Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Amy Winehouse 1983-2011

La muerte de la británica Amy Winehouse esta tarde en Londres no deja de sorprender y entristecer a los que supimos apreciar la profunda y magnifica voz de una de las cantantes más talentosas de su generación, que se sumara así a las perdidas prematuras en el mundo del rock de músicos con tan solo veintisiete años de edad.

Es una de esas noticias trágicas que sabemos que pueden suceder en cualquier momento, si las cosas seguían así en su vida, pero a la vez no deja de resultar shockiante, en mi casa a pesar de no ser un fanático de su música lo fue. En la critica de su álbum consagratorio Back in Black que escribí hace poco mas de dos años cerré la misma con la siguiente frase: “Esperemos que estos excesos no la lleven a algo peor como artistas allegados a ella temen y podamos seguir disfrutando de su talento y bella voz”. Lamentablemente Amy no pudo completar la grabación de su tercer álbum pasados cinco años de  Back in Black. Los excesos comenzaron a hacerse notar en su cuerpo y comenzó a ser noticia por problemas de conducta y vergonzosas situaciones: drogas, cantidades exorbitantes de alcohol y trastornos alimenticios la transformaron en esa pequeña y extremadamente delgada que, paradójicamente, era capaz de movilizarnos con una sola nota emitida por su potente garganta.

Fue en 2003 con tan solo veinte años de edad que Amy nos deleitaría con su primer trabajo Frank una colección de de canciones en tono jazzero con el toque característico de sus cuerdas vocales únicas. Pero a pesar de la calidad indiscutida de Frank fue su segundo trabajo el que el que la consagro como una de las cantantes mas importantes e influyentes de la década pasada. Back in Black elevo su carrera, paso a ser conocida en todos los continentes, sus canciones a sonar en todas las radios y tanto su impactante voz como su look particular fuera de lo convencional la convirtieron en un personaje que no podía pasar desapercibido.

Lamentablemente en los últimos años Amy comenzó su autodestrucción definitiva, cancelaciones de fechas, un casamiento escandaloso con una relación violenta entre ambos, rehabilitaciones para tratamiento de drogas y alcohol fallidas, shows donde evidentemente no se encontraba en condiciones para presentarse y termino haciendo el ridículo, escándalos innecesarios, todo esto se convirtió en la parte central de su vida y no la música.

Su trágico final finalmente la encontró en su departamento de Londres sin que la policía diera a conocer las causas verdaderas de su muerte, aunque todos sabemos cuales son las causas reales de su deceso. Otro verdadero talento con mucho potencial que se nos va joven y se une al misterioso Club de los 27, junto a Janis Joplin, Jimi Hendrix, Brian Jones, Kurt Cobain y Jim Morrison.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Wire – Pink Flag (1977)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Reuters: 8,5
  2. Field Day for the Sundays:
  3. Three Girl Rhumba: 9
  4. Ex Lion Tamer: 9
  5. Lowdown: 9,5
  6. Start to Move: 8,5
  7. Brazil: 8
  8. It’s So Obvious: 7
  9. Surgeon’s Girl: 7,5
  10. Pink Flag: 10
  11. The Commercial:
  12. Straight Line: 8
  13. 106 Beats That: 9,5
  14. Mr. Suit: 8,5
  15. Strange: 9,5
  16. Fragile: 9
  17. Mannequin: 9,5
  18. Different to Me: 8
  19. Champs: 9,5
  20. Feeling Called Love: 9
  21. 12 X U: 10

Resulta injusto encasillar a la banda británica Wire solamente dentro del ámbito del punk, a decir verdad su sonido suele sindicarse a un subgénero del punk rock con una cierta riqueza en detalles y una sutileza superior a lo habitual conocido como Art punk o post-punk.

Desde sus orígenes londinenses a mediados de los setenta al grupo se lo asocio inmediatamente con la oleada punk que dominaba la escena. Wire estaba compuesto por Colin Newman (voz y guitarra), Bruce Guilbert (guitarra principal), Graham Lewis (bajo y voces) y Robert Gotobed (batería), y desde sus primeros momentos se diferenciaron del resto de sus contemporáneos.

Desde su álbum inicial Pink Flag (1977) repleto de estridencias y potencia el grupo supo complejizar su sonido con el correr de los años pero Pink Flag es el que a la fecha mas respeto obtiene de sus colegas situándolo como permanente referencia e influencia para grupos tan diversos entre si como R.E.M., Elastica, Bloc Party, The Futureheads y Franz Ferdinand por solo citar algunos.

Este trabajo, uno de los debuts mas originales dentro del punk, cuenta con la particularidad de conjugar en forma magistral por momentos una crudeza inusitada con una energía inigualable con temas elaborados y que rompen con cierta estructura tradicional verso/estribillo haciéndolas impredecibles. Pink Flag esta compuesto por veintiún tracks muy cortos en su mayoría, dejándote con ganas de que duren algún minuto mas,  que redondean un poco mas de 35 minutos de muy buena música repleto de ideas novedosas.

Desde los momentos mas punk (“Mr. Suit”, “Straight Line”, “Surgeon’s Girl”, “12 X U”) hasta los mas elaborados (“Ex Lion Tamer”, “Lowdown”, “Pink Flag”, “106 Beats That”) Wire supo construir un verdadero clásico que trascendería su época y serviría de inspiración para futuras generaciones dentro del rock alternativo, post-punk y hasta del britpop.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Clash – Combat Rock (1982)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Know Your Rights: 6,5
  2. Car Jamming: 6,5
  3. Should I Stay Or Should I Go: 9,5
  4. Rock the Casbah: 9,5
  5. Red Angel Dragnet: 5,5
  6. Straight To Hell: 8
  7. Overpowered By Funk: 6,5
  8. Atom Tan: 7
  9. Sean Flynn: 5
  10. Ghetto Defendant: 6,5
  11. Inoculated City: 5
  12. Death Is a Star: 6

Este disco me hace acordar mucho a Sandinista! pero solo a la parte más mediocre… Combat Rock nuevamente nos muestra a The Clash desarrollando una gran variedad de estilos, sobretodo New Wave, el reggae y el funk. Sin embargo, además de que hay poco de punk (musicalmente), sus composiciones dejan bastante que desear. La mayoría son débiles e intrascendentes. Lo cual hace de Combat Rock un disco tan inconsistente que podría ser tomado como una continuación de Sandinista! (podría haber sido un disco cuádruple!!).

Pero al igual que su predecesor, cuenta con un par de clásicos rutilantes metidos en el medio que valen la pena y levantan el nivel del disco. En este caso los clásicos son dos temas muy conocidos de The Clash “Should I Stay Or Should I Go” y “Rock the Casbah”, que se transformarían rápidamente en hits de los ochenta.

Poco se puede rescatar del resto del disco. The Clash experimenta con varios estilos pero logrando atmósferas y melodías vagas, que no llaman nunca la atención del oyente. El reggae psicodelico de “Straight To Hell” debe ser uno de los pocos destacables de este estilo.

Combat Rock a pesar de no ser una porquería, lejos esta de ser un disco que me agrade. Muestra un poco que se les fue la mano al tratar de innovar alejándose del punk rock clásico y “ochentizando” su sonido.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Green Day – Insomniac (1995)

Puntaje del Disco: 8

  1. Armatage Shanks: 8
  2. Brat: 7
  3. Stuck With Me: 8
  4. Geek Stink Breath: 8.5
  5. No Pride: 7.5
  6. Bab’s Uvula Who?: 7
  7. 86: 7.5
  8. Panic Song: 7.5
  9. Stuart and the Ave.: 7.5
  10. Brain Stew: 8.5
  11. Jaded: 8
  12. Westbound Sign: 7
  13. Tight Wad Hill: 8
  14. Walking Contradiction: 8.5

“Dookie” de 1994 fue el disco quiebre en la carrera de Green Day. Esta banda norteamericana de amigos enfadados contra la sociedad, consiguieron que su tercer álbum de estudio fuese un verdadero suceso comercial. No sólo el público amante del punk rock se volcó por escuchar Billy Joe y compañía, sino que los oídos se masificaron llegando a sectores no tan influenciados por este estilo. Con la ayuda de MTV y las ventas rompiendo records, Green Day continuó esparciendo su popularidad gracias a su participación en los Festivales de Lollapalooza y Woodstock de aquel fructífero 1994.

En Octubre de 1995 se editó “Insonmiac”, otro muy exitoso disco de Green Day. La recepción de la crítica en general fue buena y si bien no alcanzó el nivel de ventas de su predecesor, este cuarto álbum mantiene cierta línea con “Dookie”, alcanzando momentos destacables como con “Geek Stink Breath”, el primer corte lanzamiento. “Brain Stew/Jaded”, editado como una solo canción, con las guitarras cortantes del inicio también es otro buen apartado del disco.

Teniendo que lidiar con la presión que generó “Dookie”, la banda optó por continuar con esas guitarras punzantes y bateos constantes, aunque con letras un poco más oscuras. El disco es entretenido pero evidentemente la repercusión del disco anterior causó el esperable bajón de nivel. Con esto no me refiero a que es un mal material, pero si uno buscaba un plus en Green Day, con “Insmonia” se quedará con las ganas de más.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Buzzcocks – Another Music in a Different Kitchen (1978)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Fast Cars: 9
  2. No Reply: 8
  3. You Tear Me Up: 8,5
  4. Get on Our Own: 7,5
  5. Love Battery: 8
  6. Sixteen: 9,5
  7. I Don’t Mind: 8
  8. Fiction Romance: 8,5
  9. Autonomy: 7,5
  10. I Need: 8,5
  11. Moving Away from the Pulsebeat: 8,5

Provenientes de la ciudad inglesa de Bolton el grupo comandado por el cantante, guitarrista y compositor Pete Shelley, Buzzcocks, se convertiría en uno de los principales protagonistas de la era de esplendor del punk en la segunda mitad de la década del setenta tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos.

El nombre Buzzcocks, fue escogido por Pete Shelley y su compañero en los comienzos de la banda Howard Devoto luego de leer en un titular en una critica de una serie de televisión en una revista: “It’s the buzz, cocks!”. Desglosando su significado “buzz” hace referencia a la energía de tocar en un escenario y “cock” hace referencia en Manchester y sus alrededores de forma informal a amigo o compañero.

Luego de que el grupo consiguió editar su primer EP: Spiral Scratch’, Devoto abandono el grupo para trabajar en su propio proyecto Magazine y le dejo por completo el comando tanto artístico como vocal a Shelley. Su debut Another Music In A Different Kitchen’ no se haría esperar y para principios de 1978 el punk-pop característico de Buzzcocks comenzaría a sonar por todos los rincones de las islas británicas. La principal virtud del grupo comparándolo con contemporáneos como The Ramones es la intención y el evidente conocimiento de Shelley por otro tipo de música como el rock clásico y Krautrock lo que les ayudaría a apartarse del punk básico y por momentos ubicarse un escalón por encima de la media de su genero. En temas como “Moving Away from the Pulsebeat”, “I Need” y hasta en el comienzo lucido con “Fast Cars” podemos evidenciar esta búsqueda. El resto del material se asemeja mas a lo convencional y es bastante parecido entre si destacándose “Sixteen” uno de los clásicos de la banda.

La fusión del punk energético con elementos pop los ubicó como los inventores del subgénero punk-pop, un estilo que influencio a innumerables generaciones como los aun populares hoy en día Green Day, muchos afirman que sin los Buzzcocks, Green Day nunca hubiera existido o al menos no como los conocimos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Ramones – Road to Ruin (1978)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. I Just Want to Have Something to Do: 8,5
  2. I Wanted Everything: 8
  3. Don’t Come Close: 8,5
  4. I Don’t Want You: 8,5
  5. Needles and Pins: 9
  6. I’m Against It: 6
  7. I Wanna Be Sedated: 10
  8. Go Mental: 7
  9. Questioningly: 8
  10. She’s The One: 7
  11. Bad Brain: 5
  12. It’s A Long Way Back: 7

Epa, algo cambió. ¿Es esta la misma banda que yo criticaba en sus primeros discos? Sí, señor. Que buena noticia. Los Ramones finalmente han madurado. Road to Ruin evidencia un notable progreso de su parte, pero de una forma paradójica. Ya que los Ramones ya no son tan Punk como lo eran antes. Dejaron su sonido clásico para hacer un disco mucho más diverso y elaborado, con melodías pop que son más pegadizas y atractivas y además incluyendo guitarras acústicas!! Bien, Johnny Ramone ha mejorado como guitarrista. Ya no repite constantemente sus 3 o 4 riffs que se sabe, sino que ahora deben ser 5 o 6.

Desde que comienza Road to Ruin la banda empieza a sorprenderte. El disco abre con “I Just Want to Have Something to Do”, un rocker más lento comparado con la velocidad que habitualmente tienen los Ramones, pero que resulta mucho más interesante.

Después empiezan a aparecer las inéditas perlitas acústicas que denotan su influencia en bandas de los sesenta, tal es el caso de “Don’t Come Close”, “Questioningly” y especialmente el cover “Needles and Pins”. Pero la mejor canción del álbum y probablemente de lo Ramones es “I Wanna Be Sedated”, un clásico que se transformó en un hit divertidísimo por su melodía muy pegadiza.

Pero no todo es color de rosas. Road to Ruin entremezcla al algunos punk rockers mediocres como “I’m Against It” y “Bad Brain” que son el retorno a su vieja formula. Son canciones solo para fans.

Aun así Road to Ruin es un muy buen disco. Muestra una evolución de los Ramones similar a la de The Jam, que dejó un poco el punk para incorporar la influencia de sus héroes de los sesenta.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Iggy Pop – New Values (1979)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Tell Me a Story: 6,5
  2. New Values: 8
  3. Girls: 7
  4. I’m Bored: 8,5
  5. Don’t Look Down: 7
  6. The Endless Sea: 6
  7. Five Foot One: 8
  8. How Do You Fix a Broken Part: 7,5
  9. Angel: 7
  10. Curiosity: 8,5
  11. African Man: 7,5
  12. Billy Is a Runaway: 7

Dejando atrás los años de exceso junto a David Bowie en lo que se denomino “La Era de Berlin” Iggy Pop comenzaría a desligarse del duque blanco para comenzar a edificar su propia carrera solista.

Su tercer trabajo en solitario denominado New Values data de 1979 y cuenta con la colaboración de un antiguo amigo el talentoso guitarrista James Williamson, ex integrante de los Stooges, con el que no grababa desde el extrañísimo pero recomendado disco que editaron en conjunto Kill City. A ellos se les sumarian el multiinstrumentista Scott Thurston que haría las veces de segunda guitarra además de teclados y otros instrumentos menores, Klaus Kruger en batería y Jackie Clark en bajo para completar la nomina de músicos.

Más haya del escepticismo de la prensa y el mundo de la música tenia sobre la capacidad de Pop de hacerse cargo del rumbo artístico del proyecto hay que reconocerle que New Values cuenta con cierta coherencia de principio a fin, si bien no fue un éxito comercial en su época ni tampoco es uno de sus discos mas cotizados New Values tiene sus momentos. Dejando de lado el tibio comienzo con “Tell Me a Story” el segundo track “New Values” ya empieza a parecerse a lo que queremos escuchar de la iguana, otro de mis favoritos es “I’m Bored” un tema bien de Iggy con un solo de Williamson que vale la pena destacar estos dos junto a otros puntos altos al promediar el álbum como “Five Foot One” y “Curiosity” son los que nos dejan satisfecho con este trabajo mas haya que a nivel general no sea una gran obra.

A mi criterio lo más importante en New Values es que cumplió con creces la necesidad que tenía hacia fines de los setenta, Iggy necesitaba establecer una carrera solista sólida, y ya sin la ayuda de Bowie logro orientar su música en otra dirección, escapándole un poco a su pasado punk para hacer un disco con una atmosfera new wave, con algo de sintetizadores, que sonara contemporánea a las nuevas tendencias y dejando en claro así que contaba con un futuro prometedor y que tendríamos mas noticias de la iguana en los próximos años.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Alphaville – Forever Young (1984)

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Puntaje del Disco: 8.5 

  1. A Victory of Love: 9
  2. Summer in Berlin: 8
  3. Big in Japan: 10
  4. To Germany With Love: 8
  5. Fallen Angel: 8
  6. Forever Young: 9.5
  7. In the Mood: 8
  8. Sounds Like a Melody: 7.5
  9. Lies: 8
  10. The Jet Set: 7.5

Una de las bandas alemanas más aclamadas de la época de los sintetizadores ha sido, sin dudas, Alphaville. Surgida a principios de la década de los ochenta cuando Marian Gold se unió a Bernhard Lloyd en el proyecto musical Nelson Community, pronto el dúo pasó a ser un trío al sumarse Frank Mertens. Al igual que los temas que componían, y para llegar más fácilmente al mercado anglosajón, los nombres de los integrantes son seudónimos.

“Forever Young” comenzó a gestarse en los comienzos de la banda, pero recién en septiembre de 1984 salió a la luz el disco. Alphaville logró tomar las influencias de Kraftwerk y Roxy Music, alcanzando una mixtura de sonidos muy interesantes. Utilizando los sintetizadores, aunque sin abusar, este álbum es un neto disco de pop electrónico. “A Victory of Love” es una muy buena ejemplificación de esto, convirtiéndola en uno de los mejores cortes del disco. Suenan bastante bien también “To Germany With Love”, que junto a “Summer in Berlin” dejan en claro los buenos recuerdos de los músicos de su natal Alemania.

Las tonadas pegadizas y sin excentricidades fueron clave para la difusión y posterior éxito del disco. Los temas son bailables pero a la vez pueden escucharse y apreciarse tranquilamente como “In the Mood” que según su título, dependerá del estado de cada uno. Algo innegable es el efecto que generan los primeros bateos en “Big in Japan”, la canción por excelencia de la banda. Podría decirse que junto a “Don’t You Forget (About Me)” de Simple Minds, “Big in Japan” marcó una época dorada en la Generación X.

Siempre manteniendo un mismo estilo, este gran disco debut se convirtió en un éxito para Alphaville, especialmente en diversos países de Europa. Pasaron casi 27 años de su lanzamiento y el “Fover Young, I want to be…Forever, Forever” que rezaba la canción que da nombre a este material suena cada vez más jóven.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Jeff Beck – Rough and Ready (1971)

Puntaje del Disco: 7

  1. Got the Feeling: 8
  2. Situation: 6,5
  3. Short Business: 7,5
  4. Max’s Tune: 5
  5. I’ve Been Used: 7,5
  6. New Ways Train Train: 6,5
  7. Jody: 7

La partida de Rod Stewart y Ron Wood marcaría una nueva etapa de Jeff Beck. Para su tercer álbum Rough and Ready, formaría una nueva banda conformada por el teclista Max Middleton, el baterista Cozy Powell, el bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench.

La nueva alineación del Jeff Beck Group traería un estilo más orientado hacia el Funk, que a decir verdad no le queda muy bien a Jeff, porque simplemente sus solos están constantemente tapados por el bajo que suena más alto que su guitarra y el piano monótono de Middleton que tiene mayor protagonismo que el mismo guitarrista. “Max’s Tune”, por ejemplo, es una canción instrumental desubicadísima de más de 8 minutos en el que Middleton intenta realizar un solo de piano bastante aburrido e intrascendente dejando afuera de la pista a Jeff Beck por completo.

La aparición de Jeff es tan intermitente que prácticamente no parece su banda o una banda hecha para él. A esto hay que sumarle que las composiciones son más débiles y genéricas (sin ser malas) que en sus dos primeros álbums, salvando a “Got the Feeling” que entretiene un poco más que el resto por lo que justamente ofrece el guitarrista. Y hay que decir que Bobby Tench es un vocalista decente, todo un soulman, pero no iguala el poder para cantar desgarradoramente como lo hacía Stewart entonces.

Por todo esto, Rough and Ready se transformó en un disco que no interesa mucho repasar dentro de lo que hizo el guitarrista, pero que aun así no deja de ser escuchable.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Duran Duran – Rio (1982)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Rio: 9
  2. My Own Way: 7
  3. Lonely In Your Nightmare: 7,5
  4. Hungry Like the Wolf: 9,5
  5. Hold Back the Rain: 8
  6. New Religion: 8,5
  7. Last Chance on the Stairway: 8,5
  8. Save a Prayer: 8,5
  9. The Chauffeur: 8

La reputación de Duran Duran se construyo desde los comienzos de la década del ochenta a través de videos musicales justo en el surgimiento y explosión de la cadena musical MTV, su imagen glamorosa y su look de chicos ingleses bien parecidos lograron imponer un estilo personal y atraer una base de seguidores considerables que los posesionarían como uno de los grupos de mayor repercusión en la década.

La historia de Duran Duran nos remonta a 1978 cuando dos compañeros de clase fanáticos de David Bowie y Roxy Music, Nick Rhodes (teclados) y John Taylor (guitarra) fundaron la banda junto a ellos Simon Colley (bajo) y Stephen Duffy (voz) completaban la formación. Esta formación fue sufriendo bajas con el correr de los años hasta consolidarse la formación histórica de Duran Duran con la que grabarían sus primeros discos Duran Duran (1981) y Rio (1982), con Simon LeBon haciéndose cargo de las voces en algunos temas, Andy Taylor como guitarrista y cantando en otros, John Taylor como bajista y también voces, Roger Taylor en batería y Nick Rhodes que además de los teclados se ocuparía de los sintetizadores.

Ningún grupo contemporáneo advirtió que era lo nuevo y supo aprovechar tanto el uso de videoclips como este quinteto oriundo de Birmingham cada video contaba con un sello distintivo incorporándoles un estilo y trama cinematográfica. Para su segundo trabajo Rio casi el cien por ciento de los temas contaba con su propio video algunos despertando controversia por su contenido erótico como “The Chauffeur” y otros como “Hungry Like the Wolf” formando parte de la banda de sonido de películas contemporáneas (Cazadores del Arca Perdida). Este manejo inteligente de su imagen y su indudable talento los ayudo a crecer en popularidad notablemente llegando a convertirse en ídolos de las audiencias jóvenes.

Su segundo trabajo Rio es una fiel representación de la década del ochenta haciendo hincapié en una ideal combinación de sintetizadores y guitarras que lógicamente termino sonando en los dos lados del Atlántico gracias a verdaderos hits como “Rio”, “Hungry Like the Wolf” y “Save a Prayer”, algunos menos conocidos como “Last Chance on the Stairway” y “Hold Back the Rain” tambien logran desarrollar ese sonido pop que sobrevuela todo el disco y el resto de su carrera en los ochenta.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)