Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Muse – The 2nd Law (2012)

Puntaje del Disco: 8

  1. Supremacy: 7
  2. Madness: 9
  3. Panic Station: 8
  4. Prelude:
  5. Survival: 10
  6. Follow Me: 8,5
  7. Animals: 7,5
  8. Explorers: 7
  9. Big Freeze: 7
  10. Save Me: 8
  11. Liquid State: 8
  12. The 2nd Law: Unsustainable: 8,5
  13. The 2nd Law: Isolated System: 8,5

THE 2ND LAW, nuevo disco de la banda británica Muse, evoca un sonido épico, que ya venia sonando con Survival , canciónoficial de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, luego seria parte del disco.Con este adelanto que nos entregaron los británicos, no se podía esperar más que un disco brillante, con sonidos agudos que abunda a lo largo del disco, lo épico no queda de lado, esta presente en cada track, letras suaves,

Madness debutó como primer single el 20 de Agosto, pero no fue hasta el 5 de septiembre cuando Muse publicó el videoclip de la canción a través de la cuenta de YouTube oficial.

El trabajo realizado por los muchachos de Teignmouth, dejan atrás a The Resistance, su anterior disco, que les dio el gusto de ser la banda que acompaño a U2 en una larga gira por el mundo.

A diferencia del disco, The Resistance. THE 2ND LAW propone un sonido soft, que invita a oírlo con auriculares dentro de algún embotellamiento, y perderse dentro de las cálidas melodías.

Survival, es sin ninguna duda el mejor track del disco, cierra por todos lados y tuvo el lujo de ser el tema oficial de los Juegos Olímpicos Londres 2012. Madness, el mismo titulo lo dice un sinfín de sonidos suaves, de ritmo lento, pero muy eficaz y muy amigable para el oído. Panic Station un entra en esta lista de destacados con un ritmo que remite a las años 80, pero actualizado. Follow me, una gran canción casi recitada. The 2nd Law: Unsustainable  The 2nd Law: Isolated System,  estos tres temas sobresale el Dubstep que le da la marcha para cerrar el disco, con nuevos sonidos utilizados por Muse, que hacen que esta placa sea totalmente diferente a las anteriores.

G.S.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Pulp en Argentina – Estadio Luna Park (21/11/2012)

 

Pasadas las 21:30 en un Luna Park repleto (por lo menos en el sector del campo) comenzaría uno de los shows mas esperados del año. La primera presentación de uno de los pilares del Britpop y de la década del noventa, Pulp pisaría fuerte el escenario luego de una introducción con frases con rayos laser contra un telón, el flaco Jarvis y su trouppe comenzarían con su setlist impecable con «Do You Remember the First Time?», canción clave que forma parte del quiebre que implicó en su carrera His ‘n’ Hers.

Jarvis Cocker demostró en todo momento que es uno de los frontmans más carismáticos, excéntricos, histriónicos y cautivantes que existen en el mundo del rock. Incansable, no paro en las más de dos horas de concierto de moverse, bailar, posar, subir, bajar, además interactuó con el público desde un comienzo con frases en castellano, o mejor dicho en “argentino”, que tenía escritas en un papel y las iba tirando cada tanto como: “La noche está en pañales”, “Esta es la verdad de la milanesa”, se atrevió a corregir al público cuando empezaron a corear su nombre y el los corto en seco: «No, esto es una banda, esto es Pulp» y además de todo esto canta endemoniadamente bien.

El primer pogo de la noche se dio como era de esperarse con el clásico “Disco 2000” a la que le siguió uno de mis momentos favoritos del concierto una seguidilla de temas más relajados con ciertas experimentaciones como “Sorted for E´s and Wizz”, “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” y “Acrylic Afternoons”.

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Otra de las más celebradas fue la impecable “This is Hardcore” que suena en vivo tan desgarradora como en su versión original. El final de la primera etapa del concierto llego de la mano de su gran hit “Common People” que hizo delirar a todo el público presente.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=v1X_L_LKHOM]

Para la primera tanda de bises Jarvis comenzó con: «Una canción que hace mucho que no hacemos», se trataba de “Mile End”que formó parte de la banda de sonidos de la película Trainspotting, seguida por “A Little Soul” y “Help the Aged” para luego volver a retirarse del escenario con otro clásico como “Mis-Shapes”.

En medio de una ovación los británicos volverían al escenario para cerrar definitivamente con “Live Bed Show” y “Party Hard” con un megáfono incluido una noche inolvidable y tan esperada para sus fanáticos que podrán decir de aquí en más: ¿Te acuerdas de la primera vez?

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Lou Reed – The Bells (1979)

Puntaje del Disco: 8

  1. Stupid Man: 9
  2. Disco Mystic: 8,5
  3. I Want to Boogie with You: 8
  4. With You: 7
  5. Looking for Love: 7,5
  6. City Limits: 8
  7. All Through the Night: 8
  8. Families: 7,5
  9. The Bells: 9

La forma de Lou Reed de despedir a la década de los setenta. The Bells aunque no llegue a ser un clásico del cantautor, perpetúa el muy buen nivel que ya se escuchaba en Street Hassle.

The Bells se destaca por ser un disco bastante entretenido. Los temas de Reed tienen melodías algo delirantes pero que pegan y son divertidas (en cierto punto recuerda a Bowie). Pero lo primordial es como experimenta a base del teclado y piano de Michael Fonfara, con el aporte en trompeta de Don Cherry y en saxofón de Marty Fogel. Por eso el álbum tiene un aire jazzero constante aunque no llega a ser jazz rock.

De esta forma Reed rockea con mucha onda en cada uno de sus temas con bastante versatilidad moviéndose en distintos estilos. El tipo hizo que una canción disco/funk como “Disco Mystic”, que por más repetitiva que resulte, sea realmente genial. “Stupid Man” es una de las más divertidas y con una de las mejores melodías del disco. También se puede remarcar el tributo a Charlie Chaplin en “City Limits”, así como “All Through the Night”, un corte que entretiene en esa mezcla entre la interpretación de Reed y las conversaciones de fondo. Y como cierre está la homónima “The Bells”, la que más se acerca a Metal Machine Music y la versión más cruda de The Velvet. Es un corte de más de 9 minutos bastante sombrío, tétrico y disonante, con sus pinceladas de saxo que lo conectan con el esto del disco.

En lo personal The Bells me parece un muy buen trabajo, interesante desde lo experimental pero sin abandonar su afán de aportar melodías que entretienen.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Queens of the Stone Age – Era Vulgaris (2007)

Puntaje del Disco: 9

  1. Turnin’ on the Screw: 7
  2. Sick, Sick, Sick: 9
  3. I’m Designer: 8
  4. Into the Hollow: 9
  5. Misfit Love: 8,5
  6. Battery Acid: 8
  7. Make It wit Chu: 10
  8. 3’s & 7’s: 9,5
  9. Suture Up Your Future: 7
  10. River in the Road: 6,5
  11. Run, Pig, Run: 7,5

El quinto y último álbum de Queens of the Stone Age, es ante todo un disco extraño, crudo y retorcido.  Pero que se puede decir, si es el encanto de QOTSA. La web Duuma.com lo denominó: «Es un obra esquizofrénica y peliaguda a la que es necesario hincarle el diente con decisión y coraje». Josh Homme acompañado de otro grupo de músicos reconocidos nos da inicio a su última placa discográfica que fue bien acogida por el público y por la crítica popular.

Este disco fue grabado en varios estudios y tardó un año en hacerlo. Josh Homme reconoce: «las canciones de Songs of the Deaf estaban inspiradas en el paisaje que te rodea al conducir por el desierto de California del Sur. Esta vez me inspiré más en el conducir a través de Hollywood y su especial paisaje».

Se volvieron a producir las colaboraciones de distintos músicos, por lo menos, la de Julian Casablancas (The Strokes) en la canción «Sick, Sick, Sick», en la guitarra y los coros. Liam Lynch, Mark Lanegan, Serrina Sims y Brody Dalle-Homme (esposa de Josh Homme y líder de Spinnerette) en los coros de «Make It wit Chu». Y sobretodo la participación de Trent Reznor (Nine Inch Niles) en el Bonus Track «Era Vulgaris».

Lo curioso de este Bonus Track fue que QOTSA anunció un concurso masivo que invitaba a participar a los concursantes en una trivía para ganar un paquete especial de la banda. Los ganadores de este paquete pudieron acceder a la canción «Era Vulgaris». Además, el CD tenía una carta escrita por el mismo Josh Homme que decía: «Difundir esta canción a lo máximo posible. Al diablo el Copyright, grábenla en discos, súbanla donde les plazca, este es un regalo para ustedes… ¡Disfrútenlo!».

Esto demuestra lo muy capo que llega a ser este frontman, que no le teme a nada, puede experimentar con lo que sea, implementar instrumentos infravalorados y le sale bien. Los puntos altos de este son «Into the Hollow», «Make It wit Chu» y «3’s & 7’s». Pero es de estos discos que de una vez que pones la primera canción, no vas a querer pasarla y esperar al combo completo.

Miguel Pardellas

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Creed – Human Clay (1999)

Puntaje del Disco: 7

  1. Are You Ready?: 7,5
  2. What If: 7
  3. Beautiful: 7
  4. Say I: 7
  5. Wrong Way: 8
  6. Faceless Man: 7,5
  7. Never Die: 6,5
  8. With Arms Wide Open: 7
  9. Higher: 7,5
  10. Wash Away Those Years: 7
  11. Inside Us All: 7

La mayoría de los críticos y el ambiente de la música en si no le dio demasiado crédito al debut de Creed, My Own Prision (1997), pero la aparición dos años más tarde de su segundo trabajo Human Clay sorprendió para bien a la industria musical y permaneció por varios meses en lo más alto de los charts en todo el mundo, pero mayormente en Estados Unidos.

En tiempos donde las bandas de post grunge parecían desaparecer, Creed se las ingenió para editar un disco exitoso siguiendo la misma formula que los hizo conocidos, buenos riffs y letras introspectivas.

Mas allá de sus influencias indudables, Pearl Jam, Alice in Chains, Stone Temple Pilots, y de no ser una banda particularmente virtuosa, Creed mantiene algunos rasgos distintivos que se acentuarían en este segundo material, abarcan desde el grunge hasta el hard rock y lo hacen bastante bien.

“With Arms Wide Open” es la canción por la que se reconoce a Creed aún hoy en día, fue elegida mejor canción rock en los premios Grammy. Una balada emocional bastante sobrevalorada pero que de ninguna manera se puede despreciar. Aunque si tengo que elegir los mejores temas de Human Clay me quedo con el arranque “Are You Ready?”, la original “Wrong Way” y “Higher” con su estribillo pegadizo.

Creed es una banda para escuchar sin demasiadas pretensiones y así te puede sorprender con sólidos riffs que merodean desde el post grunge hasta el hard rock y a pesar de que por momentos suenen demasiado comerciales no hay que restarles merito en especial por sus dos primeros esfuerzos discográficos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Carl Perkins – Dance Album (1957)

Puntaje del Disco: 9

  1. Blue Suede Shoes: 10
  2. Movie Magg: 9
  3. Sure to Fall: 8
  4. Gone, Gone, Gone: 8.5
  5. Honey Don’t: 9
  6. Only You: 8.5
  7. All Mama’s Children: 9
  8. Tennessee: 8.5
  9. Right String Baby, Wrong Yo-Yo: 8
  10. Everybody’s Trying to be my Baby: 8.5
  11. Matchbox: 8
  12. Your True Love: 8.5
  13. Boppin’ the Blues: 8

La influencia que Carl Perkins ha ejercido en la historia del rock n’ roll suele, en ocasiones, pasar desapercibida por muchos. Proveniente de las primeras generaciones del rock, Perkins ha tenido un rol fundamental en el desarrollo del género y especialmente ayudó a que varios artistas de la época también pudieran llegar a ser lo que fueron.

La historia de Perkins comenzó en Tennessee donde, junto a sus hermanos formó The Perkins Brothers Band, que llegó a ser furor por aquellos rincones de los Estados Unidos. A pesar del reconocimiento, éste no se correspondió con las discográficas de New York, de las cuales Perkins sólo recibía rechazos a los temas que enviaba. Sin embargo todo cambió cuando Carl escuchó en la radio a Elvis Presley. El hombre al que debía acudir era el productor Sam Phillips quien entendió el estilo que Perkins y sus hermanos pretendían.

En 1957 se lanzó el disco Dance Album que recopilaba en formato LP los temas que Carl Perkins venía editando como singles y que fueron grandes éxitos. “Blues Suede Shoes” es una perfecta combinación de R&B y del incipiente rock n’ roll que comenzó a asomar a principios de los 50. Si bien fue la versión de Elvis una de las más recordadas, en realidad todos los créditos se los lleva Perkins.

“Movie Magg”, “Gone, Gone, Gone” y “Honey Don’t”, entre los principales,  definen a la perfección las bases que Perkins y otros músicos contemporáneos, han posibilitado que el rock sea en el rey de los géneros. Dance Album fue sólo el inicio en la fructífera carrera de un grande como Carl Perkins.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Spoon – Girls Can Tell (2001)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Everything Hits at Once: 8,5
  2. Believing Is Art: 9
  3. Me and the Bean9
  4. Lines in the Suit8
  5. The Fitted Shirt8
  6. Anything You Want: 8,5
  7. Take a Walk: 8,5
  8. 1020 AM: 7,5
  9. Take the Fifth: 8,5
  10. This Book Is a Movie: 7
  11. Chicago at Night: 8,5

Girls Can Tell (2001), la tercer placa de la banda alternativa norteamericana Spoon, significaría el despegue en la carrera del grupo comandado por Britt Daniel. Se transformo en poco tiempo tanto en un acontecimiento para la crítica como un éxito en ventas llegando a vender más copias que sus dos primeros trabajos juntos.

En Girls Can Tell son capaces de ofrecer canciones con el mejor ingrediente alternativo sin dejar atrás por completo sus influencias más marcadas como Nirvana, Pixies, o Pavement, Spoon logra desarrollar un sonido propio y reconocible, demostrando que no son esclavos de sus influencias.

Con una variedad de canciones que van desde el pop hasta el Indie repleto de crudas guitarras la banda de Texas redondea su disco más ecléctico, aunque particularmente me quedo con la frescura de A Series of Sneaks, este disco significa un paso adelante en la madures de Spoon.

Girls Can Tell inauguraría una gran década para la banda elegida por varias publicaciones como la mejor de aquella década. En estos diez años además de Girls Can Tell nos encontramos con otros grandes trabajos del calibre de Kill the Moonlight (2002), Gimme Fiction (2005) y Ga Ga Ga Ga Ga (2007).

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)

Pink Floyd – The Final Cut (1983)

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Puntaje del Disco: 7

  1. The Post War Dream: 8
  2. Your Possible Pasts: 8
  3. One of the Few: 8
  4. The Hero’s Return: 8
  5. The Gunner’s Dream: 7
  6. Paranoid Eyes: 7
  7. Get Your Filthy Hands Off My Desert: 5,5
  8. The Fletcher Memorial Home: 6
  9. Southampton Dock: 6,5
  10. The Final Cut: 6
  11. Not Now John: 5,5
  12. Two Suns in the Sunset: 8

Hay opiniones encontradas en cuanto a este álbum. Están aquellos que aman a The Final Cut y lo llaman el último gran álbum de Pink Floyd (principalmente amantes de toda la obra de Waters). Están aquellos que lo odian (los “pro Gilmour” tal vez). Pero también está la raza extraña (como yo) que lo ve en una posición intermedia: no es un mal álbum y tiene cosas para remarcar, aunque está lejos de lo mejor de Floyd.

Para entender la diversidad de apreciaciones hay que decir que The Final Cut no es un álbum de Pink Floyd, es un álbum de Roger Waters lisa y llanamente. En los últimos discos la participación de los otros integrantes de la banda había bajado en los sucesivos trabajos. Si en The Wall su colaboración era escueta y limitada, en The Final Cut es prácticamente nula. Roger no solo era el cerebro, la mente dominante del grupo, sino que se había transformado en el amo absoluto de todo. A punto tal que en The Final Cut no solo escribió todas las letras sino que también interpretó casi todas las canciones (excepto una, justo una de las más flojas por los coros, “Not Now John”, que tuvo a Gilmour como vocalista). Esto resquebrajó las relaciones internas de la banda, que ya bastante desgastadas estaban, y determinó la primera salida dentro del grupo: Richard Wright, que directamente no colaboró en las grabaciones del álbum.

Pasemos al disco en sí. The Final Cut es un álbum conceptual centrado en la guerra, en el cual Rogelio aporta letras antibélicas realmente excelentes, que incluyen menciones y críticas directas a Margaret Thatcher (nombrada como Maggie en el álbum) y la guerra de Malvinas (con frases como “We showed Argentina”).

Pero así como el lado lírico del álbum es brillante, el musical es bastante pobre. The Final Cut falla por la ausencia de grandes melodías, la falta de dinámica, el ritmo aplomado constante e incluso la ausencia de originalidad. Los cortes The Final Cut son bastantes convencionales, están adornados con algún piano, una simple guitarra o un saxo, pero este no es el mismo space rock de sus discos previos (suena a descarte de The Wall). Eso hace que en las sucesivas canciones se torne denso e incluso aburrido. Parece que estamos escuchando el mismo tema todo el tiempo con Roger recitando lo que piensa sobre la guerra hasta el hartazgo.

No me malinterpreten, todos los temas de The Final Cut son escuchables, no son un horror para los oídos. De hecho me gusta bastante la primera parte del disco conformada principalmente por esa mini opera rock que relata la historia de un veterano de la segunda guerra mundial en «Your Possible Pasts», «One of the Few», «The Hero’s Return», «The Gunner’s Dream» y «Paranoid Eyes». También suman algunos de los efectos de su sonido holográfico para generar una experiencia envolvente en el oyente que lo escuche con auriculares.

En fin, The Final Cut es un trabajo aceptable, plagado de canciones inmemorables, con sus momentos más que decentes y también aquellos discretos, y será recordado como el disco que debería haber sido solista de Roger Waters (salió bajo el nombre de la banda por cuestiones contractuales con EMI) y el último álbum en el que participaría tras abandonar el grupo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Beastie Boys – Check Your Head (1992)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Jimmy James: 9
  2. Funky Boss: 7
  3. Pass the MiC: 9
  4. Gratitude: 8,5
  5. Lighten Up: 7,5
  6. Finger Lickin’ Good: 7
  7. So What’cha Want: 9,5
  8. The Biz vs. The Nuge:
  9. Time for Livin’: 6,5
  10. Something’s Got to Give: 8,5
  11. The Blue Nun:
  12. Stand Together: 9
  13. POW: 8
  14. The Maestro: 8,5
  15. Groove Holmes: 8,5
  16. Live at P.J.’s: 8,5
  17. Mark on the Bus:
  18. Professor Booty: 8,5
  19. In 3’s: 8
  20. Namasté: 8

Asentados en la costa oeste los Beastie Boys comenzaron en 1991 a grabar la continuación del multi elogiado Paul’s Boutique en los estudios G-Son de California.

Así nació Check Your Head (1992), un disco donde los neoyorquinos intentan volver a sus raices punk rock, tocando sus instrumentos a lo largo de todas las canciones por primera vez, MCA (bajo), Mike D (batería) y AdRock (guitarra). Temas del disco como “So What’cha Want”, “Jimmy James” y “Pass the MiC” ayudaron a posicionar al grupo en los charts y a hacerlos crecer en popularidad.

En Check Your Head los Beasties no abandonan el rap pero no es más lo fundacional en su música, incursionan en el jazz fusión, funk, pop y punk. Lo que si abandonan son los samples psicodélicos de Paul’s Boutique en favor de las melodías menos sofisticadas interpretadas por ellos mismos sumados a la incorporación de Money Mark en teclados.

Check Your Head es una colección de temas variados donde el contexto y la variedad de estilos la que le da una identidad. A pesar de no ser su mejor obra con esta los Beastie Boys definieron su sonido definitivamente, un sonido único que, a su vez, definió, en un gran porcentaje, el sonido de la década, creando escuela a base de romper barreras.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Steve Miller Band – Brave New World (1969)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Brave New World: 8
  2. Celebration Song: 7
  3. Can’t You Hear Your Daddy’s Heartbeat: 9
  4. Got Love ‘Cause You Need It: 8
  5. Kow Kow: 9
  6. Seasons: 7.5
  7. Space Cowboy: 8
  8. LT’s Midnight Dream: 8.5
  9. My Dark Hour: 8.5

Children of the Future y Sailor fueron dos discos muy exitosos para Steve Miller Band. Quizás no tanto desde lo comercial pero sí desde la óptica musical. Aquellos trabajos le dieron un importante reconocimiento al grupo que por entonces era contemporáneo de otras grandes formaciones que trascendieron en la historia del rock.

A mediados de 1969 Steve Miller y compañía querían continuar con la inspiración, lanzando de esta manera el tercer material de estudio. Brave New World contó con la participación de un músico tapado. El mismísimo Paul McCartney prestó su voz y bajo para los temas “Celebration Day” y “My Dark Hour”. En los créditos su nombre figuró como Paul Ramon.

Un poco más rockero que los discos anteriores, pero sin perder la esencia, Brave New World es un trabajo que no tiene nada que envidiarle a éstos. “Can’t You Hear Your Daddy’s Heartbeat” es una de las composiciones más destacadas, con una base de guitarra similar a temas de The Jimi Hendrix Experiencie. “Kow Now”, con el piano como protagonista, es también otra de las canciones que hacen de este un disco a tener en cuenta. La diversidad de estilos, desde la psicodelia, pasando por el blues y el rock más armónico hacen de “Brave New World” otra interesante producción de esta maravillosa formación.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)