Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

George Thorogood & The Destroyers – Live in Boston (1982)

Puntaje del Disco: 9

  1. House Of Blue Lights: 9
  2. Kids From Philly: 9
  3. I’m Wanted: 9
  4. One Way Ticket: 9
  5. One Bourbon, One Scotch, One Beer: 9
  6. As The Years Go Passing By: 9
  7. It Wasn’t Me: 9
  8. New Boogie Chillun: 9
  9. Miss Luann: 9
  10. Can’t Stop Lovin’: 9
  11. Move It On Over: 9
  12. Wild Weekend: 9
  13. Nobody But Me: 9

Como muchas de sus tantas noches sudorosas,la acontecida el 23 de noviembre del 82 en el Bradford Ballroom de la ciudad de Boston por el Huracan de Wilmington no fue una mas en su prolifera carrera . Allí finalizaba su extensa gira bautizada como ’50/50′ (cincuenta ciudades en cincuenta días) y se aprestaba a ser grupo de apertura para sus majestades satánicas en dicha ciudad .

Este muchacho amante del whisky,las mujeres y el beisbol fue de pequeño seducido por los acordes de Hooker, James, Berry,Dixon, Waters y Wolf a tal punto que a sus veinte años formo The Destroyers en su Delaware natal .

Con un par de álbumes encima ,George ya era una figura masivamente conocida y fiel a su viejo estilo se presentaba en lugares de poca capacidad como los pubs o clubs usando un seudónimo distinto cada ves .

Este «Live In Boston» fue lanzado en 2010 por el sello Rounder Records poniendo fin a 28 años de absoluto hermetismo en la que los fanáticos nos tuvimos que conformar con sendas grabaciones piratas y de mala calidad .

El disco abre con «House Of Blue Lights» el viejo clásico de las «The Andrews Sisters» en la que Thorogood advierte a la festiva concurrencia que hoy «vamos a tocar cosas antiguas ,viejas y portarnos muy mal » y de allí en mas todo es fiesta .

Blues , Rhythm and Blues y Rock and Roll seran los condimentos necesarios para completar la faena a cargo de este indomable interprete . Trece cañonazos que harán las delicias de propios y extraños .

George Thorogood ! una leyenda viviente que si hubiese partido prematuramente como sus colegas Hendrix, Lennon y Morrison ya tendría su placa en el olimpo del rock …

Line up :

  • George Thorogood – Guitar & Vocals
  • Jim Suhler – Guitar
  • Bill Blough – Bass
  • Buddy Leach – Saxophone
  • Jeff Simon – Drums

J. A. Farias

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Gossip – A Joyful Noise (2012)

Puntaje del Disco: 6

  1. Melody Emergency: 7,5
  2. Perfect World: 7
  3. Get a Job: 5,5
  4. Move in the Right Direction: 7
  5. Casualties of War: 6
  6. Into the Wild: 7
  7. Get Lost: 7,5
  8. Involved: 5,5
  9. Horns: 6
  10. I Won’t Play: 5
  11. Love in a Foreign Place: 6

Beth Ditto, cantante y líder de Gossip, se había consagrado desde comienzos del nuevo milenio, y especialmente desde la potente “Standing in the Way of Control”, como una de las voces femeninas más destacadas del mundo del rock and roll.

Sin embargo, buscando diversificar sus horizontes decidieron en A Joyful Noise (2012) descartar casi por completo su faceta roquera que tantos buenos resultados les había dado para volcarse a un pop bailable bastante descartable bajando su nivel notablemente, con la excepción de algunos pocos tracks que continúan funcionando bien como “Melody Emergency”, “Perfect World” y “Get Lost”.

A Joyful Noise termino siendo el último trabajo a la fecha de la banda norteamericana. Luego de permanecer inactivos por unos años a comienzos de 2016 Ditto confirmó su separación declarando interesarse más en su linea de ropa y en su aventura solista, el cual concretaría al año siguiente con el recomendado Fake Sugar.

Acerca de este nuevo desafio en solitario Beth declararía: “Empecé mi nuevo proyecto porque quería hacer algo diferente a Gossip, si no hubiera continuado con el grupo. Decidí hacer un disco que estuviera influido por la música que escuchaba en el pasado, cuando crecía. Es gracioso porque mucha gente dice que mi disco en solitario suena muy a Gossip y otros dicen que no. Quería hacer un álbum a la vieja usanza que pudieras escuchar entero del tirón. Ahora todo se basa en el single, es lo que vende, dicen las compañías, los álbumes no. En los setenta y los ochenta ponías la radio y sonaba  The Jam por ejemplo te comías el disco por esa canción pero lo escuchabas entero.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Badly Drawn Boy – Born in the U.K. (2006)

Puntaje del Disco: 7

  1. Swimming Pool: 7
  2. Born in the U.K.7,5
  3. Degrees of Separation:
  4. Welcome to the Overground: 6,5
  5. A Journey from A to B: 7,5
  6. Nothing’s Gonna Change Your Mind: 8,5
  7. Promises: 7
  8. The Way Things Used to Be: 6,5
  9. Without a Kiss: 7
  10. The Long Way Round (Swimming Pool): 7,5
  11. Walk You Home Tonight: 6
  12. The Time of Times: 7
  13. One Last Dance: 6,5

En referencia al clásico Born in the U.S.A., el clásico de 1984 del cantautor estadounidense Bruce Springsteen, el artista británico Damon Gough (el hombre detrás de Badly Drawn Boy), gran fanático de la obra de “El Jefe”, denominaría a su quinto trabajo de estudio Born in the U.K. (2006).

El álbum intenta capturar la vida en el Reino Unido, basados en su infancia, y el orgullo de ser ingles. En cuanto a lo musical, sigue siendo una promesa sin explotar, se acerca más al demasiado ambicioso Have You Fed the Fish? (2002) que a su antecesor el íntimo y más compacto One Plus One Is One (2004).

Demasiado sobrecargado y sobreproducido por momentos, tratando de buscar épica donde no hay, incluso en sus mejores composiciones “Nothing’s Gonna Change Your Mind”, “Degrees of Separation” y “Degrees of Separation”, Badly Drawn Boy parece querer impresionar a su audiencia cuando fue su faceta más intima, distinguida y personal lo que enamoró a sus seguidores desde sus inicios con magnificas piezas como  “Magic In The Air” o “Silent Sigh” como claros exponentes de ello.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Buddy Guy – A Man and the Blues (1968)

Puntaje del Disco: 9

  1.  A Man And The Blues  10
  2. I Can’t Quit The Blues: 9
  3. Money (That’s What I Want): 9
  4. One Room Country Shack: 10
  5. Mary Had A Little Lamb: 8
  6. Just Playing My Axe: 9
  7. Sweet Little Angel: 10
  8. Worry, Worry: 10
  9. Jam On A Monday Morning: 10

Despues de habernos revelado su nuevo trabajo el año pasado (The Blues Is Alive and Well)consiguiendo un mínimo porcentaje de inadmisión por parte de algunos refinados que siguen prefierendo su tramo 50/60 cuando su famosa estridencia aun no hacia menospreciar su labor,nos acordamos de este disco.

Tal remembranza nos hizo ir hasta el año 68 cuando su relación con la Chess ya no tenia punto de retorno y la Vanguard se hacia de los servicios de un Guy con treinta años y una agudeza a flor de piel.Así pues, este «Man and the Blues»,es una estimación que se refuto en 38 minutos,con una impronta que roza lo indefinido simbolizando lo mejor de su extensa carrera junto a los considerados y posteriores «This is Buddy Guy» y «Hold That Plane» también para la casa de la gran manzana.

Su centelleante Stratocaster y las 88 teclas de Spann,se embarullan en un duelo lleno de esplendor en «One Room Country Shack»,llevando al álbum a un status de clásico.

El funky soul y sus primeras aproximaciones a lo que iba a exponer mas adelante se hacían evidentes pero el respaldo en baquetas de Tayler y Below lo disimulaban bastante.

Una triada de bronces en las que sobresalen un tal Aaron Corthen (A.C. Reed) aportando tintes de calidad a los detonantes «I Can’t Quit The Blues»,»Money (That’s What I Want)» y el casi pseudo stoniano «Just Playing My Axe» para después bajar tensión con la angustiada «Worry, Worry»,mas la ofrenda al rey B.B. en «Sweet Little Angel» son algunas de las maravillas que engalana el Lp.

Como todos sabemos,un periodo muy propicio vino  para el muchacho de Luisiana además del reconocimiento y la gran influencia para con colegas de ambos lados del océano,atrayéndole aparejado una saludable agenda laboral que la aprovecharía al máximo.

Buddy es el hombre… y el blues y nosotros eternamente agradecidos.

Line up

  • Buddy Guy – Guitar & Vocals
  • Wayne Bennett – Rhythem Guitar
  • Jack Myers – Bass
  • Otis Spann – Piano
  • Aaron Corthen – Saxophone
  • Donald Hankins – Saxophone
  • Bobby Fields – Saxophone
  • Lonny Tayler – Drums
  • Fred Below – Drums

J. A. Farias

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

OutKast – ATLiens (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. You May Die (Intro):
  2. Two Dope Boyz (In a Cadillac): 8
  3. ATLiens: 7,5
  4. Wheelz of Steel: 8
  5. Jazzy Belle: 7
  6. Elevators (Me & You): 9
  7. Ova da Wudz: 7
  8. Babylon: 6,5
  9. Wailin’: 6
  10. Mainstream: 8,5
  11. Decatur Psalm: 7
  12. Millennium: 8
  13. E.T. (Extraterrestrial): 7
  14. 13th Floor / Growing Old: 9
  15. Elevators» (ONP 86 Mix): 8

Big Boi y André 3000 tenían solo dieciocho años cuando se convirtieron en figuras preponderantes en la escena de hip hop del sur de Estados Unidos gracias a su exitoso sencillo “Player’s Ball” incluido en su disco debut en 1994.

Con más recursos y libertad creativa OutKast adquirió su propio estudio de grabación en Atlanta para comenzar a trabajar en su siguiente paso discográfico, ATLiens (un juego de palabras con la abreviación de su ciudad Atlanta, Georgia y aliens), editado en Agosto de 1996, donde incorporarían elementos de gospel, rock psicodélico, soul y reggae y se incluyeron creaciones valiosas para la carrera del dúo como “Elevators (Me & You)” (que ilustra el camino de OutKast a la fama), “Wheelz of Steel” (donde destaca el scratching a cargo de Mr. DJ, quien los ayudo a producir el álbum), “Mainstream” (con su rap old school) y en especial el homenaje a Prince “13th Floor / Growing Old”.

Lo más valioso que introdujeron en esos años Andre y Big Boi fue diferenciarse de los estilos dominantes de la época tanto del hip hop de la costa este como de la oeste, demostrando una habilidad única para describir la vida en los barrios desde una mirada de superación y positiva, muy rara en el género.

ATLiens significó un triunfo en varios frentes. Expandió el hip hop sureño y encumbró a OutKast como uno de los grupos más ambiciosos e innovadores de la época, destinados a marcar una era en sus futuras producciones.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Cake – Prolonging the Magic (1998)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Satan Is My Motor: 7
  2. Mexico: 7
  3. Never There: 7,5
  4. Guitar: 6,5
  5. You Turn the Screws: 6
  6. Walk on By: 7
  7. Sheep Go to Heaven: 8
  8. When You Sleep: 6,5
  9. Hem of Your Garment: 6
  10. Alpha Beta Parking Lot: 6
  11. Let Me Go: 6
  12. Cool Blue Reason: 8
  13. Where Would I Be?: 6,5

Cake continuaría con su carrera ascendente, en términos comerciales, en la década de los noventa con Prolonging the Magic (1998), que como su título lo deja a entrever es la continuación de la formula ganadora obtenida en su antecesor dos años atrás, Fashion Nugget.

Pero el camino no fue un lecho de rosas para la banda liderada por su cantante, John McCrea, tuvieron que superar como banda ciertas perdidas que los llevaron a plantearse separarse por aquellos años después de la partida del bajista Victor Damiani y el guitarrista Greg Brown. Finalmente, el primero fue reemplazado por Gabe Nelson y el segundo por Xan McCurdy.

McCrea contaría que como banda tuvo que superar otros momentos más complicados como los años dorados del grunge, según explicaría a finales de los noventa: “Durante el período grunge, sólo había un sonido grande, de guitarras vikingas. Mucha gente venía a vernos y se decepcionaba porque no éramos ruidosos. Se suponía que el grunge luchaba contra la cultura mainstream norteamericana, esa que sólo se trata de: más, más grande, mejor… Pero lo que ellos hacían era subir el volumen, que era prácticamente lo mismo. Y me divertía notarlo. Nosotros tomamos la decisión de bajar el volumen, en lugar de subirlo. Y creo que hoy somos afortunados por haberlo hecho, aunque en esos tiempos nos vieran como a lunáticos. Lo que pasó fue que, en algún punto, la gente empezó a sentir que le dolían los oídos por tanto exceso.”

De Prolonging the Magic se pueden destacar pocos momentos, tiene menos creatividad y variantes que su antecesor, aunque sus cortes de difusión mantienen la identidad de rock pop alternativo “Sheep Go to Heaven” y “Never There”, y en especial la menos conocida pero igual de efectiva “Cool Blue Reason”.

A pesar de haber pasado de moda hace varios años, los de Sacramento sobrevivieron y continúan en la actualidad entregándonos su música, y en su último disco Showroom of Compassion, lanzado en 2011, tuvieron una suerte de renacer llegando a las posiciones más altas en su país.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Muddy Waters – Live at Mister Kelly’s (1971)

Puntaje del Disco: 9

  1. What Is That She Got: 9
  2. You Don’t Have To Go: 9
  3. Strange Woman: 9
  4. Blow Wind Blow: 9
  5. Country Boy: 8,5
  6. Nine Below Zero: 10
  7. Stormy Monday Blues: 8,5
  8. Mudcat (Instrumental): 8,5
  9. Boom, Boom: 9
  10. She’s Nineteen Years Old: 10
  11. C.C. Woman: 8
  12. Long Distance Call: 10

Cuesta entender como los Chess, nunca tuvieron consideración en cincelar en vivo a sus principales figuras. Little Walter y Sonny Boy Williamson II carecen de testimonios fehacientes de su practica y el gran Lobo Aullador tuvo que esperar hasta el final de su carrera.

Con McKinley Morganfield la cosa era diferente, además de ser la estrella absoluta de la firma, su benevolencia e intransigencia no siempre se llevaban bien con los hermanos polacos.

Después de un grave accidente automovilístico y con Scott Cameron como nuevo representante, el deseo de registrar un álbum en un club era su principal objetivo. El lugar indicado, una elegante tertulia jazzera del norte de Chicago, por donde desfilaron hasta ese entonces, un tal Sinatra.

Resguardado por una banda de ensueño, los días 11 y 12 de junio brindó una cátedra del mejor blues destinada a su gentío mas adepto, a sabiendas de que se había distanciado con los Electric, After y Fathers and Son’s. Era realmente necesario este paso y se lo estamos eternamente agradecidos.

De aquella etapa el único sobreviviente fue Paul Oscher con 21 años, compartiendo diatónicas con un desconocido que respondía al nombre de «Joe Denim»(seudónimo usado por Cotton para evadir etiquetas y derechos), los legendarios Pinetop y Willie «Big Eyes» Smith, más el siempre eficiente Calvin «Fuzz» Jones y dos categóricos asesinos a las seis cuerdas como Lawhorn y Madison.

Increíbles standars de Hooker, Reed, T-Bone y Miller son llevados a su terreno, como solo un verdadero orífice puede burilar tamaña faena.

A 106 años del nacimiento del padrino, nos pareció apropiado recordarlo con este formidable «Live At Mr. Kelly’s» y que figura entre el «At Newport» (1960) y el «Mississippi Live»(1979) como nuestros predilectos…

Line up:

  • Muddy Waters – Vocals & Guitar
  • Pee Wee Madison – Guitar
  • Sam Lawhorn – Guitar
  • Calvin Jones – Bass
  • Pinetop Perkins – Piano
  • Paul Oscher – Harmonica
  • James Cotton – Harmonic
  • Willie Smith – Drums

J.A. Farias

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Graham Coxon – The Kiss of Morning (2002)

Puntaje del Disco: 8

  1. Bitter Tears: 8
  2. Escape Song: 8,5
  3. Locked Doors: 9,5
  4. Baby, You’re Out of Your Mind: 8
  5. It Ain’t No Lie: 8,5
  6. Live Line: 8
  7. Just Be Mine: 9
  8. Do What You’re Told To: 7,5
  9. Mountain of Regret: 7
  10. Latte: 6,5
  11. Walking Down the Highway: 8
  12. Song for the Sick: 7,5
  13. Good Times: 7,5

Mientras Damon Albarn y el resto de Blur (sin Graham Coxon) preparaban Think Tank (2003), el trabajo menos coherente y más criticado en la carrera de los ingleses, el guitarrista luchaba por superar su alcoholismo y depresión, y al mismo tiempo grababa nueva música que derivaría en su cuarto CD de estudio, The Kiss of Morning (2002).

Crudo, personal y complejo. En The Kiss of Morning Coxon expone en primera persona su batalla para superar la dependencia del alcohol y como se volvió sobrio luego de tantas desavenencias personales.

Musicalmente hablando comienza a todo trapo con temazos como “Escape Song” con su sublime órgano, el blues poco convencional de “Locked Doors” y en el pico del álbum verdaderos himnos de rock alternativo como “It Ain’t No Lie” o “Just Be Mine” para luego pasar a una segunda mitad mas irregular.

The Kiss of Morning no significo solo una distracción de la separacion de su histórica banda, Mas importante aun fue el despegue de la etapa solista de este gran guitarrista y compositor contemporáneo que debe ser recordado no solo por su destacada labor en Blur.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Iron Maiden – Iron Maiden (1980)

Puntaje del Disco: 9

  1. Prowler: 8
  2. Remember Tomorrow: 9
  3. Running Free: 9
  4. Phantom Of The Opera: 10
  5. Transylvania (Instrumental): 8
  6. Strange World: 7,5
  7. Sanctuary: 8
  8. Charlotte The Harlot: 7,5
  9. Iron Maiden: 9,5

La historia de la doncella de hierro se comenzaría a contar a partir del año 1971. Por el aún joven promesa Steve Harris, fanático de bandas británicas del género como Ufo, Black Sabbath, Deep Purple, Thin Lizzy, The Who, y bandas de rock progresivo tales como Wishbone Ash, King Crimson, Jethro Tull y Genesis. Con ansias y muchas ganas quiso demostrar desde un principio que él también podría ser tan grande o más que sus bandas progenitoras y pioneras que tanto admiraba desde niño. A la edad de 15 años adquiere su primer bajo copia de un Fender modelo Precision que le costo 40 libras, siguiendo esta línea comienza a formar parte de algunos proyectos musicales, de los cuales siempre solían desarmarse debido a que sus integrantes rechazaban sus composiciones por considerarlas muy complicadas. De este modo luego de tantas idas y vueltas se decide por formar su propia banda y darle un sello distintivo a su manera lo que sería Iron Maiden, dicha ocurrencia se le vino a la mente luego de ver un instrumento de tortura de una vieja película llamada ‘’El Hombre De La Máscara De Hierro’’. Esta consistía en un ataúd de metal (conocida como La Doncella De Hierro). Luego de tantas formaciones con distintos guitarristas, bateristas y cantantes, solo una quedaría estable como para dar un paso más, la cual contaba en sus filas con Paul Di’Anno en voz, Dave Murray y Dennis Stratton en guitarras, Clive Burr en batería y por último su fundador Steve Harris a cargo del bajo.

Al poco tiempo Steve consiguió firmar con EMI y lanza un EP llamado The Soundhouse Tapes, con algunas canciones que ya tenía en mente y que formarían parte del primer álbum homónimo de la banda pero con un sonido mucho más áspero que las originales. El cual cae en manos del legendario disc-jockey Neal Kay pionero del movimiento de ‘’la nueva ola del heavy metal británico’’ que quedaría asombrado e impactado por la fuerza de la banda, por lo que lo promociona en su local, haciendo ganar a la banda muchos seguidores, sumado a las presentaciones en vivo de dichas canciones.

Hasta que por fin se les presenta la oportunidad en diciembre de 1979 y consiguen grabar su primer disco de estudio titulado con el nombre de la banda: Iron Maiden. Que si bien recibió excelentes críticas y alabanzas por parte de los medios especializados, y sobre todo por parte de los admiradores que lo calificaban como una genial pieza maestra con grandes clásicos, para Steve Harris no llegó al nivel que hubiera deseado, ya que consideró que el productor discográfico Will Malone no trabajó lo suficiente en el sonido. A pesar de la disconformidad de Harris y la banda, el disco tiene un sonido crudo en comparación a los trabajos posteriores, que va de la mano con la voz rasgosa y enérgica de Di’Anno, lo cual lo hace una pieza vital y de culto para la historia del Heavy Metal clásico. Al igual que en los posteriores álbumes de Iron Maiden, Harris fue el principal compositor de las canciones. El bajista escribió todos los temas a excepción de «Charlotte The Harlot» cuyo autor fue Murray, en dos canciones Di’Anno aporta composición como en la balada «Remember Tomorrow «y el clásico «Running Free». «Sanctuary» destaca por ser la única del disco en ser compuesta por los tres mencionados.

Sin dudas este álbum quedaría en la historia del heavy metal por la calidad en composición y lírica de sus canciones, que no tiene nada que envidiarles a las grandísimas bandas de la década anterior y en el que quedó plasmado el virtuosismo de Harris a la hora de componer y sus gustos por lo progresivo que volcaría a un género tan vital y pesado como el metal. Las letras del disco tanto como en los discos que vendrían más adelante, abarcan temas como la mitología e historias inspiradas en libros o películas que le interesaban de chico.

Un grandísimo disco para disfrutar por los amantes del metal, que deambula entre influencias claras del Punk del momento (algo que Harris niega tajantemente) e influencias progresivas y cambios de acordes que caracterizan en las composiciones de Steve. Con clásicos como la punk-pesada «Running Free», la sombría balada «Remember Tomorrow», el hitazo «Iron Maiden» con en el cual la banda presenta a Eddie en el escenario, y la joya más conocida del álbum la compleja «Phantom Of The Opera» que cuenta con muchos cambios de acordes y ritmos, siendo esta la más larga del disco, y una de las favoritas de Harris e indispensable en los conciertos de Maiden.

Johnny Prz.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Alvvays – Antisocialites (2017)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. In Undertow: 7,5
  2. Dreams Tonite: 8,5
  3. Plimsoll Punks: 9
  4. Your Type: 7
  5. Not My Baby: 7,5
  6. Hey: 8
  7. Lollipop (Ode to Jim): 8
  8. Already Gone: 7,5
  9. Saved by a Waif: 6,5
  10. Forget About Life: 7

La banda canadiense Alvvays continuaría donde las cosas donde las dejó luego de su celebrado disco debut en 2014 con su continuación, Antisocialites, lanzado en Septiembre de 2017. Un segundo larga duración a la altura de las expectativas.

En esta nueva aventura suenan por momentos más potencia y pegadizos pero con una mayor importancia a los arreglos, ganando preponderancia la voz de Molly Rankin, y temas de mayor duración a las que nos habían acostumbrado en sus inicios, basados en el rompimiento de una relación amorosa de su cantante y compositora en las que se inspiraron las composiciones.

Entre los temas más relevantes de la obra se puede citar a dos que pisan fuerte de entrada con “Dreams Tonite” y “Plimsoll Punks”, esta última con ganchos que rememoran a su primer gran éxito “Archie, Marry Me”, el glam rock de “Hey” y la ruidosa “Lollipop (Ode to Jim)”.

Intentando perfeccionar la formula que encumbró al grupo tres años antes, Alvvays se muestran cada vez más confiados de si mismos, aunque no sea tan parejo como su brillante antecesor, es de esperar que continúen entregando grandes momentos en el futuro.

F.V.

 

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