Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Stephen Malkmus

Stephen Malkmus & The Jicks – Mirror Traffic (2011)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Tigers: 9
  2. No One Is (As I Are Be): 9
  3. Senator: 9,5
  4. Brain Gallop: 8,5
  5. Jumblegloss: –
  6. Asking Price: 8,5
  7. Stick Figures in Love: 8,5
  8. Spazz: 8
  9. Long Hard Book: 8
  10. Share the Red: 9
  11. Tune Grief: 7
  12. Forever 28: 8
  13. All Over Gently: 7,5
  14. Fall Away: 8
  15. Gorgeous Georgie: 8,5

“I know what the senator wants/What the senator wants is a blow job!!!”, frase de “Senator” tan desopilante como crítica. Una genialidad dentro de las genialidades que el ex frontman de Pavement ofrece en este álbum. Y que justamente el año pasado se reunió con su antigua banda para rememorar a los más nostálgicos que Pavement fue un grupo copado y groso en los noventa. Pero Stephen Malkmus, ya desde entonces venía preparando su quinto álbum de estudio, Mirror Traffic, considerado por algunos cuantos críticos como el mejor trabajo de Malkmus hasta la fecha.

Con la colaboración de Beck en producción, Stephen arroja una cantidad de canciones realmente muy buenas, dando garantías de que su talento compositivo sigue intacto como si el tiempo desde Crooked Rain Crooked Rain no hubiera pasado, demostrando que es uno de los exponentes más importantes y jovatos del Indie.

¿Y cuales son los highlights de Mirror Traffic? Primero hay que decir que Malkmus se desquita con nada menos que 15 temas, manteniendo siempre un nivel notable, dando lugar siempre a buenas melodías y a sus brillantes arrebatos impredecibles. Aún así la primera parte del disco es la mejor, comenzando por “Tigers” que ya de entrada tiene una melodía pop excelente. La sucede “No One Is (As I Are Be)”, una canción acústica más cálida no menos elogiable. Y luego tenemos a la sarcástica “Senator”, desde mi punto de vista la más destacada del disco por su dinámica y su pegadizo estribillo. Y vean el video de este temazo, es realmente divertido, con Jack Black como principal protagonista.

Más adelante siguen las buenas canciones. Especialmente me gusta la balada “Share the Red”, pero también hay números destacables como la neopsicodélica “Gorgeous Georgie” o la perlita pop “Stick Figures in Love” con su particular sonido que se te mete en la cabeza.

Que buen álbum. No hay puntos que puedan considerarse flojos en Mirror Traffic a pesar de su longitud. Por eso es uno de los trabajos más recomendables del 2011.

 Persy

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Brainiac

Brainiac – Bonsai Superstar (1994)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hot Metal Dobermans: 10
  2. Hands of the Genius: 9,5
  3. Fucking With the Altimeter: 8,5
  4. Radio Apeshot: 9
  5. Transmissions After Zero: 6,5
  6. Juicy (On a Cadillac): 8,5
  7. Flypaper: 8
  8. Sexual Frustration: 9,5
  9. To the Baby-Counter: 9
  10. You Wrecked My Hair: 8,5
  11. Meathook Manicure: 8
  12. Status: Choke: 8
  13. Collide: 7,5

En este su segundo disco de estudio, los Brainiac oscurecen el cuadro sónico ofrecido en sus primeras composiciones. Producido por Eli Janney, de Girls Against Boys, estas canciones recogen gran parte del espíritu ruidista de la banda de Janney, así como del afán experimentador musical y rítmico de grupos como Pixies, Pere Ubu, Half Japanese o los primeros Six Finger Satellite. Cabe destacar que este es el primer trabajo con John Schmersal a la guitarra, en sustitución de Michelle Bodine.

No es un disco de fácil asimilación, y las melodías que en él se encuentran se hacen casi imposibles de distinguir hasta pasadas unas cuantas escuchas. Además, el abuso del Moog y de la manipulación vocal por parte del cantante Tim Taylor hace que las letras sean bastante imperceptibles aun para personas con un conocimiento profundo del inglés.

Esta dosis de locura (y droga) musical empieza con la genial «Hot Metal Dobermans», quizá el mejor tema de su discografía. Estupenda la combinación guitarra-bajo en esta canción, en la que el despecho por un desengaño amoroso parece ser el hilo conductor.

Le sigue la frenética «Hands of the Genius» y la efectiva y futurista «Fucking With the Altimeter», que recuerdan más a grupos como Devo. «Radio Apeshot» es otro de los puntos culminantes del álbum, en el que la furia atonal de las guitarras culmina en el collage musical «Transmissions After Zero».

«Juicy» y «Flypaper» son dos muy buenos intentos de noise, en las que además el oyente descubre al mejor Tim Taylor en la interpretación vocal, antes de llegar a la otra gran gema del álbum. «Sexual Frustration» es la epítome temática del disco, en la que se trata un aspecto capital en el mismo, reflejado básicamente en el título y letra de esta canción, pero con un afilado sentido del humor y un pegadizo ritmo de batería. De los siguientes temas merece la pena destacar la vibrante «To the Baby-Counter», la pixiana «You Wrecked My Hair» o «Status: Choke», de ascendencia grunge.

Finaliza todo con «Collide», que a pesar de ser uno de los cortes menos destacables del disco, tiene momentos que nos adelantan el futuro del sonido Brainiac, que recuerda más a bandas como Nine Inch Nails y anticipa los momentos más experimentales y musicalmente claustrofóbicos de Radiohead.

En conclusión, estamos quizá ante el mejor trabajo de los de Ohio, el más inaccesible, pero también en el que los intentos de experimentación están mejor enfocados. Brainiac se alejaron con este disco de los convencionalismos que estaban atenazando al indie americano post-Nirvana, ofreciendo una joya altamente recomendable para todo fan del rock alternativo de los 90.

Ruben S.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Kraftwerk

Kraftwerk – Trans-Europe Express (1977)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Europe Endless: 9,5
  2. The Hall of Mirrors: 9
  3. Showroom Dummies: 8,5
  4. Trans-Europe Express: 9
  5. Metal on Metal/ Abzug: 8,5
  6. Franz Schubert: 9
  7. Endless Endless:-

Banda alemana que sin lugar a dudas se perfila como lo mas vanguardista al hacer de su propuesta musical toda una escuela que muchos grupos y artistas han desarrollado, transformando un genero que poco a poco ha ido ganando adeptos situándose como el sonido referente del nuevo siglo.

Aunque el grupo ya tenía varios álbumes en su haber, Kraftwerk había construido y estructurado su sonido alejándose de su propuesta concreta y krautrock para incursionar en el mundo de los sintetizadores y secuenciadores; fruto de su evolución se dio en el brillante Autobahn, considerado junto con el Phaedra de Tangerine Dream (salieron el mismo año) como pilares de la música electrónica; y luego del éxito obtenido la agrupación se adentró un poco más en la búsqueda de nuevas matices y estructuras ya sin rezagos de elementos orgánicos como guitarras o instrumentos usuales.

En ese punto Trans-Europe Express significó el quiebre definitivo de la banda germana, pues aquí ya se encuentran todos los elementos que harían de Kraftwerk un grupo influyente de los sonidos sintetizados. Cabe aclarar que aunque Radio-Activity es estrictamente hablando el primer álbum netamente electrónico de la agrupación, este Lp no contiene la uniformidad ni la esencia que hace de este disco que se comenta una influencia para grupos posteriores, además y al igual que el Autobahn se utilizó el recurso de álbum conceptual, en este caso de un viaje en tren en la línea del mismo nombre del álbum: la TEE (por sus siglas).

La primera canción del álbum «Europe Endless» inicia con una secuencia de teclados donde después se unen cajas de ritmos y la voz del vocalista Hütter; aquí el minimalismo se encuentra latente lo cual no significa que sea un fastidio, sino que todo fluye de un modo donde la estructura principal es la base en toda la canción. Prosigue la oscura  «The Hall of Mirrors», destacando la atmosfera lúgubre que producen los secuenciadores y el teclado, además de una vocalización seca. Otra canción interesante es la homónima “Trans-Europe Express” con las voces robotizadas y de nuevo el uso de efectos, cual si de una canción de ciencia ficción se tratase (hubiera quedado bien en “Blade Runner”) haciendo referencias a la Alemania Dividida, a Bowie y su Station to Station e incluso a Iggy Pop. Y por último ese viaje astral que es «Franz Schubert», aquí nos da la sensación de cierta calma debido a los sintetizadores que producen una atmosfera bella y tranquila cual si de un pasaje cuasipink floydiano se tratase (de la época Meddle).

Definitivamente un álbum estupendo, posiblemente el mejor de Kratfwerk aunque la banda tiene varios discos buenos y muchos tendrán su preferido, este Lp es importante al dar un paso evolutivo en el posterior desarrollo de la electrónica, y lanzado en un año crucial para la música, pues no solo el punk hacia sus pininos, sino la vanguardia se mezclaba con la ideas de grandes artistas y el resultado: grandes joyas como el Idiot de Iggy  Pop, Suicide de la homónima banda neoyorkina y las colaboraciones de Eno-Bowie en los magistrales “Low–Heroes”,que junto con este álbum sentaban las bases de la música Imperante en discotecas y ravens.

Mich

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Mirwais

Mirwais – Production (2000)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Disco Science: 8
  2. Naive Song: 9
  3. V.I. (The Last Words She Said Before Leaving): 9
  4. I Can’t Wait: 8
  5. Junkie’s Prayer: 9
  6. Definitive Beat: 8,5
  7. Paradise (Not for Me): 8,5
  8. Never Young Again: 9
  9. Involution: 7,5

El renombrado productor de la escena electrónica y progresiva Mirwais salto a la fama gracias a nada más y nada menos que Madonna. Cuenta la historia que para finales de los noventa Mirwais le envío un demo al sello Maverick Records, propiedad de la reina del pop y esta quedo encantada con su talento, a tal nivel que formo parte de la producción del recordado trabajo donde la diva de la musica hace una reconversión hacia sonidos bailables, Music (2000).

En el 2000 Mirwais Ahmadzaï, nacido en Suiza radicado en Francia, descendiente de padre afgano y madre italiana, no solo produciría Music sino que editaría su propio material discográfico Production. Con este material Mirwais demuestra toda la capacidad y talento no solo como productor sino también como compositor dejando un tendal de hits electro-pop como “Disco Science”, “Naive Song”, “V.I. (The Last Words She Said Before Leaving)”, “Junkie’s Prayer” y “Never Young Again”. Uno de los mejores momentos del álbum es la balada interpretada por Madonna «Paradise (Not for Me)», que también fue incluida en Music aunque originalmente haya sido grabada para este trabajo.

En Production se rememoran estilos y sonidos de los contemporáneos Air, Daft Punk, Chemical Brothers, entre otros, pero todos dentro de una atmosfera pop y pegadiza que solo un entendido en la materia nos puede ofrecer.

En los años siguientes Mirwais se dedico a producir y remixar temas para diversos artistas como Fischerspooner, Franz Ferdinand, Mika y desde el año 2007 integra el dúo electrónico Y.A.S. junto a la cantante Yasmine Hamdan.

F.V.

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David Bowie

David Bowie – Heroes (1977)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Beauty and the Beast: 9,5
  2. Joe the Lion: 9,5
  3. Heroes: 10
  4. Sons of the Silent Age: 8,5
  5. Blackout: 9
  6. V-2 Schneider: 9
  7. Sense of Doubt: 8,5
  8. Moss Garden: 8
  9. Neukoln: 7,5
  10. The Secret Life of Arabia: 8,5

Heroes no solo es el segundo disco de la trilogía conocida como “Berlin”, sino también uno de los más espectaculares de toda la discografía de David Bowie. Podría ser tomado como el momento más prospero de su unión con Brian Eno y de su incursión hacia los anales más profundos del rock experimental alemán.

Si uno busca las razones de porque llegó a ser tan exitoso, en primer lugar  se puede decir que no es un disco que se diferencia en su esencia mucho de Low. Nuevamente Bowie y Eno improvisan dentro del Krautrock, con sonidos de ambiente y arreglos que pueden resultar extravagantes pero con melodías y atmósferas aún más pulidas que en sus trabajos previos. Mucho tuvo que ver en el alto nivel del disco la colaboración del guitarrista Robert Fripp, que se incorporó muy bien en la idea de Bowie.

Y en cuanto a sus canciones (que llevan un concepto sobre la Guerra Fría), el disco esta dividido en dos partes. La primera con las mejores composiciones de David, que incluye temas tan bizarros como entre tenidos como “Beauty and the Beast”, “Joe the Lion” y “Blackout”. Y por supuesto el homónimo “Heroes”, uno de los himnos más conocidos y conmovedores de Bowie, sobre una historia de amor entre dos personas que se conocen en el muro de Berlín.

La segunda parte no decae aunque es menos impresionante. Son canciones instrumentales interesantes que son más del sello de Eno. Desde la flashera “V-2 Schneider” se diversifica con cortes como “Sense of Doubt” y “Neukoln”, que son oscuros y turbios en base a sus sinterizadotes, y “Moss Garden” que es más relajante (perfecta para hacer meditaciones). Y sobre el final esta la divertida “The Secret Life of Arabia” con la reaparición de Bowie en vocales.

Grandes canciones, gran álbum, uno de los más distinguidos del Duque Blanco, aunque en mi opinión no tan superlativo como lo fue Ziggy Stardust. Pero qué importa, les recomiendo a todos este discazo que no los va a defraudar.

Persy

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(Votos: 3 Promedio: 5)
Spiritualized

Spiritualized – Let It Come Down (2001)

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Puntaje del Disco: 8

  1. On Fire: 9
  2. Do It All Over Again: 9
  3. Don’t Just Do Something: 7,5
  4. Out of Sight: 7
  5. The Twelve Steps: 8
  6. The Straight and the Narrow: 7,5
  7. I Didn’t Mean to Hurt You: 8,5
  8. Stop Your Crying: 8,5
  9. Anything More: 8
  10. Won’t Get to Heaven (The State I’m In): 7
  11. Lord Can You Hear Me: 7,5

Spiritualized desde sus comienzos ha sabido brindar una propuesta renovadora, interesante y arriesgada dentro del mundo de la música alternativa. Álbum tras álbum ofrecerían algo distinto a lo que veníamos escuchando de ellos. El suceso que significo en su carrera Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space presumía una continuidad o bien una profundización de esa idea pero fiel a su estilo Jason Pierce sorprendería a propios y extraños con Let It Come Down (2001).

Para este nuevo proyecto Pierce reformó totalmente la banda tras la partida de Cook, Reece y Radley y sólo se mantuvieron el saxofonista Ray Dickaty y el tecladista Thighpaulsandra. Let It Come Down contó con la participación de diferentes músicos invitados para completar las grabaciones. La marca registrada de Spiritualized en sus anteriores materiales, como los efectos guitarreros y cierta orientación al jazz fueron reemplazados de cuajo por un trabajo que podría definirse como ambicioso, épico y orquestal.

Durante las grabaciones se utilizaron ciento quince músicos, incluyendo una orquesta y el coro de Gospel London Community. La técnica de pared de sonido, famosa por la utilización por parte del productor de The Beatles Phil Spector, dice presente en temas como «Do It All Over Again», «Stop Your Crying» y «The Straight and the Narrow». Estos juntos al comienzo alentador “On Fire” merecen ser resaltados dentro de un disco parejo que exhibe las ambiciones, a veces desmedidas, de un grupo particular y distinto al resto como Spiritualized, que al margen de cambios en su formación y reestructuraciones, mientras Jason Pierce este a cargo algo de buena calidad y creativo esta garantizado que nos vamos a encontrar.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Morphine

Morphine – Yes (1995)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Honey White: 8
  2. Scratch: 8
  3. Radar: 7.5
  4. Whisper: 8
  5. Yes: 8
  6. All Your Way: 8.5
  7. Super Sex: 9
  8. I Had My Chance: 7
  9. The Jury: 7
  10. Sharks: 8
  11. Free Love: 7.5
  12. Gone for Good: 6

Con el lanzamiento de Cure For Pain, Morphine gozaba de un reconocimiento mayúsculo. Ya había tenido buena repercusión su primer disco y fue con aquél de 1993, que la banda norteamericana expandió su estilo por su país así como también por Europa, Japón y Australia. Incluso los temas “Sheila” y “In Spite of Me” fueron utilizados en la película Spanking the Monkey, con lo que la música de Morphine trascendió más allá del ámbito musical.

En uno de sus mejores momentos, la banda de Mark Sandman regresó a los estudios en 1995 para grabar su tercer disco. Yes constituyó al igual que Cure For Pain, en un sólido material, que afirmó una vez más ese particular estilo que la banda había impuesto. La mezcla de jazz con el blues funciona a la perfección, especialmente en temas como “Sracth” (que continúa con la misma base en el saxofón de “Honey White”) y “All Your Way”.

“Super Sex”, aunque con un tono más pop es otra de las composiciones que mejor forma dan a este singular trabajo. La voz espesa del cantante y el ambiente denso que por momentos se producen dan un clima ideal para deleitarse mientras se saborea un buen trago, por ejemplo. Morphine confirmó con Yes que se podía fusionar diversos estilos manteniendo una estética prolija y placentera.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
At the Drive-In

At the Drive-In – Relationship of Command (2000)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Arcarsenal: 8,5
  2. Pattern Against User: 8,5
  3. One Armed Scissor: 9
  4. Sleepwalk Capsules: 7,5
  5. Invalid Litter Dept.: 9
  6. Mannequin Republic: 8
  7. Enfilade: 9
  8. Rolodex Propaganda: 8,5
  9. Quarantined: 8
  10. Cosmonaut: 7
  11. Non-Zero Possibility: 8
  12. Extracurricular: 8
  13. Catacombs: 7

Antes de clavarse en experimentaciones sonoras y reminiscencias pre-progresivas, el dúo Omar Rodriguez-Cedric Bixler iniciaron en la música con una banda proveniente de El Paso, Texas formándose en 1993 y con un sonido post-hardore emparentado con bandas como Fugazi o Big Black por su música estridente y semi punk. Su primer disco fue lanzado en 1996, y aunque ya vislumbraba el estilo atronador y las letras profundas se nota la poca uniformidad en todo el álbum.

Su segundo trabajo “In/Casino/Out” trato de capturar la sensación y adrenalina de sus actuaciones en directo, las cuales eran frenéticas y con las que poco a poco eran más conocidos acaparando las miradas de los críticos y prensa gracias a su tercer trabajo y el más aclamado.

Lanzado en el año 2000 rápidamente se vislumbró como uno de los mejores álbumes no solo de ese año, sino de la década que seguiría; y para ese momento la banda integrada además de Omar y Cedric por Jim Ward, el otro guitarrista que fungía en los coros y como segunda voz, Tony Hajjar en las percusiones y Paul Hinojos en el bajo (futuros miembros del grupo Sparta) ya mantenían una total cohesión a lo largo de todo el disco. Las letras metafóricas y menos convencionales aunado a las guitarras atronadoras y vertiginosas más un Cedric con una vocalización electrizante fueron las bases necesarias para denostar energía y adrenalina.

Desde el arranque con la agresiva «Arcarsenal» recordando bastante a un joven Black Flag; la intensidad se mantiene con «Pattern Against User» y a continuación el primer sencillo y la canción más conocida de la agrupación «One Armed Scissor» de gran influencia para lo que sería el screamo y el hardcore más melódico. Otra canción a destacar tanto por su temática como por su sonido es «Invalid Litter Dept.», y nos habla de los asesinatos aun sin aclarar de muchas mujeres en Ciudad Juárez, México; musicalmente es de un ritmo lento y un Cedric que muy al estilo de Zack de la Rocha, grita y rapea para culminar en un sonido duro muy a lo Rage Agains the Machine. Continua la furia y rabieta con la directa  “Mannequin Republic”, y el siguiente corte «Enfilade» que inicia con una sugerente introducción acerca de un supuesto cobrador de un rescate seguido de la música llena de una atmosfera oscura, con una vocalización con mucho revert y para no olvidar esa influencia latina en el grupo unos bongos y un instrumento de viento pero con teclado llamado melódica, todo aderezado con la marca de At the Drive.

Luego de un fade out sigue la vena punk con «Rolodex Propaganda» donde como curiosidad incluye coros de ese gran e influyente cantante llamado Iggy Pop dándole más poder y fuerza rockera a la canción. Otros temas como las atmosféricas «Quarantined», «Non-Zero Possibility» con influencia space-rock y la pre-grungera «Extracurricular» a pesar de su aparente bajo perfil no hacen decaer al disco.

Increíble que después del éxito que genero este “Relationship of Command” el grupo haya decidido separarse, debido según ellos “a diferencias creativas”, y es que tanto Omar como Cedric, hermanos inseparables se habían hartado un poco de ese estilo “punk y ruidoso” decía el guitarrista puertorriqueño, pues esa máquina megalómana en que se convirtió The Mars Volta aunque increíble, jamás tendría esa aura juvenil y rockera de esta banda que no fue muy conocida y de pocos álbumes, pero que dejo una marca para muchas agrupaciones posteriores y géneros como el indie revival e inclusive el emo.

Mich

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Echo & the Bunnymen

Echo & the Bunnymen – Ocean Rain (1984)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Silver: 8
  2. Nocturnal Me: 8
  3. Crystal Days: 9
  4. The Yo-Yo Man: 8
  5. Thorn Of Crowns: 7,5
  6. The Killing Moon: 10
  7. Seven Seas: 10
  8. My Kingdom: 10
  9. Ocean Rain: 10

Echo And The Bunnymen era una banda de post-punk devenida en una original e influyente banda de culto de corte psicodélico oscuro (ni Oasis ni gran parte de la música noventosa serían lo mismo sin ellos). Estaban integrados por Ian McCulloch en voz, Will Sergeant en guitarra, Les Pattinson en bajo y Pete DeFreitas en bateria. Actualmente solo Ian y Will siguen en pie, en una carrera mas que consistente y honesta (recomiendo su último album The Fountain) luego del fallecimiento de Pete y del alejamiento de Les.

Después de los formidables Crocodiles, Heaven Up Here y de el IMPRESCINDIBLE Porcupine (muy pronto hare la reseña de este), los Bunnymen sacaban su cuarto y exquisito álbum. Se trata de lo que quizás sea su gran clásico.

La voz profunda de Ian (entre Jim Morrison, Leonard Cohen y Lou Reed) alcanza su pico de excelencia en la nocturna e hipnotizante “The Killing Moon” (clásico si los hay, la cual tiene un inolvidable solo de guitarra) y en las introspectivas “Seven Seas” y “Ocean Rain” (la primera con una irresistible línea de bajo y pegadizo estribillo, la segunda con su alto poder épico y emocional). También hay espacios para las psicodélicas “The Yo-Yo Man” (fuertemente influida por The Doors) y la desesperada y catártica “Thorn Of Crowns”. Fascinantes e imponentes melodías como las de “Silver”, “Crystal Days” y “Nocturnal Me” con sus soberbios arreglos de cuerda. También tenemos una alegre joyita llamada “My Kingdom”, una explosión de luz en un ambiente tan sombrío. «Nuestro manifiesto definitivo» dijo McCulloch sobre este álbum, lo cual no suena para nada descabellado teniendo aquí estas 9 perlas. Imprescindible.

Watanuki Li

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Rites of Spring

Rites of Spring – Rites of Spring (1985)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Spring: 9
  2. Deeper than Inside: 9,5
  3. For Want Of: 9,5
  4. Hain´s Point: 8
  5. All There Is: 7
  6. Drink Deep: 9
  7. Other Way Around: 8
  8. Theme: 7,5
  9. By Design: 7,5
  10. Remainder: 8,5
  11. Persistent Vision: 7
  12. Nudes: 7,5
  13. End on End: 9

Rites of Spring fue una banda norteamericana de post-hardcore con una efímera actividad entre los años 1984 y 1986, época en la que sólo editaron un disco de estudio y un EP publicado después de la disolución de la banda.

A pesar de su corta existencia, los Rites of Spring fueron una de las bandas más influyentes del movimiento hardcore de los 80, y su sonido y filosofía dejaron huella en otros conjuntos posteriores, tales como Superchunk, Nation of Ulysses, Drive Like Jehu o Fugazi, banda esta última fundada y liderada por dos de los miembros originales de Rites: el cantante y guitarrista Guy Picciotto y el batería Brendan Canty.

Con este álbum, los de Washington son considerados como pioneros de la escena emo-hardcore, recogiendo la técnica punk instrumental, salvaje y visceral de bandas previas como Black Flag o Minor Threat y añadiendo a todo esto un toque pasional e íntimo a sus letras.

Sentimientos furiosos y emotivos –de ahí el término “emocore”- se aprecian en estas trece canciones, moviéndose entre estados instropectivos de amor juvenil, representados en cortes como “Spring” o “Drink Deep”, la depresiva “Deeper than Inside”, la angustia melancólica de “For Want Of”, que supone el punto cumbre del álbum, la confesión de “Nudes” y la rebeldía de “By Design” y “Remainder”, temas claramente influenciados por la vieja escuela hardcore de Black Flag y Bad Brains.

Es destacable en todas las canciones la abundancia de los pronombres “You” y “I”, de dos personas –amantes- en mutua y constante comunicación, deseo, pero también dolor y autodestrucción, lo cual refuerza el componente sentimental en las letras de Rites of Spring. También se repiten bastante los ritmos y la línea melódica de las canciones (nótese la similitud musical entre “Spring” y “Other Way Around”), lo cual no resulta a la postre aburrido para el que lo escucha.

Nos encontramos ante un disco muy homogéneo, en el que no hay un solo tema flojo y sí momentos memorables en la historia del punk americano. Toda esta declaración de sentimientos, hecha con gran sinceridad y emoción, acaba con la frenética y desaliñada “End on End”, y es que, a pesar del título de esta canción, esta aventura musical no acaba realmente aquí, y continuará dejando huella años después desarrollándose de manera más enfocada en Fugazi.

Ruben S.

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