Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Junior Murvin – Police and Thieves (1977)

Puntaje del Disco: 10

  1. Roots Train: 9
  2. Police and Thieves: 10
  3. Solomon: 8
  4. Rescue Jah Children: 9
  5. Tedious: 8
  6. False Teachin: 9
  7. Easy Task: 9
  8. Lucifer: 8
  9. Workin’ in the Cornfield: 9
  10. I Was Appointed: 9

El primer álbum de Junior Murvin no sólo fue su obra maestra, sino que también es considerado uno de los mejores álbumes de reggae de toda la historia, y vaya que bien ganado lo tiene ese mote.

La voz de Murvin, un hermoso falsete con increíble armonía, se fusiona con la instrumentación dub del hombre que mucho tiene que ver en esta obra maestra: de Lee ‘Scratch’ Perry, el genio del dub. El trabajo de Perry es extraordinario, digno de sus mejores trabajos con los Upsetters. En él es capaz de crear ambientaciones etéreas sublimes, de una oscuridad inmune de toda luz.

Pero el loco Lee no solo mete magia en las consolas, sino que es coautor de la gran mayoría de los temas del álbum, incluido el hit que le da nombre a la placa. Y hablamos de hit, porque el tema llegó a estar entre los 30 temas en los charts británicos, algo para nada común en un artista reggae. Incluso los mismísimos The Clash lo versionaron y editaron en lo que fuera su primer álbum homónimo.

Para quienes automáticamente relacionan al reggae con los aires festivos y con los ritmos alegres se encontrarán en este obra con la antítesis de su pensamiento, porque acá no hay fiesta ni nada de alegría: es una obra que contiene todos los lamentos de Murvin, tanto de la inestabilidad política de la isla, como de las consecuencias sociales que esta coyuntura atrae consigo. Tempo lento, reverb y eco. Y es una de las grandes joyas del reggae.

Bari

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Syd Barrett – The Madcap Laughs (1970)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Terrapin: 9
  2. No Good Trying: 9,5
  3. Love You: 8,5
  4. No Man’s Land: 7
  5. Dark Globe: 7
  6. Here I Go: 8
  7. Octopus: 8,5
  8. Golden Hair: 8
  9. Long Gone: 9
  10. She Took a Long Cold Look at Me: 7,5
  11. Feel: 7
  12. If It’s In You: 7
  13. Late Night: 8

El desequilibrado estado de Syd Barrett no solo sentenciaría su salida de Pink Floyd, sino que su locura también sería el factor distintivo y determinante de los primeros años de Floyd. No falta el que considere a The Piper como su mejor álbum, o al menos el más original y flashero de toda su carrera. Mucho se le debe ese prestigio a la influencia que Barrett tuvo como líder del grupo.

Su carrera post Floyd como solista reflejaría el estado mental y anímico en el que se encontraba el músico. Su álbum debut, The Madcap Laughs, llega a ser tan depresivo como despreocupado, pirado y desorbitante. Justamente la inestabilidad de Barrett también dificultó llevar adelante las grabaciones del disco, que curiosamente contó con la colaboración de David Gilmour y Roger Waters en la mitad de las canciones, junto al aporte de Malcom Jones en la otra mitad.

Y a Syd lo dejaron ser y hacer. The Madcap Laughs es Syd Barrett al desnudo demostrando sus brillantes delirios psicodélicos en muy buenos temas como “No Good Trying”, “Love You” y “Octopus”; entrelazados con canciones acústicas como “Terrapin”, “Here I Go”, “Octopus” y la turbia “Long Gone”, carentes de grandes arreglos, pero con un Barrett que se las ingenia desde su locura para que tengan melodías y atmósferas atrapantes y acaparantes.

Sin embargo, el déficit de “estar tocado” y “que te falten varios jugadores” en este caso se traduce en la inconsistencia del disco. Aparecen varios cortes que son vagas improvisaciones acústicas o bizarras, que si bien no están mal tampoco le agregan un plus al álbum. Así y todo, The Madcap es recomendable, sobretodo para aquellos que adoran la etapa psicodélica de Pink Floyd.

Persy

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Iggy Pop – Brick by Brick (1990)

Puntaje del Disco: 9

  1. Home: 9,5
  2. Main Street Eyes: 9
  3. I Won’t Crap Out: 9
  4. Candy: 9,5
  5. Butt Town: 8
  6. The Undefeated: 7,5
  7. Moonlight Lady: 7,5
  8. Something Wild: 8,5
  9. Neon Forest: 9
  10. Starry Night: 6,5
  11. Pussy Power: 8,5
  12. My Baby Wants to Rock and Roll: 9
  13. Brick by Brick: 8,5
  14. Livin’ on the Edge of the Night: 8,5

Luego de un periodo de discos lamentables, en la década infame (musicalmente hablando) de los ochenta, Iggy Pop volvería a los primeros planos con, Brick by Brick, su mejor álbum desde su periodo de colaboración con David Bowie.

En este reajuste y refinamiento en el sonido de la iguana tuvo mucho que ver el trabajo del productor Don Was que le devolvió ese sonido crudo y roquero que había perdido durante la ultima década y describía de esta forma trabajar con Iggy: “Este tipo es increíblemente inteligente, escribe grandes letras, es un gran cantante y yo solo quería conseguir que eso se note”.

Brick by Brick, además de devolverle a Iggy el respeto perdido en los últimos años, se caracterizo por las colaboraciones en varios de sus temas más recordados. Tal es el caso del genial dueto que conforman en la balada “Candy” junto a la cantante de B52’s Kate Pierson y los punteos de guitarra de Slash en “My Baby Wants to Rock and Roll”. El ex integrante de los Guns N’ Roses tuvo palabras elogiosas para la iguana y lograron forjar una buena amistad que se refleja en las palabras del melenudo guitarrista en una entrevista reciente “Su actitud y sus canciones han sido muy importantes para el rock y para mí. Es divertido que las estrellas del rock, famosas por estar diciendo fuck you todo el día, sean tipos dulces y encantadores”.

Los temas roqueros del disco como “Home”, “I Won’t Crap Out”, “Neon Forest” y “Butt Town” suenan 100% sucios y ásperos, los medios tiempos “Main Street Eyes” o «Living on the Edge of the Night» son preciosos, la metalera “Pussy Power” y la antes mencionada balada “Candy” marcan los mejores momentos del disco.

Brick by Brick marcó el gran regreso para Iggy Pop. Mejoró como compositor y letrista, su voz se percibe mejorada y logró conjugar una cantidad de canciones muy buenas como no lo hacía desde Lust for Life.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Freddie Mercury – Mr. Bad Guy (1985)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Let’s Turn It On: 8
  2. Made in Heaven: 9
  3. I Was Born to Love You: 9
  4. Foolin’ Around: 7
  5. Your Kind Of Lover: 8
  6. Mr. Bad Guy: 8
  7. Man Made Paradise: 7.5
  8. There Must Be More to Life Than This: 8.5
  9. Living on My Own: 8.5
  10. My Love Is Dangerous: 7.5
  11. Love Me Like There’s No Tomorrow: 8

A mediados de la década del ochenta, Queen era una de las bandas más importantes de la escena y una de las más convocantes y espectaculares en recitales en estadios. Una muestra fueron las memorables presentaciones realizadas por Latinoamérica y en especial las dos noches en las que más de medio millón de espectadores disfrutaron en el Festival Rock in Rio, en Enero de 1985. The Works Tour, que presentaba aquel disco de 1984, concluyó con gran éxito en abril de 1985 y Queen tomó un pequeño descanso.

Sin embargo, y lejos de tomarse vacaciones, Freddie Mercury aprovechó para grabar durante ese breve receso, lo que sería su primer disco solista: Mr. Bad Guy. Con todos temas de su autoría, Mercury despliega a lo largo de once temas sus conocidos dotes vocales y también busca diferenciarse un poco del estilo que venía haciendo con Queen, como queda reflejado en “Let’s Turn It On” que utiliza los sintetizadores como principal instrumento.

No sólo los extravagantes sonidos de los ochenta quedan englobados en este disco, sino también la música disco de los setenta. Las baladas a cargo del piano, le dan el toque ideal bajar un poco los decibeles, como en  el instrumental “There Must Be More to Life Than This“ y “Your Kind of Lover” que luego se transforma en una especie de mambo. “Made in Heaven” y  “I Was Born To Love You”  son las piezas más destacadas y serían reeditadas años más tarde en el disco de Queen tras el fallecimiento de Mercury.

Piro

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Peter Gabriel – Peter Gabriel III (1980)

Puntaje del Disco: 9

  1. Intruder: 8,5
  2. No Self-Control: 9
  3. Start: 8,5
  4. I Don’t Remember: 7
  5. Family Snapshot: 9,5
  6. And Through the Wire: 7,5
  7. Games Without Frontiers: 9,5
  8. Not One of Us: 7
  9. Lead a Normal Life: 6,5
  10. Biko: 10

En 1980 el que fue cantante y líder de la emblemática banda británica Genesis sacaría tu tercer y más valorado álbum y solitario, “Peter Gabriel III”.

Como era de esperar, en la composición de los temas siguió distanciándose del sonido que logró en su antigua banda, prácticamente olvidando sus raíces progresivas para concebir un álbum más influenciado por el new age de principios de los 80s, con un uso de sintetizadores y otros elementos electrónicos en la mayor parte del disco.

La canción encargada de abrir el álbum es Intruder, un denso y sucio tema que parece que en cualquier momento va explotar como si de una canción de death metal se tratará, sin hacerlo. No Self-Control, por su parte es un excelente aunque algo inclasificable tema, ya que si bien contiene unas melodías vocales muy pegadizas y acertadas a ratos me hace plantear si el disco viene mal de fábrica y se trata de una canción de The Chemical Brothers, a esta le sigue Start, un breve y agradable interludio de saxofón, y a partir de aquí empieza la parte del disco de los hits, el primero es el funky I Don’t Remember, que si bien tuvo algo de éxito y consiguió colarse en las listas de ventas es quizás el peor tema del disco. Family Snapshot por su parte es una de las perlas del disco, empezando como una suave balada y creciendo de una manera potente haciéndonos recordar que estamos escuchando al ex cantante de Genesis. Llegamos a And Through the Wire, en la que participa Paul Weller, líder en aquel entonces de la banda The Jam que consigue aportar un sonido punk a la canción. Games Without Frontiers es el tema más conocido del disco, y al igual que Biko muestra la parte más activista de Gabriel pese a no poder parecerse menos musicalmente, el primero es un divertidísimo himno al pacifismo con un acertado uso de sintetizadores y el segundo una oda al activista sudafricano de mismo nombre que la canción, defensor de los derechos de la población negra de Sudáfrica, con unos coros y unos ritmos africanos combinados con el Gabriel más inspirado, creando una de las mejores canciones de su carrera. Ambas canciones están separadas por el bailable Not One of Use y Lead a Normal Life un tema ambiental bastante de relleno.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Thom Yorke – The Eraser (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Eraser: 8,5
  2. Analyse: 8
  3. The Clock: 8
  4. Black Swan: 8
  5. Skip Divided: 7
  6. Atoms For Peace: 6,5
  7. And It Rained All Night: 8
  8. Harrowdown Hill: 8,5
  9. Cymbal Rush: 7,5

Un año antes de la aparición de In Rainbows, se anunciaría en la página de Radiohead el lanzamiento del álbum debut solista de Thom Yorke, The Eraser, que sería producido por un conocido de la casa Nigel Godrich, marcando ya una costumbre.

Sabiendo lo que venía haciendo Radiohead en sus años previos este trabajo no resulta muy sorpresivo. Lo que más lo caracteriza es el uso intensivo que hace Thom Yorke de la electrónica, elaborando atmósferas oscuras, con buenos arreglos, pero resultando bastante uniforme y constante. El álbum toma cosas de Kid A, Amnesiac y Hail to the Thief, pero a mi modo de ver al disco que más se le asemeja es al que en el futuro sería The King of Limbs. Justamente lo que comparte con Limbs es la escasez de energía y dinámica. El frontman de Radiohead se compromete más en hacer temas con predominancia electrónica en lugar de algo que llame un poco más la atención.

Un atenuante que se traduce en la similitud de las melodías y la falta de clásicos del álbum que hasta puede aburrir. La única que llega a sobresalir un poco es “Harrowdown Hill”. De todas formas, The Eraser es un buen disco. Pese a su constancia, las canciones son meticulosas y las melodías no están mal, especialmente en la seguidilla inicial, destacándose la homónima “The Eraser” en su acompañamiento con piano. En cambio la segunda parte del disco decae un poco, aunque se llega a resaltar “And It Rained All Night” por ser un poco más turbio y descabellado.

En síntesis, que Thom Yorke lance un álbum como solista siempre va a ser interesante y va a tener una calidad garantizada, aunque no por ello va a significar que esté a la altura de los mejores discos de Radiohead.

Persy

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Sting – Ten Summoner’s Tales (1993)

Puntaje del Disco: 9

  1. If I Ever Lose My Faith in You: 10
  2. Love Is Stronger Than Justice (The Munificent Seven): 7
  3. Fields of Gold: 9.5
  4. Heavy Cloud No Rain: 7.5
  5. She’s Too Good for Me: 7
  6. Seven Days: 8
  7. Saint Augustine in Hell: 7.5
  8. It’s Probably Me: 9.5
  9. Shape of My Heart: 9
  10. Something the Boy Said: 8
  11. Nothing ‘Bout Me: 8.5

Alejado definitivamente de The Police y habiendo editado tres discos en solitario, Sting ingresó en la década del noventa con el propósito de seguir mejorando las producciones anteriores y alcanzar un nuevo nivel en las composiciones. Después de los rasgos sombríos de Soul Cages, el ex frontman de The Police lanzó uno de sus más destacados trabajos: The Summoner’s Tales, que cosechó numerosos premios y fue muy bien recibido por la crítica.

Luego de dos discos con marcadas influencias del jazz, fue con esta producción de 1993 que Sting volvió de lleno a los sonidos pop que caracterizaron los años con uno de las formaciones más recordadas de los ochenta. Sin tener una temática fija (como fueron en los discos anteriores sus padres), ahora el británico se concentra netamente en profundizar esos sonidos que tan bien conoce.

“If I Ever Lose My Faith in You” es la pieza ideal para abrir este gran disco, que logró rápidamente una destacada performance en los charts. “Fields of Gold”, dos temas más adelante, es quizás la balada por excelencia de Sting, que junto a “Shape of My Heart” crean un clima de perfecta armonía. “It’s Probably Me”, con la participación de Eric Clapton es otro de los temas que más se aprecian. “Love Is Stronger Than Justice (The Munificent Seven)”, por otro lado, no termina de encajar con el resto del disco, mientras que el ritmo de “She’s Too Good For Me” me pareció demasiado acelerado para el concepto general del álbum. Pero más allá de eso, Ten Summnoner’s Tale se alza como una de las producciones más genuinas y atractivas de la carrera solista de Sting.

Piro

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Mick Jagger – Primitive Cool (1987)

Puntaje del Disco: 7

  1. Throwaway: 7
  2. Let’s Work: 7
  3. Radio Control: 7
  4. Say You Will: 7,5
  5. Primitive Cool: 8
  6. Kow Tow: 7,5
  7. Shoot Off Your Mouth: 6
  8. Peace for the Wicked: 6,5
  9. Party Doll: 7,5
  10. War Baby: 7

Para su segundo trabajo solista Mick Jagger convocó a Dave Stewart (reconocido productor y también cantante de Eurythmics). Juntos planearon Primitive Cool (1987), un disco más ambicioso que su antecesor She’s the Boss, con el que llegar buscaba solidificar su aventura solista y dejar atrás su mal momento con los Rolling Stones.

En 1986 los Stones habían editado el olvidable Dirty Work y la relación entre las dos cabezas creativas de la banda parecía atravesar su peor momento. La gota que colmó el vaso fue la negativa de Mick de salir en gira para presentar el álbum y en lugar de ello dedicarse a lleno en su labor en solitario.

Musicalmente hablando Primitive Cool fue otro intento para apuntalar la carrera solista de Jagger con algunos temas roqueros decentes y otros bailables en sintonía con lo que se escuchaba por aquellos años, que midiéndolo de acuerdo a la reacción comercial no tuvo el éxito esperado. Además de Stewart colaboró con el proyecto el eximio guitarrista Jeff Beck, aunque su talento parece estar bastante desperdiciado.

El hit que necesita todo disco en este caso fue el pop bailable «Let’s Work» aunque no es para nada el momento mas agradable con el que nos podemos encontrar a lo largo de los menos de sesenta minutos que componen a la placa. Canciones que no buscaron ser un hit como “Primitive Cool”, “Kow Tow” y “Party Doll” son de los momentos más agradables, aunque no expresen los verdaderos deseos de Mick de sobresalir.

La portada estuvo a cargo del artista Francesco Clemente, artista italiano que mudado a principio de los ochenta conoció a Andy Warhol y se convirtió de inmediato en parte del movimiento underground Factory. La figura blanca en un fondo gris hace referencia a un pizarrón con una imagen de Jagger distorsionada con labios fruncidos, orejas de burro y sosteniendo un diamante, en un intento de crear una diferente visión irracional del ídolo.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Ween – Pure Guava (1992)

Puntaje del Disco: 9

  1. Little Birdy: 9
  2. Tender Situation: 7,5
  3. The Stallion Pt. 3: 8,5
  4. Big Jilm: 8
  5. Push Th’ Little Daisies: 8,5
  6. The Goin’ Gets Tough From The Getgo: 7
  7. Reggaejunkiejew: 8
  8. I Play It Off Legit: 7
  9. Pumpin’ 4 The Man: 9
  10. Sarah: 9,5
  11. Springtheme: 9
  12. Flies On My Dick: 8
  13. I Saw Gener Cryin’ In His Sleep: 8
  14. Touch My Tooter: 9
  15. Mourning Glory: 6
  16. Loving U Thru It All: 7,5
  17. Hey Fat Boy (Asshole): 8,5
  18. Don’t Get 2 Close (To My Fantasy): 10
  19. Poop Ship Destroyer: 8

La impresión que causó Ween con sus primeros discos hizo que varias discográficas se interesen por contratarlos. Terminaron firmaron con Elektra al parecer porque les daban la libertad de seguir experimentando desde el Lo Fi. Y eso hicieron en su tercer disco, Pure Guava, seguir explotando el avant garde que los caracteriza, pero con la dosis necesaria de buenas melodías que Ween nos tiene acostumbrados para hacerlo no solo tolerable sino muy entretenido.

Pure Guava es tan experimental como los discos anteriores, no tiene mucho de convencional. Pero se las arreglan para que sus canciones sean lo suficientemente “cool” y divertidas, incluso los cortes que son simplemente hablados como “I Play It Off Legit” y “The Goin’ Gets Tough From The Getgo”. También tenemos canciones como “Reggaejunkiejew” y “Flies On My Dick” que pueden ser tomados como rellenos por algunos pero son geniales por el ritmo de su bateria electrónica. Otro tema ejemplar es “Mourning Glory”, un corte distorsionado que parece salido de Metal Machine Music, siendo rebuscado y perturbador aunque más soportable, porque hay cierto gancho melódico.

Y cuando lanzan alguna melodía más copada y distinguida se las ingenian para hacerla sonar como algo único con las voces distorsionadas que usan como en el caso de las delirantes “Pumpin’ 4 The Man” y “Hey Fat Boy (Asshole)”, el sardónico folk “Little Birdy”, la melancólica “Loving U Thru It All” o en el psicodélico de “Springtheme”.

Como suele pasar en esta clase de discos no hay claros hits y mucho menos temas comerciales a pesar de que “Push Th’ Little Daisies” haya sido lanzado como single. De todas formas hay un par que sobresalen sobre el resto. Por un lado, “Don’t Get 2 Close (To My Fantasy)” que es de lo más armonioso y tiene el mejor estribillo del álbum. Y luego “Sarah”, la balada de Pure Guava, excelente por lo flashera.

Pure Guava alcanzaría su reconocimiento que ayudó a que tenga una mayor difusión (siempre dentro de lo alternativo). De hecho no falta el que lo señale como el mejor disco que hicieron Dean y Gene Ween.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Snow Patrol – Eyes Open (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. You’re All I Have: 8
  2. Hands Open: 8
  3. Chasing Cars: 8,5
  4. Shut Your Eyes: 8,5
  5. It’s Beginning to Get To Me: 8
  6. You Could Be Happy: 7,5
  7. Make This Go on Forever: 7
  8. Set the Fire to the Third Bar: 7
  9. Headlights on Dark Roads: 8
  10. Open Your Eyes: 9
  11. The Finish Line: 7,5

En su tercer álbum, Final Straw, Snow Patrol probó que era capaz de diseñar sencillos que resonaron a nivel mundial como “Spitting Games”, “Chocolates” y “The Same” y que no son solo un fenómeno británico.

Para la grabación de su siguiente material el grupo se recluyo en el pequeño pueblo costero de Dingle, Irlanda. Un lugar al que describieron como una casa de verano. Allí comenzaron a darle forma a Eyes Open. Disco en el que se propusieron mejorar en todo aspecto y la tranquilidad del lugar ayudaría a ese cometido. Además de esto el grupo se tomo su tiempo para cada composiciones, un lujo con el que no habían contado en sus anteriores trabajos.

Eyes Open demuestra que tanta preparación y espera valió la pena. Es un paso adelante en su carrera y su sonido entre Indie pop y rock clásico se vuelve más grande en cada momento. Su cantante y líder creativo Gary Lightbody demuestra que es una de las buenas apariciones en el mundo del rock en los últimos años, cada punteo y estribillo parece estar en su lugar.

Se destacan los momentos épicos como “Chasing Cars” y “Shut Your Eyes” pero la frutillita del postre es la balada “Open Your Eyes” promediando el final del álbum.

A decir verdad el disco es disfrutable de principio a fin, a pesar de estar repleto de baladas no aburre en ningún momento. Por lo tanto les recomiendo tener los ojos y especialmente los oidos abiertos para darle una oportunidad a estos muchachos escoceses en su mejor forma.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)