Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Deep Purple

Deep Purple – Live on the BBC (2004)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Highway Star: 10
  2. Strange Kind of Woman: 9
  3. Maybe I’m a Leo: 8
  4. Never Before: 8.5
  5. Lazy: 8.5
  6. Space Truckin’: 9
  7. Smoke on the Water: 10
  8. Lucille: 9
  9. Hush: 8
  10. River Deep, Mountain High: 9

Un mes antes del lanzamiento de “Machine Head”, uno de los materiales más importantes en la carrera de Deep Purple, ésta se presentó en la cadena británica BBC para ofrecer uno de los muchos conciertos que el grupo brindaría durante 1972; y que lo llevaría a editar el espectáculo en Japón tiempo más tarde.

Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Pace, Ian Gillan y Roger Glover se presentaron en Londres en Marzo de 1972 frente a su público en un espectáculo que se editaría en CD muchos años después. Seis de los diez temas que la banda incluyó en el repertorio formaron parte luego de “Machine Head” y sería “Highway Star” la encargada de abrir el recital. La formidable voz de Gillan y los teclados de Lord son fabulosos mientras que “Strange Kind of Woman” continúa con unos arreglos magníficos. “Never Before” es otro sólido tema que se desprendería del aclamado disco de 1972.

“Space Truckin’” con más de diez minutos de puro rock y una versión súper extendida de “Smoke on the Water” plasman dos de los mejores pasajes de este material, que fue grabado en SACD, un tipo de disco óptico diseñado a fines de los años noventa que permitía mejorar la calidad del sonido. De hecho, si bien el tracklist incluido en el concierto en “Made in Japan” fue similar al de la BBC, puede apreciarse la diferencia en el audio, motivo por el cual este concierto cuenta con algunos aspectos a favor.

Por último cabe destacar que a la gran selección de clásicos elegidos por la banda para esta ocasión se complementa con la muy buena versión de “Lucille” de Little Richards. El disco cierra con variante y dinámica “River Deep, Mountain High”, como una postal de una memorable presentación.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Pixies

Pixies – Pixies at the BBC (1998)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Wild Honey Pie: 8
  2. There Goes My Gun: 8
  3. Dead: 8
  4. Subbacultcha: 7
  5. Manta Ray: 8,5
  6. Is She Weird: 7,5
  7. Ana: 7
  8. Down to the Well: 8
  9. Wave of Mutilation: 8
  10. Letter to Memphis: 8,5
  11. Levitate Me: 7,5
  12. Caribou: 8
  13. Monkey Gone to Heaven: 9,5
  14. Hey: 9
  15. In Heaven (Lady in the Radiator Song): 7,5

Durante su época de mayor esplendor entre 1988 y 1991 los Pixies se presentaron en varias ocasiones en los míticos estudios de la BBC de Londres, la mayoría de las veces en el John Peel Show, por años los fanáticos encontraron estas presentaciones en formato de discográfica no oficial y grabaciones caseras hasta que en 1998, cinco años después de la primera separación de la banda, la compañía Elektra edito finalmente quince tracks de esas presentaciones bajo el nombre de Pixies at the BBC.

Una de las curiosidades que se lograron reflejar con esta edición ideal para fans del grupo es la presencia de dos covers, uno de The Beatles “Wild Honey Pie” una versión bestial mas atractiva que la original del grupo de Liverpool y otro de Eraserhead “In Heaven (Lady in the Radiator Song)”. El resto son increíbles interpretaciones de temas esencialmente de Bossanova y Doolittle que en su mayoría no difieren demasiado de su versión original.

A pesar de no ser muy distintas cada versión a la de los discos de estudio y que queden afuera canciones que quizás resultarían más atractivas en directo siempre esta bueno escuchar a los Pixies en su mejor nivel y de forma tan sólida. Clásicos como “Hey”, “Monkey Gone to Heaven”, “Wave of Mutilation” y “There Goes My Gun” justifican la edición de este material en vivo y engrosan el no tan largo catalogo con el que una de las bandas alternativas más creativas e influyentes cuenta.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Captain Beefheart & The Magic Band

Captain Beefheart & The Magic Band – Strictly Personal (1968)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Ah Feel Like Ahcid: 6
  2. Safe As Milk: 8
  3. Trust Us: 5
  4. Son of Mirror Man – Mere Man: 5
  5. On Tomorrow: 5
  6. Beatle Bones ‘N’ Smokin’ Stones: 7
  7. Gimme Dat Harp Boy: 5
  8. Kandy Korn: 6,5

A veces los proyectos no salen como uno espera. Para su siguiente trabajo, la intensión de Captain Beefheart y su banda fue grabar un disco doble que iba a denominarse It Comes to You in a Plain Brown Wrapper. Sin embargo, su aspiración no pudo completarse. Pero de las sesiones grabadas se formó Strictly Personal.

Este disco trajo sus conflictos, ya que su productor Bob Krasnow le agregó efectos psicodélicos que Beefheart siempre odió, y encima reclamó que fueron agregados sin su conocimiento. Justamente los efectos y arreglos a los que Beefheart hace referencia hacen que el álbum sea bastante difícil de escuchar. Es puro Avant Garde y experimentación que la verdad no deja mucho para rescatar.

Y si bien Krasnow tiene culpa importante de que el álbum sea tan osado como impertinente, las composiciones de Captain Beefheart tampoco son de lo más redituables. Estamos hablando de solo 8 canciones que la mayor parte del tiempo suenan bastante monótonas y sin sentido. Realmente parece un álbum construido en base a sesiones, ya que parece más una práctica que algo para tomar muy en serio. Solo puedo destacar a “Safe As Milk”, que recuerda un poco a su álbum debut, no solo por su nombre sino también por tener una melodía más o menos potable. El resto es un manojo de canciones de los más anticonvencional que puede ofrecer Beefheart y su banda mágica.

Strictly Personal es uno de esos discos solo para fanáticos de Beefheart o para enamorados de lo experimental. Cualquier otro tipo de oyente no le va a encontrar mucho atractivo y está autorizado a pasar directamente a su aclamado siguiente disco Trout Mask Replica.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Jimi Hendrix

Jimi Hendrix – The Cry of Love (1971)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Freedom: 9
  2. Drifting: 7
  3. Ezy Ryder: 9
  4. Night Bird Flying: 7,5
  5. My Friend: 8
  6. Straight Ahead: 8,5
  7. Astro Man: 6,5
  8. Angel: 9
  9. In From the Storm: 7,5
  10. Belly Button Window: 7

El enorme vacío que genero el fallecimiento del gran Jimi Hendrix fue llenándose parcialmente con la aparición sistemática de discos póstumos que nos permitieron al menos disfrutar de canciones grabadas por Jimi antes de su muerte.

El primero de este catalogo fue The Cry of Love (1971). Una colección de canciones grabadas por Jimi entre Diciembre de 1969 y mediados de 1970 que iban a formar parte de su siguiente trabajo doble de Hendrix First Rays of the New Rising Sun o Straight Ahead (estos posibles nombres fueron hallados en notas escritas por Jimi en su estudio de grabación). El hecho de que intervinieran Mitch Mitchell y el productor Eddie Kramer en su mezcla y compilación le daría a The Cry of Love la credibilidad necesaria para considerar al disco como oficial y autentico.

Algunos temas presentes aquí como “Freedom”, “Ezy Rider” y “Angel” son momentos iluminados del dios de la guitarra, merecedores de formar parte de cualquiera de sus grandes éxitos. Junto a estas se destacan algunas menos conocidas como “My Friend” y “Straight Ahead”. El resto acompaña y no desentona, ya que siempre resulta gratificante escuchar temas nuevos de Hendrix haciendo hablar a la guitarra como el solo sabia hacerlo. Otra particularidad es la inclusión de «Belly Button Window» (ultimo tema donde Jimi pudo aportar voces) grabada en Electric Lady Studios el 22 de Agosto de 1970 menos de un mes antes de su desaparición física.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Doors

The Doors – L.A. Woman (1971)

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Puntaje del Disco: 9

  1. The Changeling: 7,5
  2. Love Her Madly: 9
  3. Been Down So Long: 8
  4. Cars Hiss By My Window: 8
  5. L. A. Woman: 9,5
  6. L’America: 8,5
  7. Hyacinth House: 9
  8. Crawling King Snake: 8
  9. The Wasp (Texas Radio And The Big Beat): 5,5
  10. Riders on the Storm: 9

La psicodelía se ha terminado definitivamente para Los Doors. Ya no están más en la década de los sesenta. En L.A. Woman, Jim y los suyos acentúan su sumersión en el blues. Por eso el disco no muestra una gran evolución de lo que fue Morrison Hotel. Debido a esta razón es común encontrar varias opiniones antagonistas hacia este álbum donde alegan que “no es original y es bastante básico”. Lo cual es comprensible en cierto punto. De hecho cuando los Doors más abordaban su particular estilo psicodélico era cuando adquirían esa identidad única e incomparable que no se puede encontrar en ningún otro grupo. Sin embargo, los Doors también siempre demostraron ser buenos bluseros. Por eso L.A. Woman no deja de ser un disco muy disfrutable.

El álbum tiene la particularidad de tener 3 clásicos de gran renombre de la banda por sobre el resto de las canciones. El más distinguido es el homónimo “L. A. Woman”, a mi gusto el mejor del disco y el más largo. Sus casi 8 minutos (divididos en varias secciones) no tienen desperdicio, con Morrison cantando como un tipo ya maduro. Incluso la letra es interesante sobre le final cuando Jim repite “Mr. Mojo Risin” que es un anagrama de su propio nombre. “Riders on the Storm” es el otro clásico indiscutido. Tiene esa mística que transmite Manzarek que la hace única. Y el tercer tema destacado es “Love Her Madly”, que tiene la melodía más pegadiza del álbum. El resto es blues puro, en general muy bueno (solo monótono en “The Wasp”). Pero también hay otros temas que sorprenden. “L’America” es muy bueno por su atmosfera oscura. Y “Hyacinth House” es una balada injustamente infravalorada.

Desafortunadamente este sería el último disco de los Doors con Morrison dentro de su formación. El 3 de julio de 1971 Jim fallecería, teniendo solo 27 años de edad. De esta forma integraría el famoso “Club de los 27” junto a Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones, entre otros. Jim sería encontrado en la bañera de su departamento en Paris. Aparentemente, la causa de su muerte fue un paro cardiaco aunque también se rumoreó que fue a causa de una sobredosis.

Si bien The Doors seguiría existiendo, nada volvería a ser lo mismo sin su líder. Pero la figura de Morrison se transformaría en una leyenda y quedará por siempre inmortalizada en la historia del rock.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Billy Joel

Billy Joel – Piano Man (1973)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Travelin’ Prayer: 8.5
  2. Piano Man: 9
  3. Ain’t No Crime: 8.5
  4. You’re My Home: 8
  5. The Ballad of Billy the Kid: 8
  6. Worse Comes to Worst: 7.5
  7. Stop in Nevada: 8
  8. If I Only Had the Words (To Tell You): 7.5
  9. Somewhere Along the Line: 8
  10. Captain Jack: 7.5

William Martin Billy Joel nació a fines de la década del cuarenta en New York y desde pequeño encontró en la música el refugio ideal para un joven que sufrió la burla de sus compañeros por tomar clases de piano en lugar de practicar algún deporte. Si bien tuvo un efímero paso por el boxeo amateur, Joel descubrió que su pasión por la música era más fuerte que cualquier otra cosa. Fue el famoso desembarco de The Beatles en Estados Unidos lo que terminó por definir su vocación y con sólo 14 años, Billy ya era un músico profesional.

The Hessles fue uno de los primeros grupos en los que Joel se armó de herramientas para abrirse en el ambiente musical, y luego de probar suerte con el dúo Attila, en 1971 Billy Joel lanzó su primer disco solista, “Cold Spring Harbour”. Debido a un problema técnico en la grabación del disco, el álbum no obtuvo demasiada atención. Fue recién en 1984 cuando una reedición realizada correctamente, le dio a Joel el mérito que se merecía.

En 1972 Billy cambió de Costa y se mudó a Los Ángeles donde ofrecía conciertos en bares. Un año más tarde llegaría el quiebre en su carrera con el lanzamiento de “Piano Man”, uno de sus trabajo más aclamados. Fuertemente influenciado por “Tumbleweed Connection” de Elton John, Joel también recurre a la temática western en varias de sus composiciones (“You’re My Home”, dedicada a su esposa y “The Ballad of Billy the Kid”, sobre el legendario personaje de la cultura norteamericana).

Sin ser un Bob Dylan, las composiciones de Joel son buenas y se compensan con los ritmos con un tono casi góspel, como en “Stop in Nevada”. “Travelin’ Prayer” es junto a “Ain’t No Crime” dos buenas producciones de un disco que condensa la vida de Joel en el tema que da nombre al disco. “Piano Man” resultó de las experiencias que el cantante tuvo mientras actuaba como pianista en un bar en Los Angeles. Los distintos melancólicos personajes que relata la canción se encuentran en ese rincón del mundo para olvidar sus penas con la música del hombre del piano.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Dandy Warhols

The Dandy Warhols – Welcome to the Monkey House (2003)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Welcome to the Monkey House: –
  2. We Used to Be Friends: 9
  3. Plan A: 8
  4. The Dope (Wonderful You): 7
  5. I Am a Scientist: 7,5
  6. I Am Over It: 7
  7. The Dandy Warhols Love Almost Everyone: 7,5
  8. Insincere Because I: 6
  9. You Were the Last High: 7
  10. Heavenly: 7
  11. I Am Sound: 7
  12. Hit Rock Bottom: 8
  13. You Come In Burned: 6

La continuación del disco que significo el despegue en la carrera de The Dandy Warhols, Thirteen Tales From Urban Bohemia, generó un cambio respecto a lo que venían haciendo. Mucho de esto se debió a la presencia como productor del ex Duran Duran Nick Rhodes que les imprimió un sonido más cercano al new wave y synth pop que los alejo un poco del rock alternativo con el que nos habían deleitado años atrás y genero cierta resistencia con los fanáticos del grupo.

Al analizar Welcome to the Monkey House (2003) tenemos que hacer ciertas salvedades, si bien el cambio que hacíamos referencia anteriormente no tuvo los resultados favorables que esperaban, hay que reconocer que al grupo le sientan bien los temas pop pegadizos como ya lo habían demostrado con “Bohemian Like You” en este nuevo disco el hit es “We Used to Be Friends”, otro momento destacable es “Plan A” con la participación del también ex Duran Duran Simon Le Bon en coros y para cerrar cerca del final nos sorprende un tema claramente influenciado por T.Rex «Hit Rock Bottom”. El resto del disco no nos sorprende con nada distinto, todos temas parejos algunos mejores que otros pero siempre dentro de la nueva y arriesgada búsqueda que la banda comandad por Courtney Taylor decidió asumir.

La portada del disco es un homenaje a uno de sus artistas favoritos (basta ver el nombre del grupo para darse cuenta de esto) y a dos de las tapas más famosas en la historia del rock diseñadas por Andy Warhol: Sticky Fingers de The Rolling Stones y The Velvet Underground & Nico de The Velvet Underground. Por un lado encontramos la banana de la Velvet con el cierre del Jean de Sticky Fingers.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Frank Zappa

Frank Zappa & The Mothers of Invention – We’re Only In It For The Money (1968)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Are You Hung Up?: –
  2. Who Needs The Peace Corps?: 9
  3. Concentration Moon: 9
  4. Mom & Dad: 8,5
  5. Telephone Conversation: –
  6. Bow Tie Daddy: 8
  7. Harry You’re A Beast: 9
  8. What’s The Ugliest Part Of Your Body: 9
  9. Absolutely Free: 9,5
  10. Flower Punk: 10
  11. Hot Poop: –
  12. Nasal Retentive Calliope Music: –
  13. Let’s Make The Water Turn Black: 9,5
  14. The Idiot Bastard Son: 7
  15. Lonely Little Girl: 8
  16. Take Your Clothes Off When You Dance: 9,5
  17. What’s The Ugliest Part Of Your Body (reprise): 8
  18. Mother People: 8,5
  19. The Chrome Plated Megaphone Of Destiny: 5

We’re Only In It For The Money es considerado por muchos como la obra maestra de Frank Zappa y The Mothers. El disco fue editado en 1968 en el apogeo del flower power. Sin embargo, este trabajo de Zappa no es igual a los otros que se lanzaron en el mismo año. La idea del bigotudo fue justamente crear un disco en el que ironiza de una forma espectacular la invasión del rock psicodélico y toda la cultura hippie.

Lo que diferencia a We’re Only In It For The Money respecto a otros discos de Zappa son sus excelentes melodías pop. Si lo comparamos por ejemplo con Lumpy Gravy, no solo nos encontramos en esta oportunidad con melodías “distinguibles” sino que también son de gran calidad, de primera línea. Y además no pierden esa locura fresca que los caracteriza, usando efectos bizarros, voces distorsionadas y demás rarezas anticonvencionales. Es una dosis esplendida de lo mejor que puede ofrecer Zappa maniaca y musicalmente.

Desde el lado de la parodia, encontramos sátiras en todos lados comenzando por la portada en la que ya se empiezan a burlar del Sgt. Pepper de los Beatles. También cargan contra los de Liverpool en canciones como “Let’s Make The Water Turn Black”. Sin embargo, el punto más alto del álbum es “Flower Punk”, una brillante parodia a “Hey Joe” en la que se mofan de Hendrix y todas las bandas que versionaron este tema. La letra es genial: “Hey Punk, where you goin’ with that flower in your hand?”. También se puede destacar a “Absolutely Free” que esta dividida en varias partes, donde cada melodía pop que desarrolla es excelente. Y otras canciones que son un duro ataque contra los “aspirantes a ser hippie” y los fashutos del movimiento, como “Who Needs The Peace Corps?”.

Es un álbum sorprendente y muy original sin dudas. Cada una de estas pequeñas canciones (la mayoría son cortas) tienen algo para ofrecer ironizando al hipismo como moda.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Bat for Lashes

Bat for Lashes – Two Suns (2009)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Glass: 8
  2. Sleep Alone: 7
  3. Moon and Moon: 7
  4. Daniel: 7.5
  5. Peace of Mind: 7
  6. Siren Song: 7.5
  7. Pearl’s Dream: 7.5
  8. Good Love: 7
  9. Two Planets: 7.5
  10. Travelling Woman: 7.5
  11. The Big Sleep: 7

“Fur and Sun”, el disco debut de Natasha Khan obtuvo muy buenas críticas en el Reino Unido y gracias a ese estilo despojado y casi celestial, conquistó a numerosos seguidores. Tres años más tarde, Bat for Lashes lanzó su segundo material con el que esperaba continuar por la senda del éxito. “Two Suns” se materializó a través de la inspiración que la cantante y compositora obtuvo de un viaje a The Joshua Tree Desert, un Parque Nacional ubicado en California.

Enfocado en Pearl, el alter ego de Khan, el disco se podría catalogar como conceptual. Desde “Daniel”, el primer corte, hasta el último tema, la ambientación es similar al primer disco. La suave voz de Natasha y los acompañamientos electrónicos se combinan muy bien a lo largo de todo el disco. “Glass” y “Siren Song” son dos canciones ideales para cualquier momento de relajación, además de estar entre las más destacadas.

Quizás no tan distinto al primer material, en “Two Suns” Natasha explora aún más esa sensación de belleza armónica que logró previamente. “Pearl’s Dream” tiene un estilo más rítmico que se aparta un poco de la estructura de los otros temas, pero que encaja perfectamente con ese tono que la cantante propone.

Piro

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