Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Stereolab

Stereolab – Peng! (1992)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Super Falling Star: 8
  2. Orgiastic: 8
  3. Peng! 33: 9
  4. K-Stars: 8
  5. Perversion: 8
  6. You Little Shits: 7
  7. The Seeming and the Meaning: 8
  8. Mellotron: 8
  9. Envirez-Vous: 7,5
  10. Stomach Worm: 7
  11. Surrealchemist: 10

Peng! es el primer álbum de Stereolab (luego de algunos EPS). Sin duda, este álbum es totalmente noventoso, con ese sonido bien guitarrero onda Ride, Lush o incluso My Bloody Valentine, o sea alma shoegaze. Pero como dije en mi pasada revisión de Stereolab, no todo era guitarras haciendo feed-back para ellos. Desde este álbum se pueden ver destellos mínimos de música experimental y avant-garde que el grupo posteriormente explotaría.

El álbum arranca con la enigmática “Super Falling Star”, cuya atmosfera densa, oscura y etérea nos intuye (no plenamente todavía) lo que sería Stereolab en un futuro.

Luego…GUITARRAS AL 100!! “Orgiastic” (con unas inquietantes voces que asustan), “Perversion” (de tintes casi grunge), “The Seeming And The Meaning”, “You Little Shits” son shoegaze en estado PURO. Esta también la SUPER NOISE “Stomach Worm” (con un ritmo acelerado que me recuerda un poco a Waterloo de Abba), con su mantial de interminables distorsiones. De este tipo de canciones mi favorita es “Peng! 33”, cuyo movedizo ritmo te hará saltar de la silla mas de una vez y te hará tararear por la calle sus «la la la LA LA LA».

Luego los momentos experimentales los protagonizan “K-Stars”, la rarísima “Mellotron”, y “Envirez-Vous” cuya atmosfera tan cool y letra recitada remiten directamente de The Velvet Underground (Reed y Cale, dioses del rock alternativo).

Pero sin dudas, LA canción del álbum es la hermosa y apacible “Surrealchemist”, con sus atrapadora melodía. Un muy buena manera de comenzar, en breve el grupo daría un GRAN paso adelante con el genial Transient Random-Noise Bursts with Announcements (de paso cañazo, corrijo errata de mi revisión anterior, es en este álbum donde Mary Hansen entra en acción con su hermosa voz).

Stereolab había llegado. Personalmente, adoro la tapa mostaza amarillenta de este álbum, el cual es la ultima viñeta del cómic Der Todliche Finger de Antonholz Portman (deberé conseguirlo! así también como me encantaría una remera con esta portada!).

Watanuki Li

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Foo Fighters

Foo Fighters – There is Nothing Left to Lose (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Stacked Actors: 8
  2. Breakout: 9
  3. Learn to Fly: 9
  4. Gimme Stitches: 8
  5. Generator: 8
  6. Aurora: 8,5
  7. Live-In Skin: 8
  8. Next Year: 8,5
  9. Headwires: 7
  10. Ain’t It the Life: 8,5
  11. M.I.A.: 7

El reciente y exitoso lanzamiento de los Foo Fighters: Wasting Light, es producto de un camino conciso e interesante que culmina con esta evolución definitiva en términos de sonido y calidad. Pero para haber llegado a dicho resultado en el camino hubo varios trabajos siempre interesantes para apreciar y tener en cuenta, el caso de There is nothing left lo lose es uno de ellos.

Si la primera gran tanda de canciones de Dave Grohl se plasmo en ‘The colour and the shape’, entonces aquí esa tendencia vuelve a plasmarse con madurez. Aun sin la presencia del guitarrista Chris Shiflett, el poder de composición se centraba mayoritariamente en Dave, acompañado claro esta por un contundente Nate Mendel en bajo y un afilado Taylor Hawkins en batería.

Grabado en 1999, en el reciente estudio construido ‘606’, dentro del garage de Dave, con toda la comodidad que eso implica, nos encontramos con un disco más melódico en la composición. Donde perduran los sólidos riffs y se asienta la distorsión característica de la banda.

Como una manera de demostrar actitud y energía en base a gritos furiosos y riffs psicodélicos, el disco abre con ‘Stacked Actors’; seguido por dos grandes clásicos como lo son ‘Breakout’ y ‘Learn to fly’, mientras ‘Gimme Stitches’ dice presente junto a su pegadizo ritmo y nos invita a cantarlo. Le sigue ‘Generator’, comenzando con un peculiar y eficaz sonido a través del Talk Box montado en la voz de un Grohl inspirado marcando el punteo. ‘Aurora’ nos pasea por climas calmos y voces sin apuros frente a capas de efectos Delay. ‘Live-In Skin’ perdura en base a su contundente riff y excelente actitud vocal acompañado por la distorsión característica de la banda.

‘Next year’ aparece como una expresión y deseo de regreso a casa en forma de balada, con su simple Sol-Re-Do logra cautivar ni bien comienza la canción. ‘Headwires’ nos lleva bipolarmente a aguas turbias y oscuras con estribillos que explotan de dolor. Le sigue ‘Ain it the life’, con la mejor letra del disco, perdurando la escencia de balada instalada logra dar dosis de emoción y da por sentado la solidez de composición en el disco. Comenzando con agudas guitarras y la delicada voz de Grohl, surge ‘M.I.A.’, como las últimas páginas de un libro, Grohl expulsa esta ultima canción los últimos suspiros y gritos de expresión para luego finalizar con un repique de redoblante un disco sólido en cuanto a su estructura. Este escalón, el cual forma parte de la escalera musical que formo humildemente Foo Fighters a lo largo de los años y que ahora llego a su éxtasis de expresión musical, sin dudas no tiene desperdicio alguno.

Rodrigo Santa Cruz

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(Votos: 1 Promedio: 4)
ZZ Top

ZZ Top – Rio Grande Mud (1972)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Francine: 8.5
  2. Just Got Paid: 8
  3. Mushmouth Shoutin’: 7
  4. Ko Ko Blue: 7.5
  5. Chevrolet: 7
  6. Apologies to Pearly: 8
  7. Bar-B-Q: 8.5
  8. Sure Got Cold After the Rain Fell: 7.5
  9. Whiskey’n Mama: 7
  10. Down Brownie: 7

Fue tanta la repercusión y buena llegada que tuvo el primer de ZZ Top que no sólo los charts dieron el visto bueno, sino que el grupo fue telonero de artistas como Janis Joplin, Humble Pies, Ten Years After y Mott the Hoople. Pero la mayor sorpresa y satisfacción para Dusty Hill y los suyos, se produjo cuando el mismísimo Mick Jagger les solicitó que actuasen en una presentación de The Rolling Stones. El primer impacto estaba dado, ahora faltaba dar el salto de calidad.

Lo que en el primer disco la banda había mostrado como un primer borrador, en Rio Grande Mud (que toma el nombre del Rio que bordea el límite entre Estados Unidos y México), parece tomar forma definitiva. Un estilo más sólido y rockero. Los riffs terminan de tomar una senda y se funden en buenos temas como “Francine” y “Just Got Paid”, dos de los más destacados.

“Ko Ko Blue” y “Chevrolet” son otros dos que llenan el disco y que mantienen el rock que ZZ Top mostró y llamó la atención de varios artistas. “Apologies to Pearly” es otro de los temas que dan vida a este buen material que tiene a la potente “Bar-B-Q” como una formidable muestra de rock sureño.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Lou Reed

Lou Reed – Street Hassle (1977)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Gimmie Some Good Times: 8
  2. Dirt: 8,5
  3. Street Hassle: Waltzing Matilda/Street Hassle/Slipaway: 9
  4. I Wanna Be Black: 7,5
  5. Real Good Time Together: 7,5
  6. Shooting Star: 7
  7. Leave Me Alone: 7,5
  8. Wait: 8

Lou Reed fue uno de los responsables de la existencia del punk si tenemos en cuenta el revolucionario proto punk que ya había delineado la Velvet Underground en los sesenta. Pero en los setenta, con la sensación del punk ya instalado como la moda de la época, Lou compusó un álbum que algunos toman como una reacción así el punk. Street Hassle no es punk rock promedio como el que desarrollaban la mayoría de los grupos de aquel entonces. No señor. Lou Reed es demasiado poético e inteligente como para caer en la vulgaridad de hacer “lo mismo que el resto”.

Street Hassle tiene su enojo cargado, pero en lugar de llevarlo a un nivel más alto subiendo las revoluciones con la típica velocidad y voracidad del género, se diferencia haciendo canciones más bien “lentas”, con melodías despreocupadas pero escuchables y con ese condimento extra que las hace rarezas únicas.
Parece interesante, pero a decir verdad no es una obra maestra. No tenemos clásicos excepcionales que se destaquen sobre el resto. De todas formas las canciones de Lou Reed son lo suficientemente copadas para disfrutarlas.

La mejor es la homónima “Street Hassle”, un tema dividido en 3 partes. “Waltzing Matilda”, “Street Hassle” y “Slipaway”, todos con la misma melodía orquestada de tras fondo y Lou Reed recitando a lo Dylan. También me gusta como rockea “Dirt” con su riff sucio. “Gimmie Some Good Times” tiene un juego de voces espeluznante y un estribillo pegadizo: “Gimmie gimmie gimmie some good times!”. “Wait” también es interesante por como sobrepone sus coros a destiempo de lo que canta el ex frontman de la Velvet.

Y dentro de lo menos espectacular hay canciones que igual tienen lo suyo, como “Real Good Time Together” (un tema viejo que data de la época de la Velvet), que cuenta con una melodía tan atípicamente absurda con esos paranoicos “Na na na na na na na na na na naa naah!”, pero funciona. Y “Leave Me Alone” incorpora un saxo que le da un tono jazzero, acompañado por un riff duro y una melodía bastante bizarra especialmente por como interpreta el tema Reed.

Así que ya saben, acá no hay grandes clásicos, pero sí canciones con sus particularidades propias de la impronta compositiva de este maestro que seguía dando clases.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Rage Against The Machine

Rage Against the Machine – Renegades (2000)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Microphone Fiend: 8
  2. Pistol Grip Pump: 8
  3. Kick Out the Jams: 9
  4. Renegades of Funk: 8,5
  5. Beautiful World: 8
  6. I’m Housin’: 8
  7. In My Eyes: 8
  8. How I Could Just Kill a Man: 8,5
  9. The Ghost of Tom Joad: 8
  10. Down on the Street: 7,5
  11. Street Fighting Man: 7
  12. Maggie’s Farm: 8

El cuarto y ultimo disco de estudio de Rage Against the Machine cuenta con la particularidad de estar compuesto íntegramente por covers de grupos que influenciaron a la banda a lo largo de su carrera.

Bajo el nombre de Renegades (2000) nos encontramos con tracks de The Rolling Stones, Bruce Springsteen, Cypress Hill, Bob Dylan, Devo, The Stooges, entre otros. Aunque la mejor parte se da al comienzo con los temas de grupos de hip hop y alternativos, mas afines al sonido tradicional de Rage como en “Kick Out the Jams” de MC5, “Renegades of Funk” de Afrika Bambaataa y “Pistol Grip Pump” de Volume 10. Dentro de los mas conocidos “Street Fighting Man” y “Maggie’s Farm” (de los Stones y Dylan, respectivamente) pueden resultar una rareza mas que atrayente para los fanáticos de dichos artistas, otro tema insólito y que derivo en un resultado satisfactorio fue “Beautiful World” de EPMD un tema tranquilo y calmo, algo inédito en toda la discografía del grupo de Los Ángeles. En líneas generales Renegades es un disco recomendable no solo para fanáticos de Rage sino también para cualquiera que quiera conocer la esencia de uno de los grupos imprescindibles y exitantes de la década del noventa.

Renegades fue lanzado un tiempo después de que el vocalista Zack de la Rocha anunciara que dejaba al grupo por desavenencias personales y de objetivos con el resto de la banda. Después del lanzamiento de Renegades, los restantes integrantes de Rage unieron con el ex vocalista de Soundgarden, Chris Cornell para formar Audioslave.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Björk

Björk – Vespertine (2001)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 10

  1. Hidden Place: 10
  2. Cocoon: 10
  3. It’s Not Up to You: 8
  4. Undo: 9,5
  5. Pagan Poetry: 10
  6. Frosti: 8
  7. Aurora: 8,5
  8. An Echo a Stain: 9
  9. Sun in my Mouth: 10
  10. Heirloom: 7,5
  11. Harm of Will: 9,5
  12. Unison: 10
  13. Generous Palmstroke: 8,5

Ay mi amada Björk… Luego del hermoso Selmasongs, la pequeña duendecilla volvería al ruedo con lo que sería una cumbre total sin minutos muertos: Vespertine. Sin dudas el álbum más intimo que jamás publicaría. Rico en ensoñadoras e íntimas interpretaciones cargadas de emoción y sensibilidad.

“Hidden Place” da inicio, cuya imponente y soberbia atmósfera parece transportarnos hacia un mundo paralelo donde el surrealismo es la única ley que vale. TREMENDO COMIENZO. No nos terminamos de recuperar que llega otro momento estelar: “Cocoon”. Realmente, gente, la interpretación de esta canción puede helar tu sangre, ponerte la piel de gallina, ponerte los pelos de punta, etc. Canción frágil cual cristal, escúchenla con auriculares y vean, van a estar sumergidos en un ensueño TOTAL.

Luego llega un precioso número, “Its Not Up To You” con sus geniales coros provenientes de Groenlandia. “Undo” es una canción totalmente melancólica, con un opresivo y a la vez angelical clima, es muy probable que te robe las lágrimas.

“Pagan Poetry” marca otra cumbre. La voz de Björk suena con más fuerza y convicción que nunca, con su insistente base, te hará elevar cual mantra. Muchos se preguntarán el porque de la puntuación hacia ese breve intermedio llamado “Frosti”. La verdad es que sus dulces sonidos encajan a la perfección, tiene toda la onda de lo que el álbum es. En otras palabras, funciona de mil maravillas.

“Sun In My Mouth” con su duración de 2 minutos y pico, le basta y sobra pasa ser una de las mejores canciones no solo del álbum, sino también de Björk. Una fantástica canción de cuna.

Sigue la espiritual “Aurora”. Carajo, esta canción debe sonar en el paraíso seguro! Que hermosura! Luego llega el tour de force “An Echo A Stain”, canción cuyo burbujeante y malicioso ritmo tiñe de negro todo. Después de semejante tema viene la movidita “Heirloom”. Hacía falta, es como poner los pies en tierra nuevamente.

Luego volvemos a volar hacia ese mundo imaginativo con la introspectiva “Harm Of Will”, canción intensa y relajante si las hay. Otro punto alto lo marca la tierna “Unison”, con otra memorable interpretación a cuestas. Dicho tema tiene una juguetona melodía la cual es muy pegadiza.

“Generous Palmstroke” marca el final para este precioso álbum. Es quizás la canción más «normal y accesible» de todo el álbum, pero me encanta igual!

Nuestra amiga de Reykjavik sacaría posteriormente de su galera un disco mas complejo aún: el hipnotizante, inquietante e integro a capella Medulla.

Algo mas que agregar? Si!: BJORK VOLVE A ARGENTINA ESTE 2012 POR FAVOR!!!

Watanuki Li

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(Votos: 1 Promedio: 5)
MGMT

MGMT – Oracular Spectacular (2008)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Time to Pretend: 8
  2. Weekend Wars: 9
  3. The Youth: 7
  4. Electric Feel: 8
  5. Kids: 8,5
  6. 4th Dimensional Transition: 6,5
  7. Pieces of What: 8
  8. Of Moons, Birds & Monsters: 8,5
  9. The Handshake: 7,5
  10. Future Reflections: 7

Ben Goldwasser y Andrew Van Wyngarden se conocieron y comenzaron a tocar juntos mientras estudiaban juntos en la Universidad de Wesleyan, según sus propias palabras todo empezó como un juego: “No estaban tratando de iniciar una banda, solamente nos divertíamos y compartíamos la música que nos gustaba”. Este comienzo recurrente en los inicios de numerosas bandas es el de uno de los grupos mas prometedores de los últimos años MGMT, en sus comienzos llamados The Managment, nombre que al ya ser utilizado por otro grupo tuvo que ser cambiado.

En 2005 comenzaron a salir de gira siendo soportes del grupo Indie Of Montreal, gracias a la reputación conseguida con su primer y exitoso EP Time to Pretend. Al año siguiente fueron fichados por el sello Columbia Records que los puso bajo las órdenes del productor Dave Fridmann (conocido por su trabajo con Flaming Lips de varios años) como resultado nacería su ansiado debut Oracular Spectacular, editado digitalmente en 2007 y finalmente en formato de CD en Enero de 2008. Cuando fueron consultados, previamente a la contratación de Fridmann, acerca del productor soñado respondieron sarcásticamente: “Nos gustaría Prince, Nigel Godrich, Barack Obama y no Sheryl Crow».

Oracular Spectacular recibió elogios por doquier por parte de la crítica especializada, en un mercado necesitado de nuevas figuras la aparición de este dúo fresco y original llego como anillo al dedo para todos. Temas como “Time to Pretend” y “Kids” se multiplicaban en las radios de todo el mundo, aunque otros menos conocidos como “Of Moons, Birds & Monsters”, “Weekend Wars” y “Electric Feel” también se encuentran a tono con este recomendable disco inicial que cuenta como sello distintivo con baterías distorsionadas, teclados brillantes en primerísimo plano y innumerables cantidades de artilugios sonoros que de aquí en mas seria su marca registrada.

Para cerrar un año consagratorio MGMT fue soporte de Radiohead en sus conciertos en Manchester y encabezaron su propia gira por todo el Reino Unido, para continuar recorriendo el mundo al año siguiente en diferentes festivales que los codearían con luminarias del rock como The Flaming Lips, Happy Mondays, Jane’s Addiction y hasta el mismísimo Sir Paul McCartney en el Fenway Park de Boston en Agosto del 2009.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Wilco

Wilco – The Whole Love (2011)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Art of Almost: 9,5
  2. I Might: 9
  3. Sunloathe: 8
  4. Dawned On Me: 8,5
  5. Black Moon: 8
  6. Born Alone: 8,5
  7. Open Mind: 7,5
  8. Capitol City: 7
  9. Standing O: 8
  10. Rising Red Lung: 7,5
  11. Whole Love: 7,5
  12. One Sunday Morning (Song For Jane Smiley’s Boyfriend): 7,5

Luego de un parate anunciado, tras lanzar uno de los mejores álbumes del 2009 Wilco (The Album), en el 2011 retornaría Wilco estrenando su auto gestionado sello discográfico. En The Whole Love esta vez Jeff Tweedy nos ofrece un disco bastante diverso, donde en lo personal no siento que el disco tenga un hilo que conecte los temas entre sí. Cada canción tiene su propio sonido y puede recordar en alguna particularidad a sus discos anteriores. Lo que sí las une son las melodías que son realmente muy buenas.

La ensalada de canciones de The Whole Love arranca con, tal vez uno de los temas del año, “Art of Almost” que experimenta con la electrónica como si fuera Radiohead, en un corte que dura más de 7 minutos. Después tenemos canciones más pop como “I Might” y “Born Alone” que estábamos acostumbrados a escuchar en Summerteeth. Así como “Dawned On Me” que suena más al pop de Yankee Hotel Foxtrot. También esta “Standing O” que es pop rock and rollero bastante exaltante, lo más dinámico del álbum. Y hay lugar para lindas baladas como “Sunloathe”.

Tampoco faltan las canciones acústicas ya sea las melancólicas “Black Moon” y “Rising Red Lung” o la sencilla “Open Mind”. Y para cerrar también esta la bella balada acústica “One Sunday Morning” que dura más de 12 minutos, que a decir verdad son bastantes repetitivos y por eso puede agotar fácilmente a cualquiera, aunque siempre ostenta una melodía encantadora.

The Whole Love es sólido, interesante y más que escuchable en líneas generales. Algún crítico lo tomara como el mejor álbum de la última formación de Wilco, por eso aparece en muchos rankings como uno de los más destacados del año. Pero desde mi punto de vista no supera el nivel de su predecesor.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
King Crimson

King Crimson – Islands (1971)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Formentera Lady: 9
  2. Sailor’s Tale: 7,5
  3. The Letters: 8,5
  4. Ladies of the Road: 8
  5. Prelude: Song Of the Gulls: 8,5
  6. Islands: 10

Después del duro azote por parte de crítica y público hacia el infravalorado Lizard, King Crimson se desmoronó y bajista, batería y cantante se fueron del grupo; pero Robert Fripp, indiscutible líder de la banda, lejos estuvo de deshacerla, así que tras incorporar a dos nuevos miembros, Ian Wallace a la batería (propuesto por el teclista de EL&P y amigo de Fripp, Keith Emerson) y Boz Burrell como vocalista y bajista (quien después del disco se uniría a la superbanda Bad Company) el coloso creador del rock sinfónico se volvería a poner manos a la obra para traernos, esta vez, su álbum más tranquilo y relajante, dejando atrás tanto la potencia y energía de los dos primeros álbumes como el vanguardismo y la complejidad del tercero.

El disco abre con “Formentera Lady”, una pausada balada muy bien acompañada por flautas y violines. Tras ella viene la jam que el grupo incluía en casi cada disco, en este caso “Sailor’s Tale”, que pese a resultar algo indigerible, tiene algunos momentos donde la guitarra y el bajo realmente consiguen dar caña; a ésta le sigue “The Letters”, un tema que comienza con una suave melodía que transmite la tensión de que pronto estallará, y estalla, y luego vuelve a tranquilizarse, pero solo para poder volver a estallar…y así durante toda la canción con un jugueteo jazzístico con los decibelios bien logrado.

La segunda mitad del disco comienza con “Ladies on the Road” tema en el que Fripp parece haberse acompañado de John Lennon y Paul McCartney por el beatlelesco estribillo; “Prelude: Song of the Gulls, es una muy amena composición de música clásica hecha con instrumentos de cuerdas y un oboe, que servirá para introducir a la gran joya del disco “Islands” una balada muy suave y melódica con unos soberbios solos por parte de Mel Collins de saxofón y trompeta.

Mauricio G.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Eagles

Eagles – Desperado (1973)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Doolin-Dalton: 8.5
  2. Twenty-One: 8
  3. Out of Control: 8.5
  4. Tequila Sunrise: 8
  5. Desperado: 9
  6. Certain Kind of Fool: 8
  7. Doolin-Dalton (Instrumental): –
  8. Outlaw Man: 8
  9. Saturday Night: 7.5
  10. Bitter Creek: 7

Si en el disco debut, Don Hanley, había tenido una participación casi nula en la composición (“Witchy Woman”), en Desperado, el segundo material del grupo, la actuación del baterista fue omnipresente. Ocho de los diez temas del disco contaron con su influencia, y el resultado se hizo notar instantáneamente.    

Después del buen arranque que había tenido el grupo con Eagles de 1972, al año siguiente se editó el que sería uno de los más exitosos álbumes de este grupo norteamericano. Orientado a lo conceptual, Desperado toma como tema principal la historia de The Dalton Gang, la pandilla de los hermanos Dalton que a fines del siglo XIX robaban trenes junto al afamado ladrón Jesee James. Los temas comparan las vivencias entre aquellos personajes con las propias vidas de los músicos a principios de la década del setenta, como se aprecia desde el inicio con “Doolin-Dalton”.

En este álbum, Eagles manifiesta un mayor apego por la música sureña (“Twenty-One”), más allá de las influencias de los sesenta que el grupo traía. “Out of Control” cambia ese estilo por uno más rockero que con “Tequila Sunrise”, el primer single, se bajan los decibeles. “Desperado” es, promediando el disco, uno de los más destacados y de lo más reconocidos en la carrera de la banda.

Después el disco continúa con un interesante nivel con temas como “Certain Kind of Fool” que retrata la transformación de un chico pobre de familia a un criminal buscado por la justicia; la buena versión de “Outlaw Man” de David Blue y “Saturday Night” y “Bitter Creek” le dan el cierre a Desperado.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)