Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Jamie Foxx

Jamie Foxx – Unpredictable (2005)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. Unpredictable: 8
  2. Warm Bed: 7.5
  3. DJ Play a Love Song: 7
  4. With You: 7
  5. Can I Take You Home: 6
  6. Love Changes: 6
  7. Extravaganza: 6.5
  8. Three Letter Word: 6
  9. Get This Money: 6.5
  10. VIP: 7.5
  11. Do What It Do: 5
  12. Storm (Forecass): 6
  13. U Still Got It (Interlude): 6
  14. Heaven: 6
  15. Wish U Were Here: 6

Qué difícil analizar este disco sin caer en la tentación de prejuzgar a un actor que se aventura en el mundo de la música y logra el éxito comercial que muchas bandas de trayectoria no han conseguido. Si uno se guía por el suceso de ventas que significó el segundo disco de Jamie Foxx en su faceta de cantante (en 1994 editó “Peer This”), diría que se trata de un gran trabajo. Sin embargo, una vez sumergido en el material, uno cae en la cuenta que el mercado norteamericano muchas veces no se rige por lo bueno.

Eric Marlon Bishop, tal su nombre real, es un reconocido actor estadounidense que ha protagonizado diversas películas memorable (“Any Given Sunday”, “Collateral”, “Ali”) y ha conquistado Hollywood con su brillante interpretación de Ray Charles en “Ray”. La gran cantidad de horas imitando al legendario compositor lo convirtieron en un calco casi exacto. Tan mimetizado estuvo Foxx en personificar a Charles que la pasión por la música lo llevó a editar el disco “Unpredictable” en 2005.

Si bien ya había tenido una pequeña participación en el Sountrack de “Any Given Sunday” en el tema “Slow Jamz” con Twista y Key West, fue con “Unpredictable” que se produjo el despegue definitivo. Basado en el R&B y con mezcla de rap y soul, Foxx cuenta con la ayuda de reconocidos artistas del ambiente como Mike City y Snoop Dog, entre otros. Desde el arranque los temas no varían demasiado en estilo, combinando temas melosos (“Wish U Were Here”, “VIP”) con otros un poco más movidos como “With You” y “Extravaganza”. Sin ser el fuerte las letras, tanto “baby” y “love” llega al punto de ser empalagoso, especialmente si uno no está acostumbrado a esta clase de música.

A pesar de no ser uno de los géneros más difundidos por estas latitudes y no tener la llegada en las radios de otros artistas, Jamie Foxx me sorprendió para bien con este disco, que sin deslumbrarme, consiguió que respetase aún más a este extraordinario actor.

Piro

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Whitesnake

Whitesnake – Snakebite (1978)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Come On: 8
  2. Bloody Mary: 5
  3. Ain’t No Love in the Heart of the City: 7,5
  4. Steal Away: 5
  5. Keep on Giving Me Love: 5,5
  6. Queen of Hearts: 6,5
  7. Only My Soul: 8
  8. Break Down: 7

Si bien Trouble es considerado el primer álbum de Whitesnake, previamente habían publicado un EP llamado Snakebite que empezaría a establecer a la nueva banda que había formado David Coverdale, luego de su proyecto en solitario a mediados de los setenta.

Pese a contar con una excelente voz, Coverdale nunca se caracterizo por ser un compositor extraordinario y mucho menos un sujeto que se destaque por su originalidad. Nah, Coverdale siempre fue un tipo ligado con el hard rock y el blues rock. Tanto en Deep Purple, como en su carrera en solitario, así como en los inicios de este nuevo proyecto.

Por eso no es raro encontrar este estilo en Snakebite. Lo cual es bueno, porque el tipo hace lo que le gusta y lo que sabe hacer, pero también es predecible y bastante genérico.

Así que Whitesnake suena a una banda en formación carente de creatividad y eso se nota en buena parte de sus temas, que llegan a ser monótonos. Sin embargo, estos muchachos no son limitados. En sus intensiones de rockear por momentos lo logran. Como en el rocker ““Come On”, que tiene un muy buen riff. También en “Ain’t No Love in the Heart of the City”, una balada blusera bastante buena que se transformaría en uno de sus primeros hits. Y especialmente en la balada “Only My Soul”, que es mucho mejor varias de las porquerías que Coverdale escribió en 1987.

Snakebite es un trabajo decente, incluso más apreciable por muchos que la etapa de Hair Metal en la que encaminaría Whitesnake en los ochenta. Pero difícilmente es una obra de arte. Aunque si lo van a disfrutar mucho los fans de la banda.

Persy/Luquitas Bonjo

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Queens of the Stone Age

Queens of the Stone Age – Songs for the Deaf (2002)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. You Think I Ain’t Worth a Dollar, But I Feel Like a Millionaire: 7,5
  2. No One Knows: 9,5
  3. First It Giveth: 9
  4. A Song for the Dead: 9,5
  5. The Sky Is Fallin’: 8
  6. Six Shooter: 5,5
  7. Hangin’ Tree: 8
  8. Go with the Flow: 8,5
  9. Gonna Leave You: 8
  10. Do It Again: 7,5
  11. God Is in the Radio: 8,5
  12. Another Love Song: 8
  13. A Song for the Deaf: 8
  14. Mosquito Song: 8,5

El tercer álbum de Queens of the Stone Age, Songs for the Deaf esta considerado como conceptual, Josh Homme se reconoce un admirador del idioma español y en un viaje por el sur de California acompañado solamente por emisoras radiales en español es donde encontró su inspiración para el mismo encontrando palabras en español en casi todos los temas y una locución de radio AM presente en casi todos los tracks. El bajista Nick Oliveri aseguro sobre el tema: «Nos gustaría pasar más tiempo en España. Queremos grabar nuestro próximo disco allí, y encontrar gente apasionada y amigos que entiendan lo que estamos haciendo, que se miren y se toquen más que en Inglaterra… Por eso me gusta España, porque cerca del Mediterráneo tenéis otra manera de vivir. Trabajas para vivir y no vivís para trabajar, y así querríamos vivir siempre, sin ser esclavos de nuestros sueños».

Como en toda su fructífera carrera la participación de artistas invitados esta presente en Songs for the Deaf, dentro de todas ellas se destaca la de Dave Grohl, líder de Foo Fighters, que desde el final de Nirvana nunca había vuelto a la batería hasta que Homme lo convenció debido entre otras cosas a que Dave se declaro un admirador de QOTSA y a su amistad con Homme. Además también participan la tecladista Natasha Shneider, el guitarrista Troy Van Leeuwen (que luego formaría del staff estable del grupo), el también guitarrista Dean Ween y el cantante Mark Lanegan que ya había echo acto de presencia en Rated R.

Por supuesto la presencia de Grohl en batería le dio un poder y una consistencia distinta al grupo “No One Knows”, “First It Giveth” y “A Song for the Dead” dan muestra de ello. A pesar de este punto a favor también debemos señalar que mas haya de un comienzo prometedor el disco comienza a desinflarse con el correr de los minutos aunque en resumen termina siendo otro gran disco a cargo del gran Josh Homme que también se encarga de la producción del mismo.

Songs for the Deaf  tuvo un  gran éxito internacional incluso superando a su antecesor, pero a pesar de ello siempre fueron una banda para músicos o aquellos que escuchan demasiada música. De no ser así ¿Que otro grupo podría contar con la participación de Grohl y Ween, el mejor baterista y uno de los mejores guitarristas del rock alternativo respectivamente, en la década del noventa?

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Tom Petty & The Heartbreakers

Tom Petty & The Heartbreakers – Damn the Torpedoes (1979)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Refugee: 9
  2. Here Comes My Girl: 9.5
  3. Even the Losers: 8.5
  4. Shadow of a Doubt (A Complex Kid): 8.5
  5. Century City: 8
  6. Don’t Do Me Like That: 9
  7. You Tell Me: 8.5
  8. What Are You Doin’ in My Life?: 8
  9. Louisiana Rain: 9

Después del lanzamiento de “You’re Gonna Get it” en 1978, Tom Petty tuvo una disputa con la discográfica encargada de la grabación de los trabajos de los Heartbreakers. Un paso de manos a otra compañía fue lo que generó la bronca de Tom, cuya furia quedó canalizada en el tercer material del grupo.

En 1979 e inspirado en la frase “Damn the torpedoes, full speed ahead” del oficial estadounidense David Ferragut durante la Guerra Civil, el rubio y sus compañeros volvían al ruedo con un memorable álbum. Similar en estilo a los anteriores discos, Petty continúa con temas que combinan algunos aspectos de los Stones y The Birds, aunque dándole su toque característico. Una vez más quedan en evidencia los grandes dotes compositivos del norteamericano, especialmente en temas como “Don’t Do Me Like That” y “Even the Losers”.

“Her Comes My Girl”, escrito en colaboración de Mike Campbell y uno de los pocos no compuestos íntegramente por Petty, es uno de los mayores deleites de este gran disco de rock n’ roll. “Refugee” que abre el álbum se lleva también una parte importante de atención, aunque casi todos los temas aportan en algo distinto, como la encantadora balada “Loisiana Rain”.

“Damn the Torpedoes” vendió muy bien en el mercado estadounidense, porque los temas eran pegadizos y sobre todo porque los Heartbreakers encontraron el sonido que mejor los definía.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Black Sabbath

Black Sabbath – Black Sabbath, Vol. 4 (1972)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 9

  1. Wheels of Confusion/The Straighter: 10
  2. Tomorrow’s Dream: 9
  3. Changes: 7
  4. FX: –
  5. Supernaut: 10
  6. Snowblind: 9
  7. Cornucopia: 8
  8. Laguna Sunrise: 8
  9. St Vitus Dance: 7
  10. Under The Sun: 8,5

Al igual que Led Zeppelin con Houses of the Holy, Black Sabbath trató de expander su sonido hacia una onda más experimental. En Vol. 4 sus canciones ahora tienen más texturas que antes, pero siguen sonando igual de heavys que en sus discos anteriores.

El álbum esta plagado de excelentes riffs de Tony Iommi, así como también aparecen algunas rarezas que conectan todos los temas de Vol. 4 como “FX”, la hermosa instrumental acústica “Laguna Sunrise” y la balada a piano “Changes”, que tiene una linda atmósfera, pero con una letra malísima! ¿Sabbath haciendo una canción de amor desdichado? ¿WTF? Esto no solo demuestra que las letras no son el fuerte del grupo, sino también que hay cosas que no encajan con la onda de Sabbath, especialmente este tema. Por eso el disco no llega a ser perfecto como sí lo fue Paranoid.

Sin embargo, Vol. 4 también tiene 2 superclásicos. “Supernaut” es el más conocido acá, un brutal rocker sumamente descontrolado con un riff destructivo, el mejor de Iommi en el disco. Pero “Wheels of Confusion/The Straighter” también es un temaso! Es un clásico multisegmentado en el que el guitarrista escupe una infinidad de riffs impresionantes.

Otros riffs excelentes de Tony Iommi aparecen en las excelentes “Tomorrow’s Dream” y “Snowblind”, así como en la tenebrosa “Under The Sun”. “Cornucopia” también es muy bueno pero en este caso, es más oscuro y perverso. El que menos impresiona es “St Vitus Dance”, porque se torna genérica.

Si bien no es un disco enteramente redondo, Vol. 4 es otro de los álbums indispensables de Black Sabbath en su época de gloria.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Alice Cooper

Alice Cooper – Killer (1971)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Under My Wheels: 9,5
  2. Be My Lover: 8,5
  3. Halo of Flies: 9,5
  4. Desperado: 8,5
  5. You Drive Me Nervous: 8
  6. Yeah, Yeah, Yeah: 7,5
  7. Dead Babies: 9,5
  8. Killer: 9

Si con Love it to Death (1971) Alice Cooper había logrado moldear un estilo y generar un impacto tanto musical como estético en su época con su sucesor Killer, editado a finales del mismo año, lo reafirmarían y acentuarían aun mas inaugurando su trilogía clásica que continuaría con otros discos impecables como School’s Out y Billion Dollar Babies.

Killer no tuvo diferencias radicales con respecto a su predecesor pero alcanzo un nivel y suficiente identidad propia para no ser una simple continuación. En esta oportunidad Alice demostró que podían tanto roquear como desarrollar ideas más elaboradas y ambiciosas como en la esencial “Halo of Flies” en la cual según el mismo Cooper fue un intento de demostrar que eran capaces emular el estilo de King Crimson.

El álbum abre con un tema de rock clásico de gran inspiración “Under My Wheels” que tranquilamente podría formar parte del repertorio de algún disco de los Rolling Stones contemporáneo a Killer. A continuación “Be My Lover” en homenaje a su fallecido amigo Jim Morrison, continua la misma búsqueda con otro excelente riff destacándose por encima de todo. El resto de los temas merodean a mitad de camino de ambos estilos hasta llegar a “Dead Babies” con semejante titulo macabro que encaja perfectamente con la imagen del grupo en sus presentaciones escénicas, es el mejor track de todo el disco en mi opinión, que después de un comienzo oscuro le enlaza excepcionalmente un estribillo energético y memorable. Para cerrar el disco de buena forma nos encontramos con otro tema épico y mas elaborado como “Killer” que logra recrear la tensión musicalmente que su letra nos sugiere.

En conclusión Killer es un trabajo no tan recordado y popular como debería pero que ayudo a establecer a Alice Cooper como uno de los artistas mas notorios de la época y que mas atracción causaba en sus presentaciones por su capacidad tanto musical como de transgredir sobre el escenario.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Mott the Hoople

Mott the Hoople – Mott the Hoople (1969)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. You Really Got Me: 8.5
  2. At the Crossroads: 9
  3. Laugh At Me: 8
  4. Backsliding Fearlessly: 8.5
  5. Rock and Roll Queen: 9
  6. Rabbit Foot and Toby Time: 8
  7. Half Moon Bay: 8
  8. Wrath and Wroll: 8

De una novela del autor estadounidense Willard Manus, Mott the Hoople encontró su identidad. Una identidad que previamente había tomado el nombre de Silence, la formación que integraban Stan Tippens, Mick Ralphs, Verden Allen, Overend Pete Watts y Dale “Buffin” Griffin en 1968, y que luego de una sugerencia del productor de la discográfica Guy Stevens, quedó el curioso nombre de esta banda que para muchos puede no decir demasiado, pero para el rock de los sesenta y setenta, significó un valioso aporte para numerosas bandas británicas venideras.

En el verano de 1969 el vocalista Stan Tippens fue reemplazado por Ian Hunter, en un cambio que nutrió al grupo con el condimento que faltaba. Después de hacer algunas giras, era momento que la banda grabara su primer álbum. En 1969 y producido por Stevens, se lanzó en el Reino Unido el disco homónimo que contenía ocho canciones. La idea del mentor del disco consistía en crear un material que sonara como a los Rolling Stones pero que tuviese a Bobd Dylan en las letras. Un proyecto bastante ambicioso, que sin embrago, tendría digno resultado.

Para el primer tema la banda eligió hacer un muy buen instrumental de “You Really Got Me” de The Kinks y luego pasar a “At the Crossroads” de Soug Sahm, de tono country y la gran versión de “Laugh At Me” de Sonny Bono. A estos buenos covers, el disco suma los temas propios de la banda como “Backsliding Fearlessly” y la magnífica “Rock and Roll Queen”, uno de los primero himnos del grupo. “Half Moon Bay” con casi once minutos de descarga de buenos arreglos y “Wrath and Wroll” (muy semejante a cualquier trabajo de Dylan) dan cierre a este destacado disco de rock.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Radiohead

Radiohead – The King of Limbs (2011)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Bloom: 8
  2. Morning Mr Magpie: 8
  3. Little by Little: 8,5
  4. Feral: 7
  5. Lotus Flower: 8,5
  6. Codex: 8
  7. Give Up The Ghost: 8,5
  8. Separator: 7,5

Oscuro, nebuloso y electrónico. Ese fue el camino que eligió Radiohead para hacer su próximo disco. Y la realidad es que resulta un poco decepcionante. No porque The King of Limbs sea un mal álbum, al contrario, es bastante bueno, pero es muy inferior respecto de In Rainbows.

No hay con qué darle, The King of Limbs no tiene las fantásticas texturas de su predecesor. Hay ambientaciones interesantes pero son canciones que apuestan demasiado en la electrónica, como si fuera una banda de Krautrock, olvidándose de otras virtudes que hicieron grande a la banda. Si tratamos de compararlo con otro disco, muchos pueden emparentarlo con Kid A. Aunque nunca alcanza su proeza experimental y siniestra.

Así que el gran problema acá es que Radiohead focaliza en su nueva tendencia y peca por la ausencia de clásicos. Termina siendo un disco poco sustancioso, reprimido e incluso predecible. Uno escucha The King of Limbs desde “Bloom” hasta “Separator”, y todos sus temas siguen la misma línea sin encontrarnos con nada revelador, ni siquiera innovador o sumamente sofisticado, y mucho menos para el sobresalto (las guitarras alternativas de The Bends practicamente no existen, son historia). Por eso deja la sensación de “poco”. Es simplemente el disco más electrónico de la discografía de Radiohead.

De todas formas, las composiciones son lo suficientemente sólidas como para disfrutarlo. Me gusta “Little by Little”, un número bizarro como ellos mismos y hasta psicodélico, que demás esta decir no tiene nada que ver con la canción de Oasis. “Lotus Flower” también es muy bueno, tiene un buen estribillo, es lo más comercial del disco (dentro de lo poco marketinero que es), aunque no llega a ser un temaso (lo mejor es el video con Thom Yorke bailando como el «freak» que es). “Codex” es el otro destacado, pero esta vez tenemos un tema bastante  lento, con una melodía más convencional que llega a ser atrapante. Y por último se resalta la acústica “Give Up The Ghost” por su atmósfera cautivante.

The King of Limbs es un trabajo difícil de digerir sobre todo en las primeras escuchas, que lo deja a uno de brazos cruzados pensando: “¿Cuatro años tardaron en hacer esto?”. Y que justamente abrió el interrogante de si iba a haber una segunda parte, un rumor desmentido y generado porque se esta acostumbrado a recibir más de parte de Radiohead. Es lo que hay, pero no seamos miserables, The King of Limbs no deja de ser un buen disco.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
AC/DC

ACDC – Highway to Hell (1979)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Highway to Hell: 10
  2. Girls Got Rhythm: 9
  3. Walk All Over You: 9,5
  4. Touch Too Much: 9
  5. Beating Around the Bush: 9,5
  6. Shot Down in Flames: 10
  7. Get It Hot: 8
  8. If You Want Blood (You’ve Got It): 9
  9. Love Hungry Man: 8
  10. Night Prowler: 9

Highway to Hell forma parte de una elite musical junto a no muchos otros discos en la historia de la música. Escucharlo y tenerlo dentro de tu colección de discos para cualquier fanático del hard rock y del rock and roll clásico en general debería ser obligatorio.

Mas haya de la innegable influencia tanto musical como transgresora de AC/DC el disco marca un hecho histórico. Highway to Hell es la última grabación de Bon Scott, una de las voces más carismáticas del rock, solo seis meses después del lanzamiento del álbum se conoció la triste noticia aquel 19 de Febrero de 1980 en Londres por intoxicación etílica fallecería uno de los miembros fundadores de AC/DC que se encontraba en su mejor momento como artista. En base a este hecho se hace difícil analizar este trabajo sin tener en cuenta que formaría parte del ultimo esfuerzo de su mejor exponente en voces, mas haya que Brian Johnson lo reemplazaría dignamente.

Highway to Hell fue considerado su mayor éxito hasta ese momento a nivel mundial y los posesionaría para su despegue y posicionamiento definitivo el año siguiente con Back in Black. En Highway to Hell no solo Scott estaba en su punto más alto, los hermanos Young además de aportar sus solos característicos brindaron una solidez y uniformidad de canciones que dieron como resultado un set de temas nunca antes tan redondo. Quien no escucho alguna vez el tema de apertura “Highway to Hell” un verdadero clásico roquero conocido en todas partes del mundo con un riff soberbio de Angus Young y un estribillo mas que pegadizo, a este le sigue el frenético “Girls Got Rhythm” que se combina de maravillas con la voz chillona de Scott para continuar con otros temazos no tan recordados por tanta gente como “Walk All Over You”, “Touch Too Much” y “Beating Around the Bush” todos merecedores de formar parte de un disco de grandes éxitos de los australianos que quizás en algún álbum posterior con menos momentos lucidos como en este se recordarían mas. Otros clasicos inoxidables que forman parte del album son “Shot Down in Flames”, “If You Want Blood (You’ve Got It)” y el gran cierre “Night Prowler”.

El merito de haber formado una colección de canciones tan acertada se debe acreditar no solo a su inspiración musical sino también al trabajo silencioso pero efectivo de su productor Robert John Lange responsable de la mejor época de la banda, gracias a el AC/DC pudo alcanzar niveles desconocidos hasta este momento. Nunca habían sonado tan grandes y habían logrado grabar un verdadero clásico del rock que trascendería años y decadas. Un perfecto legado de Bon Scott para los fans de la banda y para ellos mismos.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Dire Straits

Dire Straits – Brothers in Arms (1985)

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Puntaje del Disco: 9

A finales de 1984 Dire Straits ya contaba con cuatro discos, algunos hits y había logrado el número uno en los charts con «Love Over Gold», lanzado dos años antes. También se había desatado cierta popularidad del grupo y las ventas de discos iban en aumento. Sin embargo, el quiebre definitivo en la carrera de los británicos estaría por darse pronto.

Con el éxito a cuestas, Mark Knopfler y compañía se internaron en los estudios de grabación para darle forma al que sería uno de sus mejores discos. No sin antes haber realizado algunos cambios en la formación (con un segundo tecladista y otro baterista), en 1985 «Brothers in Arms» se convirtió en uno de los primeros álbumes en lanzarse en formato CD. Por supuesto que también se grabó en vinilo y en cassette, pero sería el disco compacto el que le ayudaría a Dire Straits a expandir sus fronteras.

Analizando el tridente que inicia el disco, es fácil comprender por qué logró el rutilante éxito que tuvo. Los bateos lentos en «So Far Away» y la inconfundible voz de Sting con su «I want my MTV» son referencias categóricas del grupo. «Walk of Life», otro clásico inmortal termina de dar comienzo a este disco fenomenal, en el cual Knopfler no se guardó nada. Dire Straits supo, no sólo explotar el mercado del disco, sino que utilizó a MTV como una cadena en su favor. El recordado e innovador video de «Money for Nothing» fue uno de los más transmitidos durante aquellos tiempos.

No sólo de esas canciones se compone el disco, sino que otras como «The Latest Trick» y «Brothers in Arms» han sabido hacerse su lugar también. Esta última junto a «Ride Across the River» y «The Man’s Too Strong» tratando una temática referida a las guerrillas y las milicias, cierran esta grandiosa producción de Dire Straits.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)