Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Byrds

The Byrds – The Notorious Byrd Brothers (1968)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Artificial Energy: 8
  2. Goin’ Back: 9
  3. Natural Harmony: 8,5
  4. Draft Morning: 9
  5. Wasn’t Born To Follow: 9
  6. Get To You: 7,5
  7. Change Is Now: 8
  8. Old John Robertson: 8
  9. Tribal Gathering: 8
  10. Dolphin’s Smile: 7,5
  11. Space Odyssey: 6,5

Antes del lanzamiento del nuevo álbum de los Byrds, la banda sufriría cambios en su formación. David Crosby sería despedido por Chris Hillman y Roger McGuinn. De esta forma su carrera seguiría con su alianza junto a Stills y Nash. Pese a su deserción, Crosby colaboró en las grabaciones de lo que sería The Notorious Byrd Brothers. Con su alejamiento el baterista Michael Clarke también dejaría a los Byrds. En contrapartida, un viejo conocido, Gene Clark, retornaría al grupo. Pero su estadía en la banda solo duraría 3 semanas por su pánico a los viajes en avión (pobre tipo, gente como Bergkamp se perdió un mundial por este problema).

Dicho esto, empecemos a hablar del disco. The Notorious Byrd Brothers apareció en pleno auge del rock psicodélico byrdiano y de hecho sería su último gran álbum de este estilo. La gran cualidad del disco en este caso es su producción, en esta oportunidad a cargo de Gary Usher, conocido por haber trabajado con Brian Wilson. Usher hizo un trabajo notable que especialmente se nota en los arreglos de cada tema y en la generación atmósferas espaciales impresionantes. Por esta razón la mayoría de las canciones del álbum son geniales, aunque rara vez tengan un estatus de clásico. De hecho el único clásico del disco es “Goin’ Back”, un cover del tema de Goffin/King, que resulta tan hermoso como simple y que por eso logró su fama.

Sin embargo, hay temas que no son tenidos muy en cuenta y que merecen mayor reconocimiento. Empezando por la antibélica “Draft Morning”, una sorpresa muy grata del álbum. Su melodía cauta y su psicodelía atmosférica que incluye incluso disparos espaciales la destacan claramente. “Natural Harmony” es otro de los números que te capturan con esos flashes psicodélicos que provienen de Usher. Por su parte “Wasn’t Born To Follow” es el segundo tema más conocido del disco, un country que nos sigue demostrando que los Byrds nunca abandonaron el buen gusto por las armonías vocales.

Ese grupo de canciones son desde mi punto las mejores. Luego aparecen algunas como “Space Odyssey” que son indudablemente interesantes por sus efectos, pero también excedidas, y por eso no terminan de cerrar.

De todas formas, The Notorious Byrd Brothers es muy bueno trabajo, no falta el que lo tome como el mejor de su carrera. Pero también hay que remarcar que en reediciones posteriores surgirían bonus tracks que en algunos casos son tan atractivos como todo el material del álbum. Tal vez la canción más ejemplar es “Triad” de Crosby que luego sería popularizado por la voz de Grace Slick y los Airplane. Una pena que no haya sido incluida.

Persy

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(Votos: 3 Promedio: 4.3)
Gary Moore

Gary Moore – Still Got The Blues (1990)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Moving On: 8.5
  2. Oh Pretty Woman: 10
  3. Walking By Myself: 8.5
  4. Still Got The Blues (For You): 10
  5. Texas Strut: 8.5
  6. Too Tired: 8
  7. King of the Blues: 9
  8. As The Years Go Passing By: 8.5
  9. Midnight Blues: 9
  10. That Kind of Woman: 9
  11. All Your Love: 8.5
  12. Stop Messin’ Around: 8

Como hace más de cuarenta años cuando fue encontrado sin vida Jimi Hendrix, el mundo del Rock vuelve a conmocionarse por la muerte de otro talentoso y legendario guitarrista como era el irlandés Gary Moore. De un aparente ataque cardíaco Moore fue hallado en su habitación de un hotel en España donde se encontraba veraneando.

Robert William Gary Moore nació en Belfast, Irlanda del Norte, en 1952 y desde muy joven tomó por primera vez una guitarra a la que tuvo que adaptarse como diestro siendo zurdo él. Influenciado en un principio por Albert King, Elvis Presley y por supuesto The Beatles, Gary encontró luego en Hendrix y John Mayalls’ Bluesbreakers su estilo musical. Aunque sería el guitarrista Peter Green de Fleetwood Mac quien se convertiría en su mentor. Siendo todavía un adolescente se unió a la banda Skid Row donde conoció a Phil Lynott y que luego continuaría con Thin Lizzy y con las que se daría a conocer. En 1972 formó su propia banda, The Gary Moore Band, por corto tiempo ya que se juntaría nuevamente con Lynott para pasar a integrar Colosseum II. Hacia 1978 y tras editar en 1973 su primer disco solista, “Grinding Stone”, editó “Back on the Streets” que se transformó en un inesperado suceso en el Reino Unido, sustentado por el gran talento que Moore mostraba con la guitarra.

Durante los años ochenta mientras su popularidad crecía entre sus pares  y las colaboraciones con diversos artistas reconocidos aumentaban, Gary Moore también experimentó con otros estilos como el jazz, el country, el heavy metal. Sin embargo, fueron sus raíces bluseras lo que más le atrajo y en 1990 grabó uno de sus más exitosos y recordados álbumes.

“Still Got the Blues” daba cuenta de esa vuelta por parte de Moore del Hard Rock al género que lo había cautivado cuando recién comenzaba en la música en su oriunda Belfast, tal vez también cansado de tanto deambular como recita en “Moving On”. La portada del disco es bastante alegórica, con un joven dando sus primeros pasos con una guitarra mientras su héroe Hendrix lo mira colgado en un poster.

Con la colaboración de Albert King, Albert Collins y George Harrison (“That Kind of Woman”), Moore logró condensar en doce canciones lo mejor del Blues. Tomando prestadas algunas composiciones de otros artistas como en la muy buena versión de “Walking By Myself” de Jimmy Rogers o la lacrimógena “As The Years Go Passing By” de Deadric Malone, el guitarrista logra momentos excepcionales que nada tienen que envidiarles a maestros como Clapton. Entre sus propias letras “Texas Strut”, “King of the Blues” y especialmente la taquillera “Still Got The Blues (For You)” están entre los más destacados del disco.

Desde el Persi Music recordamos a este gran guitarrista y compositor que supo llevar el Blues en sus venas y esperamos que desde arriba siga rockenado junto a otros grandes cuyo tiempo llegó antes de hora.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Beastie Boys

Beastie Boys – Paul’s Boutique (1989)

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Puntaje del Disco: 10

  1. To All the Girls: –
  2. Shake Your Rump: 10
  3. Johnny Ryall: 8
  4. Egg Man: 9
  5. High Plains Drifter: 8,5
  6. The Sounds of Science:9,5
  7. 3-Minute Rule: 8,5
  8. Hey Ladies: 9
  9. 5-Piece Chicken Dinner: –
  10. Looking Down the Barrel of a Gun: 9,5
  11. Car Thief: 9,5
  12. What Comes Around: 8
  13. Shadrach: 10
  14. Ask for Janice: –
  15. B-Boy Bouillabaisse: 8,5

Tan importante seria el paso que darían los Beastie Boys luego de su disco debut que algunos críticos llegaron a calificar su segundo trabajo, Paul’s Boutique como el Dark Side Of The Moon del hip hop.

Muchas dudas acerca del posible éxito de la continuación del genial Licensed to Ill surgieron y mas aun luego de su conflictiva partida del sello Def Jam y su consiguiente mudanza hacia Los Ángeles dejando su Nueva York natal. De hecho muchos críticos consideraron demasiado rebuscado y confuso a Paul’s Boutique en el momento de su lanzamiento en el verano norteamericano de 1989. Lo cierto es que el disco realmente desconcierta en un primer momento pero en cada escucha revela encantos ocultos que lo ubicarían como uno de sus discos fundamentales mas haya del maltrato que recibió en un comienzo.

En Los Ángeles los Beastie Boys contactaron a los productores electrónicos The Dust Brothers junto a los que dieron vida a un álbum absolutamente demoledor, detallista y cuidado en su producción. Paul’s Boutique llevo la utilización de samplers hacia otro nivel, fragmentos de música tan diversos como familiares se encuentran dispersos en todo el trabajo, una loca red de muestras, ritmos, sonidos donde toda la música pop y la cultura existen en los mismos estratos, alimentándose de los demás, la evolución en un registro totalmente único, diferente a todo lo que vino antes o después. Muy pocos discos de hip hop fueron tan ricos, tanto musicalmente como líricamente no solo en el uso impecable de samplers, que tantos dolores de cabeza les causo a raíz de las demandas que recibieron, también por lo inspirado de sus relatos y la influencia que causaron en el pop y el rock venidero. Temas como «Shake Your Rump,», “Hey Ladies”, «Lookin’ Down The Barrel Of A Gun,» «Car Thief,» Shadrach,» y «B-Boy Bouillabaisse» (este ultimo con samplers tan variados de grupos como Run-DMC, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Johny Cash, Kool & The Gang, entre otros) son una muestra de la complejidad y genialidad de este trabajo.

Paul’s Boutique es inclasificable es por igual pop, funk, rock, hip hop y punk. Es la suma de todas sus partes y un punto de inflexión en la carrera de los neoyorquinos merecedores desde entonces de un enorme prestigio.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Bob Dylan

Bob Dylan – New Morning (1970)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. If Not For You: 8,5
  2. Day of the Locusts: 8
  3. Time Passes Slowly: 9
  4. Went to See the Gypsy: 9
  5. Winterlude: 8
  6. If Dogs Run Free: 6
  7. New Morning: 9
  8. Sign on the Window: 8
  9. One More Weekend: 8,5
  10. The Man in Me: 8,5
  11. Three Angels: 6
  12. Father of Night: 6,5

Se terminó el chiste (de humor negro) de Self Portrait por suerte. En New Morning Dylan retoma la seriedad y el country que estaba desarrollando años atrás. Sin embargo, hay ciertas diferencias respecto a lo que venía haciendo. Lo primero que notó es que Bob vuelve a desenvainar su voz tan particular dejando en el olvido la entonación que tenía en Nashville Skyline. Lo segundo es que hay una mayor predominancia del piano en sus temas. Lo tercero, que experimenta con nuevos estilos como el Jazz. Solo escuchen “If Dogs Run Free”, un tema divertido pero simultáneamente medio chocante sobre todo por los ridículos coros (hubiera quedado mejor si hubiera sido incluido en Self Portrait). Y el último punto a remarcar es que el disco tiene cierto aire religioso que mucho no me gusta.

Más allá de todo esto, New Morning es un disco bastante sólido y en su esencia “simple”. Si bien no abundan los clásicos hay algunos temas que son realmente buenos. Empezando por “If Not For You”, compuesto por Dylan pero también utilizado por su amigo George Harrison en su álbum debut. Y si hacemos la comparación obvia, me tengo que quedar con la versión que aparece en All Thing Must Pass por ser melódicamente más atractiva, especialmente por la voz de Harrison. Aún mejor es “Time Passes Slowly” que tiene la onda de un blues lento que resulta muy gratificante. También está “Went to See the Gypsy”, un country rock con una melodía agradable y un buen estribillo. Más me gusta todavía el estribillo de “New Morning” posiblemente el clásico más celebre del disco. Por último también se pueden resaltar al entretenido blues de “One More Weekend” y linda “The Man in Me”.

New Morning es un muy buen disco y si tenemos que fue editado el mismo año que Self Portrait, se convierte en el único álbum que recomiendo escuchar de Dylan de ese año.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Creed

Creed – My Own Prison (1997)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Torn: 8,5
  2. Ode: 7
  3. My Own Prison: 8
  4. Pity for a Dime: 8
  5. In America: 7,5
  6. Illusion: 7,5
  7. Unforgiven: 6,5
  8. Sister: 7
  9. What’s This Life For: 7,5
  10. One: 7

Para finales de la década del noventa una oleada de grupos influenciados por el movimiento grunge comenzaron a surgir principalmente en Estados Unidos. Así fue como nos fuimos familiarizando con nombres como Incubus, Matchbox Twenty, Nickelback y principalmente Creed, quizás la de mas suceso de todas.

Provenientes de Florida lograron editar su primer álbum My Own Prision en Agosto de 1997. El sonido primario de Creed era claramente un homenaje a las bandas grunge que tanto amaban como Live y especialmente Pearl Jam, algo que se acentúa aun mas dado la idéntica voz de su vocalista Scott Stapp a la de Eddie Vedder. Comparación que valió una suerte de controversia y hasta una pelea entre ambos en un capitulo de la divertida serie animada “Celebrity Deadmatch” de MTV donde Vedder le pedía que deje de usar su voz hasta matarlo.

My Own Prision se vendió muy bien (mas de seis millones de copias), encabezo rankings y les dio el reconocimiento de mejor artista de rock de 1998 en los Billboard Music Awards. Nada mal para un disco inicial. En cuanto a las letras el grupo se adentra en temas espirituales y de fe. Lo que en un principio les valió el mote de “Banda Cristiana” por parte de la prensa, algo que Stapp desmintió de inmediato agregando que usaban el tema espiritual como una suerte de metáfora.

Para concluir queda claro que no agregan un sonido original o distinto pero al escuchar My Own Prision nos encontramos con un grupo sólido y que suena muy bien y en sus mejores pasajes nos sugieren que van a ser capaces de desarrollar su propia identidad.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Eurythmics

Eurythmics – Touch (1983)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Here Comes The Rain Again: 9
  2. Regrets: 7,5
  3. Right By Your Side: 8,5
  4. Cool Blue: 7,5
  5. Who’s That Girl?: 8,5
  6. The First Cut: 8
  7. Aqua: 7
  8. No Fear, No Hate, No Pain (No Broken Hearts): 7,5
  9. Paint a Rumour: 8

En Noviembre de 1983 Eurythmics, sin perder tiempo y con apenas diez meses de diferencia en el lanzamiento de “Sweet Dreams”, editó su segundo material, “Touch”, que buscaba alcanzar un éxito similar a su predecesor. La fama y el gran quiebre ya se había dado en la carrera del dúo Lenox – Stewart, ahora sólo era cuestión de demostrar que el talento estaba intacto.

Utilizando los mismos recursos que en “Sweet Dreams”, con los sintetizadores como principales instrumentos, “Touch” es un gran trabajo y uno de los más destacados de Eurythmics. “Here Comes The Rain”, en un tono más melodramático con una genial ambientación musical, compara la lluvia con un amor no recíproco. “Right By Your Side” experimenta una especie de sonido caribeño que en las notas de Lennox queda bastante bien. “Who’s That Girl?” personifica a la cantante en la postura de mujer demandante de argumentos a su hombre, quien aparentemente andaba con varios amoríos. La sensualidad y a su vez frialdad en la voz hacen de esta una de las mejores de  “Touch”.

En una segunda línea encontramos otros temas también interesantes como “The First Cut” y la casi tecno dance “Paint a Rumour” de más de siete minutos. Estas cualidades de adaptación a los diversos géneros electrónicos de los años ochenta fue una de las principales caractecterísticas de este gran dúo británico.

Piro

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Free

Free – Tons of Sobs (1968)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Over the Green Hills Pt. 1: –
  2. Worry: 8.5
  3. Walk in My Shadow: 8.5
  4. Wild Indian Woman: 8
  5. Goin’ Down Slow: 8.5
  6. I’m a Mover: 9
  7. The Hunter: 9
  8. Moonshine: 8
  9. Sweet Tooth: 8
  10. Over the Green Hills Pt. 2: 7

Pensar que a fines de los años sesenta un grupo de adolescentes que apenas habían pasado la pubertad se transformaría en una gran banda de rock junto a los colosos que por aquellos años ya se habían consagrado, es realmente algo para destacar y sobre todo admirar. Tan sólo basta con escuchar un par de temas de su primer disco, para darse cuenta el que desarrollaron estos muchachos. “Tons of Sobs” es un verdadero deleite para el rock y una extraordinaria avanzada en el Blues Británico.

Un año después de la formación de la banda, Free editó su prometedor disco debut. La producción estuvo a cargo de Guy Stevens, quien una década más tarde también se encargó del enorme “London Calling” de The Clash. El presupuesto fue casi miserable pero Stevens y la banda se las ingeniaron para crear un interesante material.

«Over The Green Hills» abre y a su vez cierra el disco con el cantante recitando la lírica casi sin música pero acompañado de sus compañeros en los coros. La mayoría de las composiciones fueron obra de Paul Rodgers, que no sólo dejaba sus notas en cada letra sino que además lograba con las mismas una pura expresión de Blues, como en “Walk in My Shadow”. “I am a Mover” es otra destacada composición de Rodgers que se lleva gran parte del espectáculo. “Moonshine” deleita con su sonido denso mientras que “Sweet Tooth” cambia el ritmo y acelera para volver a raíces más rockeras. Aunque sin dudas la versión de “The Hunter” es lo más destacable del disco.

“Tons of Sobs” no logró hacer pie en los charts británicos y tampoco tuvo una resonancia importante al otro lado del Atlántico; sin embargo fundó las bases para una banda que sería considerada como una de las grandes del Blues Rock Británico. La contra que tuvo la salida del disco fue quizás la salida del primer disco de Led Zeppelin en el mismo año que se llevó todos los flashes.

Piro

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Deep Purple

Deep Purple – Burn (1974)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Burn: 10
  2. Might Just Take Your Life: 6,5
  3. Lay Down, Stay Down: 5
  4. Sail Away: 7,5
  5. You Fool No One: 5
  6. What’s Goin’ On Here: 6
  7. Mistreated: 8,5
  8. «A» 200: 8

Luego del mal paso que significo Who Do We Think We Are, Deep Purple sufriría cambios en su formación. Con la partida de Ian Gillan y Roger Glover, se incorporarían David Coverdale y Glenn Hughes como vocalista y bajista respectivamente. Esta daría el inició de Deep Purple Mark III, que se caracterizaría por encauzar al grupo en una de sus peores épocas. Tal vez esto se deba al crecimiento de la figura de Coverdale, quien es un excelente cantante (aunque prefiero a Gillan) pero encaminaría a la banda en un estilo más funk sin ser un gran compositor desde mi punto de vista.

Con su nueva formación editarían en 1974 el álbum Burn, un disco que muestra ciertas mejorías respecto de lo que fue Who Do We Think We Are, pero también refleja sus nuevas flaquezas. El problema con Burn es que resulta bastante irregular por la presencia de canciones que no son sólidas ni interesante como las mediocres “Lay Down, Stay Down” y “You Fool No One”, y como las genéricas “What’s Goin’ On Here” y “Might Just Take Your Life”.

De todos modos, el álbum también cuenta con un par de clásicos bastante elogiables. El más destacado entre ellos es el homónimo “Burn”, que abre el disco de gran forma haciéndonos pensar que el mal trago de su último disco quedaría en el olvido. El riff de Blackmore es espectacular, muy agresivo y veloz, compitiendo sin problemas como uno de los mejores en la carrera de Purple. “Mistreated” es el segundo tema dentro del podio. Es un hard blues bastante bien llevado con otro gran riff de Ritchie, similar al estilo de “Since I’ve Been Loving You” de Zeppelin, aunque esta vez no tan atrapante y excedido en minutos. Y por último se puede remarcar a “»A» 200”, un instrumental que parece de ciencia ficción, por el tambor constante de Paice, los efectos que agrega con sintetizador Jon Lord y el solo de Blackmore. Por su parte, “Sail Away” tiene un buen riff pero no esta a la altura de las circunstancias.

A pesar de sus altibajos, Burn fue marcado por algunos críticos como uno de los mejores discos de Deep Purple post Machine Head. Pero a mi modo de ver, es un álbum sobrevalorado que nos indica que la mejor étapa de Deep Purple ya había terminado.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Fiona Apple

Fiona Apple – When the Pawn… (1999)

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Puntaje del Disco: 9

  1. On the Bound: 9,5
  2. To Your Love: 8,5
  3. Limp: 9
  4. Love Ridden: 7,5
  5. Paper Bag: 9
  6. A Mistake: 8
  7. Fast as You Can: 9
  8. The Way Things Are: 8,5
  9. Get Gone: 8,5
  10. I Know: 7

Fiona Apple pudo haber sido parte del grupo de artistas femeninas que dominaron los charts de pop a finales de los noventa pero su estilo ambicioso y refinado la diferencio desde un comienzo y se iría acentuando en su siguiente material When the Pawn (1999) la diferencia de sofisticación entre su segundo trabajo y Tidal es prometedor.

El titulo del álbum no es simplemente When the Pawn, es un poema de noventa palabras escrito por Fiona, el titulo completo es: When the pawn hits the conflicts he thinks like a king, What he knows throws the blows when he goes to the fight, And he’ll win the whole thing ‘fore he enters the ring, There’s no body to batter when your mind is your might, So when you go solo, you hold your own hand, And remember that depth is the greatest of heights, And if you know where you stand, then you know where to land, And if you fall it won’t matter, cause you’ll know that you’re right. Se dice que Apple lo escribió luego de leer las cartas de los lectores de Spin Magazine, tras un artículo que la encasilló de forma negativa, en una edición anterior.

El disco fue gestado durante la relación que mantenía con el director cinematográfico Paul Thomas Andersen (director de Magnolia y Boogie Nights entre otras) que lógicamente dirigió todos los videos que se lanzaron en rotación. En When the Pawn fiona no rompería del todo con sus composiciones jazz pop de Tidal pero su música maduraría de forma notaria refinando su sonido y expandiéndose a nuevos horizontes, hay experimentaciones de sonidos nuevos, más instrumentos, un sonido mas oscuro y más estribillos. Además, la magistral voz de Apple, suena más alegre y seria. Su talento para componer se ve apuntalado por la buena dupla que forma con su productor Jon Brion, con el que trabaja de forma ideal para llevar a cabo sus canciones tan personales. El disco abre de la mejor forma con la elegante «On the Bound» y poco tiempo después una especie de cruza entre jazz y sonidos funk rock arremeten en “Limp”, “Paper Bag” es tiene una melodía mas accesible pero no deja de ser un gran tema, “Fast as You Can” es el titulo perfecto para la locura de esa canción una fusión de jazz y rock acelerada.

Los anteriormente mencionadas son solo unas muestras de lo que se pueden encontrar en When the Pawn un disco sorprendente para una artista con tan solo veintidós años de edad, que escribe sus propios temas, toca el piano magistralmente y para fortuna de nuestros oído, los canta.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)