Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Creedence Clearwater Revival

Creedence Clearwater Revival – Green River (1969)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Green River: 10
  2. Commotion: 9
  3. Tombstone Shadow: 8
  4. Wrote a Song for Everyone: 9
  5. Bad Moon Rising: 9
  6. Lodi: 9
  7. Cross-Tie Walker: 8
  8. Sinister Purpose: 8
  9. The Night Time Is the Right Time: 8

A fines de los sesenta Creedence Clearwater Revival había vivido tan intensamente los últimos años de la década que el repentino éxito de temas como “Proud Mary” y “Born On The Bayou”, colocaron a la banda de los hermanos Fogerty en una privilegiada situación. No fue sólo la buena llegada en el público sino que también el grupo había mostrado una creciente preocupación por evolucionar constantemente.

Entre marzo y junio de 1969 y antes de presentarse en el Festival de Woodstock, CCR lanzó su tercer material de estudio, conocido como Green River. El disco adquirió una gran recepción de maner inmediata y dejó de manifiesto la gran capacidad compositiva de John Fogerty, quien a excepción de “The Nigh Time Is The Right Time”, se encargó de las letras de todas las canciones.

“Green River”, con su inigualable introducción de guitarra, fue lanzado antes que el disco y trascendió como uno de los clásicos del grupo; al igual que “Bad Moon Rising”. Pero además otros temas se destacan de este gran disco. “Commotion”, ideal para soundtrack de película de vaqueros, es sencillamente genial, o por ejemplo la casi balada “Lodi”, más recomendable para un momento en soledad.

Green River confirmó el gran momento por el que atravesaba la banda entonces. Con tres discos editados y una presentación fabulosa en el Festival por excelencia de los sesenta, CCR perfilaba como una de las mejores formaciones de aquellos años.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Love

Love – Forever Changes (1967)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Alone Again Or: 9,5
  2. A House Is Not a Motel: 10
  3. Andmoreagain: 9
  4. The Daily Planet: 8
  5. Old Man: 8,5
  6. The Bed Telephone: 10
  7. Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale: 8,5
  8. Live and Let Live: 9,5
  9. The Good Humor Man He Sees Everything like This: 9
  10. Bummer in the Summer: 9
  11. You Set the Scene: 9,5

Todo el mundo reconoce a Forever Changes como la obra maestra de Love, y esta bien que así sea. En esa época llegó a pasar un poco desapercibido sobre todo si tenemos en cuenta la cantidad y la calidad de discos impresionantes que se lanzaron en 1967. El tiempo sería el encargado de darle mayor reconocimiento. Un problema que podían sufrir los grupos de “segunda línea” de los sesenta. Pero con este álbum Love demostraba que podía estar a la altura de los mejores de su generación.

Forever Changes es un disco principalmente acústico, con arreglos majestuosos, especialmente orquestales, que le dan sutiles tonos psicodélicos y barrocos a cada una de sus canciones. A eso hay que sumarle las delicadas y cuidadas melodías pop de Arthur Lee que estaban en su mejor momento y el aporte del guitarrista Bryan MacLean que también es remarcable para conformar un disco inmaculado.

El álbum es una colección de clásicos de primera. Empieza de la mejor manera, con los encantadores arreglos de cuerda de “Alone Again Or”. Después tenemos a la sobresaliente “A House Is Not a Motel”, una de las mejores composiciones de Arthur Lee con ese aire “a lo Doors”, oscuro, con un coda descontrolado, tremendo!! Otra de las que más destacó es “The Bed Telephone” por esa impronta similar y muy atractiva del Floyd de The Piper.

Luego están las sonatas y baladas acústicas, de las cuales no se cual es mejor, si “Andmoreagain”, “Old Man” o “The Good Humor Man”, son todas bellísimas.

Tampoco se puede pasar por alto a “Live and Let Live”, lo más rockero del álbum, tiene un ritmo psicodélico más retumbante y un cierre bárbaro de guitarras acústica y eléctrica entrelazándose. Y qué decir de “You Set the Scene”, el final épico que merece el disco, con sus diversos pasajes y la diversidad de instrumentos que suenan para darle color al tema.

Forever Changes es un disco perfecto. Y lo mejor es que con las sucesivas escuchas mejora. Por eso es uno de los mejores discos psicodélicos de su época.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
The Flaming Lips

The Flaming Lips – Zaireeka (1997)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Okay I’ll Admit That I Really Don’t Understand:8
  2. Riding to Work in the Year 2025 (Your Invisible Now): 7
  3. Thirty-Five Thousand Feet of Despair: 8
  4. A Machine in India: 8,5
  5. The Train Runs Over the Camel But Is Derailed by the Gnat: 7
  6. How Will We Know? (Futuristic Crashendos): 8,5
  7. March of the Rotten Vegetables: 8
  8. The Big Ol’ Bug Is the New Baby Now: 8

Zaireeka (1997) es el disco experimental de The Flaming Lips por excelencia. El álbum nos trae un concepto innovador que consiste en 4 discos iguales pero que deben ser reproducidos simultáneamente en cuatro sistemas de audio distintos para que todos juntos formen un sonido armónico y yuxtapuesto.

Zaireeka proviene de la combinación de dos palabras: Zaire, elegido como símbolo anarquista después de que Wayne Coyne escuche una historia sobre la inestabilidad política en aquel país africano y eureka, conocida palabra que se usa ante un descubrimiento importante. Las grabaciones del disco comenzaron con problemas y frustraron a la banda que ya venían con ciertos inconvenientes con su compañía Warner Bros dado al escaso suceso de su anterior disco Clouds Taste Metallic. Un punto de inflexión fue cuando Wayne reunió al grupo y les propuso “Miren, no tenemos que ser amigos… pero tenemos que hacer este disco”. Cuando se les entregaron los resultados del alocado disco a los directivos de Warner estos solamente aceptaron aprobarlo si el siguiente trabajo seria un disco serio y comercial.

La experimentación extrema y el caos que caracteriza casi todas las canciones se ven apaciguadas por las incursiones melódicas de Coyne como en “A Machine in India”, “How Will We Know? (Futuristic Crashendos)” y “March of the Rotten Vegetables”. El mantra del comienzo con “Okay I’ll Admit That I Really Don’t Understand” también es un buen momento al que debería sumársele el cierre “The Big Ol’ Bug Is the New Baby Now” basado en una historia sobre perros relatada por Wayne.

En definitiva Zaireeka es un denso y dificultoso disco, recomendado para fanáticos de los Lips y porque no para los curiosos e inquietos que le escapan a las convenciones musicales, si te consideras uno de ellos y no lo conoces puede convertirse en una de las mejores cosas que vayas a escuchar.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Cobertura de Recitales, Noel Gallagher's High Flying Birds

Noel Gallagher’s High Flying Birds – Personal Pop Fest, GEBA (06/05/2012)

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En el marco del Personal Pop Festival, el espectáculo central estuvo a cargo del ex guitarrista y compositor de Oasis; el entrañable Noel Gallgher. De visita al país por primera vez luego de la separación de la banda que lo llevó a la fama, británico se reencontró con el público argentino liderando su nueva formación, Noel Gallagher’s High Flying Birds. Como lo había hecho Liam en octubre pasado, Noel no quiso ser menos y emprendió el retorno a uno de los lugares donde ha cosechado una importante cantidad de fieles seguidores y luego de tocar en el Estadio Orfeo de la ciudad de Córdoba, Noel se presentaría en la sede Jorge Newbery del Club GEBA.

Con media hora de retraso y no haciendo honor a la puntualidad inglesa, Noel salió a escena junto a sus nuevos compañeros y de inmediato abrió el recital con una inesperada versión de “(It’s Good) To Be Free” que hizo emocionar al público que buscaba volver a ver en vivo al gran ídolo. Siguió la rockera “Mucky Fingers” a modo de pequeño repaso de temas de Oasis; pero a continuación una seguidilla de seis temas del último disco dejaron en claro una nueva etapa en su carrera había comenzado. “Everybody’s On The Run”, “Dream On” y “If I Had A Gun” se sucedieron respetando el orden del álbum que se vio levemente alterado por “The Good Rebel”, un lado B de “The Death Of You And Me”. “Freaky Teeth”, un tema inédito que según Noel será incluido en su próxima producción, dio paso otro recuerdo de Oasis. En una versión más lenta y únicamente con su guitarra acúsitca y no sin antes reconocer que no se acordaba cómo se tocaba, Noel se puso en la piel de Liam para tocar el clásico “Supersonic”. No sería el único extracto de Oasis ya que con total libertad para reversionar sus propios temas, Gallagher ofreció una gran versión más acelerada de “Talk Tonight”. Luego “(Stranded On) The Wrong Beach” cerró la primer parte de un concierto al que tofavía le faltarían más emociones.

Tras un breve receso, la banda regresó a escena con “Let The Lord Shine On Me”, otro lado B, pero esta vez de “AKA…What A Life” que había sonado antes y cuyo coro fue uno de los más cantados. El final estuvo a cargo de la hermosa “Whatever” y “Little By Little”, uno de los más esperados en los últimos recitales que Oasis hábia dado en la Argentina. A pesar de la insistencia del público que entonaba las letras de “Live Forever” y “Wonderwall”, Noel les dejó bien en claro, con humor de por medio, que la etapa de Oasis ya había quedado atrás. Sin embargo, y como no podía ser de otra manera, “Don’t Look Back In Anger”, el inmortal himno marcó el cierre de este fantástico recital. Antes de despedirse y como es su costumbre, Noel prometió que lo volveríamos a ver. Esperamos que su próximo disco lo traiga nuevamente a nuestro país y podamos seguir disfrutando de este artista que tantas canciones nos ha impregnado en la memoria.

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Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Jefferson Airplane

Jefferson Airplane – Volunteers (1969)

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Puntaje del Disco: 8

  1. We Can Be Together: 8,5
  2. Good Shepherd: 8
  3. The Farm: 8
  4. Hey Fredrick: 6,5
  5. Turn My Life Down: 5,5
  6. Wooden Ships: 9,5
  7. Eskimo Blue Day: 9
  8. A Song for All Seasons: 5,5
  9. Meadowlands: –
  10. Volunteers: 9

Volunteers es y será siempre recordado como el último álbum que Jefferson Airplane hizo con su formación clásica. Un buen disco por cierto, mayormente con temas escuchables y algunos cuantos clásicos. Pero también con sus atenuantes.

Hay dos cosas que no me gustan de este álbum. Los Airplane dejan de ser una banda netamente de rock acido. La psicodelia fumada que los caracterizaba y los hacía fuertes  queda en un segundo plano aunque no la terminan de abandonar. Esto es rock, folk y country más genérico.

Y lo segundo Jefferson Airplane parecen más activistas políticos que una banda. No esta mal que haya mensajes antibélicos (la oposición contra la guerra de Vietnam es notoria), pero la influencia del entorno los hace sonar más como líderes un movimiento tratando de sumar adeptos.

En este panorama, la responsabilidad de la composición de las canciones se la repartieron entre los miembros de la banda. Pero quitandole mucho protagonismo a Marty Balin, algo llamativo sabiendo lo que el cantante de los Airplane ya había aportado en sus anteriores trabajos. Su aporte solo aparece en el himno político que titulo al disco (y por el cual tuvieron problemas de censura) “Volunteers”. En cambio, el que tomó mayor liderazgo fue Paul Kantner aportando otro canto político del grupo “We Can Be Together”, siendo gran responsable de la brillante versión de “Wooden Ships” (que compuso con Stills y Crosby) e incluso articulando la versión del country “The Farm” en la cual colaboro el mismísimo Jerry Garcia.

De Grace Slick hay 2 temas. El primero “Hey Fredrick” que no se destaca por ser una de sus mejores composiciones, además el jam instrumental es más extenso de lo necesario. El segundo es mucho mejor, “Eskimo Blue Day”, que tiene una atmosfera oscura más atrapante y fumada.

Y del resto de la banda, Kaukonen aporta sus arreglos de cuerda en la linda versión de “Good Shepherd”, pero flaquea en la floja “Turn My Life Down” al igual que el baterista Spencer Dryden que aporta el regular country “A Song for All Seasons”.

Volunteers sería un éxito en EEUU, todo un record político que estaba en el centro de la escena y que mantenía a los Airplane como una de las bandas más populares de esa época. Pero lamentablemente, en los siguientes discos no podrían mantener su nivel entrando en su peor etapa.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Beastie Boys

Adam Yauch 1964-2012

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Es incalculable el legado que los Beastie Boys dejaron tanto en la música como en la cultura popular en los últimos veinte años. Nadie se imaginó cuando irrumpieron como tres jóvenes irreverentes y fiesteros en “Fight for Your Right (To Party)” que estos tres neoyorquinos  revolucionarían al mundo del hip hop y de la música en general.

Esta tarde este trípode compuesto por Mike D, Ad-Rock y Adam Yauch (alias MCA) perdió a una de sus patas cuando este último finalmente falleció con tan solo cuarenta y siete años por un cáncer en la glándula parótida que había sido diagnosticado en 2009. Esta terrible noticia retrasó el lanzamiento de su último trabajo Hot Sauce Committee Part Two que paradójicamente termino editándose hace un año el 3 de Mayo de 2011.

Si bien la noticia no sorprendió como otras muertes inesperadas en el rock debido a su conocido estado, Yauch afirmaba que el cáncer que sufría era tratable y que le estaba dando lucha a la enfermedad pero lamentablemente en los últimos meses su salud había empeorado, lo que le impidió asistir a la ceremonia de ingreso del grupo al Salón de la Fama del Rock.

La obra de los Beastie Boys con Yauch en su esplendor nos dejan memorables álbumes como su debut bordeando el punk por momentos Licensed to Ill, el ecléctico Paul’s Boutique, su viraje hacia un hip hop alternativo en Check Your Head y Ill Communication y ya más maduros su ultima gran trabajo Hello Nasty. Yauch, en paralelo, se involucró en el movimiento por la liberación del Tibet al mismo tiempo que lanzaba su propia productora de cine, Oscilloscope Laboratories.

La música no fue la misma después de los Beastie Boys. ¿Quién no recuerda ver el gran video musical de “Sabotage” con los tres integrantes del grupo actuando en una mini serie policial o los videos bizarros de Hello Nasty como “Intergalactic” o Body Movin’” cuando MTV todavía pasaba cosas decentes? Que descanses en paz MCA.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Steve Miller Band

Steve Miller Band – Sailor (1968)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Song for Our Ancestors: 7.5
  2. Dear Mary: 7
  3. My Friend: 7.5
  4. Living in the U.S.A.: 8.5
  5. Quicksilver Girl: 7
  6. Lucky Man: 7.5
  7. Gangster of Love: 7
  8. You’re So Fine: 8
  9. Overdrive: 8.5
  10. Dime-a-Dance Romance: 8

El año 1968 fue para Steve Miller Band sin dudas el más importante de su carrera, ya que fueron lanzados el disco debut Children of the Future y en octubre, Sailor, un álbum que venía a revalidad lo hecho por su antecesor. La banda estadounidense buscaba ganarse el lugar que con el disco anterior parece no haber encontrado. Los grandes trabajos de artistas contemporáneos dejaron en un segundo plano aquella primera producción, por lo que Sailor debía cambiar el rumbo.

Este material mantiene la psicodelia de la costa oeste de los Estados Unidos aunque tampoco olvida las influencias de las Invasiones Británicas y por supuesto, del Blues. El primer track, es un instrumental que arranca con el sonido de cuerno y luego el sonido se diversifica por otros caminos, mientras que “Dear Mary” es una linda balada que queda acorde para iniciar líricamente el disco.

“Living in the U.S.A.”, con una armónica muy sureña, retoma los sonidos clásicos del rock n’ roll y se alza como una de las canciones destacadas del disco. Muy bueno también resulta la introducción de “Lucky Man” y la blusera “You’re So Fine”. Otro punto importante lo aportan la dupla “Overdrive” y “Dime-a-Dance Romance” que cierran este buen disco que se logró ubicarse en una mejor posición que el álbum debut.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Porcupine Tree

Porcupine Tree – Fear of a Blank Planet (2007)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Fear of a Blank Planet: 8,5
  2. My Ashes: 6,5
  3. Anesthetize: 9,5
  4. Sentimental: 8,5
  5. Way Out of Here: 7
  6. Sleep Together: 7

Porcupine Tree es una banda formada a finales de los 80s en Hemel Hempstead, Inglaterra, liderada por el cantante, productor y multi instrumentista Steven Wilson. Se caracteriza por mezclar con acierto y gracia rock psicodélico y rock progresivo con un insistente metal, creando unos discos realmente originales.
Para la gran mayoría de su público, Fear of a Blank Planet es su obra cumbre, un disco en el que enfatizan sus influencias del ala más pesada del rock progresivo de mediados de los años 70, acompañándose de recursos más modernos como diversos programas de ordenador para crear atrayentes atmosferas de fondo (hay que destacar el enorme trabajo de Steven Wilson en la producción, clave en el sonido del grupo), y fue el disco que los consolidó como una de las mejores bandas del género del último lustro (huelga decir que desgraciadamente no tienen demasiada competencia).

En este, Porcupine Tree pretende hacer una crítica al abuso que hacen los adolescentes de los medios tecnológicos posibles, en los que basan su vida, apartándose del mundo más allá de las cuatro paredes de su cuarto, y con unos padres que no intervienen para mejorar la situación.

El disco abre con el tema “Fear of a Blank Planet”, una potente canción de la que hay que destacar sobretodo el salvaje guitarreo que lleva la batuta hacia el final del tema. Después de la algo floja balada “My Ashes” Porcupine Tree saca la artillería y se acompaña, además de Robert Fripp, guitarrista de King Crimson, para deleitarnos con el mejor tema del disco y seguramente de su carrera: “Anesthethize”, canción que consigue juntar de manera compacta variados pasajes sónicos, psicodélicos y metaleros valiéndose de unos logradísimos contrastes.

Después de esta inyección de adrenalina es esperable que el álbum baje de nivel y así es, pero manteniendo interés, “Sentimental” es una emotiva balada a piano y sintetizadores y con un Steven Wilson haciendo uno de sus mejores trabajos vocales. “Way out of here” es un tema en continuo crescendo en el que también se acompañan de Robert Fripp, aunque mucho menos inspirado esta vez, y por último llegamos a “Sleep Together” la canción encargada de cerrar el disco y que deja un sabor agridulce al tener pasajes orquestales sobresalientes y otros ambientales muy poco logrados.

Mauricio G.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Lily Allen

Lily Allen – It’s Not Me, It’s You (2009)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Everyone’s at It: 8
  2. The Fear: 9
  3. Not Fair: 7,5
  4. 22: 7
  5. I Could Say: 6,5
  6. Back to the Start: 8
  7. Never Gonna Happen: 7,5
  8. Fuck You: 9
  9. Who’d Have Known: 8,5
  10. Chinese: 8
  11. Him: 7
  12. He Wasn’t There: 8

Establecida como una de las figuras femeninas británicas del momento la carismática e ingeniosa Lily Allen volvería a los primeros planos gracias a su nuevo single “The Fear”, lanzado para finales del 2008, canción que trata sobre la fama paralizante y las consecuencias que esta puede acarrear.

Este tema estaría incluido en su segundo LP It’s Not Me, It’s You, publicado en Febrero de 2009. Un disco mucho más logrado que su debut, donde expone toda su capacidad para crear agudas e inteligentes letras a otro nivel, ganándose el reconocimiento casi generalizado, ya que ciertos problemas de conducta como aquel lamentable incidente donde estando ebria en medio de un evento de la revista GQ insultó a una leyenda como Elton John gratuitamente haya opacado un poco su imagen para algunos sectores de la industria musical.

Dentro de It’s Not Me, It’s You además de la mencionada “The Fear” nos encontramos con otros temas destacables como “Everyone’s at It” donde explica como lidiar con el coctel de cocaína y pastillas, “Fuck You” una canción de protesta que originalmente iba dirigido al partido conservador británico pero luego según sus propias palabras “puede encajar en cualquier lado sin un objetivo en particular”, “Who’d Have Known” el quinto sencillo donde en el video vuelve a tener a Elton John como victima de burlas.

Actualmente su carrera se encuentra interrumpida para dedicarse de lleno a su maternidad. El 26 de Noviembre de 2011 nació su primera hija Ethel Mary, con su actual pareja Sam Cooper con quien contrajo matrimonio en Junio de ese mismo año. Anteriormente Lily había perdido dos embarazos uno fruto de su relación con Ed Simons de los Chemical Brothers y el otro también con Cooper.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
George Harrison

George Harrison – Dark Horse (1974)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Hari’s On Tour (Express): 6
  2. Simply Shady: 7
  3. So Sad: 8,5
  4. Bye Bye Love: 7
  5. Maya Love: 7
  6. Ding Dong Ding Dong: 6
  7. Dark Horse: 6,5
  8. Far East Man: 7,5
  9. It Is He (Jai Sri Krishna): 7

¿Qué le pasó a mi Beatle favorito? ¿Es este el mismo Harrison de All Things Must Pass? No lo parece. Pero sí, es George Harrison en su versión desmotivada.

Dark Horse es uno de esos discos que no tiene mucho para decir. Uno tranquilamente puede saltearlo sabiendo que acá no se va a perder nada, porque no tiene mucho para ofrecer.

Compositivamente hablando en Dark Horse los temas de Harrison son escuchables pero tienen menos inspiración que un lateral por derecha sin proyección. Los clásicos escasean en forma notoria y los rellenos son más evidentes. Los temas no sorprenden ni entusiasman en lo absoluto.

A eso hay que sumarle que la voz de Harrison se nota bastante cansada, parece más viejo. Según leí tenía laringitis y por eso recibió críticas en la gira que inició en esa época. Sino escuchen la homónima “Dark Horse”.

En cuanto a las canciones, desde el intrascendente instrumental “Hari’s On Tour” hasta la repetitiva “Jai Sri Krishna” no hay nada llamativo, exceptuando esa perlita llamada “So Sad”, una balada acústica que cuenta con un poco de esa magia intangible que Harrison todavía tenía.

Mención aparte merece “Bye Bye Love”, un tema muy interesante por su historia. George se la dedicó a su ex mujer, que se había ido con su “amigo” Clapton. Pero Clapton colaboró en la composición de la canción!! Una locura total!! Su supuesto mejor amigo no solo rompió códigos tirandole los galgos a su esposa en canciones como “Layla”, sino que se la terminó robando y encima siguen tocando juntos! ¿Raro, no?

Como era de esperarse la crítica fue bastante dura con el disco. La época de All Things Must Pass parecía a mil años luz. De todas formas, las canciones de Dark Horse están “bien”, no hay nada imprudente ni horripilante. Simplemente pasan sin pena ni gloria.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)