Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Traffic – On the Road (1973)

Puntaje del Disco: 9

  1. Glad/Freedom rider: 8,5
  2. Tragic Magic: 9,5
  3. (Sometimes I feel so) Uninspired: 10
  4. Shoot out at the fantasy factory: 8,5
  5. Light up or leave me alone: 7,5
  6. Low spark of high-heeled boys: 9

Traffic fue un grupo de rock procedente de Mirmingham, Inglaterra, liderado por el cantante y multiinstrumentista Steve Winwood (quien venía de “The Spencer Davis Group”), con Jim Capaldi, Chris Wood y Dave Mason, a la batería, instrumentos de viento y guitarra respectivamente. El grupo se formó a finales de los años sesenta en plena efervescencia de rock psicodélico y durante su trayectoria ofrecieron una música muy particular entre el rock progresivo y la psicodelia del momento.

En el año 1973 Traffic recogería parte de las canciones escritas en los últimos años para concebir “On the Road” un interesantísimo álbum en vivo en el dejarían de lado sus influencias de finales de los sesenta para reivindicar con el puño sobre la mesa el rock más clásico, con interminables solos de saxofón, guitarra, y demás instrumentos sobre una base rítmica impecable.

La canción que más sobresaldría del disco seria “(Sometimes I feel so) Uninspired”, una inspiradísima balada con un piano sobresaliente y varios solos de guitarra.

También vale la pena destacar “Tragic Magic” y “Low spark of high-heeled boys”, dos temas jazzeros con un sensacional trabajo a manos de el saxofonista Chris Wood.

Por su parte, las demás canciones mantendrían un buen nivel y mostrarían el virtuosismo de los integrantes de Traffic con sus instrumentos (especialmente “Glad/Freedom rider”) pero su innecesaria larga duración las haría algo pesadas a ratos.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Gorillaz – Demon Days (2005)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Intro:
  2. Last Living Souls: 9
  3. Kids with Guns: 8
  4. O Green World: 8
  5. Dirty Harry: 9
  6. Feel Good Inc.: 9,5
  7. El Mañana: 7,5
  8. Every Planet We Reach Is Dead: 8,5
  9. November Has Come: 8
  10. All Alone: 8,5
  11. White Light: 7,5
  12. Dare: 8,5
  13. Fire Coming Out of the Monkey’s Head: 8,5
  14. Don’t Get Lost in Heaven: 7
  15. Demon Days: 7,5

Para todos los que pensaron que la banda virtual Gorillaz sería solo un divertimento momentáneo del inquieto Damon Albarn, su segundo álbum Demon Days, lanzado en Mayo de 2005, cuatro años después de su elogiado debut. Con una tapa en la que los personajes de Gorillaz hacen referencia clara a Let It Be de los Beatles.

En esta ocasión el trío creativo detrás de Gorillaz que se basaba en el ex cantante de Blur, el caricaturista Jamie Hewlett y el productor Dan the Automator quedaría sin efecto. Ya que Dan the Automator abandonaría el proyecto dejando a Damon Albarn como responsable incuestionable en la parte musical y a Hewlett en la creativa continuando aportando sus dibujos e ideas. Este nuevo contexto en lugar de preocupar a Albarn le proveyó cierta libertad a la hora de generar ideas y la oportunidad de probar cosas nuevas que no pudo en su momento llevar a cabo dentro de los límites que un grupo de rock como Blur tenía (en Think Tank, ultimo disco de Blur hasta la fecha editado en 2003 tampoco lo puedo hacer incluso sin la presencia de Graham Coxon en el grupo).

Como resultado nos encontramos con algo conceptualmente distinto a lo que conocimos de Gorillaz cuatro años antes, en Gorillaz daba la sensación que Albarn se estaba divirtiendo con amigos, sacándose un gusto, Demon Days tiene un mensaje mas profundo centrándose en el malestar inquietante de la vida en el siglo veintiuno algo que se percibe hasta en el titulo del disco. El disco cuenta con algunas colaboraciones que apoyarían a Damon como el rapero De La Soul en el tema más hitero “Feel Good Inc.”, la cantante Sueca Neneh Cherry en “Kids with Guns”, un pionero del rock and roll como Ike Turner “Every Planet We Reach Is Dead”, el actor Dennis Hopper recitando una letra en “Fire Coming Out of the Monkey’s Head” y tal vez la mas notable la del emblema de Manchester el ex líder de Happy Mondays Shaun Ryder en “Dare”, canción que explota las virtudes de Ryder al máximo. Otros momentos que merecen no ser dejar de lados son la bella «Last Living Souls» en especial su parte final y “Dirty Harry” con un coro de niños bastante simpático. Tampoco hay que dejar de lado la presencia en la producción de Danger Mouse que ayudo a amalgamar estas colaboraciones y las ideas y especialmente el enorme ego de Albarn de manera impecable.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Eric Clapton en Argentina – Estadio River (14/10/2011)

Tras 10 años largos de espera, el Dios blanco del blues arribaría a Buenos Aires con la difícil tarea de exorcizar la cancha de River Plate luego de las dos presentaciones de Justin Bieber.

Al presenciar este tipo de shows uno se da cuenta que cada recital puede ser muy distinto entre sí, en cuanto al público que lo acompaña y a la forma de disfrutarlo. El concierto de Clapton es el tipo de presentación que uno tiene que sentarse, relajarse y abrir su mente para regocijarse con el buen blues que nos brinda esta leyenda viviente. Ideal para escuchar en un bar tomando una cerveza o incluso comiendo nachos con queso. Pero la convocatoria y la importancia de Eric hacen que una multitud se movilice y llene un estadio. Había más gente en la cancha de River de lo que imaginábamos, sabiendo que las entradas no eran “TAN” caras y que no estaban agotadas. Y en la general había que molestar a otros para hacerse un lugar.

Clapton salió al escenario a la hora estipulada, sería tan puntual que llegamos tarde e incluso nos perdimos un par de canciones. Y ya desde entonces empezaría a demostrar su genio blusero, siendo versátil, improvisando mucho con su guitarra celeste y blanca, con varios solos tremendos, pero cantando bastante poco (él solo hacía hablar a su guitarra) e incluso dando lugar a teclado y órgano a cargo de Tim Carmon y Chris Stainton, que le dieron nuevas alternativas a los clásicos y sobre todo a las canciones no tan conocidas, extendiéndolas, por momentos, demasiado.

El setlist no difirió mucho de lo que venía tocando en Brasil. Fiel a su estilo, interpretó varios covers como “Hoochie Coochie Man” de Muddy Waters y “I Shot the Sheriff” de Bob Marley y luego tuvo una seguidilla de temas acústicos con el “viejo” Eric sentando como si diera lecciones, finalizando esa serie con una pálida versión semi blusera de “Layla” que dejó bastante que desear. Un clásico ansiado que podría haber sido un momento clave para levantar el espectáculo tirando la casa por la ventana pero que se perdió en la nada. Una de las cuestiones más reprochables del show, junto con la ausencia de algunos clásicos indispensables como “Sunshine of Your Love”. No así, “Badge”, el temazo de su época en Cream, fue uno de los puntos más altos de la noche, rockeando más alto, dibujando una sonrisa en cada fan por lo que este maestro hacía.

Luego de rockear con “Badge”, “Wonderful Tonight” le puso letra a hermosa balada que fue del deleite de las parejitas que colmaron el Estadio. Después vino una gran versión de “Before You Accouse Me” y tras el clásico de Robert Johnson, “Littel Queen of Spades”, “Cocaine” tuvo a cargo el cierre a pura emoción.

Tras un breve receso los músicos retornaron a escena en lo que parecía una culminación con varios clásicos más. Sin embargo, sólo “Crossroads” fue la elegida para darle fin a un concierto muy apreciable pero con ciertas sensaciones de vacío. De todos modos nos fuimos sabiendo que vimos a un grande y recitales así son difíciles de olvidar.

Persy/Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Animals – Animalism (1966)

Puntaje del Disco: 9

  1. All Night Long: 8
  2. Shake: 8.5
  3. The Other Side of This Life: 9
  4. Rock Me Baby: 9
  5. Lucille: 8
  6. Smokestack Lightning: 9
  7. Hey Gyp: 8.5
  8. Hit the Road, Jack: 9
  9. Outcast: 8
  10. Louisiana Blues: 8.5
  11. That’s All I Am to You: 8
  12. Going Down Slow: 8.5

Hacia mediados de la década del sesenta The Animals había dado el gran salto al sumarse a la oleada británica que buscaba reconquistar los terrenos norteamericanos. Con The Beatles como estandartes, esta banda formada en Newcastle buscaba seguir los exitosos pasos que los fabulosos cuatro habían tomado. The Ed Sullivan Show fue para ellos también un punto importante en su recorrido por Estados Unidos, donde ya habían logrado una notoria popularidad con “The House of the Rising Sun”.

En 1965 y luego de grabar el tema “We’ve Gotta Get Out of This Place” el tecladista Alan Price dejó la banda alegando fobia a volar en avión; una razón que sembró ciertas dudas tiempo más tarde. En su lugar ingresó Dave Rowberry quien formó parte de la alineación que grabó en 1966 uno de los más destacados discos de la carrera de The Animals.

“Animalism”, es como su nombre lo indica, una animalada de álbum. Quizás no sea un trabajo grandilocuente, pero se nota una evolución en los sonidos y por sobre todo, un acercamiento hacia lo que la banda quería lograr. Disconformes con lo que su manager Mickie Most les hacía grabar, Eric Burdon y compañía migraron hacia otra productora con la que produjeron este magnífico material.

Recurriendo nuevamente a temas de artistas de la época y consagrados de la talla de B. B King (“Rock Me Baby”), Little Richards (“Lucille”) y Sam Cooke (“Shake”), entre otros, The Animals consolidó un estilo más desarrollado. La voz de Burden alcanza un gran nivel de pasión, que se ve ayudado por los buenos arreglos de guitarra de Hilton Valentine y el gran aporte en los teclados de Rowberry.

De gran nivel general, esta versión lanzada en los Estados Unidos, convirtió al disco en un excelente trabajo, con las sensacionales interpretaciones de “Smokestack Lightning” y “Hit the Road, Jack” que quedarán para la antología del grupo

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Wilco – Sky Blue Sky (2007)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Either Way: 7
  2. You Are My Face: 7,5
  3. Impossibly Germany: 9
  4. Sky Blue Sky: 6,5
  5. Side With The Seeds: 7,5
  6. Shake It Off: 5
  7. Please Be Patient With Me: 7
  8. Leave Me (Like You Found Me): 5,5
  9. Walken: 6
  10. What Light: 8,5
  11. On And On And On: 6,5

Sky Blue Sky, sexto álbum de Wilco, será recordado como el primer disco de estudio en el que participarían en la banda el excelente guitarrista Nels Cline y el multi-instrumentalista Pat Sansone, de quienes ya se pudo disfrutar de sus capacidades en el disco en vivo Kicking Television. Pero también será recordado como el disco más aburrido de su catalogo.

Sky Blue Sky es principalmente folk y country despreocupado por lo simple que resulta y preocupante por las melodías pobres y poco contagiosas que aporta Jeff Tweedy. Sumado a su poca experimentación sobretodo si lo comparamos con sus álbums previos. Y lo que es peor las incorporaciones de sus nuevos miembros Cline y Sansone parece un desperdicio. Es como contratar a dos trabajadores para que no trabajen, ya que su participación es escueta, muy distante a lo que uno espera de ellos, solo se aprecia su aporte en algunos pasajes. Especialmente de Cline, donde solo se desata para hacer un solo de guitarra en “Impossible Germany”, lejos el mejor tema del disco, por ser el único que tiene cierta chista y un gancho más o menos gustoso.

El resto es pasable pero bastante lento, chato y poco recordable. Es esa parte de Wilco que a veces tiende a aburrir y acá lo termina logrando sin preámbulos. Solo se podría destacar el folky “What Light” por su buen estribillo (que sería ofrecido para descargar en forma gratuita para promocionar el disco).

De todas formas, Sky Blue Sky recibiría críticas variadas, aunque por lo general fueron más bien positivas. Llegando a ubicarse como uno de los discos más vendidos de Wilco y uno de los mejores del 2007. Incluso ganó un Grammy como el “mejor disco de rock del año”. Pero como los Grammy significan hoy en día más o menos lo mismo que ganar un MTV Awards, hay que tomar los elogios con pinzas. Lo cierto es que el disco es un retorno a las raíces, pero con un flojo contenido de entretenimiento garantizado.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Jethro Tull – Benefit (1970)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. With You There to Help Me: 9,5
  2. Nothing to Say: 7
  3. Inside: 9
  4. Son: 7,5
  5. For Michael Collins, Jeffrey and Me: 8,5
  6. To Cry You a Song: 9,5
  7. A Time for Everything: 8,5
  8. Teacher: 8,5
  9. Play in time: 7,5
  10. Sossity, You’re a Woman: 9

Si en sus dos anteriores discos Jethro Tull se mostraba como una buena banda de blues y folk, en el año 1970 sorprendería a la crítica y público con su tercer disco, Benefit, considerado como el primer álbum verdaderamente Tull. Y lo cierto es que el álbum empezaría a mostrar el sonido progresivo que les caracterizaría durante gran parte de su longeva carrera.

La obra mantiene un nivel bastante parejo a lo largo de sus tres cuartos de hora, pero hay varios temas que destacarían y se convertirían en clásicos de la banda, el primero de ellos es “With You There to Help Me” la preciosa canción acústica encargada de abrir el disco, otra canción recomendable es “Inside” tema que podría haber sido compuesto perfectamente por Creedence Clearwater Revival por su bien logrado estilo country.

Un punto y aparte merece “To Cry You a Song, la mejor canción del disco y una de las más aclamadas por el público por su sensacional riff y estilo, que sin duda hará pensar en varias canciones del posterior  y más reconocido disco, Aqualung.

“Sossity, You’re a Woman” una bella balada folk, cerraría elegantemente Benefit, sin duda alguna uno de los mejores álbumes de Jethro Tull.

Mauricio G.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Elastica – The Menace (2000)

Puntaje del Disco: 8

  1. Mad Dog God Dam: 7
  2. Generator: 8,5
  3. How He Wrote Elastica Man: 7,5
  4. Image Change: 7
  5. Your Arse My Place: 8
  6. Human: 8,5
  7. Nothing Stays The Same: 6
  8. Miami Nice: 8
  9. Love Like Ours: 8
  10. KB: 8
  11. My Sex: 9
  12. The Way I Like It: 8
  13. Da Da Da: 7,5

La vuelta de uno de los grupos que mejor imagen dejo en su primer incursión musical promediando la década del noventa, Elastica, es lo que se puede calificar como un verdadero regreso sin gloria. No porque The Menace sea un álbum flojo, sino porque no tuvo la repercusión ni la continuidad (Después de este trabajo se volvieron a separar) que el proyecto requería.

Elastica volvió del ostracismo cuando se reunieron para distintas presentaciones en vivo luego de años de distanciamiento. Así fue como re grabaron canciones en las que habían trabajado anterior a su disolución y le dieron vida en Abril del 2000 a The Menace.

Con cinco años de espera y tanta expectativa generada tal vez en una primera escucha de The Menace generará cierta decepción. No esperen encontrarse con temas que te vuelen la cabeza como «S.O.F.T.» o «Connection». Superada esa sensación inicial nos encontramos con un buen material que hasta evidencia cierta creatividad y crecimiento en el sonido del grupo, con un sonido más denso, cerebral y duro. Una de las grandes diferencias es la presencia de momentos relajados y reflexivos inéditos en el repertorio de Elastica.

Algunos puntos fuertes del grupo como las guitarras distorsionadas, la presencia y voz personalísima de Justine Frischmann continúan llamando la atención. Pero la ausencia de estribillos pegadizos aleja un poco este material de las grandes audiencias.

Con la edición de un nuevo single “The Bitch Don’t Work” parecía que la carrera de Elastica tendría continuidad pero pocas semanas después anunciarían su nueva ruptura en buenos términos. La vida después de la música para sus integrantes fue bastante particular para cada uno de sus integrantes. Según un artículo de la revista Mojo de un par de años atrás, Frischmann se casó y emigro a Colorado para estudiar artes visuales y psicología, Donna Matthews comenzó un nuevo proyecto con su propio grupo Klang que duro tan solo un disco y se convirtió en cristiana, mientras que el resto de los integrantes decidió inclinarse por una vida familiar alejada de la parafernalia de la industria musical.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

DJ Shadow – Entroducing…(1996)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Best Foot Forward:
  2. Building Steam with a Grain of Salt: 8
  3. The Number Song: 8
  4. Changeling, Transmission 1: 9
  5. What Does Your Soul Look Like (Part 4): 8.5
  6. (Untitled): 8
  7. Stem/Long Stem, Transmission 2: 8.5
  8. Mutual Slump: 8
  9. Organ Donor: 8.5
  10. Why Hip Hop Sucks in ’96:
  11. Midnight in a Perfect World: 9
  12. Napalm Brain/Scatter Brain: 8
  13. What Does Your Soul Look Like (Part 1 – Blue Sky Revisit), Transmission 3: 8

Sin ser un disco de electrónica ni de hip hop, “Entroducing…” de DJ Shadow es a la vez un poco de ambas cosas y más también. Este disco que fue incluido en el Guiness World Records por ser el primero en contener íntegramente temas de sampleos, contiene elementos de géneros tan diversos como el jazz, el funk, la psicodelia y algo de rock.

En 1996 Joshua Paul Davis, un DJ que inició sus primeros pasos en la música en la Universidad de California experimentando con el hip hop y otros estilos, lanzó su álbum debut, que causaría un gran impacto en la crítica especializada. La variedad de géneros dificulta catalogar este material de una sola manera sino que lo que se aprecia en todo su contenido son las mixturas que las combinaciones de otras canciones van formando. Utilizando canciones de artistas tan disímiles del mundo de la electrónica, el hip hop y del rock (como “Orion” de Metallica en “The Number Song”), crea momentos y paisajes de calma (“Changeling, Transmission 1”) y otros más desconcertantes.

“Entroducing…” no sólo introdujo a DJ Shadow como un nuevo artista a mediados de los noventa, sino que sembró el terreno para que más artistas siguieran su camino y expandieran las fronteras de este estilo tan particular.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The Apples in Stereo – Fun Trick Noisemaker (1995)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Narrator:
  2. Tidal Wave: 9
  3. High Tide: 9
  4. Green Machine: 8
  5. Winter Must Be Cold: 7,5
  6. She’s Just Like Me/Taking Time: 8,5
  7. Glowworm: 8,5
  8. Dots 1-2-3: 5,5
  9. Lucky Charm: 7
  10. Innerspace: 7,5
  11. Show the World: 8
  12. Love You Alice/D: 8
  13. Pine Away: 8

The Apples in Stereo es una más de las bandas indies surgidas en los noventa. El grupo esta emparentado con Elephant Six, una agrupación de músicos que incluía a Jeff Magnum (Neutral Milk Hotel) y The Olivia Tremor Control en sus filas. Considerando la procedencia underground de la banda liderada por Robert Schneider, no sorprende que Fun Trick Noisemaker, el álbum debut de los Apples, este cargado de un sonido lo-fi. En él, Schneider se encarga de expresar su adoración por bandas de los sesenta. Si hay algo que no falta en Fun Trick Noisemaker son las muy buenas melodías pop, alegres, primaverales y también inocentes. Esta es gente enamorada de la psicodelia espacial, de las armonías vocales de los Beach Boys y de los Beatles. Una contraposición al Grunge más crudo de los noventa.

Así que el disco es por sobre todas las cosas “escuchable”. Es pop ligerito y agradable, que prácticamente en ningún momento puede ser juzgado como malo. Pero peca un poco por su falta de “grandeza”. Las canciones son muy buenas pero en su conjunto no tienen una trascendencia ni un contenido lo suficientemente significativo para mi gusto (hasta puede resultar monótono).

A pesar de ello, se pueden destacar canciones como  “Tidal Wave”, una de las mejores dentro de la formula de los Apples, “High Tide” una canción acústica que parece una mezcla de los Kinks y los Beach Boys, “She’s Just Like Me” por su adorable melodía y “Glowworm” por su estilo guitarrero.

Lindo álbum, están aquellos que lo consideran el mejor disco de los Apples. Para mi no es tan impresionante. Pero igual lo recomiendo para los seguidores del Indie americano.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)