberate: 4
  11. Prosthetics: 3
  12. No Life: 1
  13. Diluted: 0
  14. Only One: 0
  15. Scissors: 0

Fuck me! i’m all out of enemies! Fuck me! i’m all out of enemas!” / “Fuck this – How long have I had this?” / “You will be mine! Ah, fucking you will be mine!” / “Fuck it all! fuck this world! / fuck everything that you stand for!” / “FUCK! FUCK! FUCK” / «FUCK IT ALL!!!!«. Nunca escuche tantas veces la palabra Fuck en un disco. Lo que nos insita a la reflexión: ¿¿¿Qué mierda les pasa a estos tipos??? O en ingles: What the Fuck is wrong with these people???

Hay formas de expresar el disgusto, el resentimiento y la ira con el mundo. Pero esto es simplemente una atrocidad inaguantable capaz de hacer sangrar los oídos de cualquier persona. Seriamente hablando, al escuchar a Slipknot uno se cuestiona muchas cosas. ¿Donde está el atractivo en escuchar una banda de un conjunto de salames que se visten con mascaras sacadas de “la masacre de Texas” como si eso los hiciera malos? ¿Qué tiene de interesante un disco en donde lo único que se escucha son gritos guturales, riffs repetitivos y metalcore infumable? ¿Hay gente que se sienta a escuchar esto con algún propósito en particular? ¿Los hace sentir felices, miserables o los llena de ganas para salir a la calle revoleando la cabeza y haciendo gritos repulsivos en los que no falte la palabra “Fuck”? Habría que preguntarle a los fanáticos de Slipknot. Pero evidentemente sobre gustos no hay nada escrito.

En lo personal no le encuentro ningún atractivo o virtud destacable a la banda. Slipknot apesta en líneas generales. No solo por las letras, que como señalaba antes son agresivas abusando de insultos indiscriminados, musicalmente no traen nada particularmente nuevo u original. Es metal alternativo en el que incorporan algo de rap que le da esa tonalidad típica de Nu Metal. Y como podemos apreciar en este disco (el que los llevó a la fama y el más reconocido en general) las canciones no solo son reiterativas, son vomitivas en cuanto a nivel compositivo y prácticamente nulas desde lo melódico. Es metalcore hueco ejecutado por este grupo de trogloditas rabiosos (encabezados por su insufrible cantante Corey Taylor) con un resentimiento interno que pide urgente que los internen en un psiquiátrico de por vida.

En cuanto al nivel de las canciones en sí es muy bajo. No se salva ni el single “Wait and Bleed”. La única más o menos potable (pero igual floja) es “Purity”, ofreciendo algo más o menos distinto, donde lo estribillo no es tan malo y además no dicen tanto la palabra fuck (solo un par de veces, que se le va a hacer).

El álbum es un producto horrible, fruto del auge de este estilo que fue moda hace algunos años, en el que Slipknot también supo como aprovechar su insoportable superposición comercial.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Papa Roach – Lovehatetragedy (2002)

Papa Roach - Lovehatetragedy (2002)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. M-80 (Explosive Energy Movement): 6
  2. Life Is a Bullet: 7
  3. Time and Time Again: 7,5
  4. Walking Thru Barbed Wire: 6,5
  5. Decompression Period: 6,5
  6. Born with Nothing, Die with Everything: 6
  7. She Loves Me Not: 7,5
  8. Singular Indestructible Droid: 7
  9. Black Clouds: 6
  10. Code of Energy: 7
  11. Lovehatetragedy: 5

Para Lovehatetragedy, Papa Roach abandonó su obsesión por fusionar el rock y el rap exhibida en sus primeros discos (con excepción del efectivo «She Loves Me Not» que irónicamente resulto ser el mejor tema del álbum) para volcarse a un metal puro mucho más directo y potente pero sin dejar de lado las melodías.

Lanzado al mercado en junio de 2002 Lovehatetragedy no resultó tan exitoso comercialmente como su antecesor pero recibió mejores críticas que este último y llevo a ser más reconocido por el público más allá del mundillo del Nu Metal.

Para certificar el cambio de estilo el cantante Coby Dick decidió cambiarse su nombre ficticio al de su nacimiento Jacoby Shaddix.

En el sonido de la banda se puede vislumbrar una onda más viva, no tan apagada ni pesimista como en su anterior material, lo que lo hace mucho más fácil de digerir.

Sin llegar a ser un disco que me guste puedo reconocer que Papa Roach ha logrado superarse y comparándolo con otras bandas que supieron contar con tanta o más difusión en aquella época dentro de su género, como Linkin Park o Slipknot por citar un par de casos, los encuentro mucho más originales y refrescantes.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Roy Orbison – Sings Lonely and Blue (1961)

Roy Orbison - Sings Lonely and Blue (1961)

Puntaje del Disco: 8

  1. Only The Lonely: 9,5
  2. Bye Bye Love: 8
  3. Cry: 8,5
  4. Blue Avenue: 8
  5. I Can’t Stop Loving You: 7
  6. Come Back to Me (my Love): 8,5
  7. Blue Angel: 9,5
  8. Rain Drops: 7,5
  9. (I’d Be) A Legend in My Time: 8
  10.  I’m Hurtin’: 7,5
  11.  22 Days7,5
  12.  I’ll Say It’s My Fault: 7, 5

Mientras Elvis Presley,  Jerry Lee Lewis y Carl Perkins deleitaban con su alegre música Rockabilly a finales de los 50s, una nueva figura se presentaría cantando rock con un estilo melodramático, con canciones de desamores y soledad, contrastando con el rock n’ roll habitual de su tiempo. Una figura muy respetable en la historia del rock, el legendario Roy Orbison se daba a conocer al mundo.

Nacido en 1936 en Texas, Roy demostró talento musical desde muy temprana edad, tras hacer presentaciones con su segunda banda “The King Teens”,  se acercó a Johnny Cash en 1955, consiguiendo así firmar su primer contrato musical con Sun Records. A partir de ese momento empezó el ascenso de Orbison como estrella del Rock de los sesentas.

Al oír las canciones de Orbison, lo que más destaca es su poderosa voz barítono, no es coincidencia que muchas personas del mundo de la música le consideran como una de las más distinguibles voces masculinas en la historia de la música contemporánea.

Sings  Lonely and Blue es el disco debut de Orbison, fue lanzado en 1961 por la disquera Monument Records.  Acompañado de su guitarra, una sección de cuerdas, coristas Doo Wop y contando con el apoyo de su gran colaborador Joe Melsom, Roy Orbison presenta una serie de canciones de amor, donde toma el rol de un hombre solitario y emocional.

Como canciones destacadas del disco tenemos “Only The Lonely” la balada con coros que se convirtió en el primer hit de Orbison, así como “Blue Angel” donde Roy presenta su mejor interpretación vocal de todo el disco al utilizar excelentes falsetes.

También están “Bye Bye Love” que sigue la tendencia de utilizar coros de fondo como apoyo a su voz, “Cry” una agradable pieza hecha para los que han terminado una relación  y “Come Back to Me (my Love)” una especie de clon de “Only The Lonely”.

La carrera de “The Big O” despegaba, le esperarían altos y bajos tanto musicalmente como en su vida personal. Un hombre misterioso desde principio hasta fin, que se convertiría en la influencia de muchos artistas como Bruce Springsteen y Bono.

Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 5)

Patti Smith – Wave (1979)

Patti Smith - Wave (1979)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Frederick7
  2. Dancing Barefoot7,5
  3. So You Want to Be (A Rock ‘n’ Roll Star): 7,5
  4. Hymn: 6
  5. Revenge: 6,5
  6. Citizen Ship: 7
  7. Seven Ways of Going: 7
  8. Broken Flag: 6,5
  9. Wave5

Wave (1979) es el álbum de Patti Smith más convencional. Producido por Todd Rundgren la influencia de este último llevó a Patti a enfocarse en sonidos pop/rock convencionales dejando de lado los delirios y experimentaciones de la artista.

Wave fue el último LP antes de que Smith se case con Fred “Sonic” Smith, el mítico guitarrista de los MC5, y se retire del mercado musical por muchos años.

Dentro de lo más recordado en esta despedida prematura nos encontramos con “Frederick” una canción de amor dedicado a su esposo, “Dancing Barefoot” buen track reversionado por varios artistas años después y “So You Want to Be (A Rock ‘n’ Roll Star)” cover de The Byrds. También recordada pero para mal tenemos a una supuesta conversación entre Patti y el papa Juan Pablo I en el tema que le da nombre al álbum.

Comercialmente tuve menos éxito que su antecesor más reciente: Easter. Pero poco le importo seguramente esto a Patti ya que luego de una gira por el viejo continente pondría un punto final a la música, pero claro no definitivamente.

Su nueva vida consistió en recluirse en un suburbio de Detroit, junto con su marido. Con él tuvo dos hijos, Jackson y Jesse. Sobre esta decisión Smith declararía lo siguiente: «Encontré a mi hombre, y toda mi vida estuve buscando a un hombre a quien amar. Quiero tener hijos y ser una buena madre y una buena esposa. Eso es todo lo que quiero hacer». Luego de prácticamente desaparecer sólo se supo de Patti en 1988, cuando editó un disco de pequeña tirada, Dream of Life. La vuelta en grande se llevaría a cabo en 1996 con Gone Again, la música la extrañó por años pero actualmente con más de sesenta y cinco abriles continúa vigente.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Guided By Voices – Alien Lanes (1996)

Guided By Voices - Alien Lanes (1996)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. A Salty Salute: 8
  2. Evil Speakers: 7,5
  3. Watch Me Jumpstart: 9
  4. They’re Not Witches: 8
  5. As We Go Up, We Go Down: 8,5
  6. (I Wanna Be A) Dumbcharger: 8
  7. Game Of Pricks: 8
  8. The Ugly Vision: 8,5
  9. A Good Flying Bird: 8
  10. Cigarette Tricks:
  11. Pimple Zoo: 8
  12. Big Chief Chinese Restaurant: 7,5
  13. Closer You Are: 7,5
  14. Auditorium: 7,5
  15. Motor Away: 8,5
  16. Hit:
  17. My Valuable Hunting Knife: 7
  18. Gold Hick:
  19. King And Caroline: 7,5
  20. Striped White Jets: 8
  21. Ex-Supermodel: 6
  22. Blimps Go 90: 8
  23. Straw Dogs: 5,5
  24. Chicken Blows: 7
  25. Little Whirl: 6
  26. My Son Cool: 6,5
  27. Always Crush Me: 8
  28. Alright: 7

Tras el éxito de Bee Thounsand, por lo general el álbum más reconocido de la discografía de Guided By Voices, para sus siguientes trabajos la banda intentaría repetir la misma formula. ¿A qué me refiero? Como se puede apreciar en Alien Lanes, vuelven a realizar un disco conformado por muchos temas cortos (de entre 1 y 2 minutos de duración), aunque el resultado no llegó a ser tan auspicioso.

Cuando escuchamos a Alien Lanes parece similar a su predecesor. Robert Pollard sigue demostrando que es un genio componiendo es canciones breves que pese a su corta duración son más que simples viñetas. Esa mezcla de rock de los sesenta (bien Beatle) con el sonido más crudo y lo-fi de rock alternativo de los noventa es un gran atractivo. Sin embargo, el nivel compositivo no llega a la altura de Bee Thousand. En muchos casos, especialmente en la segunda parte del disco, aparecen muchos cortes que suenan a relleno, afectando a la consistencia del álbum.

De todas formas, hay canciones diversas (ya sea alegres, oscuras, rockeras, suaves, psicodélicas o acústicas) y de muy buenas melodías para destacar. “Watch Me Jumpstart” tiene un riff sucio pulverizante y muy buen estribillo. “As We Go Up, We Go Down” es un tema pop encantador. También está la acústica “The Ugly Vision” que tene un aire más sombrío y drogón. Así podemos seguir por estas 28 cancioncitas que pese a sus diferencias siempre tienen algo para ofrecer.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Ty Segall – Twins (2012)

Ty Segall - Twins (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. Thank God for Sinners: 8,5
  2. You’re the Doctor: 9
  3. Inside Your Heart: 7
  4. The Hill: 7,5
  5. Would You Be My Love: 8
  6. Ghost: 7
  7. They Told Me Too: 7,5
  8. Love Fuzz: 7,5
  9. Handglams: 8
  10. Who Are You: 8,5
  11. Gold on the Sore: 7
  12. There is No Tomorrow: 8

Ty Segall, el año 2012 fue el de él . El guitarrista de 25 años y ya con 9 placas discográficas bajo su brazo arrasó este año, literalmente, ya qué en el 2012 sacó tres discos. El primer disco lo sacó en Abril, junto con el otro gran guitarrista infravalorado del Garage Rock, White Fence. El segundo disco lo sacó con su banda, Ty Segall Band, a finales de Junio. Y este último solista, a mediados de Octubre.

Hay que admitirlo, sacar tres discos en un año no es nada fácil, y más encima que todos estos tengan una gran calidad en sonido. Las canciones varian por todos los estilos destinados al Garage Rock o similares, pasando de Garage de los 70’s como el de T.Rex, Stooges y ahora variando un estilo como el actual Thee Oh Sees.

Consideró que los puntos más altos en este disco son sus tres primeras canciones, comienza muy bien, ya luego baja un poquito el nivel, hasta cuando llega a «Who Are You», que tiene un ritmo mezclado con Fuzz increíble.

El Fuzz pasea por todas las canciones, y lo hace manera sucia y ruda, lo que incita a que esto sea aún mucho mejor. El acústico empieza con «Gold on the Sore», pues, no es algo clásico que encontremos en Ty, pero igual le sentó muy bien hay que decir.

A ver si en este 2013 se toma un descanso (aunque  no lo creo) pues, no no has dado respiro este joven guitarrista, pero una producción tan masiva tiene que llegar hasta cierto punto, quizás llega a cansar. Eso sí, Ty Segall no nos ha dejado de sorprender, tu psicodelia y rudeza en guitarra nos invita a seguir escuchando más de su trabajo.

Miguel Pardellas

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Moby – Last Night (2008)

Moby - Last Night (2008)

Puntaje del Disco: 7

  1. Ooh Yeah: 7
  2. I Love to Move in Here: 7
  3. 257.zero: 5,5
  4. Everyday It’s 1989: 7
  5. Live for Tomorrow: 7
  6. Alice: 8
  7. Hyenas: 7
  8. I’m in Love´: 7
  9. Disco Lies: 8
  10. The Stars: 8
  11. Degenerates: 6
  12. Sweet Apocalypse: 7
  13. Mothers of the Night: 6
  14. Last Night: 7
  15. Lucy Vida: 6,5

Moby ha sido protagonista de la cultura de clubs en Nueva York desde comienzos de la década del ochenta y según sus propias palabras en este su octavo material discográfico, Last Night (2008), se ocupa de rendir tributo a numerosas variedades de música dance que han caído dentro y fuera de la moda durante ese lapso.

Según cuenta Moby en una entrevista de la época: “Al haber estado saliendo a clubes bailables desde 1981 estuve expuesto a diferentes tipos de música. Y encuentro la escena musical de Nueva York como una inspiración, la gente es muy pasional y abierta con la música en esta ciudad y tenemos tantas diferentes culturas que influenciaron a la música aquí, tenemos elementos sudamericanos, asiáticos, europeos, africanos que se combinan para hacer música en esta ciudad.”

A pesar de los esfuerzos del inquieto artista muy pocas pistas se encuentran a la altura de lo esperado y a añares de distancia de su consagratorios Play (1999) y 18 (2002). El tema más hitero y que logró sobresalir un poco “Disco Lies”, la hip hopera “Alice” y la electrónica “The Stars” son solo una excepción dentro de un listado de temas bastante chatos, la gran mayoría no hubieran tenido lugar en un disco de Moby anterior.

Otro elemento destacable que encontramos en Last Night es la gran cantidad de invitados en voces y la disminución en canciones cantadas por el mismo, sobre esto se explayaba el artista en la entrevista anteriormente citada: “Si tuviera una hermosa voz cantaría en todas mis canciones, pero especialmente para hacer un disco dance quería hacerlo con hermosas voces femeninas que siempre me pareció mas interesante. Quise hacer este álbum mas amigable para un ambiente social, porque mis últimos dos trabajos fueron un poco más introspectivos y Last Night lo hice con mis amigos y trata sobre salir a divertirse y pasarla bien.”

Last Night no es un gran paso en la carrera de Moby ni será recordado con el correr de los años pero aún así tiene pasajes entretenidos y como lo expresa el propio autor es ideal para dejar sonar de fondo en una reunión o en una fiesta y no te va a hacer quedar mal.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)