Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Led Zeppelin

Led Zeppelin – Presence (1976)

4 comentarios

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Achilles Last Stand: 10
  2. For Your Life: 6
  3. Royal Orleans: 4,5
  4. Nobody’s Fault But Mine: 8
  5. Candy Store Rock: 4
  6. Hots On For Nowhere: 4
  7. Tea for One: 6

Cuando me refería a que Zeppelin se estaba oxidando desde Physical Graffiti iba muy en serio. Este es el momento que todo fan no desea que llegue, el de la decadencia artística de la banda de sus amores. Presence es un disco bastante irregular en el que se nota que compositivamente el grupo estaba en un mal momento. El disco se caracteriza porque Led Zeppelin deja sus intensiones de explorar nuevos estilos como en Houses of the Holy o Physical Graffiti, y prefiere abordar lo más genérico de hard rock sin la presencia de pianos ni guitarras acústicas.

Como resultado, Zepp parece un conjunto de vejestorios sin ideas y que además perdieron sus mejores cualidades. Si bien ninguno estaban en su plenitud (porque se encontraban sumergidos en sus adicciones y problemas), posiblemente el que más lo sintió fue Robert Plant que grabó el álbum en silla de ruedas y muletas luego del accidente de transito que sufrió por aquel entonces. Tanto lo afectó, que pese a su esfuerzo, su voz suena algo apagada y sin la energía desgarradora que tenía años atrás.

De hecho el accidente de Plant inspiró a la composición del mejor tema de Presence, “Achilles Last Stand”. No solo es el más destacado del disco, también es la gran última canción épica de Led Zeppelin, un canto a la guerra de 10 minutos, apasionante desde lo que hace Jimmy Page en guitarra, que te incita a agarrar una lanza y unirte a Aquiles en su última resistencia… ¿O tal vez la última resistencia de Zeppelin?

Una vez que termina “Achilles”, si no queres angustiarte te recomiendo dejar de escuchar el disco, porque lo que sigue son canciones que marcan el mal momento del grupo. Temas de hard rock bastante inexpresivos, odiosos y nada memorables. “Royal Orleans”, “Candy Store Rock” y “Hots On For Nowhere” son un conjunto de descartes que no son dignos del repertorio de Zeppelin. Por su parte, “For Your Life” es marcado como uno de los temas escuchables, pero desde mi punto de vista es un rocker que no ofrece mucho. La melodía es genérica y las piruetas de Page apenas la salvan.

“Nobody’s Fault But Mine” es otra de las canciones comúnmente rescatadas. Comienza como un tema para el olvido, hasta que su riff empieza a tomar mayor potencia junto con el acompañamiento de la armónica dejando un buen tema, aunque que no esta cerca de ser un clásico de la banda.

Y sobre el final está “Tea for One”, una reescritura mal hecha de “Since I’ve Been Loving You”. Por dios ¿No se dan cuenta que el ritmo es calcado? Con la diferencia de que no están dejando su sangre a la hora de interpretarlo y de que resulta muy poco inspirador. Así y todo, es un heavy blues que safa.

Hay gente que suele defender este álbum. Pero a mi solo me genera desesperación al hacerme la idea de que Zeppelin estaba acabado desde este punto. Solo puedo proteger a “Achilles”, la última obra maestra de su carrera.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Muddy Waters

Muddy Waters – Hard Again (1977)

1 comentario

Puntaje del Disco: 10

  1. Mannish Boy: 10
  2. Bus Driver: 9
  3. I Want to Be Loved: 9,5
  4. Jealous Hearted Man: 9,5
  5. I Can’t Be Satisfied: 9
  6. The Blues Had a Baby and They Named It Rock And Roll: 8,5
  7. Deep Down in Florida: 8.5
  8. Crosseyed Cat: 10
  9. Little Girl: 9

Muddy Waters es sin lugar a dudas una leyenda, definió la escena de Blues de la ciudad de Chicago desde finales de la década del cuarenta hasta su muerte en Abril de 1983, y desde su partida la ciudad del viento nunca se recuperara.

Después de unos cuantos álbumes mediocres en la década del setenta y finales del sesenta y unos cuantos problemas personales que tubo que soportar (Su esposa Geneva murió de cáncer en 1973) la carrera de Muddy parecía acabada. Pero no todo estaba dicho, la clave de su gran retorno con gloria fue aliarse con Johnny Winter, que oficiaría además de productor, junto a el editarían quizás su trabajo mas aclamado Hard Again (1977), una demostración de fuerza y talento para un hombre con nada mas y nada menos que 65 años de edad y una vigencia admirable. Pero claro para semejante regreso Muddy contrato a lo mejor del Blues para que el disco suene como se merecía, músicos de la talla de James Cotton (harmónica), Willie «Big Eyes» Smith (batería) y “Pinetop” Perkins (piano), acompañarían de maravillas a la alucinante voz de Muddy y la guitarra de Winter.

El espectacular comienzo con “Mannish Boy” y “Bus Driver” definen lo superlativo que iba a sonar el resto del disco y que no se esta ante un disco cualquiera. Se percibe un Waters relajado realmente disfrutando el momento de grabación algo que influye de maravillas en la onda de Hard Again que solo se grabo en dos días. Otro punto destacable es el impecable trabajo en la producción de Winter procurando siempre señalar el sonido de Waters. Hay temas en los que se superponen los instrumentos de dos y tres músicos dando una ligera sensación de caos; algo que en el Blues queda muy bien.

Otros pasajes del disco como “I Want to Be Loved”, “Jealous Hearted Man”, “Crosseyed Cat” y el cierre con “Little Girl” no hacen mas que ratificar que Hard Again es algo fuera de lo común y es perentorio ser escuchado por cualquier fanático del género. La sociedad musical entre Waters y Winter no acabaría aquí, los últimos cuatro trabajos hasta la muerte del maestro Muddy Waters (I’m Ready, King Bee, y Muddy «Mississippi» Waters – Live, for Blue Sky) contaron con su producción.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
B.B. King

B.B. King – Live at the Regal (1965)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Every Day I Have the Blues: 9
  2. Sweet Little Angel: 9
  3. It’s My Own Fault: 8,5
  4. How Blue Can You Get?: 9,5
  5. Please Love Me: 9
  6. You Upset Me Baby: 8,5
  7. Worry, Worry: 10
  8. Woke Up This Morning: 8
  9. You Done Lost Your Good Thing Now: 9
  10. Help the Poor: 8,5

Si algo resulta difícil, es elegir un disco dentro de la basta carrera y los innumerables discos que editó B.B. King en su trayectoria. Entre ellos Live at the Regal es uno de los que más reputación tiene. Sin embargo, este aclamado álbum en vivo no es de los favoritos del Rey del Blues. Tal vez pensaba que su presentación en el Regal Theater de Chicago no había sido una de sus mejores performances.

Seamos realistas si escuchamos este álbum y lo comparamos con lo que hoy en día se puede encontrar, termina perdiendo su atractivo. Hay que contextualizarlo un poco como lo que es: un disco en vivo de 1965, previo a la etapa más prolifera del Rock, influyente en los cimientos del blues rock y en la aparición de nuevos artistas de Blues como Eric Clapton (quien escuchaba el disco como un libro elemental antes de sus presentaciones). Por todo esto Live at the Regal tiene mucha importancia histórica más haya de lo que pueda opinar el propio B.B. King.

Centrándonos en su exhibición, fue bastante entretenida. King demostraba ser un gran showman, interactuando con su público, que por cierto era muy eufórico. Y desde lo musical se pueden apreciar destellos de su talento como guitarrista de Blues combinándolo por momentos con Jazz, haciendo excelentes interpretaciones de temas propios y de clásicos que inmortaliza con su estilo como “Every Day I Have the Blues” y “How Blue Can You Get?”.

Entre ellos, “Worry, Worry” marca el pico más alto de su show, donde el Rey te atrapa con su improvisación en un increíble solo de guitarra. Son seis minutos absolutamente magistrales. Recomiendo adquirir este álbum solo por esta genialidad.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Albert King

Albert King – Born Under a Bad Sign (1967)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 10

 

  1. Born Under a Bad Sign: 10
  2. Crosscut Saw: 9.5
  3. Kansan City: 8.5
  4. Oh, Pretty Woman: 10
  5. Down Don’t Bother Me: 9
  6. The Hunter: 9.5
  7. I Almost Lost My Mind: 8.5
  8. Personal Manager: 9.5
  9. Laundromat Blues: 10
  10. As The Years Go Passing By: 9
  11. The Very Thought of You: 8.5

Si el Rock N’ Roll tenía a su Rey en Elvis, el Blues se erigiría no tanto como una monarquía, sino en un triunvirato de Reyes que se convirtieron en los grandes impulsores del Blues como música masiva. El legendario B.B., Freddie King y Albert King compartían el honor de proclamarse como los principales monarcas del género.

Albert Nelson, tal su verdadero nombre, fue uno de los músicos que mayor influencia generó en el Blues con su guitarra eléctrica. Lucy, como llamaba a su compañera de sesiones, tenía la particularidad de haber mantenido sus cuerdas en la posición original a pesar de que Albert la utilizaba con la mano izquierda. Esta diferencia con el resto fue quizás una de las claves para que King lograra unos sonidos únicos derritiendo las notas para crear un impacto tan fuerte en las generaciones futuras, que grandes como Otis Rush, Robert Clay, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan se hayan visto electrizados por los mismos.

De dura niñez y habiendo trabajado en las plantaciones algodoneras en Arkansas, Albert dio sus primeros pasos en la música en un grupo de góspel para tocar luego con una banda llamada The Groove Boys. En 1953 grabó un disco sin pena ni gloria, pero en 1959 consiguió el primer hit con “I’am a Lonely Man”, al que le seguiría “Don’t Throw Your Love On Me So Strong”. En 1966 firmó con la compañía Stax Records con la que lanzó “Born Under a Bad Sign”, considerado como uno de los discos más populares e influyentes de la década del sesenta.

Tamaña conceptualización no queda chica para este extraordinario álbum, incluido en el Hall de la Fama de los Discos Clásicos del Blues. Desde el primer hasta el último tema, el disco no tiene desperdicio. Cada nota de King en la guitarra es una pincelada del más majestuoso Blues. El track que da nombre a este material es sencillamente espectacular y una de las piedras fundamentales del género. El piano en la escala del blues es el acompañamiento ideal de la guitarra eléctrica de King. Cream, Clapton, Hendrix son sólo algunos de los muchos artistas que versionaron este gran éxito.

“Crosscut Saw” es un cover de un tema proveniente del Delta Blues de principios de los años cuarenta. King se encargó de darle un ritmo más caribeño y aunque mantuvo las letras originales, modificó un verso para hacer un solo de guitarra. Son indudables la notoriedad que toman temas como “Oh, Pretty Woman” (con un estilo más frontal y rebelde), “The Hunter” y “Personal Manager”, con Lucy en su uno de sus puntos más altos.

El disco cierra con “As The Years Go Passing By” y “The Very Thought of You”, dos temas de antaño varias veces interpretados; aunque nunca con la calidad del gran Albert King.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
The Jon Spencer Blues Explosion

The Jon Spencer Blues Explosion – Now I Got Worry (1996)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8

  1. Skunk: 8
  2. Identify: 6,5
  3. Wail: 8
  4. Fuck Shit Up: 7
  5. 2Kindsa Love: 8
  6. Love All of Me: 8
  7. Chicken Dog: 8,5
  8. Rocketship: 9
  9. Dynamite Lover: 8
  10. Hot Shot: 8
  11. Can’t Stop: 7
  12. Firefly Child: 8,5
  13. Eyeballin: 7,5
  14. B.L. Got Soul: 8,5
  15. Get Over Here: 8
  16. Sticky: 7

Probablemente un purista del blues de vieja guardia se horrorizaría al escuchar que Jon Spencer Blues Explosion es calificado como un grupo de blues. Lo cierto es que algo entendible seria esa apreciación ya que el estilo tan particular de los neoyorquinos es una combinación explosiva de rock alternativo, Indie rock y blues clásico como resultado y sintetizar un poco el estilo del grupo la prensa especializada los ha catalogado como punk blues, una especie de blues anarquizado y experimental bastante interesante. Los Jon Spencer Blues Explosion han sido capaces de crear un nuevo sonido capaz de romper las normas del rock alternativo demostrando una clara devoción por la música con raíces de R&B básico.

Formados en 1991 tras la desaparición de la malograda banda de Jon Spencer, Pussy Galore, a raíz de esto Jon se realinearía con Russell Simins (ex-batería de Honeymoon Killers) y Judah Bauer (guitarra) para formar la Blues Explosion. La formula del grupo se basaba en dos guitarras, una batería y ningún bajo. Sus primeros trabajos dieron que hablar pero seria en 1996 con la edición de Now I Got Worry cuando el grupo mas se acordó del blues. El disco rinde homenaje a dos figuras del blues: Por una parte, Rufus Thomas, cuyo “Bear Cat” fue la primera grabación de éxito en Sun Records e inspiraron los bailes locos y adolescentes de los Rolling Stones participaría en “Chicken Dog». Por la otra, R. L. Burnside, un verdadero blues man de Mississippi que había girado con la banda en varias ocasiones y que había vivido en sus propias carnes muchas de las miserias del blues al que le dedicaron “R.L. Got Soul».

Para la JSBX no podría haber límites su excitante y visceral estilo no solo se percibía en sus famosas presentaciones en vivo también se percibían en sus discos de estudio a lo largo de las dieciséis canciones del disco esta sensación se puede percibir fácilmente mostrando sus puntos mas altos en “Rocketship”, “Firefly Child” y las ya mencionadas “Chicken Dog» y “R.L. Got Soul». A veces tanto griterío y descontrol hace que algunas canciones se pierdan y realmente puedan llegar a estar de mas.

Now I Got Worry quizás no es su trabajo más brillante pero hace foco en dos rasgos significativos de la banda su predilección por el blues clásico (siempre dentro de su estilo tan particular) y su excentricidad a la hora de interpretar sus canciones. JSBX forman parte de un círculo selecto, junto a Beck y algún otro artista, que es capaz de fusionar los sonidos más arraigados con lo más moderno del Indie rock.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Eric Clapton, John Mayall & the Bluesbreakers

John Mayall & the Bluesbreakers – Bluesbreakers With Eric Clapton (1966)

Deja un comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. All Your Love: 9
  2. Hideaway: 9,5
  3. Little Girl: 8,5
  4. Another Man: 7,5
  5. Double Crossin’ Time: 9,5
  6. What’d I Say: 8
  7. Key To Love: 8
  8. Parchman Farm: 7
  9. Have You Heard: 8,5
  10. Ramblin’ On My Mind: 8
  11. Steppin’ Out: 9
  12. It Ain’t Right: 8,5

Luego de que Eric Clapton dejará a los Yardbirds se uniría a los Bluesbreakers como invitado, una banda con claros estandartes de blues ya formados, el estilo en el que Clapton buscaba seguir desarrollándose. La llegada de este guitarrista fenomenal, que se consumó en el trabajo Bluesbreakers With Eric Clapton, fue el elemento que necesitaba John Mayall y su banda para adquirir mayor jerarquía respecto a la que verdaderamente tenían.

Seamos honestos, con todo respeto, los Bluesbreakers son un grupo de segunda línea, o mejor dicho tercer línea dentro de la notoriedad de legendarias bandas que se puede encontrar en los sesenta. La figura de Clapton no solo fomentó al grupo a distinguirse, sino a que los Bluesbreakers hagan su álbum de estudio históricamente más reconocido. Por algo el disco lleva el nombre de Eric como si tuviera un cartel luminoso.

Bluesbreakers With Eric Clapton (también conocido como The Beano Album porque Clapton aparecía en la portada leyendo una copia de dicho comic) fue catalogado como uno de los mejores discos de Blues Británico que se editaron. Epa, debe ser algo sumamente supremo y original. Bueno, ningún álbum de Blues llega a ser enteramente original. Pero lo que sí puedo decir es que The Beano Album es un disco que se destaca sobre el resto por lo entretenido que resulta su Blues.

Cuando me refiero a entretenido me refiero a dos cuestiones: 1) El virtuosismo de Clapton, el joven, el pequeño Eric desparrama talento en todo momento marcando su primacía sobre el resto y acaparando la atención del oyente; 2) Lo accesible y diverso que resulta el disco, y en esto se lleva meritos John Mayall por ser el principal compositor de la banda y porque ninguna de sus canciones aburre.

En la diversidad de The Beano Album podemos encontrar temas en los que predomina la armónica como “Another Man” y “Parchman Farm”, un muy buen solo de bateria en “What’d I Say”, espectaculares canciones instrumentales como “Hideaway” y “Steppin’ Out” que muestran a Clapton en su plenitud (totalmente inspirado), fantásticos covers de hard blues como “All Your Love” de Willie Dixon, y un excelente tema como “Double Crossin’ Time” donde el piano de Mayall se une con la guitarra ultrablusera de Eric para hacer una de sus mejores combinaciones.

Pero la participación de Clapton con los Bluesbreakers sería breve. Al poco tiempo se uniría a otro ex de esta misma banda, Jack Bruce, para empezar a formar los cimientos de Cream.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
The Paul Butterfield Blues Band

The Paul Butterfield Blues Band – The Paul Butterfield Blues Band (1965)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Born in Chicago: 9
  2. Shake Your Moneymaker: 9
  3. Blues with a Feeling: 8,5
  4. Thank You Mr. Poobah: 10
  5. I Got My Mojo Working: 9
  6. Mellow Down Easy: 9
  7. Screamin’: 9,5
  8. Our Love Is Drifting: 8,5
  9. Mystery Train: 9
  10. Last Night: 9
  11. Look Over Yonders Wall: 9

Nacido en el seno mismo de uno de los puntos neurálgicos del Blues, Paul Butterfield creció rodeado de lo más puro del género. Oriundo de la Ciudad de Chicago, Butterfield fue pionero en su tiempo por llevar los sonidos de la armónica más allá del tradicional estilo afro americano, gracias a su poderosa y original vibra. Su obra le permitió abrirse paso a numerosos artistas blancos que hasta entonces estaban relegados de las delicias del Blues.

Tras conocerse en la Universidad, Butterfield y Elvis Bishop comenzaron a dar juntos los primeros pasos en la música presentándose en los Clubes de la Chicago donde sus talentosos dotes les permitieron expandirse cada vez más. El bajista Jerome Arnold y el baterista Sam Lay (provenientes de la banda de Holowin’ Wolf), se unieron a la causa de Paul y formaron el grupo que llevaría su nombre. Otro Paul, Rotchild de la Productora Elektra Records, les introdujo al guitarrista Michael Bloomfield, con quien el grupo se completaría y darían una serie de sesiones que dejarían a más de uno con la boca abierta. Incluso Bob Dylan reconoció el talento de Paul y compañía al punto de proponerle trabajar juntos.

En 1965 Paul Buttefield Blues Band grabó un disco homónimo, una gran y auténtica expresión del mejor Blues de Chicago. Reemplazadas las guitarras acústicas por eléctricas y con la armónica en un tono más alto y dirigido por los ritmos típicos del Blues, Buttefield logró llevar la música con la creció a nuevos niveles. Tomando mayoritariamente covers (como la muy buena versión de “Born in Chicago” de Nick Gravenites o “Blues With a Feeling” de Walter Jacobs) y sumando temas propios como “Our Love Is Drifting”, el álbum casi no flaquea y mantiene a lo largo de once canciones una soberbia sesión de Blues. Por otra parte aunque las versiones de clásicos del Blues, tales como “Mellow Down Easy” de Willie Dixon son geniales,se destacan dos puntos salientes, ambos instrumentales (“Thank You Mr. Poobah” y “Screamin’”).

“The Paul Butterfield Blues Band” no tuvo tal vez el reconocimiento que se merecía en cuanto a la popularidad que generan los charts; sin embargo, significó una revolución para el Blues y especialmente para los músicos blancos que encontrarían en esta banda un fijo punto de referencia en su objetivo de expandir las maravillas de Blues.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Metallica

Metallica – …And Justice for All (1988)

1 comentario

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Blackened: 8,5
  2. …And Justice for All: 8
  3. Eye of the Beholder: 8,5
  4. One: 9,5
  5. The Shortest Straw: 7,5
  6. Harvester of Sorrow: 9,5
  7. The Frayed Ends of Sanity: 8,5
  8. To Live Is to Die: 8
  9. Dyers Eve: 7,5

Disco tras disco Metallica fue creciendo en sus composiciones y sofisticándolas sin perder todo el power inicial de Kill ‘Em All. Durante toda la década del ochenta crecieron como banda y personalmente. La muerte de Cliff Burton significo un punto de inflexión emocional, les llevo tiempo recuperarse, pero como suele decirse el show debe continuar y entonces en su lugar ingresaría el bajista Jason Newsted.

…And Justice for All se grabo en invierno de 1988 y ya para mediados de ese año saldría a las ventas la esperada continuación de su disco más exitoso hasta ese entonces Master of Puppets. Una primera escucha del disco te da una sensación de escuchar algo más ambicioso y complejo que sus antecesores, con estructuras de canciones insólitas y todas largas (casi ninguna baja de los seis minutos). Así y todo el disco incluye algunos de los mejores materiales de Metallica como “Blackened”, “Harvester of Sorrow” y “One”, esta última quizás fue la primera canción de la banda que empezó a hacerse escuchar por el público en general y no solo por los fans de Metallica y del heavy metal en particular.

Las letras oscuras de…And Justice for All tocan temas sensibles como la injusticia política y jurídica, la censura, la guerra y la política nuclear. Algunas de las mas notables son “Harvester of sorrow”, habla de un hombre que se vuelve loco y enfoca toda su locura en su familia asesinándolos y “To Live is to Die”, un homenaje a Burton basado en un riff que había grabado antes de su muerte.

Las opiniones sobre…And Justice for All son diversas algunos la señalan como una obra maestra y el pináculo de los años progresivos de Metallica y otros lo ven como complicado y demasiado ambicioso. Ambas suposiciones tienen algo de cierto hay muy buenas canciones pero les resultaba muy complicado reproducir algunas en sus conciertos, lo que llevo al grupo a una revisión de sus pasos a seguir.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Frank Zappa

Frank Zappa – Lumpy Gravy (1968)

3 comentarios

frank-zappa-lumpy-gravy-1968-7094445

Puntaje del Disco: ?

  1. Lumpy Gravy, Pt. 1: –
  2. Lumpy Gravy, Pt. 2: –

Lo siento muchachos pero no puede ponerle puntaje a este disco. Lumpy Gravy es una de esas cosas tan desestructuradas y experimentales que no tienen un hilo o un objetivo claro más que tratar de demostrar el avant garde extremo al que puede llegar un artista sin límites como Zappa.

Ahora bien, Lumpy Gravy es ante todo el primer disco de Frank Zappa sin The Mothers of Invention. Sí, es su primer álbum solista, por lo cual para los más nostálgicos y acérrimos fans es un documento histórico que no pueden dejar de tener en su colección.

Dejando este sentimentalismo de lado, el disco es absolutamente descabellado, bizarro, lo más anticonvencional que existe. Es un álbum compuesto por dos suites de 15 minutos cada una donde lo que escuchamos es: por un lado conversaciones incoherentes y por el otro pequeños fragmento musicales (?) que van desde sonidos abstractos y electrónicos a instrumentos más orquestales, pero que nunca están conectados entre sí.

Es un proyecto ambicioso, a punto tal que la locura de Freak Out! y Absolutely Free son un poroto. Sin embargo, la vanguardia experimental es tan pero tan extrema que no es música. No es algo inaguantable como Metal Machine Music, por el contrario, es escuchable… como lo puede ser un relato… Pero como dije antes: no es música. En Lumpy Gravy no existen ni las melodías, ni los estribillos, y no esperes escuchar a alguien cantando. Eso transforma su puntaje en un enorme signo de interrogación. Lo cuál me lleva a reflexionar: ¿Cómo es que algún crítico llega a ponerle puntaje a esta cosa? ¿Cómo miércoles llegó a la conclusión la gente de Allmusic de que Lumpy Gravy es un álbum 4 estrellas?!

Un misterio del universo sin develar. Supongo que si solo ponemos en la balanza las intensiones (y solo las intensiones) de Zappa de sonar experimental se puede llegar a un puntaje. Pero si lo analizamos por lo que es musicalmente poner una nota es imposible. Los invito a que lo escuchen para intentar develar esta encrucijada.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
U2

U2 – Pop (1997)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8

  1. Discothèque: 9
  2. Do You Feel Loved: 7,5
  3. Mofo: 9
  4. If God Will Send His Angels: 7
  5. Staring at the Sun: 9
  6. Last Night on Earth: 8,5
  7. Gone: 8,5
  8. Miami: 5,5
  9. The Playboy Mansion: 5
  10. If You Wear That Velvet Dress: 6,5
  11. Please: 7,5
  12. Wake Up Dead Man: 8

Uno de los trabajos que levanto más polémicas en la extensa carrera de U2 fue Pop (1997). Después de cuatro años sin lanzamientos oficiales se esperaba con ansias la continuación del experimental Zooropa. Si bien Pop se oriento hacia estructuras de canciones el grupo abandonaría un poco sus raíces de rock clásico en la búsqueda de nuevos sonidos con influencias tecno y dance que estaban en plena expansión a finales de la década del noventa. Claro ejemplo de esto es su primer sencillo “Discothèque” que termino siendo numero uno en varios países alrededor del mundo.

Hay un significado más profundo detrás de Pop y el Popmart Tour (la grandilocuente gira de presentación del álbum), los dos trataban de retratar la cultura plástica y exagerada que se vivía en los noventa como suerte de parodia. Bono mismo meses mas tarde admitió que el disco no comunico lo que ellos intentaron comunicar.

Pop tiene destellos de sorpresa, especialmente en “Mofo” y cuenta con otros buenos momentos como la balada “Staring at the Sun” y los mas roqueros “Gone” y “Last Night on Earth”. El problema aparece en algunas canciones que no llegan a reflejar lo que los irlandeses intentaron para este material, ni tampoco tienen la esencia del U2 ochentoso y son lo mas flojo lejos del disco como “The Playboy Mansion” y “Miami”.

En conclusión, Pop es injustamente uno de los discos mas subvalorados de la carrera de U2. Me pregunto ¿Cual es el problema que una banda totalmente consolidada explore nuevos horizontes como en Zooropa o Pop y no se estanque en la formula que tanto éxito les dio y la repita solo para complacer a sus seguidores? Considero mucho mas flojo y desafortunado su ultimo trabajo hasta ahora No Line on the Horizon sin aportar nada nuevo y con definitivamente malas canciones.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)