Top Ten de Jimi Hendrix:
- Little Wing
- Purple Haze
- Voodoo Chile (slight return)
- Hey Joe
- All Along the Watchtower
- Manic Depression
- Foxy Lady
- Spanish Castle Magic
- Red House
- Castles Made of Sand
F.V.
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional
Dinosaur Jr – Bug (1988)
Puntaje del Disco: 8,5
- Freak Scene: 9
- No Bones: 8,5
- They Always Come: 8
- Yeah We Know: 8,5
- Let It Ride: 8
- Pond Song: 9,5
- Budge: 8,5
- The Post: 9
- Don’t: 3
El año 1988 fue un año importante para los grupos alternativos de los ochenta. Sonic Youth alcanzaría su momento cumbre con Daydream Nation, por su parte Pixies y My Bloody Valentine editarían sus excelentes discos debut. Dinosaur Jr. también sería participe de este momento de auge y sucedería su muy buen segundo disco, con otro álbum asombroso como Bug.
En esta oportunidad Dinosaur nos ofrece un trabajo con melodías más accesibles respecto a las que se podían escuchar en You’re Living All Over Me. De igual manera la banda sigue increpando en la vertiente alternativa más ruidosa, pero esta vez siendo más heavy y metalera de lo que venía siendo.
Si bien Bug tiene un nivel parejo y sus temas se mueven más o menos dentro de los mismos estándares, en el podemos destacar 3 canciones que hacen la diferencia sobre el resto: “Freak Scene”, que tiene la melodía más pop y atractiva del álbum; “Pond Song”, un tema que imita el estilo folk de R.E.M. pero con la intensidad de Dinosaur; y “The Post”, que es uno de los más duros e interesantes del álbum.
Desafortunadamente, Bug también da lugar a porquerías como “Don’t”, que es metalcore extremo, paupérrimo e inaguantable, con Barlow gritando “Why don’t you like me?” hasta saturarte. Preferible omitirlo para quedarnos con la idea de que el disco es realmente muy bueno.
Persy
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(Votos: 1 Promedio: 4)
Por Siempre Lennon
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Irreverentes, espontáneos, innovadores, creativos o simplemente extraordinarios. Estas y muchas otras cualidades podrían encajar perfectamente para describir a una gran cantidad de grandiosos músicos que con su talento desafiaron los límites del tiempo y espacio y alzaron sus voces más allá de sus propias vidas. Ni siquiera la muerte impidió que su música trascendiera a las nuevas generaciones de jóvenes deseosas de conocer lo que sus legados significaron.
Del resultado de la última encuesta cuatro artistas fueron quienes, de acuerdo a nuestros lectores, desearían ver nuevamente en el mundo de los vivos. Con ciertas diferencias en cuanto a los estilos, pero con varias características comunes, Freddie Mercury, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y John Lennon se convirtieron en los Fabulosos Cuatro que deberían pisar otra vez los escenarios terrenales.
Sin embargo, fue Lennon quien obtuvo la mayor valoración y es por eso que en coincidencia con su aniversario número 70 y a pocos días de cumplirse 30 años de su fatídico asesinato, en el Persi Music queremos homenajear a un ícono de la música contemporánea. Qué más se puede decir que no se haya dicho de este genial cantante, guitarrista, compositor, activista político y quién sabe cuántas cosas más. Con sus letras marcó a una generación que deliró con la Beatlemanía, que lo siguió durante sus protestas en contra de la Guerra y que lloró desconsoladamente cuando fue asesinado. Su música nunca dejará de sonar y sus grandes melodías seguirán esparciendo a un mundo que cada vez más extraña a un grande como John Lennon.
Piro
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Joy Division – Substance (1988)
Puntaje del Disco: 9
- Warsaw: 9
- Leaders of Men: 8,5
- Digital: 7,5
- Autosuggestion: 7
- Transmission: 9,5
- She’s Lost Control: 9
- Incubation: 8
- Dead Souls: 8
- Atmosphere: 10
- Love Will Tear Us Apart: 10
- No Love Lost: 8,5
- Failures: 9
- Glass: 8
- From Safety to Where: 7,5
- Novelty: 7
- Komakino: 7,5
- These Days: 8
Luego de la muerte de Ian Curtis muchos discos postmortem de Joy Division se editaron pero ninguno tan completo y abarcativo como Substance, editado en 1988 y ya con un New Orden totalmente consolidado, con singles y lados B que no se pueden encontrar en ninguno de sus dos trabajos editados en forma oficial Unknown Pleasures y Closer.
El álbum deja en claro que no todas sus mejores canciones se encontraron en sus dos discos oficiales. Con un estilo punk, distinto a lo que luego conoceríamos de Joy Division, los temas de su primer EP An Ideal for Living (1978) “Failures”, «Warsaw», «Leaders of Men» y «No Love Lost» dejan bastante en claro que en sus comienzos sonaban distintos pero también muy bien. Substance también incluye una buena versión alternativa de “She’s Lost Control” y los cuatro singles que lanzo la banda mas haya de su discografía oficial incluyendo su hit mas reconocible “Love Will Tear Us Apart” y otras grandes obras como “Trasnsmission”, “Komakino” y “Atmosphere”.
En definitiva es un gran lanzamiento para los fanáticos del grupo y también para los que no conocen en profundidad su música, ya que pueden conocer el sonido de Joy Division aun en forma mas extendida que en sus discos de estudio, pasando por todas sus etapas musicales, viendo los distintos matices en la excelente voz de Curtis que fue cambiando desde sus primeras canciones hasta su muerte y las grandes puntadas de bajo del gran Peter Hook.
F.V.
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
Brainiac – Hissing Prigs in Static Couture (1996)
Puntaje del Disco: 8,5
- Indian Poker, Pt. 3: –
- Pussyfootin’: 8
- Vincent Come on Down: 8,5
- This Little Piggy: 9
- Strung: 8
- Hot Seat Can’t Sit Down: 9
- The Vulgar Trade: –
- Beekeepers Maxim: 8,5
- Kiss Me U Jacked up Jerk: 7,5
- 70 KG Man: 7,5
- Indian Poker, Pt. 2: –
- Nothing Ever Changes: 8,5
- I Am a Cracked Machine: 8,5
En pleno auge del rock alternativo, en el año 1992 nacería en Ohio un grupo que tuvo una breve existencia pero que supo destacarse en este género siendo muy original en su corto legado. Esta banda era Brainiac (mismo nombre que un villano de Superman), también conocida como 3RA1N1AC.
Lo que distinguía a Brainiac es que desarrollaba un rock alternativo muy experimental. A estos tipos les encantaba combinar su música con sonidos computarizados (a lo Radiohead) y voces robotizadas, sin perder el sentido de lo que es una melodía pero siendo impredecibles al mismo tiempo. Desarrollando este estilo, Brainiac alcanzaría su pico de creatividad en su tercer trabajo discográfico Hissing Prigs in Static Couture. El mismo es considerado como su mejor disco, distinguido desde mi punto de vista por ser muy sólido y porque cada vez que lo escuchemos se redescubren nuevas virtudes para elogiar.
Veamos lo que ofrece. Los primeros cortes del álbum siembran una dinamita paranoica muy divertida, destacándose especialmente “This Little Piggy” y “Hot Seat Can’t Sit Down”. En el medio también tenemos interesantes canciones como “Strung” y “Beekeepers Maxim” que son más atmosféricas y oscuras. Y los temas que cierran el disco tampoco bajan el nivel. Por ejemplo, “Nothing Ever Changes” tiene una combinación de voces imperdible. Y de gran final está “I Am a Cracked Machine”, un rocker robotizado muy bueno.
Lamentablemente Hissing Prigs in Static Couture sería el ultimo trabajo del grupo. Su líder Tim Taylor fallecería en 1997 en un accidente automovilístico. Y la banda se terminaría desintegrando en su mejor momento.
Persy
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Queen – Queen II (1974)
Puntaje del Disco: 8
- Procession: –
- Father to Son: 8
- White Queen (As It Began): 7
- Some Day One Day: 7
- The Loser in the End: 6.5
- Ogre Battle: 8
- The Fairy Feller’s Master-Stroke: 7.5
- Nevermore: 7
- The March of the Black Queen: 7.5
- Funny How Love Is: 6.5
- Seven Seas of Rhye: 8.5
Tras irrumpir, a principios de la década del setenta con el disco homónimo, como una prometedora banda cargada de talento y grandes destellos, Queen entró en Agosto de 1973 a los estudios Trident de Londres con el objetivo de mejorar lo hecho el álbum debut. En marzo del año siguiente el grupo liderado por Freddie Mercury lanzó “Queen II”. Con la firme idea de que las segundas partes no son siempre malas, esta producción superó ampliamente a su predecesora. Si bien “Queen II” presenta ciertas reminiscencias a “Queen I”, especialmente en cuanto a ese ataque frontal de rock y por contar con dos hits por lado (“Keep Yourself Alive” en el primero y “Seven Seas of Rhye”), en un análisis más profundo se puede apreciar una notable mejoría.
El LP estuvo dividido en el lado Blanco y el Negro, representados por fotos de los integrantes del grupo con atuendos relativos a cada color. No sólo los trajes mostraban esta dicotomía, sino que había una marcada diferencia en lo musical. Mientras que el primer lado, que conluye con “The Loser in the End”, contiene canciones con temas emocionales, la segunda presenta temáticas más oscuras.
Luego del breve instrumental “Procession”, “Father to Son” abre Brian May rockeando con una poderosa guitarra, que también combina con el piano, dando una típica muestra de las variaciones de tonos a los que Queen nos tiene acostumbrados. En “White Queen (As It Began)”, al igual que en “Some Day One Day” May utiliza la acústica y deja en claro de quién fueron las composiciones de la primera parte del disco. Sólo “The Loser in the End” no estuvo a su cargo, sino Roger Taylor.
En la segunda parte del disco Mercury hace su aparición para cambiar todo radicalmente. De temas relativamente más tranquilos, el álbum da un vuelco a las profundidades del rock para descollar con muy buenos temas. “Ogre Battle” es una gran producción en donde con sonidos de ambiente se recrea la lucha de este monstruo y sus alaridos, interpretados por la brillante voz de Freddie. Conectadas por el piano “Nevermore” continúa en forma de balada a “The Fairy Feller’s Master-Stroke”. Para el final Queen se guardó el plato fuerte del disco. Esas inconfundibles teclas del piano con los riffs de May convirtieron a “Seven Seas of Rhye” en el primer hit de la banda y uno de los clásicos en las presentaciones en vivo.
Gracias a los complejos arreglos y a la mixtura de las canciones, “Queen II” recibió buenas críticas por parte de la prensa especializada e impulsó a la banda a seguir mejorando. La Reina había ascendido un escalón más en su triunfal coronación que llegaría años más tarde con excelentes discos.
Piro
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Bloc Party – A Weekend in the City (2007)
Puntaje del Disco: 7,5
- Song for Clay (Disappear Here): 8,5
- Hunting for Witches: 8
- Waiting for the 7.18: 8
- The Prayer: 9
- Uniform: 7,5
- On: 7
- Where Is Home?: 6,5
- Kreuzberg: 7
- I Still Remember: 8
- Sunday: 7
- SRXT: 7,5
El vocalista y líder compositivo de Bloc Party Kele Okereke creo al sucesor del aclamado debut Silent Alarm como su mirada critica de la vida y costumbres en las grandes ciudades en el siglo XXI, pasando por temáticas como las drogas, sexualidad, soledad, racismo, homofobia y terrorismo. El titulo A Weekend in the City y la portada, la vista área de la autopista Oeste de Londres tomada por la fotógrafa alemana Rut Blees Luxemburg surgieron de estos tópicos urbanos a los que hacen referencia las letras.
Musicalmente el objetivo de Bloc Party era despegarse un poco del Indie rock convencional de Silent Alarm y la generalidad de los grupos de la época para introducirse en sonidos electrónicos, distorsiones y una instrumentación más sólida. La banda buscaba acercarse mas a un sonido alternativo al estilo Radiohead o TV on the Radio dejando un poco de lado las guitarras y expandiendo su paleta musical.
Cuando te dispones a escuchar A Weekend in the City, editado finalmente a principios del 2007, al comienzo te da la sensación que lograron su cometido, pero con el correr de los temas la calidad va cayendo y esta ilusión se va deshilachando. Las mejores canciones como “Song for Clay (Disappear Here)”, “Waiting for the 7.18”, “I Still Remember» y “The Prayer” casi en su mayoría se encuentran en la primera parte del disco el resto casi por completo se queda en una búsqueda distinta y valiosa pero nada mas.
La nueva dirección musical de Bloc Party enamoro a los críticos, considerándolos mas maduros y un paso adelante en su carrera, y al publico británico convirtiéndose en un suceso en todo el Reino Unido, pero no logro traspasar muchas mas fronteras (solamente pudo alcanzar los charts en Australia en el resto del mundo).
F.V.
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)
Highlight: Dire Straits
Top Ten de Dire Straits:
- Sultans of Swing
- Money For Nothing
- Walk of Life
- Romeo and Juliet
- So Far Away
- Tunnel of Love
- Heavy Fuel
- Calling Elvis
- Brothers in Arms
- Lady Writer
Piro
Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)
Eminem – The Slim Shady LP (1999)
Puntaje del Disco: 8
- Public Service Announcement: –
- My Name Is: 8,5
- Guilty Conscience: 9
- Brain Damage: 7,5
- Paul: –
- If I Had: 8
- 97′ Bonnie & Clyde: 9
- Bitch: –
- Role Model: 8
- Lounge: –
- My Fault: 6
- Ken Kaniff: –
- Cum On Everybody: 8
- Rock Bottom: 8,5
- Just Don’t Give a Fuck: 8,5
- Soap: –
- As the World Turns: 7,5
- I’m Shady: 8
- Bad Meets Evil: 7,5
- Still Don’t Give a Fuck: 9
Marshal Matters más conocido como Eminem fue el primer rapero blanco en ganarse el respeto de la crítica y en consagrarse en el mundo de la música desde los Beastie Boys. Inclusive genero más impacto y popularidad a nivel mundial que el trío neoyorquino. Eminem es uno de los grandes MCs de su generación, con una rapidez, fluidez e imprevisibilidad pocas veces vista y gracias a su mentor el reconocido rapero y productor americano Dr. Dre consiguió una base sólida musical para combinar su talento innato.
Su debut under Infinite (1996) paso sin pena ni gloria por las bateas de las tiendas discográficas pero para principios de 1999 todo el mundo sabia quien era “Slim Shady”
The Slim Shady LP salio a la luz en Febrero de 1999 generando impacto de inmediato en el mercado americano ocupando el puesto numero dos del ranking de Billboard. El hit que genero el salto a la fama del rapero blanco es la conocidísima, para la gente de mi generación especialmente, «My Name Is» logrando no pasar desapercibido para nadie, podían odiarlo o amarlo pero todos hablaban de el.
Las letras de Marshal generaron controversia de inmediato, sátiras, verdades incomodas desdibujaban la línea entre la realidad y la parodia y nunca estaba claro cuando hablaba en serio y cuando en broma, “Bonnie & Clyde” con la frase “Just the two us” en referencia a el y su pequeña hija habla de cómo se imaginaba matando a su esposa y deshacerse del cuerpo. Obviamente ha habido temas más violentos en la historia del rap pero lo más inquietante para alguna parte de la sociedad norteamericana en esa época que se le opuso de inmediato es con el horror, el detalle y el humor negro con que lo explicaba. Otra canción que genero controversias fue su segundo single “Guilty Conscience” que finaliza con Eminem aconsejándole a un hombre a matar a su esposa después de encontrarlo teniendo relaciones sexuales con otro hombre. Marshal se defendió de sus detractores argumentando que sus letras no debían ser tomadas tan en serio.
El valor agregado de la música de Eminem es el vocabulario amplio, la imaginación y el humor que le imprime a cada verso, ha habido pocos raperos tan bien dotados verbalmente como el diferenciándose claramente de sus contemporáneos. Luego de The Slim Shady LP todo el mundo lo conoció y su esperado siguiente trabajo no defraudaría y continuaría incrementando su éxito y al personaje en si mismo en que se convirtió.
F.V.
Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
The Fall – Live At The Witch Trials (1979)
Puntaje del Disco: 8
- Frightened: 8,5
- Crap Rap 2/Like to Blow: 7,5
- Rebellious Jukebox: 8
- No Xmas for John Quays: 6
- Mother-Sister!: 8
- Industrial Estate: 7,5
- Underground Medecin: 8
- Two Steps Back: 8,5
- Live at the Witch Trials: –
- Futures and Pasts: 8,5
- Music Scene: 7
Si The Velvet Underground fue precursor del proto punk en los sesenta, The Fall simbolizaría el post punk en los ochenta. Con su sonido disfuncional la banda liderada por Mark Smith se transformaría en un pilar que inspiraría a numerosos grupos underground de los ochenta, y sería fundamental en la constitución del rock alternativo.
Escuchar a The Fall implica tener la difícil tarea de tratar de disfrutar música no popular, no comercial y no hitera. Sus canciones son totalmente impredecibles, con estructuras descabelladas y no lineales. Es puro avant garde y experimentación tomado de la versión más pirada de la Velvet Underground o Syd Barrett.
Su álbum debut Live At The Witch Trials cuenta con mucho de eso. Es un disco integrado por canciones muy bizarras, con melodías incomprensibles concebidas por la extraña forma de hacer música de Mark Smith, combinando su particular interpretación vocal, con riffs de guitarra y teclado que se entremezclan generando atmósferas y ritmos caóticos para el oyente. Esto es interesante porque The Fall se hace fuerte y original en su irracionalidad y abstracción. Pero simultáneamente ninguna canción de Live At The Witch Trials es memorable. No hay clásicos para destacar si bien puedo decir que sobresalen canciones punkies como “Futures and Pasts” y “Two Steps Back”.
De todas formas, después de varias oídas y comprendiendo la naturaleza de The Fall como leyenda de culto, Live At The Witch Trials termina siendo un muy buen primer disco.
Persy
Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)