Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Nick Drake – Bryter Layter (1970)

Puntaje del Disco: 10

  1. Introduction:
  2. Hazey Jane II: 9,5
  3. At the Chime of a City Clock: 10
  4. One of These Things First: 9
  5. Hazey Jane I: 9,5
  6. Bryter Layter: 8
  7. Fly: 8,5
  8. Poor Boy: 8,5
  9. Northern Sky: 10
  10. Sunday: 8

Luego de la escasa repercusión que significo el álbum Five Leaves Left para este gran músico, era de esperar la enorme desilusión de Nick Drake, y es que no es posible como un público tan poco dado a la elección de lo verdaderamente bueno con lo terriblemente malo haya dejado en el olvido tan enorme disco. Aquí debo resaltar que los tres únicos LP’s que Nick Drake concibió en vida son de una calidad indiscutible y merecen una revaloración por parte de verdaderos melómanos y re descubridores de joyas perdidas en la música.

Este segundo álbum posee una belleza única que es difícil compararlo con el anterior trabajo; los arreglos de cuerdas siguen presentes aunque con una mayor presencia, además el disco contiene dejos de jazz y algunos coqueteos pop radiales, más integrantes del grupo folk rock Fairport Convention seguían de regreso y ese enorme artista sinónimo de vanguardia llamado John Cale en varios instrumentos. Nick Drake se muestra un poco más optimista y con una sensibilidad a tope, pues las letras son menos arriesgadas y  más sinceras.

Sin lugar a dudas este enorme trabajo estaba pensado para entrar de lleno a la radio, y luego de un pequeño pero hermoso intro el cambio estilístico se nota desde un  principio con la maravillosa «Hazey Jane II», para seguir con la primer joya del LP (relativamente hablando pues no hay nada de relleno en el álbum) la increíble «At the Chime of a City Clock», brillante y con ese punteo de Nick como guía para toda la canción, todo es perfecto; desde una precisa sección rítmica, pasando por los arreglos orquestales y un delicioso saxo, estupenda.

La calidad se mantiene con la bonita melodía «One of These Things First», tan dulce y con un piano constante en la canción. «Hazey Jane I» es otro de los puntos altos con un excelente arpegio de la guitarra de Nick Drake y los instrumentos de cuerda que lejos de sonar grandilocuentes le dan ese toque cuasi épico al tema.

El segundo lado del vinilo original inicia con la homónima instrumental «Bryter Layter», seguida de la breve pero sutil «Fly» con un angelical clavecín y viola cortesía claro del ex velvet John Cale; «Poor Boy» por otra parte es otro elegante corte cuasi jazzero, con un ritmo bossa-nova y excelentes coros femeninos. Por ultimo Nick Drake nos entrega “Northern Sky”, posiblemente la más bella y dulce melodía que jamás haya escrito, aquí Nick le canta al amor y como una persona puede cambiar todo nuestro rumbo y hacernos volar, resulta curioso como un músico tan dado a las letras desoladas y de temática menos convencional escribiera un alegato al romanticismo. Tan corta, tan pop pero ojala las baladas actuales tuvieran esa sensibilidad a tope caray.

Sin duda el álbum más elaborado y accesible, pero no por eso menos trascendente de este malogrado y brillante artista, El disco solo vendió unas 15,000 copias en su momento y obtuvo reseñas mixtas, la fama estaba lejos para Nick Drake, quien se reprimía y se decepcionaba de la música; afortunadamente mucha gente revalorando y a 41 años de publicado se rige como uno de los álbumes mas perfectos y hermosos, urge darle una escucha sin prejuicios.

Mich

Tu puntuación
(Votos: 4 Promedio: 5)

PJ Harvey – Let England Shake (2011)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Let England Shake: 8,5
  2. The Last Living Rose: 9,5
  3. The Glorious Land: 8,5
  4. The Words That Maketh Murder: 10
  5. All and Everyone: 8
  6. On Battleship Hill: 9
  7. England: 9
  8. In the Dark Places: 7,5
  9. Bitter Branches: 8,5
  10. Hanging in the Wire: 8,5
  11. Written on the Forehead: 8
  12. The Colour of the Earth: 9

Let England Shake comenzó a llamar la atención desde su lanzamiento tanto por su música como por su temática particular donde esboza una crítica a la cultura y política británica. Pero no es necesario que te guste la historia inglesa para caer bajo el encanto de Polly Jean Harvey.

El álbum marca el retorno de esta excéntrica y talentosa artista al sonido crudo y contundente que caracterizo su música años anteriores y venia abandonando lentamente en sus últimas incursiones. Todos los instrumentos se conjugan de una manera perfecta y su voz oscura y poderosa dice presente como siempre en cada segundo del álbum. Lo que hace distinto y quizá más osado aún a Let England Shake es que con mayor vuelo Polly Jean no se limita a las baladas sino que continúa esa saga replanteando la vuelta del sonido de banda. La eterna indie se olvida de los unipersonales y con seguridad invita otros más a su más personal, e íntimo empeño creativo. Claro que solo están admitidos los amigos de confianza como John Parish y Mick Harvey.

Let England Shake configura un relato de canciones duras con temblor sensual y aliento de guerra donde crea atmósferas anacrónicas con una lírica única. Entre el mid-tempo folk y electricidad furibunda, supera algunas de sus mejores marcas. Buena parte del mejor material que ha compuesto PJ se encuentra en este disco, que sin duda es la verdadera entrada a esa nueva etapa que no tiene clemencia con los noventosos que la vieron surgir de las entrañas de la escena alternativa. No pueden dejarse pasar por alto temazos estremecedores como “The Last Living Rose”, “The Words That Maketh Murder”, “On Battleship Hill”, “England”, “The Colour of the Earth” y “Hanging in the Wire” que en su conjunto configuran el mejor disco del 2011 y el de mayor vuelo artístico sin dudas.

Al borde de cumplirse veinte años desde su aparición, Harvey prefiere seguir reinventándose en lugar de buscar una formula comerciales mas sencilla. Con Let England Shake y superados los cuarenta años de edad PJ Harvey demuestra que el fuego de su música sigue intacto.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Battles – Gloss Drop (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Africastle: 8,5
  2. Ice Cream: 10
  3. Futura: 9
  4. Inchworm: 9
  5. Wall Street: 8,5
  6. My Machines: 9
  7. Dominican Fade: 8
  8. Sweetie & Shag: 9
  9. Toddler: 8
  10. Rolls Bayce: 7,5
  11. White Electric: 8,5
  12. Sundome: 9

Pese a la partida del guitarrista Tyondai Braxton en el 2010 que podía preocupar a más de uno respecto a lo que le depararía a Battles, el resto de la banda no solo supo suplir su ausencia sino que se desquitó con uno de los mejores discos y uno de los más desapercibidos del 2011: Gloss Drop.

En este, el segundo disco de Battles, las canciones no son solo cortes instrumentales interesantes desde lo técnico, sino que le agreguen un condimento de divertimento que Mirrored no tenía. Mucho tiene que ver la colaboración de vocalistas invitados que demuestran que las canciones de Battles son aun mejores cuando hay una interpretación vocal que las acompañe. Sino fijense en “Ice Cream” con el chileno Matías Aguayo cantando, es uno de los mejores fucking hits del año!! Es una locura total sobre un “helado derritiéndose”. También tenemos a “My Machines” con Gary Numan como protagonista en vocales, aunque lo cierto es que por lo que más te atrapa es por la performance aplastante del batero John Stainer. El tipo se ceba y la rompe (bah, la gasta en todo el álbum). Además me gusta “Sweetie & Shag” en el que aparece la niña “ponja” Kazu Makino (de la banda Blonde Redhead), un tema que mezcla electrónica con mucho descontrol. Casualmente otro oriental, Yamantaka Eye de Boredoms, es el encargado de colaborar en el último corte del álbum, “Sundome”, en el que imprime una espeluznante interpretación vocal que hace bizarrísimo al tema. Y eso que es el más largo de Gloss Drop, pero te mantiene siempre prendido.

Sacando a estas cuatro, nos queda Battles como grupo en el resto de Gloss Drop. Lo cual significa mayormente canciones instrumentales de Math Rock. Que a decir verdad me gustan más que las de Mirrored. Ya sea la modernosa y paranoica “Futura”, la pegadiza “Inchworm” o la oscura “Africastle”.

El álbum es variado, tiene un sonido más alto y una vibra diferente a la de su predecesor, por lo cuál los más matemáticos pueden llegar a sorprenderse e incluso desconcertarse. Porque Gloss Drop no es solo para “ñoños calculines”, es entretenimiento puro.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Horrors – Skying (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Changing the Rain: 8,5
  2. You Said: 7,5
  3. I Can See Through You: 9
  4. Endless Blue: 9,5
  5. Dive In: 8,5
  6. Still Life: 10
  7. Wild Eyed: 8
  8. Moving Further Away: 9
  9. Monica Gems: 9
  10. Oceans Burning: 8

Cuando surgieron con Strange House, rondando el 2007 pocos imaginaban que The Horrors, formado por cinco muchachos británicos que llamaban más la atención por su aspecto esquelético, jeans ajustados y peinados ridículos que por su música se convertirían en uno de los grupos de mayor crecimiento y más prometedores en los últimos años.

Si bien su segunda placa Primary Colours había marcado un salto de calidad importante, sería gracias Skying que el grupo comenzaría a ser tomado en serio por la crítica y el mundo de la música en general. Alejados definitivamente del horror punk de sus comienzos en Skying se enfocan mas a un Indie rock con aires ochentosos con sintetizadores, teclados y momentos que rememoran a lo mejor Echo & the Bunnymen, My Bloody Valentine, New Order o Simple Minds.

Los sintetizadores luminosos predominan gran parte del disco como en la sorprendente “Still Life” a la cabeza (mejor single del 2011 a mi entender), otros temas como “I Can See Through You” y “Moving Further Away” no se quedan atrás. Y los momentos más guitarreros como “Endless Blue” y “Monica Gems” demuestran que el grupo puede roquear si se lo propone.

Skying representa algo que hace tan solo cuatro años en su comienzo vertiginoso pocos hubiesen imaginado. Si tenemos en cuenta la originalidad y la capacidad de cambio en un grupo debemos reconocer a The Horrors que comienzan a consolidar una carrera sólida para sorpresa y gratificación de los que los seguimos desde sus comienzos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Foo Fighters – Wasting Light (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Bridge Burning: 8,5
  2. Rope: 9
  3. Dear Rosemary: 8
  4. White Limo: 9
  5. Arlandria: 8
  6. These Days: 9
  7. Back & Forth: 8
  8. A Matter of Time: 7,5
  9. Miss the Misery: 8
  10. I Should Have Known: 9,5
  11. Walk: 9

Finalmente cumplidos diez años del paso de Dave Grohl por Queens of the Stone Age algo de influencia de Josh Homme se vislumbra en su nuevo y esperado sexto disco de estudio Wasting Light.

Los Foo Fighters cuentan con la vuelta del guitarrista Pat Smear, que no participaba del grupo desde The Colour and Shape, se muestran más pesados y maduros que nunca. Ya desde el inicio con “Bridge Burning” y “Rope” uno se va dando cuenta de lo que va a atravesar en poco menos de cincuenta minutos de rock en todos sus sentidos. Además de las antes mencionadas se destacan la cruda “White Limo”, “These Days” y un final a todo trapo con “I Should Have Known” y “Walk”.

El disco vuelve a juntar a Grohl con el productor Butch Vig, que trabajó en el clásico de Nirvana, Nevermind. Y al bajista de Nirvana, Krist Novoselic, que participa en el tema mas logrado del álbum «I Should Have Known», una canción que no menciona a Cobain explícitamente, pero se hace eco de él con su ausencia devastadora: «No escuché la advertencia, maldito sea mi corazón sordo», canta Grohl, a medida que la oscuridad inicial -una guitarra solitaria, y la callada culpa de su voz, con una espesa reverberación- lentamente conduce a una explosión liberadora de rabia.

Sobre el proceso de grabación de Wasting Light, Grohl se manifestó: «Tenemos once canciones y en todo el disco no existe ni una sola balada», «El proceso fue tan simple. Lo hicimos realmente en mi garaje. El hecho de que lo hayamos hecho todo sin utilizar computadoras, lo hizo muy simple. Simplemente suena gigantesco».

Wasting Light se convirtió casi inmediatamente de su aparición en uno de los discos del año y uno de los mejores en la discografía de los Foo Fighters que nos dejan una colección de canciones imperdibles a puro rock and roll.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Kills – Blood Pressures (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Future Starts Slow: 9
  2. Satellite: 9
  3. Heart is a Beating Drum: 8,5
  4. Nail In My Coffin: 8,5
  5. Wild Charms:
  6. DNA: 9
  7. Baby Says: 8,5
  8. The Last Goodbye: 8,5
  9. Damned If She Do: 7,5
  10. You Don’t Own The Road: 8
  11. Pots & Pans: 9

Tres años habría que esperar para volver a escuchar un nuevo disco de The Kills, luego de Midnight Boom. En el medio de ese plazo, Alison Mosshart estuvo laburando junto a Jack White en The Dead Weather, grabando dos álbums: Horebound y Sea of Cowards. Así que The Kills quedó postergado, hasta que el dúo se dio cuenta que era tiempo de volver, sobretodo por el éxito y el excelente nivel de Midnight Boom que generaba expectativas en los seguidores de la banda.

Así llegó Blood Pressures, cuarto álbum de estudio de The Kills, que si bien no llega al estatus astral de su predecesor es un disco notable. Esta vez, el dúo desarrolla un sonido que resulta más oscuro, sobrio e incluso lento de lo que venían realizando, alejándose del Lo-Fi (es menos crudo que Keep On Your Mean Side), resultando menos festivo que Midnight Boom, pero sí más maduro. La voz de Alison es tan enérgica y agresiva como siempre lo fue, pero además la percusión es más contundente y Jamie Hince en guitarra se distingue constantemente con riffs marcados que no defraudan.

Así aparecen los mejores temas del disco. “Future Starts Slow” es un arranque explosivo (me lo imagino muy bueno para comenzar conciertos), con una percusión retumbante, y con una de las mejores combinaciones de Alison y Jamie en vocales. “Satellite” también es excelente, especialmente por su intro de guitarra. El combo “DNA” y “Baby Says” son otros de los puntos destacados, de los que mejor representan el sonido del álbum. También hay lugar para baladas, ya sea “The Last Goodbye” de Alison o la breve “Wild Charms” con Jamie animándose como vocalista líder. Y para final del álbum una de mis favoritas “Pots & Pans”, nuevamente con tambores resonantes y un gran cierre con Alison repitiendo “These are the days we’ll never forget/ When the dawn, dawns on you”.

Excelente disco, uno de los mejores retornos del 2011, de uno de los dúo que más química tienen en la actualidad y que lo siguen demostrando con actitud en cada nuevo trabajo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Black Keys – El Camino (2011)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Lonely Boy: 9
  2. Dead and Gone: 8,5
  3. Gold on the Ceiling: 9
  4. Little Back Submarine: 8,5
  5. Money Maker: 7,5
  6. Run Right Back: 9,5
  7. Sister: 8
  8. Hell of a Season: 7
  9. Stop Stop: 7
  10. Nove Baby: 8,5
  11. Mind Eraser: 8

El séptimo disco de los Black Keys no se hizo esperar demasiado, tan sólo un año después de su disco suceso (Brothers, 2010) el dúo editó el álbum que a aquí nos trae: El Camino. Armado en tan sólo 40 días, y sin ninguna idea de producción más que la de «lo que salga en el momento», los Keys nos dan uno de los mejores discos del año.

El disco está cargado de riffs sucios, propiedad de Dan Auerbach, y de melodías por demás pegadizas, ya sea a fuerza de coros que las realzan en hitos bailables (imperdible el video de «Lonely Boy») o con la ayuda de sintetizadores que adhieren lo suyo: una cuota de ebullición rocanrolera con tintes glamorosos irresistibles para los oídos.

Sobre una estética lo-fi y con vistas retroactivas, el álbum fluye en la dinámica de los riffs y la potente batería de Patrick Carney, que suena realmente impecable todo el disco. Todo palo y a la bolsa, casi sin descansos (sólo lo existe en el comienzo de la ledzeppeliana «Little Black Submarine») y con una precisa capacidad de síntesis, ya que sólo «Little Black Submarine» -justamente- es la única en superar los 4 minutos de duración.

Un gran disco, de una banda que es de lo mejor de la escena rockera mundial y que sigue aportando discos sin bajar su calidad.

Bari

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds (2011)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Everybody’s on the Run: 8.5
  2. Dream On: 8
  3. If I Had a Gun…: 9
  4. The Death of You and Me: 9
  5. (I Wanna Live In a Dream In My) Record Machine: 8.5
  6. AKA…What a Life: 8.5
  7. Soldier Boys and Jesus Freaks: 8
  8. AKA…Broken Arrow: 8
  9. (Stranded On) The Wrong Beach: 8
  10. Stop The Clocks: 9

Noel Gallagher’s High Flying Birds es el nombre de la banda que el ex líder de Oasis decidió darle a su nuevo proyecto. Luego de la anunciada disolución del popular grupo británico a mediados de 2009, los hermanos más escandalosos del Reino Unido no disimularon su fastidio recíproco y pronto Oasis dejó de existir. Aunque lejos de hacer el duelo por el final de la banda que lo vio nacer, Liam se llevó a los otros miembros y continuaron con Beady Eye, lanzando el gran disco Different Gear, Still Spending. La respuesta de Noel no se hizo esperar demasiado y en octubre de este año, lanzó este disco tan esperado por numerosos seguidores de Oasis.

Fiel a su estilo confrontante y sin escrúpulos, Liam dijo sobre el disco de su hermano: “pensé que podía volver con algo nuevo pero, a fin de cuentas, es Noel Gallagher sentado en una banqueta cantando canciones acústicas”. Si bien no se trata de temas acústicos netamente, lo cierto es que las palabras de Liam tienen un grado de realidad. El proyecto como solista de Noel tiene buenas intenciones, con temas que verdaderamente sobresalen, aunque es muy notoria la fuerte dosis que carga de su ex banda. O dicho de otra manera, el disco revela cuánta jerarquía compositiva poseía Noel al momento de escribir las letras en Oasis.

Con una orquesta y buenos arreglos, “Everybody’s on the Run” da comienzo al vuelo de los Pájaros del mayor de los Gallagher. “Dream On”, el segundo tema, continúa con una notoria similitud en el estilo que la anterior y el primer cambio se vislumbra con la homicida “If I Had a Gun” y después con “The Death of You and Me”, el primer corte lanzamiento del disco, cuyos acordes rememoran inmediatamente a “The Importance of Being Idle” de Don’t Believe The Truth.

La segunda mitad del disco arranca con la balada “(I Wanna Live In a Dream In My) Record Machine” que claramente podría asemejarse a cualquiera de las composiciones que Noel hizo en Oasis. En cambio, “AKA…What a Life” (las siglas significan “Also Known As”) levanta con un ritmo más movido y nos muestra en el video a un Noel viviendo las delicias de la vida en una carretera con dos hermosas mujeres. También en tono sarcástico “Soldiers Boys and Jesus Freaks” se burla de la sociedad con una ambientación musical que parece de principios del siglo pasado.

“(Stranded On) The Wrong Beach” y “Stop The Clocks” (un tema de Oasis que había sido incluido en el disco de Grandes Exitos que la banda sacó antes de separarse) dan cierre a este sólido y atractivo disco. Noel no quiso ser menos que Liam y Beady Eye y con su nueva banda demostró que la inspiración sigue intacta y que tendremos más de la batalla mediática de los hermanos Gallagher.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The Decemberists – The King is Dead (2011)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Don’t Carry it All: 8,5
  2. Calamity Song: 8
  3. Rise to Me: 7,5
  4. Rox in the Box: 9,5
  5. January Hymn: 7,5
  6. Down by the Water: 9
  7. All Arise!: 7,5
  8. June Hymn: 8,5
  9. This is Why We Fight: 8,5
  10. Dear Avery: 8,5

The Decemberists es una banda formada en Oregon, Estados Unidos, en 2001, liderada por el guitarrista y cantante Colin Meloy.

Definir su estilo musical podría compararse con definir el color de un camaleón, y es que a lo largo de sus diez años de vida han cambiado de estilo disco a disco, pasando de folk a hard rock, e incluso tonteando con el rock progresivo.

Pero este año lo que nos han traído ha sido un álbum más influenciado por bandas folk de los años sesenta como Crosby Stills Nash & Young, y por su gran referente, los también estadounidenses R.E.M., cuyo guitarrista, Peter Buck, participa en tres de los temas: “Calamity Song”, “This is why we fight” y “Down by the Water”, impregnándolos muy notablemente de la esencia de los primeros discos de R.E.M.

A parte de estos tres temas hay que destacar “Rox in the Box”, el mejor del disco y uno de los mejores del año, una canción country que perfectamente podría estar en el Harvest de Neil Young, con unas armonías vocales impecables y un animado fondo de guitarras acústicas acompañadas por un acordeón.

Las demás piezas del disco se quedan algo atrás, pero siguen valiendo la pena, especialmente las dos baladas “June Hymn” y “Dear Avery”, que junto con las antes mencionadas acaban de crear uno de los mejores discos del año, pasando de las ambiciones artísticas e innovaciones tecnológicas en la música, para ofrecer un material de la vieja escuela.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Iron & Wine – Kiss Each Other Clean (2011)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Walking Far from Home: 8
  2. Me and Lazarus: 8
  3. Tree by the River: 9
  4. Monkeys Uptown: 8
  5. Half Moon: 8
  6. Rabbit Will Run: 8.5
  7. Godless Brother in Love: 8.5
  8. Big Burned Hand: 9
  9. Glad Man Singing: 8
  10. Your Fake Name Is Good Enough for Me: 8

De Carolina del Sur y proveniente de una familia trabajadora, Samuel Beam nació a mediados de la década del setenta y pronto estuvo en contacto con el mundo del arte. Un título en la especialidad en la Universidad de Virginia y otro desde el cine en la Universidad de Florida, concibieron los fundamentos de un artista que luego exploró el aspecto musical. En un principio a través de demos y luego, cuando los trabajos iban creciendo, llegó el primer disco, en 2004.

Iron & Wine, una frase que Sam leyó en un complemento dietario, fue la partida para de su carrera musical, que hasta principios de 2011 registraba tres álbumes. “Kiss Each Other Clean”, según como lo definió el músico está más orientado al pop. Es clara la referencia a este género, pero de todos modos, Beam no pierde el flok acústico que lo hizo famoso.

En este disco Iron muestra que mantiene intacto el nivel de las letras, con una profundidad remarcable y con melodías brillantes. En “Me and Lazarous” se acompaña muy bien del saxo mientras que “Tree by the River” y “Big Burned Hand” son de los mejores temas del disco. “Monkeys Uptown” acelera un poco el ritmo que pronto vuelve a la normalidad en “Half Moon”, una hermosa balada sureña.

Un disco ideal para escuchar relajado, sin apuros ya que da la sensación constante de estar en un viaje placentero. Iron & Wine, desplegando todo su talento, produjo uno de los discos más destacados, no sólo del año sino también de su ascendente carrera.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)