Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Eminem

Eminem – The Marshall Mathers LP (2000)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Public Service Announcement 2000: –
  2. Kill You: 9
  3. Stan: 10
  4. Paul: –
  5. Who Knew: 7,5
  6. Steve Berman: –
  7. The Way I Am: 9,5
  8. The Real Slim Shady: 8,5
  9. Remember Me?: 7
  10. I’m Back: 7,5
  11. Marshall Mathers: 8,5
  12. Ken Kaniff: –
  13. Drug Ballad: 7
  14. Amityville: 8
  15. Bitch Please II: 8,5
  16. Kim: 9
  17. Under the Influence: 8,5
  18. Criminal: 9

Si bien con The Slim Shady LP el iracundo rapero blanco Eminem había conseguido hacerse famoso, su siguiente paso lo lanzó a la fama definitivamente en todo el mundo. The Marshall Mathers LP (2000), se convirtió en el segundo álbum más vendido en la historia del hip hop. Y el de más rápida venta en los Estados Unidos, vendiendo un millón setecientos sesenta mil copias en la primera semana.

Muchos habían subestimado el talento de Eminem antes de este nuevo material debido a la vulgaridad y el humor desenfadado con el que se expresaba. En The Marshall Mathers LP exhibe un crecimiento brillante con una oscuridad inédita pero sin dejar de lado los toques divertidos que los caracterizaron. Las letras de Eminem son más fuertes e inteligentes y exploran lo mas profundo de su psiquis tocando problemáticas variadas como problemas familiares y de su infancia (“Kill You”), la conflictiva relación con su esposa (“Kim”), las dificultades de la fama y sus expectativas (“Stan”, «,»I’m Back” y «Marshall Mathers»), el uso de drogas (“Drug Ballad”), el efecto en los jóvenes y la sociedad (“The Way I Am” y “Who Knew”) y respuestas hacia las criticas («Criminal»). Durante todo el disco nos exponemos a una mezcla de temáticas oscuras, controversiales, historias de vida que entrelazan la ficción y la realidad.

Musicalmente lo más rescatable es haber superado la barrera de un simple rapero básico, explora como nunca en otros sonidos. El ejemplo mas claro se puede encontrar en “Stan” utilizando el estribillo de “Thank You” de la cantante británica Dido (a la que hizo famosa con esto) combinándolo de maravillas dentro del tema, “The Way I Am” y “Kill You” son otros temas que escapan a la monotonía del hip hop y le dan un toque de calidad al trabajo del rapero blanco.

Como artista Eminem trato de crear su propio mundo y en este elogiable segundo material sin dudas lo consiguió. Poco tiempo después crearía su propio sello discográfico Shady Records, empujaría a la fama a su grupo de amigos raperos D12, rodaría su propia película, todo en el mundo de Marshall Mathers funcionaba como se lo proponía, al menos hasta ese momento.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4.7)
The Byrds

The Byrds – Sweetheart of the Rodeo (1968)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. You Ain’t Goin’ Nowhere: 8,5
  2. I Am a Pilgrim: 8,5
  3. The Christian Life: 7,5
  4. You Don’t Miss Your Water: 8
  5. You’re Still on My Mind: 7
  6. Pretty Boy Floyd: 6
  7. Hickory Wind: 9
  8. One Hundred Years from Now: 8
  9. Blue Canadian Rockies: 7,5
  10. Life in Prison: 7,5
  11. Nothing Was Delivered: 8

Para su sexto álbum de estudio Sweetheart of the Rodeo, los Byrds harían un cambio abrupto: pasaron de la psicodelía de los discos previos a realizar un álbum íntegramente country. Los Byrds habrán hecho “algo” de country en sus primeros años pero nunca de esta forma tan excesiva. Mucho tuvo que ver la llegada de Gram Parsons, quien no solo influyó en forma notoria en la formación del nuevo estilo de la banda, se transformó en pianista y guitarrista líder de los Byrds involucrándose incluso compositivamente. De hecho Parsons compuso el mejor tema del disco, el reconocido “Hickory Wind”. El resto del disco son puros covers! Lo cual abre el interrogante: ¿Dónde diablos se metieron Chris Hillman y Roger McGuinn durante las grabaciones de este disco?

No hay composiciones propias, pero hay que reconocer que estos covers tienen sus buenas melodías y momentos de encanto como “You Ain’t Goin’ Nowhere” de Dylan (nunca faltan los covers de Bob en los discos de los Byrds) y “I Am a Pilgrim”. No hay canciones malas, por eso Sweetheart of the Rodeo es un producto más que escuchable. Aún así me resulta tremendamente sobrevalorado…

Varios lo aclaman como el mejor disco de los Byrds, pero sinceramente no encuentro la razón por la cuál lo señalan como algo espectacular. Es solo country muchachos! No hay nada esplendoroso, no hay nada novedoso y ni siquiera parece un disco de los Byrds!! De hecho, el disco peca por ser bastante reiterativo. Sweetheart of the Rodeo es uno de los ejemplos de porque poner todas canciones con una misma onda puede ser incluso aburrido para el oyente.

Un disco perfecto para los fans de Parsons y los frecuentadores del country, pero no tanto para los seguidores de los Byrds, especialmente su etapa psicodélica.

De yapa: el álbum también cuenta con bonus tracks. “You Got a Reputation” es uno de los más rescatables, es country pero con un ritmo más blusero que queda muy bueno.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)
The Congos

The Congos – The Heart of the Congos (1977)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 10

  1. Fisherman: 10
  2. Congoman: 9,5
  3. Open Up The Gate: 9,5
  4. Children Crying: 9
  5. La La Bam Bam: 8,5
  6. Can’t Come In: 9,5
  7. Sodom and Gomorrow: 8,5
  8. The Wrong Thing: 8
  9. Ark of the Convenant: 9
  10. Solid Foundation: 8

Si pensamos en esos grandes discos, esos que marcan una etapa, que funcionan como el nexo entre el pasado y el presente de un género, que modifican la forma de escuchar e interpretar la música y que significan un cambio de paradigma si se quiere, entonces The Heart of The Congos debería ser muy tenido en cuenta.

Primer disco de los jamaiquinos The Congos, un dúo de cantantes formado por Cedric Myton y Roy «Ashanti» Johnson, que contaría con la producción del genial Lee «Scratch» Perry y con unos sesionistas que asustan por su calidad y nivel: Geoffrey Chung en teclados (The Upsetters), Boris Gardiner en bajo (The Upsetters, The Agrovators), Sly Dumbar en baterías (The Upsetters, The Agrovators, Sly and Robbie), Ernest Ranglin en guitarras (The Skatalities, Bob Marley, Jimmy Cliff), Uziah Thompson en percusión (Big Youth, Culture, The Revolutionaries) y hasta el mismísimo Gregory Isaacs prestó su voz en «La La Bam Bam».

Dejando de lado el «dream team» que los acompañaría, el disco arranca de la mejor manera que puede arrancar: con «Fisherman», un himno del género que nos absorbe en la oscuridad del falsete de Cedric y del tenor de Ashanti, una simbiosis vocal de perfecta conexión con los bajos sombríos que constantemente retumban y denotan la solidez de la estructura, sin perderles el rastro a la percusión.

«Congoman» nos encandila con su tribalidad, un trance sonoro de una oscuridad asombrosa para los parámetros del género, y engancha perfecto con «Open Up The Gate», donde se deja la tribalidad de lado, pero donde las voces de Cedric y Ashanti siguen con la misma brillantez orgánica de la anterior, jugando con coros tan meticulosos como el trabajo del genio de este trabajo: Lee «Scratch» Perry.

Si el trabajo previo a que Perry toque mano era excelente, este individuo lo convierte en una obra maestra al instante. Agrega toda su sabiduría a las consolas consiguiendo su característico sonido dub, marcando detalladamente los momentos que cada melodía se merece en el disco. Además, como plus, tal vez el loco Lee estaría en el mejor momento de su carrera.

El nivel del disco no desciende en ningún momento, se reinventa en cada tema, mezclando los distintos sonidos de Jamaica sin perder el hilo conductor del buen reggae: nunca un disco de este estilo había sonado con una oscuridad tan hermosa, orgánica y etérea. Todo mérito de The Congos; todo mérito de Lee «Scratch» Perry.

Bari

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Temple of the Dog

Temple of the Dog – Temple of the Dog (1991)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 9

  1. Say Hello 2 Heaven: 9
  2. Reach Down: 8,5
  3. Hunger Strike: 10
  4. Pushin Forward Back: 8,5
  5. Call Me a Dog: 9,5
  6. Times of Trouble: 8,5
  7. Wooden Jesus: 8
  8. Your Saviour: 7,5
  9. Four Walled World: 8
  10. All Night Thing: 8,5

Para mediados de los ochenta, década musicalmente caracterizada por la artificialidad y los sonidos edulcorados; en el subterráneo y en pequeñas ciudades de Estados Unidos como Athens, Georgia (cuna de grupos como R.E.M o The B-52’s) y muy especialmente en la fría Seattle en Washington D.C. se gestaban alternativas sonoras que trataban de volver al rock a sus raíces como genero crudo, simple y sobretodo directo. En dicha ciudad bandas locales como The Melvins,Mudhoney o Green River con guitarras distorsionadas, mucho feedback y melodías agridulces llenas de riffs y estructuras cuasi heavy metaleras  sentaban las bases de lo que posteriormente seria conocido como grunge.Y luego de la separación de esta última e influyente banda, dos jóvenes músicos llamados  Stone Gossard y Jeff Ament en alianza con un conocido cantante local llamado Andrew Wood proveniente de Malfunkshun, otra banda pilar de la escena Seattle, integrarían a Mother Love Bone.

A pesar de las expectativas que generaba la agrupación solo sacaron un EP, “Shine” de 1989 y el larga duración “Apple” de 1990, a la postre el último trabajo y es que la terrible adicción de Andrew Wood a la heroína lo orillaron a la muerte misma que se dio poco antes de la salida de dicho LP. Un amigo muy cercano y compañero de piso del cantante, Chris Cornell, lamentando la gran pérdida que le producía una persona de gran talento como Wood, empezó a escribir algunas canciones y rápidamente contactando a Gossard y Ament decidieron crear un proyecto paralelo al que llamaron Temple of the Dog en homenaje al ex cantante.

Debo decir que lejos de toda colaboración entre grandes talentos el único álbum que publicaron fue un trabajo de gran calidad y sobretodo pilar importante que ayudo a difundir al grunge. Aquí tenemos a los futuros integrantes de Pearl Jam,pues además de Ament y Gossard tenemos a un más que integrado Mike McCready en el requinto. De Soundgarden estaba Matt Cameron en la batería y Chris Cornell en las voces, y por si fuera poco hacia su debut el cantante de los creadores de “Even Flow”: Eddie Vedder, ídolo grunge y gran frontman en los coros y como segunda voz en algunas rolas.

Todas las letras estaban escritas por Chris Cornell, debidamente inspirado por la muerte de su amigo Andrew y la música con ayuda de Gossard y Ament para crear una seguidilla de grandes temas iniciando con “Say Hello 2 Heaven”, segundo sencillo del álbum, destacando la enorme  sincronía de todos los integrantes. «Reach Down» es todo un tour de forcé guitarrero de Gossard  y McCready, y da paso a la enorme balada y primer single «Hunger Strike”, un clásico grunge donde se entremezclan las voces de Cornell y un más que magnifico Vedder; emotiva y  que hubiera quedado al hilo en el primer álbum de Pearl Jam.El grunge a sepa se siente en la dura “Pushin Forward Back” y pasamos a la triste y magnifica «Call Me a Dog», donde el líder de Soundgarden sorprende con una vocalización desgarradora que nada tenía que ver con lo hecho anteriormente en su banda.

Otras canciones destacadas son la tranquila «Wooden Jesus» con Vedder en la voz líder, «Times of Trouble» con un gran solo de armónica y la concluyente «All Night Thing».

Aunque el disco tuvo unas ventas modestas, no recibió mucha atención al momento del lanzamiento ya que el grupo se separaría casi inmediatamente salido el álbum; así mismo Soundgarden entraría al estudio a grabar el “Badmotorfinger” y Pearl Jam debutaría con el enorme “Ten”, sin embargo luego del éxito de este ultimo con el grunge ya consolidado el disco volvió a recibir atención por parte de críticos y gente, dándole mayor importancia y no es para menos pues lejos de todo el “leit motiv”  llamado Andrew Wood este LP significo la muestra fehaciente de la unión de ideas y ganas de hacer música sin intenciones comerciales y sentimiento e inspiración de sobra ,ojala los grupos de ahora siguieran ese ejemplo.

Mich

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Big Star

Big Star – Radio City (1974)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. O My Soul: 9
  2. Life Is White: 8
  3. Way Out West: 8
  4. What’s Going Ahn: 7
  5. You Get What You Deserve: 8
  6. Mod Lang: 7
  7. Back of a Car: 9
  8. Daisy Glaze: 7.5
  9. She’s a Mover: 9
  10. September Gurls: 10
  11. Morpha Too: 8
  12. I’m in Love with a Girl: 7

A pesar de las buenas críticas que había tenido el disco debut de Big Star, el aspecto comercial no acompañó a la banda. Por problemas de distribución, muchos estadounidenses se perdieron la oportunidad de escuchar a esta interesante formación. Serían los años venideros los que le darían el merecido reconocimiento a esta Big Star.

Sin embargo, a principios de los setenta, la situación entre los miembros comenzó a tensarse cada vez más, al punto que llegar a las agresiones físicas. En un comportamiento infantil Andy Hummel golpeó a Chris Bell por haberle roto su bajo. La respuesta no se hizo esperar y Hummel le devolvió el favor a Bell con su guitarra, causando la renuncia de éste. Después de un breve regreso y deprimido en las drogas, nuevamente Bell dejó al grupo y Big Sar se disolvió.

La partida del guitarrista no desanimó al resto de los músicos y unos meses después de la separación, Big Star volvió para grabar su segundo material, Radio City de 1974. Desde el arranque con “O My Soul” el estilo pop no se aparta mucho de lo hecho en el primer disco, pero son buenos los ligeros cambios de ritmos, especialmente en la batería. Jody Stephens diría que siendo un trío tras la partida de Bell, sentía que la percusión lograba otro rol. “Life Is White” continúa con una onda más a The Kinks, otra de las influencias que tuvo el grupo junto a The Beatles.

La fórmula de Big Star está en las melodías pegadizas y simples, con la guitarra como principal impulsor. “Mod Lang” corta un poco con ese estilo para hacerse por momentos más denso. “Back of My Car” sobresale junto a “She’s a Mover” y por supuesto a “September Gurls”, un clásico de la banda.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)
Wishbone Ash

Wishbone Ash – Argus (1972)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Time Was: 8,5
  2. Sometime World: 9
  3. Blowin’ Free: 8,5
  4. The King Will Come: 9,5
  5. Leaf and Stream: 8
  6. Warrior: 8
  7. Throw Down the Sword: 9

Wishbone Ash es una banda de rock progresivo formada a finales de los años sesenta por Martin Turner al bajo, Steve Upton a la batería, y Ted Turner y Andy Powell como guitarristas y vocalistas en Devon, Inglaterra; nunca obtuvieron un gran reconocimiento mediático y se trata, tal vez, de una de las bandas más infravaloradas de la historia, pero tal cosa no ha impedido que su longeva carrera viva aún a día de hoy.

Argus es indudablemente su obra más aclamada, se trata de un disco que consigue crear un sonido original e innovador con una combinación muy lograda del hard rock más guitarrero con un rock progresivo épico y medieval, convirtiéndose en una obra referente en el mundo de la guitarra al crear la idea de “Twin guitars” Guitarras gemelas, que consiste en la presencia de dos guitarristas solistas en el grupo, idea que dio brillantes resultados en el disco, en el que se pueden percibir auténticas competiciones entre Ted Turner y Andy Powell para ver quien consigue el mejor solo de la canción.

Lo cierto es que si te gusta el sonido de una sola canción del disco estas de enhorabuena, porque el grupo prácticamente no lo varió, pero pese a ello hay varios temas que sobresalen, empezando por “Sometimes World”, con 7 minutos de un no parar de solos por parte tanto de los guitarristas como del bajista; “Throw Down The Sword” la canción que cierra el disco, y que lo hace de una manera excelente y por último la gran perla del disco y seguramente, la mejor canción de la banda, “The King Will Come” una auténtica muestra de virtuosismo con las guitarras, ya sea en los soberbios solos o en las atmósferas medievales que crean de armonía.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
The Allman Brothers Band

The Allman Brothers Band – Eat a Peach (1972)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Ain’t Wasting Time No More: 9
  2. Les Brers In A Minor: 8,5
  3. Melissa: 9,5
  4. Mountain Jam: 8,5
  5. One Way Out: 8
  6. Trouble No More: 8
  7. Stand Back: 7,5
  8. Blue Sky: 8,5
  9. Little Martha: 8,5

Duane Allman, uno de los más grandes guitarristas de la historia, habrá fallecido pero los Allman Brothers seguían vivos. De hecho Eat a Peach fue el último disco que incluyó su participación antes de su accidente en moto. Esta vez The Allman Brothers presentaron un álbum doble que contenía tanto temas grabados antes de la muerte de Duane así como posteriores. También hay que decir que la mitad del disco consiste en una sola canción instrumental que dura más de 33 minutos: “Mountain Jam”.

“Mountain Jam” es la imagen de lo que representa el disco: mucha improvisación instrumental que por momentos puede resultar más pretenciosa que una banda normal de rock sureño. “Mountain Jam” en particular, fue grabado en vivo e improvisado en base al tema de Donovan “There is a Mountain”, y es cierto su eterna longitud hace muy difícil seguirle el hilo. Llega un momento que uno se pregunta ¿Todavía estoy escuchando la misma canción? Lo bueno es que cuenta con varias secciones, que a decir verdad no aburren. Esta encadenado con solos de bateria, de bajo, solos de todo!! No es algo para pasar por algo, este tipo de jam tan extenso e impresionante nos deja en claro lo talentosos que eran y su gran técnica como grupo.

Pese a ser la pieza central de Eat a Peach, hay mejores temas especialmente en la primera parte de este trabajo. “Ain’t Wasting Time No More” es rock sureño clásico que hace una gran apertura del disco. “Les Brers In A Minor” coquetea con el rock progresivo. Y “Melissa” es una balada sureña de gran melodía y una calidad impecable, lo mejorcito de Eat a Peach.

La segunda parte del disco se torna un poco genérica. Pero aún así se pueden destacar canciones como el country “Blue Sky” y la viñeta acústica de Duane “Little Martha”.

Muchos marcan a Eat a Peach como uno de los mejores discos de los Allman. Desde mi punto de vista es muy buen disco, pero no llega a un nivel excepcional.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Public Enemy

Public Enemy – Yo! Bum Rush the Show (1987)

1 comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. You’re Gonna Get Yours: 9
  2. Sophisticated Bitch: 9,5
  3. Miuzi Weighs a Ton: 7,5
  4. Timebomb: 7,5
  5. Too Much Posse: 8,5
  6. Rightstarter (Message to a Black Man): 8
  7. Public Enemy No. 1: 9
  8. M.P.E.: 8,5
  9. Yo! Bum Rush the Show: 8
  10. Raise the Roof: 7,5
  11. Megablast: 6
  12. Terminator X Speaks With His Hands: 7

Public Enemy reescribió las reglas del hip-hop y se convirtió en el grupo mas influyente y controversial en el final de los ochenta y para muchos el mas importante en la historia de dicho genero incluso por encima de los contemporaneos y también multi elogiados Beastie Boys.

Salidos de Nueva York a principios de los ochenta contaron con el liderazgo de Chuck D, un músico adelantado a sus tiempos, que les permitió dar el salto cualitativo que necesitaban para lograr captar la atención de todos y firmar su primer contrato con Def Jams Records y contar con la producción del famoso productor Rick Rubin. Así fue como nació su primer álbum Yo! Bum Rush the Show (1987). El debut de Public Enemy es solo una muestra en comparación con lo que nos ofrecerían pocos años después. Es como una introducción a su sonido y mensaje que llegaría mas pulido años siguientes. Esto no quiere decir que sea malo ni mucho menos sino que lo que estaba por venir seria realmente grande.

Chuck D sorprendió desde un comienzo con su estilo particular mezclando rapidez con potencia en la voz. Una dosis de personalidad difícil de encontrar fácilmente, no solo en el hip-hop, sino en la música en general. Las bases roqueras y guitarreras que aporto la producción de Rubin encajaban muy bien con las ideas que Public Enemy podía ofrecer.

Muchos clásicos del grupo están incluidos en esta primera incursión discográfica a saber: “You’re Gonna Get Yours”, “Public Enemy No.”, “Miuzi Weighs a Ton” y “Sophisticated Bitch” con la participación del guitarrista de Living Colour Vernon Reid.

En definitiva Yo! Bum Rush the Show es un muy buen disco y para cualquier otro grupo este seria ubicado dentro de lo mas destacado de su catalogo pero tratándose de Public Enemy, esto es simplemente un adelanto de lo que estaba por venir.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Jeff Beck

Jeff Beck – Blow By Blow (1975)

1 comentario

Puntaje del Disco: 9,5

  1. You Know What I Mean: 9
  2. She’s A Woman: 8,5
  3. Constipated Duck: 7,5
  4. Air Blower: 8,5
  5. Scatterbrain: 9,5
  6. Cause We’ve Ended As Lovers: 10
  7. Thelonius: 9
  8. Freeway Jam: 8,5
  9. Diamond Dust: 9,5

Surgido de los Yardbirds al igual que Clapton y Page aunque con menos luces y con un bagaje más amplio podría jactarse de tener un estilo propio, y no es para menos pues con géneros como el blues, pasando por un rock más duro gracias sobretodo a su etapa con el Jeff Beck Group y la posibilidad de llevar a la guitarra eléctrica a la máxima expresión no hacen sino afirmar la importancia de Jeff Beck dentro del rock en general.

Resulta importante recalcar que para este su primer “disco solista” se deshace casi por completo de su sonido proto-metalero, ya que Jeff Beck abreva de nuevas matices preocupándose por los detalles y las experimentaciones sonoras que podría lograr con el instrumento de seis cuerdas. Para empezar el LP lo produce nada menos que el “master del estudio de grabación “: George Martin, dándole una indiscutible calidad  tanto en  los arreglos como en el sonido que desploma todo el álbum.

Catalogado como el mejor trabajo de Jeff Beck y uno de los más importantes álbumes de guitarra según la revista Guitar World, el disco desborda energía y maestría pues además de la guitarra, sobresale el sonido de los teclados en la mayoría de los temas. Se nota además la influencia de George Martin, y lejos de incluir un cover de los Beatles «She’s A Woman” los arreglos sobresalen en la brillante «Scatterbrain» y la hermosa «Diamond Dust», algo hasta el momento inédito en la discografía del guitarrista.

Por si fuera poco el gran Stevie Wonder colaboro con el clavecín eléctrico en la deliciosa Y funki «Thelonius», dándole más “groove” al disco; además de co-escribir esa joya y la cereza del pastel de este enorme álbum, me refiero a «Cause We’ve Ended As Lovers» probablemente la más conocida y más importante (por mucho) canción de Jeff Beck. Asombrosa, tan llena de una sensibilidad como muy pocos guitarristas han logrado sacar de una guitarra, simplemente fenomenal, como todo este enorme trabajo.

Mich

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
The Concretes

The Concretes – Boyoubetterunow (2000)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Teen Love: 8
  2. Sunsets: 8,5
  3. Be Mine: 8
  4. Other Ones: 10
  5. Vacation: 9
  6. Recover: 7
  7. Give A Little: 7,5
  8. The Jeremiad: 7
  9. Cabaret: 9
  10. Tjyven (The Thief): 8
  11. Contamination: 7

The Concretes es una banda de indie pop cuyos primeros componentes fueron Victoria Bergsman, Maria Eriksson, y Lisa Milberg. Mas tarde la banda fue creciendo hasta tener 8 integrantes. Boyoubetterunow es su primer álbum editado en el año 2000, el cual es una compilación de sus previos EPs (venían dando vueltas desde el ’95).

Un álbum divino, muy profundo y con altas dosis de emotividad. “Teen Love”, “Be Mine”, “Recover”, o “Give a Little” son canciones que no han de faltar para los corazones sensibleros. Impecables y encantadoras melodías. Pero el que diga que The Concretes no rockea escuchen “Other Ones” (con su bateria inicial que me hace recordar a “Be My Baby” de las legendarias The Ronettes, o a “Just Like Honey” de The Jesus And Mary Chain) o “Cabaret”. También esta la entrañable y dulce “Vacation” (pegadiza cual chicle bajo el pupitre). La apacible “Tjyven” y la sin sobresaltos pero buena igual “Contamination” marcan el fin de este precioso álbum. Me gusta que casi todas las canciones tienen un sonido «tembloroso» (no se me ocurre otro adjetivo) de teclado (como el de el estribillo de Teen Love).

Si sos fan de Belle and Sebastian, Camera Obscura o The Magic Numbers definitivamente vas a enamorarte de este álbum. Victoria Bergsman se alejó de The concretes en el 2006 (la banda pese a su alejamiento siguió sacando muy buenos discos, aunque la voz de Bergman se extraña Y MUCHO) y fundó su propio proyecto titulado Takin By Trees. Además colaboró en la archi-conocida y genial canción «YOUNG FOLKS» de Peter, Bjorn And John (sí sí, la del famoso estribillo silbado).

Watanuki Li

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)