Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Kinks

The Kinks – Percy (1971)

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Puntaje del Disco: 6

  1. God’s Children: 8,5
  2. Lola (instrumental): 5,5
  3. The Way Love Used To Be: 8
  4. Completely: 5,5
  5. Running Round Town: 5,5
  6. Moments: 9
  7. Animals in the Zoo: 7
  8. Just Friends: 6
  9. Whip Lady: 5
  10. Dreams: 6
  11. Helga: 6,5
  12. Willesden Green: 4,5
  13. God’s Children – End: –

Me siento bastante ridículo haciendo la revisión de este disco, pero algún día me tenía que tocar. El disco lleva mi pseudónimo, pero obviamente no esta dedicado en mi honor. Y parece mentira pero es uno de los puntos más bajos de Ray Davies en la época de gloria de los Kinks. Algo que no es tan preocupante considerando que solo fue preparado para ser un soundtrack. Encima el sountrack de una película de comedia que quedaría en el olvido y que relataba la historia del primer implante peniano.

La banda sonora de “Percy” sería tan olvidable como la película. Parece el disco experimental que por suerte Ray Davies nunca compuso hasta entonces. Raro y nada habitual con lo que escucha habitualmente de los Kinks. Repleto de cortes instrumentales (que también fueron compuestos por Ray, al igual que el resto de los temas) que son los más flojo del disco. Al menos los instrumentales son diversos, hay un poco de blues (inmemorable) en “Completely”, de rock and roll en “Running Round Town”, la acústica con aire flamenco “Helga” y una extraña versión instrumental de “Lola”

Luego aparecen los temas de Ray en los que aparecen las interpretaciones vocales y las mejores melodías pop de Percy. Tal es el caso de “God’s Children”, y las baladas orquestadas “The Way Love Used To Be” y “Moments”. También esta “Animals in the Zoo” que es como una continuación “Apeman”. “Willesden Green” es la más flojita dentro de estas últimas, con el bajista John Dalton como vocalista en lugar de los hermanos Davies.

No tuve le privilegio de ver la película (lo último que vi que incluyera mi apodo fue “Percy Jackson”), aunque mucho no entusiasma sabiendo el impacto que tuvo el filme como la banda sonora. Esto fue Percy por Persy…

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 3.5)
Eddie Vedder

Eddie Vedder – Into The Wild (2007)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Setting Forth: 6
  2. No Ceiling: 7
  3. Far Behind: 7
  4. Rise: 8
  5. Long Nights: 7,5
  6. Tuolumne: –
  7. Hard Sun: 8,5
  8. Society: 9,5
  9. The Wolf: –
  10. End of the Road: 6,5
  11. Guaranteed: 9

Si pensamos en Eddie Vedder, lo primero que se nos viene a la mente es su destacado rol como líder de Pearl Jam, la banda que junto a otras como Nirvana, Alice in chains y Soundgarden irrumpieron en la escena del rock de los tempranos noventas gracias a su estilo alternativo y furioso que se daría a conocer al mundo bajo el nombre de «grunge». Pero más allá de eso, no todo es furia y rock sucio al palo en Vedder (tampoco lo sería para las anteriores, desde ya) como bien nos demostró junto a Pearl Jam en discos como No code (1996) o Binaural (2000), por ejemplo, donde su voz se amolda a la perfección en varios temas de una acústica cercana al folk.

Vedder elaboraría su primer álbum solista, grabando todos los instrumentos, con el fin de ser este el soundtrack para la película «Into the Wild». En ella se basó a la hora de componer, bajo la idea de «sencillez» que justamente intenta transmitir la película, encontró la estructura musical de las canciones, de las letras y del álbum en sí.

Las canciones se ajustan con las imágenes de la película de gran manera; Vedder utiliza su genial voz para generar el clímax perfecto que la escena demanda, convirtiéndolo en un narrador de lujo. Canciones destacadas como «Rise», donde a su voz suma una mandolina de perfecta compañía o «Hard sun» que se trata de un cover de Gordon Peterson y es el tema oficial de la película, se suman a la sublime balada «Society» donde Vedder colabora con Jerry Hannan (quien compuso la canción) y a la ganadora de un globo de oro «Guaranteed», haciendo de ellas un soundtrack que logra transmitir el espíritu liberal de la película y constituye un interesante primer trabajo para Vedder.

Bari

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Beatles

The Beatles – Yellow Submarine (1969)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Yellow Submarine: 8
  2. Only a Northern Song: 7
  3. All Together Now: 7,5
  4. Hey Bulldog: 9
  5. It’s All Too Much: 6,5
  6. All You Need Is Love: 8
  7. Pepperland: 6
  8. Sea of Time: 6,5
  9. Sea of Holes: 5
  10. Sea of Monsters: 5,5
  11. March of the Meanies: 4,5
  12. Pepperland Laid Waste: 6
  13. Yellow Submarine in Pepperland: 7

Yellow Submarine es el único disco oficial de los Beatles que no recomendaría comprar, razones no faltan, a saber: cuenta tan solo con cuatro temas nuevos entre los cuales se distingue claramente sobre el resto «Hey Bulldog», dos canciones anteriormente incluidas en discos previos como «Yellow Submarine» de Revolver y «All You Need Is Love de Magical Mistery Tour y una segunda parte íntegramente compuesta por George Martin, histórico productor de la banda de Liverpool mencionado en varias ocasiones como el “Quinto Beatle”, que sirve de ilustración para lo que es el film pero nada más, no aporta mucho musicalmente y lo mejor es ignorarla. Nadie pone en tela de juicio la capacidad de Martin como productor pero en este caso el soundtrack de la película hubiera tenido mucho más valor si se hubiera editado como un EP con tan solo los cuatro temas no incluidos en discografía alguna de los Beatles.

Los otros temas inéditos mas haya del mencionado “Hey Bulldog” tienen sus cosas interesantes: “All Together Now” con un simpático coro y la impronta de McCartney siempre presente, “Only a Northern Song” una sobra de las sesiones de Sgt. Peppers con el sello del gran Harrison y otro lindo tema psicodélico de George «It’s All Too Much».

Lamentablemente la banda sonora no alcanzó ni estuvo a la altura (merecidamente) de las críticas positivas que si tuvo la película animada de los Beatles, que tuve la oportunidad de ver y es bastante entretenida comparándola con otras películas que el grupo había protagonizado previamente.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Original Soundtrack

The Karate Kid – Original Soundtrack (1984)

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Puntaje del Disco: 6

  1. The Moment of Truth: 8
  2. (Bop Bop) On the Beach: 5
  3. No Shelter: 5
  4. Young Hearts: 6
  5. (It Takes) Two to Tango: 6
  6. Tough Love: 5
  7. Rhythm Man: 6
  8. Feel the Night: 6
  9. Desire: 5.5
  10. You’re the Best: 7.5

A mediados de los años ochenta la película The Karate Kid motivó a toda una generación de jóvenes a interesarse ese desconocido y sorprendente arte marcial japonés. Ya no eran sólo las clásicas películas asiáticas con habilidosos karatekas saltando y lanzando patadas voladoras, sino que ahora el film mostraba cómo un chico perseguido por los abusadores encontraba en un sabio maestro okinawense, la posibilidad de desarrollar al máximo su potencial.

Fue tanta la popularidad alcanzada por el film que varios artistas de la época como Paul Davis y Joe Sposito colaboraron con el disco que musicalizó a esta gran historia. Lamentablemente, este material no terminó de corresponderse con las emociones que la película supo transmitir. La oleada new wave de los ochenta y esos sonidos que por momentos dan vergüenza ajena, son la base de este Soundtrack.

Temas como “(Bop Bop) On the Beach” y “(It Takes) to Tango” pasan por lo extremadamente empalagoso hasta el ridículo si uno no lo contextualiza con la época y con la película. “Tough Love” de la cantante Shandi es, promediando el disco, uno de esos temas en los que uno desea que pase rápido, especialmente para llegar a “You’re the Best”, que contiene una gran carga de emotividad. Aunque si de emociones fuertes se trata, “The Moment of Truth” de Survivor es la pieza que cuenta con la mayor participación.

Sin ser un gran disco de Soundtracks, el gran recuerdo de Daniel San y el Señor Miyagi merecía ser retratado en el Persi Music, y es por eso que dedico estos temas a aquellos que se han sentido muchas veces un Karate Kid.

Piro

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Alex Turner

Alex Turner – Submarine (2011)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Stuck on the Puzzle (Intro): –
  2. Hiding Tonight: 7,5
  3. Glass in the Park: 8
  4. It’s Hard to Get Around the Wind: 7
  5. Stuck on the Puzzle: 9
  6. Piledriver Waltz: 8,5

En la antesala de Suck It and See, cuarto álbum que lanzaron los Arctic Monkeys este año, su líder Alex Turner ofreció como aperitivo previo este EP que compuso como soundtrack para la película Submarine, la cual relata la historia de un adolescente que busca perder su virginidad y también evitar que su madre deje a su padre para irse con un profesor de salsa.

Conociendo la historia de los Monkeys, este disco es una total sorpresa. Contrariamente al tradicional indie revolucionario de su banda, Turner nos presenta un disco íntegramente compuesto por canciones acústicas y relajadas. Baladas apacibles y tranquilas que se apoyan en su voz suave y dan lugar a sus letras.

Al ser un EP, el contenido solo se limita a cinco temas y una intro de menos de un minuto. Las primeras tres canciones “Hiding Tonight”, “Glass in the Park” y “It’s Hard to Get Around the Wind” son las más lentas, tienen un ritmo prácticamente calcado. Y nos muestran al Turner más introspectivo y “dylanesco” de Submarine. En cambio, “Stuck on the Puzzle” y “Piledriver Waltz” son canciones más bien pop con melodías realmente encantadores, aunque también similares entre sí. Justamente “Piledriver Waltz” luego sería incluida dentro de Suck It and See.

Para ser el primer trabajo de Alex Turner en solitario, Submarine es un muy buen EP, que nos sigue demostrando el crecimiento de este joven talento como gran compositor de estos últimos años.

Persy

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Stereophonics

Stereophonics – Performance and Cocktails (1999)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Roll Up and Shine: 8
  2. The Bartender and the Thief: 9
  3. Hurry Up and Wait: 7
  4. Pick a Part That’s New: 7,5
  5. Just Looking: 7
  6. Half The Lies You Tell Ain’t True: 8,5
  7. I Wouldn’t Believe Your Radio: 7,5
  8. T-Shirt Sun Tan: 8,5
  9. Is Yesterday, Tomorrow, Today?: 7
  10. A Minute Longer: 7,5
  11. She Takes Her Clothes Off: 7,5
  12. Plastic California: 6
  13. I Stopped to Fill My Car Up: 7

La historia de Stereophonics comenzó en el pueblo de Cwmaman en Gales cuando los amigos  Kelly Jones (Guitarra y voz) y Richard Jones (Bajo), no hay relación de parentesco Jones es un apellido demasiado común en dicho país, conocieron a Stuart Cable (Batería) y juntos comenzaron a tocar en bares de la zona a muy corta edad bajo el nombre de Tragic Love Company, que salía de la conjunción de tres de sus grupos preferidos: The Tragically Hip, Mother Love Bone y Bad Company. Aunque poco tiempo después se volcaron por The Stereophonics.

Para 1996 firmaron contrato con una ascendente compañía discográfica V2 que les sugirió sacar el “The” del nombre para convertirse finalmente en simplemente Stereophonics. En 1997 editaron su primer esfuerzo discográfico Word Gets Around, que cosechó además de una obvia comparación con sus coterráneos Manic Street Preachers, una más que alentadora aceptación de la prensa ganando un Brit Award como mejor nuevo grupo y una buena base de seguidores.

Para finales de 1998 el grupo nos adelantaría algo de lo que estaría por venir su explosivo single «The Bartender and the Thief» explotó inesperadamente y se convirtió en un hit de inmediato un adelanto de lo que seria su segundo trabajo Performance and Cocktails editado a principios de 1999. El disco se convirtió en numero uno por varias semanas y impulsó a Stereophonics hacia la cima en el primer cuatrimestre de 1999.

Su rock entre alternativo y ruidoso se conjugaría en este álbum con baladas que mas adelante se convertirían en una marca registrada de los galeses. Su más talentoso integrante Kelly Jones demuestra su habilidad para componer y su característica y carrasposa voz  se distinguen del resto de los cantantes de su generación.

Performance and Cocktails es un buen material para escuchar y disfrutar de fondo en alguna reunión o en algún viaje en auto, con algunos buenos momentos acústicos y otros bien “al palo” que justifican su escucha y es un buen primer paso para comenzar a conocer a este grupo británico que continúa vigente y actualmente se encuentra grabando lo que sería su octavo material que se estima saldrá a las tiendas en la primera mitad del 2012.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Fleet Foxes

Fleet Foxes – Helplessness Blues (2011)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Montezuma: 8,5
  2. Bedouin Dress: 9
  3. Sim Sala Bim: 9
  4. Battery Kinzie: 8
  5. The Plains/Bitter Dancer: 7,5
  6. Helplessness Blues: 8
  7. The Cascades: 7
  8. Lorelai: 9
  9. Someone You’d Admire: 6,5
  10. The Shrine/An Argument: 6
  11. Blue Spotted Tail: 5
  12. Grown Ocean: 8

Tras idas y vueltas por problemas con las grabaciones y sesiones, tres años tardaría Fleet Foxes en lanzar su segundo trabajo luego de su aclamado álbum debut. Y en esta oportunidad la recepción de Helplessness Blues también fue muy positiva. Para muchos uno de los mejores discos, y para otros incluso el mejor, un rótulo que puede resultar bastante exagerado.

Uno entiende el particular encanto de Helplessness Blues que los distingue de otros trabajos y grupos de la época y eso hace que tenga una remarcable consideración. ¿Cuántas bandas de hoy en día desarrollan el folk exquisito de Fleet Foxes? No deben ser muchas. De hecho parece una banda de los sesenta que nació en la época equivocada. Canciones de folk, acústicas, con tintes barrocos y extraordinarias armonías vocales. Un homenaje de primera a Crosby, Stills, Nash & Young y a los Beach Boys.

La atmosfera pura de Helplessness Blues lo hace un disco de una belleza celestial. La calidad de canciones encantadoras como “Bedouin Dress”, “Lorelai” y la barroca “Sim Sala Bim” nos transportan a otra época. Aún así el disco no es tan grandioso. Ser un grupo de folk tampoco significa ser original o innovador. No veo un gran salto en estilo y calidad respecto de su primer álbum. Además hay varios temas con melodías que no atrapan como “Someone You’d Admire” y la aburrida “Blue Spotted Tail”. En este montón también se incluye “The Shrine/An Argument”, que no solo peca por su falta de gancho sino también por lo larga y sobreproducida que resulta.

Pese a que estos números afectan en la consistencia de Helplessness Blues, no deja de ser un muy buen disco, aunque algo sobrevalorado para mi gusto al igual que su álbum debut. Uno de los destacados del 2011 pero no el mejor.

Persy

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King Tubby

King Tubby – Dub From the Roots (1974)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dub from the roots: 7,5
  2. Iyaha: 8,5
  3. Mine Field: 8
  4. Hi Jack the Barber: 9
  5. African Roots: 7,5
  6. Double Cross: 8
  7. East Of (Arrows Hi Fi): 6
  8. Invasion: 9
  9. Dub of a Woman: 6,5
  10. Dub on My Mind: 7,5
  11. Steeling: 6,5
  12. Dub Experience: 9,5
  13. Declaration of Dub: 10
  14. A Truthful Dub: 7

Osbourne Ruddock, conocido popularmente bajo el nombre de King Tubby, es junto con su compatriota jamaiquino Lee «Scratch» Perry uno de los responsables de que exista un género musical llamado dub.

Ingeniero de sonido y compañero fiel del Sound System en la Jamaica de fines de los ’60, se lo considera como el creador de una herramienta esencial para el desarrollo de la música contemporánea: el «remix». Esta herramienta, valga la redundancia, es la que lo lleva a notar que al modificar una canción de Duke Reid (sacándole la voz, agregando una alta dosis de reverberación y delay a los diferentes instrumentos, aumentando los bajos, implementando el eco; es decir, toda una serie de modificaciones que serían parte de la idiosincrasia propia del dub) lograba un sonido totalmente diferente al original, motivándolo a hacerlo con otras canciones. Es decir, es un género que nace de la experimentación a través de la mezcla en estudios de sonidos y no de músicos principalmente -algo esencial para comprender su origen-, y que además es instrumental, enfocándose en la ambientabilidad a través de paisajes sonoros, incentivados en las melodías del reggae, el rocksteady y la música jamaiquina en general.

Producido por Bunny Lee y mezclado por King Tubby (en su rol de ‘Dubmaster’), «Dub from the roots» cuenta con músicos tales como Robbie Shakespeare, Augustus Pablo, los hermanos Aston y Carlton Barret, entre otros. Todos del más alto nivel y que acompañarían a exponentes de la música jamaiquina de la talla de Bob Marley y Peter Tosh con el correr de los años.

King Tubby sin ser músico, es un artesano que logra conseguir sonidos y ambientes únicos, ya sea cuasi-hipnóticos como en «Iyaha», «Hi Jack the Barber» o «Invasion», o festivos como en «Mine Field», «Double Cross» o «Dub Experience». Ambientes que hacen de «Dub from the roots» un disco tan primitivo como esencial para empezar a entender un poco de que se trata este género llamado dub.

Bari

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Travis

Travis – The Invisible Band (2001)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Sing: 9
  2. Dear Diary: 7
  3. Side: 8.5
  4. Pipe Dreams: 8
  5. Flowers in the Window: 9
  6. The Cage: 8
  7. Safe: 8
  8. Follow the Light: 8
  9. Last Train: 7
  10. Afterglow: 7.5
  11. Indefinitely: 7.5
  12. The Humpty Dumpty Love Song: 8.5

La banda escocesa Travis tuvo el privilegio de comenzar el nuevo milenio como una de las bandas más destacadas de Gran Bretaña gracias a sus primeros dos discos. “The Man Who” de 1999 obtuvo numerosos premios y un reconocimiento meritorio por parte de la prensa especializada. Este éxito le permitió al grupo salir de gira como soporte de Oasis, una de sus bandas inspiradoras e impulsoras de la oleada pop en los noventa.

En 2001 y con la producción de Nigel Goldrich (que trabajó entre otros con Beck y Radiohead), Travis editó su tercer material. “The Invisible Band” hacía referencia a la idea que la banda tenía sobre sí misma, ya que consideraba que su música trascendía al grupo; una concepción semejante a los tonos de las canciones que, siguiendo el estilo de “The Man Who”, presentaban un acercamiento hacia lo acústico.

“Sing”, el primer corte lanzamiento, se transformó inmediatamente en un éxito casi mundial, con gran repercusión en los charts y en América Latina, con el banjo dándole un toque más sentimental. “Side” y “Flowers in the Window” son los otros dos temas que definitivamente sobresalen del disco, siendo temas pegadizos que dan ganas de cantar y que además marcan una notoria evolución en las composiciones de Healy, el vocalista y líder del grupo.

Este disco no generó las críticas positivas sólo por esos tres temas, sino que contó con otros muy buenos momentos como “Pipe Dreams” y “Safe” (este último con notorias influencias de Radiohead). Otra mención especial merece “The Humpty Dumpty Love Song”, una hermosa balada que confirma que lo de Travis definitivamente venía en serio.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)