Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Tom Waits

Tom Waits – Bad as Me (2011)

1 comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Chicago: 8,5
  2. Raised Right Men: 8
  3. Talking at the Same Time: 9
  4. Get Lost: 9
  5. Face to the Highway: 9
  6. Pay Me: 8,5
  7. Back In the Crowd: 8,5
  8. Bad as Me: 8,5
  9. Kiss Me: 8
  10. Satisfied: 8
  11. Last Leaf: 7,5
  12. Hell Broke Luce: 8,5
  13. New Year’s Eve: 8,5

Siete años parece mucho tiempo. Es lo que tuvimos que esperar para escuchar un nuevo trabajo de Tom Waits luego de Real Gone (2004). Y que buen disco nos trajo este fenómeno el año pasado.

La espera valió la pena. El Sr. Waits junto con la colaboración de su esposa Kathleen Brennan (co-escritora y productora) y la participación de una gran cantidad de músicos prestigiosos (incluidos Flea y Keaith Richars), grabó material totalmente nuevo. Más precisamente 13 canciones, la mayoría que no tiene una gran duración pero sí una gran calidad y versatilidad. En Bad as Me Tom Waits hace un recorrido espectacular a todos los estilos en los que fue capaz de desenvolverse en su larga trayectoria.

Con una consistencia abrumadora, en Bad as Me encontramos, muy buenas mezclas de blues y jazz como en “Chicago” y “Satisfied”, rockabilly dinámico y divertido en “Get Lost”, una gran cantidad de baladas ya sea aquellas con aires nocturnos como “Talking at the Same Time” y “Kiss Me”, o acústica y de folk en “Back In the Crowd”, “Pay Me”, “Last Leaf” y «New Year’s Eve». También hay tiempo para experimentar tal como pasa en la homónima “Bad as Me” (interpretando el tema muy a lo Captain Beefheart) y la antibélica “Hell Broke Luce” (de lo más abstracto y alternativo del álbum).

El disco es muy recomendable. Cosechó muchos elogios, fue uno de los destacados del 2011. Porque al fin de cuentas, los años pasan pero Tom es un inoxidable que sigue dando de que hablar.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Nick Cave & The Bad Seeds

Nick Cave & the Bad Seeds – Dig, Lazarus, Dig!!! (2008)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dig, Lazarus, Dig!!!: 9,5
  2. Today’s Lesson: 8,5
  3. Moonland: 8
  4. Night of the Lotus Eaters: 8
  5. Albert Goes West: 8,5
  6. We Call Upon the Author: 9
  7. Hold on to Yourself: 8
  8. Lie Down Here (& Be My Girl): 7,5
  9. Jesus of the Moon: 8,5
  10. Midnight Man: 8
  11. More News From Nowhere: 8,5

Por su perdurabilidad y regularidad a lo largo de los tantos años de rica trayectoria el gran Nick Cave merece un espacio dentro de los inoxidables del rock. En los últimos años además de continuar con los Bad Seeds, Nick incursiono en un proyecto alternativo bastante interesante también con algunos miembros de su banda llamada Grinderman, bajo ese nombre ya edito dos discos y en el medio de ambos editó con los Seeds uno de sus mas ricos trabajos en los últimos años Dig, Lazarus Dig!!! (2008).

En numerosas entrevistas Cave afirmo que el disco suena mas cercano al garage rock de Grinderman que a lo que venia haciendo años atrás con los Bad Seeds. Lo cierto es que en Dig, Lazarus Dig!!! Nick explora dentro de historias acerca de la decadencia sexual, el humor negro y la religión. Como siempre las letras de Cave son el centro del disco pero nos encontramos con diversos tipos de canciones desde momentos oscuros y siniestros hasta otros adictivos y frenéticos.

El álbum tuvo una aceptación unánime por parte de la prensa inclusive ubicándolo dentro de lo más destacado del año en el mundo del rock. La elegancia y poesía que siempre caracterizaron a la música de Nick Cave se encuentran intactas con el correr de los años algo que tanto Dig, Lazarus Dig!!! como otro gran disco que lanzó de los últimos años Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus pueden testificar sin dejar un margen para la duda. Así es como los músicos de rock deben envejecer.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Tom Petty & The Heartbreakers

Tom Petty & The Heartbreakers – Mojo (2010)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. Jefferson Jericho Blues: 8
  2. First Flash of Freedom: 7.5
  3. Running Man’s Bible:  7
  4. The Trip to Pirate’s Cove: 7
  5. Candy: 7.5
  6. No Reason to Cry: 7
  7. I Should Have Known It: 8.5
  8. U.S. 41: 7.5
  9. Takin’ My Time: 8
  10. Let Yourself Go: 7
  11. Don’t Pull Me Over: 7.5
  12. Lover’s Touch: 7.5
  13. High in the Morning: 7
  14. Something Good Coming: 8
  15. Good Enough: 8.5

Aunque a comienzos del nuevo siglo Tom Petty ya era una reconocida figura de la música y su nombre era sinónimo del rock de los setenta, no fue sino gracias a sus «rompecorazones» que éste talentoso artista adquirió gran parte de la fama que ostenta. Tras enfocarse en su trayectoria como solista y luego de algunas aparciones fugaces, en el año 2010 Petty se reencontró con sus viejos compañeros y juntos grabaron el que hasta ahora es el último disco de The Heartbreakers, Mojo.

Casi treinta años pasaron desde Hard Promises, el último álbum que grabaron los miembros originales del grupo; sin embargo, la vibra se mantiene más vigente que nunca. Como si tanto tiempo no hubiese deteriorado al grupo, Petty tomó las riendas nuevamente de este proyecto que muestra a los estadounidenses otra vez en el ruedo. Mojo es una expresión fiel al mejor rock callejero de norteamericano así como también al Blues, del cual Petty admitió haber orientado el álbum hacia ese género.

El disco mantiene una inclinación constante hacia el Blues pero no llega al punto de ser melancólico o mucho menos. La voz de Petty, sea rockeando o con el ánimo más aplacado, no desentona en ninguna ocasión y hace que temas como «Jefferson Jericho Blues» y «Ishould Have Known It» se transformen en la mejor expresión de su talento y sobre todo de la experiencia que ha obtenido en tantos años de carrera.

Petty declaró que su intención era acercarse al estilo de The Allman Brothers. Aunque logra darle ese tono característico de la legendaria banda, lo cierto es que Petty, luego de una formidable trayectoria, ha añadido a su repertorio lo mejor de los muchos artistas con los que colaboró y sigue demostrando que para el rock el tiempo no pasa.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Robert Plant

Robert Plant – Band of Joy (2010)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Angel Dance: 9
  2. House of Cards: 9
  3. Central Two-O-Nine: 8,5
  4. Silver Rider: 8,5
  5. You Can’t Buy My Love: 8
  6. I’m Falling in Love Again: 7
  7. The Only Sound That Matters: 7,5
  8. Monkey: 9
  9. Cindy, I’ll Marry You Someday: 8
  10. Harm’s Swift Way: 7,5
  11. Satan Your Kingdom Must Come Down: 8,5
  12. Even This Shall Pass Away: 7,5

Tras la disolución de Led Zeppelin en los ochenta, Robert Plant inició su carrera como solista teniendo sus buenos momentos manteniendo su vigencia hasta hoy en día. De hecho uno de sus discos que mayores elogios recibió fue Band of Joy editado tan solo hace un par de años.

El título del disco Band of Joy hace referencia a la antigua banda que Plant integró a fines de los sesenta. Es una demostración su vuelta a las raíces. Rememorando a su vieja banda el ex frontman de Zeppelin inició una gira en estos últimos años armando una nueva “Band of Joy” con la cual grabó este disco. El grupo lo integra la cantante Patty Griffin (de gran participación en los coros del álbum), el guitarrista Buddy Miller, el multi-instrumentalista Darrell Scott, el bajista ByronHouse y el baterista Marco Giovino

Para los asiduos seguidores de Led Zeppelin tienen que saber que el álbum no tiene mucho que ver con ellos. Band of Joy es un disco esencialmente de folk rock, que en intervalos explora con la psicodelia, compuesto mayormente por covers.

Lo mejor del álbum es que la banda en su conjunto hace una gran interpretación de los temas. De hecho pese a los años de Plant, resulta bastante fresco, bien elaborado y para nada pretencioso.

Los momentos más destacados aparecen de la mano del single “Angel Dance”, un excelente mix entre psicodelia y folk. Lo propio también hacen en “House of Cards” de gran estribillo. Dentro de los números más country “Central Two-O-Nine” no tiene desperdicio. Si buscas baladas “Silver Rider” es cautivante con su melodia tenue y espacial. Y entre los cortes más oscuros hay que resaltar a la turbia “Monkey” y “Satan Your Kingdom Must Come Down”.

Muy buen disco, que merecidamente recibió muy buenas críticas y que siguió dejando en claro que la carrera de Plant sigue intacta pese a que ya no este Zeppelin.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Rick Wakeman

Rick Wakeman – The Six Wives of Henry VIII (1973)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Catherine of Aragon: 8,5
  2. Anne of Cleves: 9
  3. Catherine Howard: 8,5
  4. Jane Seymour: 8
  5. Anne Boleyn: 8
  6. Catherine Parr: 8

The six wives of Henry VIII es el primer álbum importante de la longeva carrera solista de Rick Wakeman, pese a que cuenta con el siempre agradecible acompañamiento de sus compañeros de Yes en la interpretación de las canciones.

Este disco está basado un libro acerca de las seis esposas del Rey Enrique VIII que Wakeman leyó mientras esperaba en un aeropuerto, e intenta retratar con cada tema a cada una de las esposas de Enrique VIII… bien, es posible que como documento histórico no tenga demasiado valor ni ayude a entender a estos personajes, pero sin duda alguna a nivel musical es un disco excelente.

Ambicioso y excesivo como siempre, Wakeman no se cortó a la hora de rodearse de instrumentos (pianos, clavicordios, mellotrones, varios tipos de órganos…) pues se trata de un álbum verdaderamente original y cambiante de estilos, en el que nos encontramos desde temas de corte eclesiástico como Jane Seymour (que de hecho fue grabado en la Catedral de St. Giles) hasta auténticos balazos en forma de canciones como Anne of Cleves.

Lo mejor del disco se encuentra en la primera parte, con unas tres primeras canciones soberbias, empezando por Catherine of Aragon y la antes mencionada Anne of Cleves, los dos temas más veloces y potentes del disco y los que mejor han sobrevivido al tiempo, gracias a algunos tramos de teclado que francamente obligan a uno a irse a comprar un sombrero para volver a escuchar la canción y quitárselo; Catherine Howard, por su parte también es un tema más que recomendable, con unos cambios de ritmo y de tono que la hacen realmente entretenida.

Los demás temas del disco pese a no llegar al nivel de estos tres no son ni mucho menos malos, en todas el genio que es Wakeman consigue crear algún momento memorable.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Air

Air – The Virgin Suicides (2000)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Playground Love: 9
  2. Clouds Up: 7,5
  3. Bathroom Girl: 7
  4. Cemetary Party: 6,5
  5. Dark Messages: 6,5
  6. The Word ‘Hurricane’: 7,5
  7. Dirty Trip: 8,5
  8. Highschool Lover: 8,5
  9. Afternoon Sister: 7
  10. Ghost Song: 7,5
  11. Empty House: 7
  12. Dead Bodies: 8
  13. Suicide Underground: 7,5

Dos años más tarde de su elogiado debut, el dúo francés Air volvió a los primeros planos, pero esta vez no con un álbum totalmente propio, sino que se trato de una banda sonoro de la recomendada película, para el que no la haya visto, The Virgin Suicides, dirigida por Sofia Coppola (hija del gran Francis Ford Coppola).

Con referencia a como adaptaron la música con el film Jean-Benoit Dunckel declaró: “Sofia nos enviaba avances todas las semanas. Cada semana teníamos nueva escenas. Tratamos de grabar en el orden de las escenas. Fue gracioso porque en la primera parte el sonido fue un poco trash. Podes imaginarte desde el comienzo que la película seria oscura. Por eso es que mucha de nuestra música fue oscura también. Queríamos respetar el ambiente. También hay una dualidad en el film, entre el amor inocente y la oscuridad de los suicidios. Es por eso que el álbum es así, rosa y oscuro a la vez”.

Un solo track en todo el LP tiene voz: “Playground Love”, a cargo de Thomas Mars pareja por ese entonces de Sofia y cantante de la banda también francesa Phoenix, el resto esta compuesto por experimentos instrumentales y electrónicos con la marca registrada Air contextualizado con música lounge y pop de los años sesenta y setenta época creando una atmosfera muy acorde con la temática del film. Entre ellos podemos subrayar algunos instrumentales de alto calibre como “Dirty Trip” y “Dead Bodies”.

Los amantes de Moon Safari deseosos de una segunda dosis de pop electrónico exquisito estarán satisfechos en parte con The Virgin Suicides pero deberán esperar a futuros materiales para encontrar al grupo en tan alto nivel. Según Nicolas Godin la diferencia entre sus dos primeros materiales podría describirse de la siguiente manera casi como si fuera un pronosticador meteorológico: “Moon Safari sería verano en el campo, TheVirgin Suicides es mas bien invierno en el campo»

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Peter Frampton

Peter Frampton – Frampton’s Camel (1973)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. I Got My Eyes On You: 8
  2. All Night Long: 7.5
  3. Lines On My Face: 8.5
  4. Which Way the Wind Blows: 7
  5. I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever): 8
  6. White Sugar: 9
  7. Don’t Fade Away: 8
  8. Just The Time Of Year: 7.5
  9. Do You Feel Like We Do: 8

Aunque Wind of Change de 1972 no tuvo el éxito comercial que Peter Frampton hubiese deseado, lo cierto es que aquél fue un muy buen disco que marcó el comienzo de su etapa solista. El tema que daba nombre al título y “All I Wanna Be (Is By Your Side)” se alzaban como temas interesantes y fueron de los primero salientes en la carrera del músico.

Frampton’s Camel se editó íntegramente en Estados Unidos, más precisamente en New York, en los estudios de Electric Lady Land, antiguamente perteneciente al majestuoso Jimi Hendrix y El nombre del trabajo toma el nombre de la banda con la que Peter salía ede gira. Nuevamente con los músicos que lo acompañaron en su primer material (con excepción del baterista Mike Kellie que dejó su lugar a John Siomons), en esta ocasión los sonidos son más rockeros que Wind of Change y mucho de esto se debe a la guitarra pero sobre todo al tecladista Mick Gallagher, de gran participación.

El casi funkie “I Got My Eyes On You” da inicio de la mejor manera al álbum, que continúa con “All Night Long”, una composición conjunta con Gallagher. Muy buena es también la balada “Lines On My Face” que con un solo de guitarra se come toda la canción y bien lograda resultó la versión del tema de Stevie Wonder “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”. Sin embargo, el sonido pleno de los setenta en“White Sugar” es otro de los momentos más altos de un disco, que mejoró bastante la producción de su predecesor e impulsó la carrera de Frampton.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Babyshambles

Babyshambles – Shotter’s Nation (2007)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Carry On Up the Morning: 8
  2. Delivery: 8,5
  3. You Talk: 9
  4. UnBiloTitled: 8,5
  5. Side of the Road: 9
  6. Crumb Begging Baghead: 8
  7. Unstookie Titled: 7
  8. French Dog Blues: 7,5
  9. There She Goes: 8
  10. Baddie’s Boogie: 8,5
  11. Deft Left Hand: 8,5
  12. Lost Art of Murder: 8

Shotter’s Nation, la segunda incursión de estudio de Babyshambles, sería la primera oportunidad en la que Pete Doherty trabajaría sin Mick Jones (su antiguo productor que lo había acompañado desde sus inicios) en esta oportunidad Stephen Street, reconocido por sus numerosos labores con Blur y Morrisey, se haría cargo de la producción y dirección artística del álbum.

Shotter’s Nation (2007) cayó en el momento justo de la “Pete Doherty manía” en Gran Bretaña. Pete era noticia por todo no solo por su música sino también por sus incontables escándalos competía con Amy Winehouse por ver quien ganaba mas líneas en los tabloides sensacionalistas. Asi fue como en su nuevo trabajo Doherty se encarga de hablar de todos sus problemas, no escapando a ninguna temática hablaría de: adictos, drogas, Kate Moss, amor, pérdida, el paisaje urbano británico y la prensa sensacionalista. Todo con un sonido cuidado una gran banda detrás y un cantante que recupera su tan elogiada voz.

Luego de los pocos momentos lucidos en Down in Albion este nuevo trabajo nos trae el Doherty que realmente se extrañaba cuando hacia dupla con el genial Carl Batat en The Libertines. En esta oportunidad haciendole la segunda se destaca la presencia del guitarrista Mick Whitnall que junto a Drew McConnell (bajo) y Adam Ficek (batería) completan la banda. En temas como “Delivery”, “You Talk”, “UnBiloTitled”, “Side of the Road”, “Baddie’s Boogie” y “Deft Left Hand” podemos apreciar claramente la mejoría compositiva de Shotter’s Nation con respecto al debut de Babyshambles dos años atrás.

Posiblemente no es un trabajo extraordinario comparándolo con sus excelentes discos en The Libertines pero sin lugar a dudas marca un camino positivo hacia una buena dirección. Quizás esta sea la mejor rehabilitación para un personaje autodestructivo como el. Componer buena música.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Echo & the Bunnymen

Echo & The Bunnymen – Cocodriles (1980)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Going Up: 8
  2. Stars Are Stars: 8,5
  3. Pride: 9
  4. Monkeys: 8,5
  5. Cocodriles: 8
  6. Rescue: 9
  7. Villiers Terrace: 8,5
  8. Pictures on My Wall: 10
  9. All That Jazz: 8,5
  10. Happy Death Men: 7,5

Crocodiles es el brillante debut de los Bunnymen. Con un sonido oscuro, psicodélico y urgente a cuestas, esta banda daría su primer paso. Y ciertamente, arrancaron de la mejor manera. Dos puntos remarcables y admirables a destacar son: la madurez compositiva de la banda desde el 1er momento y otro que siendo su 1er álbum ya incluye un notable puñado de clásicos.

Dichos clásicos son “Going Up” (con una intro amenazante in crescendo, con unos guitarrazos fantásticos), “Rescue” (clásico temazo si los hay), All That Jazz (cuyo estribillo es una explosión de batería), “Villiers Terrace” (canción de evidente influencia de The Doors, cuyo pianito me parte la cabeza) y “Crocodiles” (aquí brillan los retorcidos e histéricos solos de Will, y el tremendo bajo de Les). Dichas canciones son número habitual en casi todas sus presentaciones en vivo hasta hoy en día inclusive.

Pero no es todo. Esta también la soberbia “Stars Are Stars” y “Pride” (cuya interpretación vocal es IMPECABLE). La oscura “Monkeys”, la totalmente psicodélica y delirante “Happpy Death Men” y el  plato fuerte del álbum: “Pictures On My Wall”. Es aquí donde me quedo falto de adjetivos. En menos de tres minutos tenemos una oscura, pesadillesca y dramática obra maestra. Escúchenla amigos míos, es imperdible.

Un muy, muy buen álbum, diez canciones de gran nivel, un genial número de clásicos, ¿qué mejor manera de comenzar? Al año siguiente la banda subiría un peldaño más, sacando el genial Heaven Up Here. La historia de los hombres conejo no había hecho más que iniciar.

Watanuki Li

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Art Brut

Art Brut – Art Brut vs. Satan (2009)

1 comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Alcoholics Unanimous: 8,5
  2. DC Comics and Chocolate Milkshake: 9
  3. The Passenger: 9
  4. Am I Normal?: 8,5
  5. What a Rush: 7
  6. Demons Out!: 7,5
  7. Slap Dash for No Cash: 8,5
  8. The Replacements: 9
  9. Twist and Shout: 8,5
  10. Summer Job: 8
  11. Mysterious Bruises: 8,5

Para su tercer álbum Art Brut consiguió que uno de sus ídolos Frank Black de Pixies colabore con ellos como productor. Y Black Francis no solo logró delinear parte de su onda “Pixies” sino que se transformaría en pieza fundamental para conducir a que la banda se oriente a lo que realmente importa que hagan, o lo que mejor saben hacer.

Por eso Art Brut vs. Satan muestra signos de mejora respecto de It’s a Bit Complicated. Aquí tenemos un álbum de punk/Indie rock que se preocupa un poco menos por las melodías y le da más lugar a sus brillantes e hilarantes letras a manos del divertido “Spoken Word” de Eddie Argos, que se encauzan a aspectos más interesantes que las de su disco anterior, especialmente temas sociales.

Así nos encontramos con canciones como “Alcoholics Unanimous” (de referencia obvia) con expresiones brutales como: “Bring Me Coffee!/Bring Me Tea!”. También esta “DC Comics and Chocolate Milkshake” un hit para los que ven The Big Bang Theory, con su propio estribillo pegadizo: “DC comics and chocolate milkshake/Some things will always be great/DC comics and chocolate milkshake/Even though I’m 28”. Además hay canciones como “The Passenger” sobre el transporte público (“I’m a determined passenger/I never learnt to drive/But don’t worry/I’m not asking for a ride/Some people hate the bus/Not me, I can’t get enough/Some people live in the fast lane/Not me, I take the train/I love public transportation”) o “Summer Job” sobre el trabajo (“Fire me/give me the sack”).

En la segunda parte del disco tenemos incluso desopilantes líneas que hacen referencia a otros artistas, ya sea en “Slap Dash for No Cash” (“Why would you want to sound like U2?/Just press record and play it straight through/They call it lo-fi, if you say so/Cool your warm jets, Brian Eno”) o “The Replacements” (“I can’t believe I’ve only just discovered the Replacements/Some of them are nearly the same age as my parents/I can’t believe I’ve only just discovered the Replacements/Second hand CDs are cheaper/Reissued CDs, extra tracks”).

Sí, el disco es tremendamente cómico y divertido. Tal vez las melodías no te enchufen tanto de entrada como la de sus discos previos, pero no faltan los buenos riffs ni la energía punkoide indie que reflota todo el tiempo. Muy buen disco!

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)