Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Polyphonic Spree

The Polyphonic Spree – Together We’re Heavy (2004)

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Puntaje del Disco: 8

  1. A Long Day Continues/We Sound Amazed: 8
  2. Hold Me Now: 9,5
  3. Diamonds/Mild Devotion to Majesty: 8
  4. Two Thousand Places: 8
  5. Ensure Your Reservation: –
  6. One Man Show: 8
  7. Suitcase Calling: 7,5
  8. Everything Starts at the Seam: 7
  9. When the Fool Becomes a King: 8,5
  10. Together We’re Heavy: 7,5

Toda la euforia y grandilocuencia con la que se conoció a The Polyphonic Spree en The Beginning Stages Of…. se pondría de manifiesto en su segundo trabajo Together We’re Heavy (2004). Con una propuesta aun más ambiciosa el rock coral sinfónico de la banda liderada por Tim DeLaughter suena pulido y más elaborado.

En la portada de Together We’re Heavy el grupo aparece vestido por túnicas de distintos colores en lugar de las ya características blancas que solían usar. El nuevo listado de temas comienza como una continuación de The Beginning Stages Of… cuyo ultimo track fue “Long Day” en este caso arranca con “A Long Day Continues/We Sound Amazed”. Resulta que los Sprees dividieron sus canciones de una curiosa forma, en secciones, en su primer álbum fueron de la sección 1 a la 10 y en este desde la 11 a la 20.

La clave en la música del grupo es que a pesar de las numerosas capas de sonido, el oyente no se siente abrumado ni aburrido – más despierta interés y son capaces de dejarte una sonrisa en la cara. Especialmente se destacan “Hold Me Now”, el hit del disco, si se lo puede denominar de esta forma y la grandilocuente “When the Fool Becomes a King” escuchar esto es garantía de buen humor.

Si te gusto su debut y te toco tu fibra sensible su música optimista y alegre pero te pareció un poco aburrido, su continuación me resulta más recomendable y adecuada para comenzar a descubrir el estilo particular (valga la redundancia) de este particular grupo.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Cobertura de Recitales, Pavement

Postales Dramáticas: Pavement en Argentina – La Trastienda 21/11/2010

3 comentarios

Cuando me enteré este año que Pavement había vuelto luego de 10 años de estar separados me pareció una más que grata noticia. Su reunión fue motivo para que hagan un tour por el mundo. Es así como se empezaron a especular con probables fechas en diferentes países. Pero lo que no esperaba es que la banda también aterrizaría por primera vez en la Argentina.

Su llegada al país los hizo formar parte del Hot Festival, en el que también tocaron importantes grupos como Massive Attack y Smashing Pumpkins. Además en esta época del año llegaron diversos artistas y grupos de renombre como Paul McCartney, Yes y demás vejestorios como Creedence. Por lo cual, la oferta era muy diversa y abundante. Sin embargo, decidí gastar mi dinero para ver a este grupo que supo ser uno de los mejores de los noventa. Y la elección fue acertada.

Pavement saldría al escenario de la Trastienda poco después de las 23:30hs. “Silence Kit” sería el tema que daría el punta pie inicial generando una revolución en el publico. Rápidamente “Shady Lane” aparecería muy bien recepcionado por la gente que coreó su encantador estribillo a morir: “A  Shady Lane, everybody wants one / A Shady Lane, everybody needs one / Oh My God, Oh My God,  Oh My God,  Oh My God”. La sucedería “Fight This Generation” acompañada por un pogo muy revoltoso.

De forma similar serían recibidos los grandes clásicos de la banda como “Trigger Cut”, “Cut Your Hair” y “Gold Soundz” en donde literalmente volaba gente!! Saltaban y se trepaban sobre las manos del resto para luego ser llevados al escenario y volver a tirarse sobre sus manos. Y ni hablar de la interpretación de “Unfair”, con su percusionista Bob Nastanovich (de muy buena onda y de comprobado comportamiento maniático) gritando el estribillo arrimándose a los fans.

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Luego, durante su presentación Pavement interpretó temas dinámicos como “AT&T” y “Stereo”, entremezclados con clásicos oscuros como “Grounded” y baladas esplendidas como “Spit On a Stranger”, “Zurich is Stained” y “We Dance”. Hasta que finalmente cerrarían (amagando en forma obvia) con la majestuosa “Range Life” (¿Con la letra modificada? ¿Algo que decir acerca de los Pumpkins?). En el Encore, interpretarían “Kennet District” (con Scott Kannberg en voces) y “Lions (Linden)”, hasta llegar al tan anunciado “Fin”.

Pavement brindó un show que no fue ni sofisticado como puede ser el de Radiohead, ni pirotécnico como el de Paul McCartney. Pero de igual manera fue muy bueno y divertido, especialmente para los adoradores del rock alternativo (nunca vi tantas remeras de Sonic Youth como en esta ocasión) que lo disfrutaron ayudados por lo acogedor del lugar (yo tenía a 2 metros a Stephen Malkmus). Lo cuestionable es que fue algo corto, poco más de una hora. Uno se queda con las ganas de escuchar clásicos como “Here”, “Elevate Me Later” y “Summer Babe”. A pesar de sus desperfectos estuvo genial. Esperemos que su reunión no sea solo esta gira y sigan componiendo nuevos discos en el futuro.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Yes

Yes – Tormato (1978)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Future Times/Rejoice: 6
  2. Don’t Kill the Whale: 4
  3. Madrigal: 5
  4. Release, Release: 4,5
  5. Arriving UFO: 5
  6. Circus of Heaven: 6
  7. Onward: 6,5
  8. On the Silent Wings of Freedom: 7,5

Hacia fines de la década del ’70 Yes había experimentado diversos vaivenes típicos de toda gran banda: éxito, fama, desencuentros, reencuentros y nuevos sonidos. Para la grabación de “Going Fort The One” de 1977, Patrick Moraz que había reemplazado a Wakeman, dejó su lugar en la formación para que el antiguo miembro retomara su puesto. Con una alineación estable, pero no sin antes sortear obstáculos entre los músicos respecto a la temática del siguiente álbum, en septiembre de 1978 se lanzó el noveno trabajo de Yes, “Tormato”.

El lanzamiento de este trabajo significó quizás uno de los puntos más flojos en la carrera de una de las grandes bandas de rock progresivo. Los discos que precedieron a “Fragile”, el máximo exponente de Yes, comenzaron a decaer levemente en la calidad, hasta llegar al momento más cuestionable que fue con “Tormato”.

Este disco se caracterizó por ser una transición entre el rock progresivo que venía haciendo la banda con los sonidos que llegarían en la década de los ochenta. En ese primer grupo se encuentran “Future Times”, con un gran aporte del teclado,  “On the Silent Wings of Freedom”, la mejor composición del disco, “Arriving UFO” y “Circus of Heaven”, que se ven matizados por distintas influencias  a las tradicionales en el grupo. Por otro lado, el resto de los temas, al indagar en nuevos horizontes musicales, fueron los causantes de la decepción que generó el álbum. “Don’t Kill The Whale”, sin llegar a ser una canción filantrópica, roza el pop ochentoso. Similar en estilo también encontramos a “Release, Release” que poco tiene que ver con el estilo de la banda.

Las altas expectativas que generaba un nuevo trabajo de una de las mejores bandas de rock progresivo no tuvo su correlato con este intento de Yes. Como muchas otras agrupaciones, Yes también sufrió el drástico cambio de dos décadas musicalmente opuestas.

Piro

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(Votos: 2 Promedio: 4)
Pink Floyd

Pink Floyd – A Momentary Lapse of Reason (1987)

10 comentarios

Puntaje del Disco: 3,5

  1. Signs Of Life: –
  2. Learning To Fly: 8,5
  3. The Dogs Of War: 3
  4. One Slip: 5,5
  5. On The Turning Away: 6
  6. Yet Another Movie: 4,5
  7. A New Machine (part 1): 2
  8. Terminal Frost: 5,5
  9. A New Machine (part 2): 2
  10. Sorrow: 4

La crónica de esta muerte anunciada se remite a los ochenta, una década que asesinó una infinidad de grandes bandas de décadas pasadas. Pink Floyd no pudo escaparle a esta suerte, y terminaría sucumbiendo de la mano de su guitarrista David Gilmour.

La historia de su suicidio cuenta que Gilmour y Waters pelearon porque Roger pensaba que musicalmente Floyd estaba terminado. Dave no estaba de acuerdo, no concebía la idea de que la banda se separara y quería seguir componiendo con el resto de los integrantes bajo el nombre de Pink Floyd, lo cual llevo a una disputa legal. La riña terminó con la deserción de Roger Waters quién inició su carrera como solista, y como era de imaginarse Gilmour se apoderó del liderazgo de Pink Floyd. Grave error que sería catapultado en el pútrido A Momentary Lapse of Reason.

A Momentary Lapse of Reason es el momento más bajo y desdichado en la carrera de Pink Floyd. Incluso odiado por los más fervorosos fans de la banda. Y no faltan motivos para que así sea. En este disco nos encontramos con un Pink Floyd tratando de “hacer de ellos mismos”. Peor aun, parece una banda soporte mediocre tratando de sonar como Pink Floyd. Estos muchachos se dedicaron robarse para mantener viva es imagen acabada de que son Pink Floyd. Mi pregunta es: ¿Cuál es el punto de hacer eso si sus composiciones son una absoluta porquería? Estimo que el Sr. Gilmour quería demostrarle a su ex compañero Waters que podían hacerlo. Pero simultáneamente el Sr. Gilmour eligió el camino equivocado para llevarlo adelante.

El álbum es asqueroso, incluso más repulsivo que muchos de los discos de hair metal que fueron editados en la misma época. La calidad, las letras y la producción de Floyd son nulas. Y además en su afán de llevar a cabo su idea de que “siguen siendo Pink Floyd” terminaron saturando los recursos que les dieron éxito en el pasado. Es así como nos encontramos con temas como “The Dogs Of War”, que viene a ser una grotesca replica de algún tema de Animals. También tenemos a “Yet Another Movie”, que contiene una melodía lenta, aburrida y monótona que trata de imitar los mejores momentos de Wish You Were Here. Y ni hablar de “A New Machine”, un fragmento electrónico patético que encima esta dividido (innecesariamente) en dos como si fuese “Another Brick on the Wall”. ¿Para que lo dividieron? ¿Para demostrar que es un álbum conceptual? El único concepto de A Momentary Lapse of Reason es que da vergüenza. No se salva “Terminal Frost”, un instrumental bastante tibio e inocuo. Ni tampoco “Sorrow”, una canción épica con un sonido metalero que me hace sentir pena por Gilmour.

El único rayo de esperanza esta en “Learning To Fly”, por lejos la mejor canción, un mini clásico que gracias a sus estereotipos ochentosos, hoy en día sobrevive en radios como Aspen. Pero este único número no alcanza para salvar este montón de basura.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
AC/DC

AC/DC – Fly on the Wall (1985)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Fly on the Wall: 6
  2. Shake Your Foundations: 7
  3. First Blood: 6,5
  4. Danger: 5
  5. Sink the Pink: 6
  6. Playing With Girls: 5,5
  7. Stand Up: 5
  8. Hell or High Water: 4
  9. Back in Business: 5,5
  10. Send for the Man: 4.5

Para mediados de los ochenta AC/DC pareció estar quedándose sin ideas de una forma alarmante y en su descenso en las ventas de discos comenzó a hacer notar esto, mas haya que su música siempre fue simple contaban con ciertos grados de inspiración y grandeza que alcanzo su pico máximo a finales de los setenta, grandeza que parece olvidada por lo menos por un buen rato en toda la década del ochenta.

Luego de un disco exitoso pero mas “Light” For Those About to Rock (We Salute You) de 1981,  AC/DC intentó volver al rock mas duro que los caracterizaba pero con muy pocas luces en Flick of the Switch (1983) y Fly on the Wall (1985) no es mas que una continuación de la mediocridad que la banda de rock australiana mas importante de todos los tiempos exhibió en los ochenta. Por otro lado es destacable el echo de que se reposeerán a la muerte de su líder carismático Bon Scott y hayan encontrado en el ingles Brian Johnson un vocalista que encajaba bastante bien dentro de sus expectativas musicales y continuaron de buena forma, en cierta forma era entendible el impasse que se produjo a mediados de los ochenta para luego reubicar fuerzas y volver con todo unos años mas tarde.

En el disco la voz de Johnson se pierde en el contexto de la música y parece estar muy en segundo plano, mas haya que algunos solos de guitarra de Angus Young salvan unas pocas canciones el disco es bastante chato y repetitivo, se lo podría calificar como el sonido de una banda que desesperadamente trata de revivir su carrera sin darse cuenta que lo mejor que podían dar ya paso, para destacar podemos mencionar “Shake Your Foundations”, “First Blood” y “Sink the Pink” pero siempre siendo muy generosos.

Seguramente cualquier fanático de AC/DC pensara que nunca hicieron un disco malo y que solamente por la presencia de los riffs de Angus Young el disco merece mejores calificaciones y  hasta se indignara con estas críticas, pero les recomendaría que en lugar de esto dejen de lado Fly on the Wall y escuchen un poco mas de Highway to Hell y Dirty Deeds Done Dirt Cheap, por solo nombrar dos de sus tantos discos que me encantan, y me darán un poco la razón.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4)
The Hollies

The Hollies – Stay With The Hollies (1964)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Talking ‘Bout You: 5
  2. Mr. Moonlight: 5.5
  3. You Better Move On: 5
  4. Lucille: 4
  5. Baby Don’t Cry: 6
  6. Memphis: 5
  7. Stay: 7
  8. Rockin’ Robin: 5
  9. Whatcha Gonna Do ‘Bout It: 6
  10. Do You Love Me: 4.5
  11. It’s Only Make Believe: 4
  12. What Kind of Girl are You: 5
  13. Little Lover: 5.5
  14. Candy Man: 5

En menos de un año The Hollies demostró cómo una banda principiante puede pasar de un hacer un disco mediocre a otro bueno. “Stay With The Hollies” fue la primera prueba que los ingleses no lograron superar. Afortunadamente, luego revertirían el camino con “In The Hollies Style”.

En este caso nos compete el desafortunado disco debut de una banda que se transformaría en impulsora de las invasiones británicas. A primera vista da la sensación que se trata de un grupito de aficionados que decidieron juntarse y ver cómo era eso de tocar en una banda. Es entendible que por aquellos años el rock n’ roll estaba en plena evolución, pero no habiendo recibido tanta influencia de los héroes de los cincuenta como Elvis Presley o Chuck Berry, The Hollies hayan producido un sonido tan desagradable.

Como muchas bandas de los sesenta, la mayor parte del repertorio estaba basada en covers. Si el cover era un modo de homenajear a los ídolos, no creo que a Chuck Berry le haya hecho mucha gracia la versión de “Memphis” o “Talking ‘Bout You”, mientras que  Ray Charles tampoco tuvo una mejor interpretación con “What Kind of Girl are You”. Todavía muy alejados de la armonía vocal que los caracterizaría luego, las canciones verdaderamente suenan mal.

Aunque el disco es mejor olvidarlo, hay algunas piezas rescatables como “Stay” de Maurice Williams o “Whatcha Gonna Do ‘Bout It” que le dan cierto sustento a este pobre material.

Piro

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(Votos: 2 Promedio: 4)
Aerosmith

Aerosmith – Rock in a Hard Place (1982)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Jailbait: 4
  2. Lightning Strikes: 6,5
  3. Bitch’s Brew: 6,5
  4. Bolivian Ragamuffin: 4,5
  5. Cry Me a River: 4,5
  6. Prelude to Joa­nie: –
  7. Joanie’s Butterfly: 8,5
  8. Rock in a Hard Place: 7
  9. Jig Is Up: 5,5
  10. Push Comes To Shove: 7

Muchos son los que piensan (incluida mi persona) que los setenta fue la mejor década de Aerosmith. Lamentablemente para ellos, llegaron los ochenta y encima con el desolador panorama de no contar con Joe Perry y Brat Whitford. Con su deserción, Jimmy Crespo y Rick Dufay se transformarían en los nuevos guitarristas que intentarían prolongar la existencia de Aerosmith.

Los antecedentes tampoco acompañaban a la banda. Venían de editar discos flojos como Draw the Line y Night in the Ruts. Y en su siguiente paso, Rock in a Hard Place, terminarían de dilapidar su mal momento.

Rock in a Hard Place es un álbum malo, pero no tan malo como la crítica especializada dictaminó. A favor (y tomándolo con pinzas) se nota que hay un esfuerzo de los nuevos guitarristas por rockear con un estilo malicioso, y perpetuar el verdadero espíritu de Aerosmith. Es un sonido más metalero, que realmente los hace parecer los chicos malos de Boston. Pero en contra del disco,  su hard rock es bastante genérico y monótono. Aerosmith se acerca al sonido del metal ochentoso, con falta de creatividad, y deja a Tyler como principal compositor, que no es lo mejor para el grupo ni siquiera asistido por la decencia de Crespo. Por eso se extraña la presencia de Perry.

De esta forma se siguen prolongando errores que no soporto como la power ballad “Cry Me a River”. Y los rockers, que son lo más redituable que ofrece Aerosmith, son duros, asperos y veloces, pero… mucho ruido y pocas nueces. Unos están bien y otros tienen un nivel bajo como “Jailbat” y “Jig Is Up”. Ni hablar de “Bolivian Ragamuffin”, que es tan malo como el nombre lo sugiere. ¿Qué es esto? ¿Hard rock compuesto por Evo Morales? El presidente boliviano lo hubiera hecho mejor.

La única destacada es “Joanie’s Butterfly”, una adorable canción psicodélica y la más bizarra que se podrá encontrar en todo el catalogo de Aerosmith. Lo que no entiendo es ese preludio relleno que le agregaron.

Rock in a Hard Place es un álbum indolente, pero no tan aborrecible. Sigo prefiriendo esta versión de Aerosmith a la chorreadera comercial de la actualidad que compuso algunas porquerías como “I Don’t Want to Miss a Thing”.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4)
T. Rex

T. Rex – Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Venus Loon: 7
  2. Sound Pit: 5
  3. Explosive Mouth: 8,5
  4. Galaxy: 5,5
  5. Change: 7
  6. Nameless Wildness: 5,5
  7. Teenage Dream: 7,5
  8. Liquid Gang: 5,5
  9. Carlisle Smith & the Old One: 4
  10. You’ve Got to Jive to Stay Alive – Spanish Midnight: 4,5
  11. Interstellar Soul: 4,5
  12. Painless Persuasion v. the Meathawk Immaculate: 5,5
  13. The Avengers (Superbad): 6,5
  14. The Leopards Featuring Gardenia and the Mighty Slug: 7

Tanx debería ser tomado como una transición entre la gloriosa era de T. Rex, de lo mejor de su carrera y hasta de la década en materia musical, y lo que conoceríamos mas adelante. Para finales de 1973 la estrella de Marc Bolan se desvanecía rápidamente, cuando Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow – A Creamed Cage in August (si, así de largo es el nombre completo) se edito en 1974 el disco recibió muy duras criticas, bastante entendibles teniendo en cuenta el potencial compositivo de Bolan. A resumidas cuentas lo desenfocado de este material fue la introducción de elementos “funkies” al sonido característico de T. Rex. Por un lado podría resaltarse la audacia de no mantenerse en lo sencillo y tratar de innovar embarcándose en un cambio de descubrimiento musical dejando atrás los hits y esa onda Glam que tanto había pegado a principios de los setenta.

Una adición determinante en este cambio fue la de la novia de Bolan, Gloria Jones, cantante soul encargada de los coros, no es que sea mala cantante pero simplemente sus gritos agudos no encajaban y terminaron gestando un hibrido una especie de Glam-funk que quizás fue la intención de Marc pero simplemente no funcionaba. Aun así Bolan pudo sacar de la galera melodías a la altura de su antiguo repertorio como “Explosive Mouth”, “Venus Loon”, “Teenage Dream” y “Change” contadas excepciones de un disco bastante decepcionante para la mayoría de los fans de T. Rex (siempre va a haber alguno que diga que es su favorito).

El álbum se podría describir sintéticamente en algo así como Bolan tratando de escapar de su imagen de ídolo adolescente pero al mismo no dejando duda a los oyentes que su mejor esfuerzo esta en el pasado, Zinc Alloy puso en jaque la carrera de T. Rex, pero los artistas con un talento prodigioso como Bolan siempre se las ingenian para sobrellevar y sobrevivir a estas desgracias musicales y reinventarse a si mismos como mas adelante lo probaría.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4)
The Traveling Wilburys

The Traveling Wilburys – The Traveling Wilburys, Vol. 1(1988)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Handle with Care: 9
  2. Dirty World: 8
  3. Rattled: 8
  4. Last Night: 7.5
  5. Not Alone Any More: 8
  6. Congratulations: 7
  7. Heading for the Light: 7.5
  8. Margarita: 7.5
  9. Tweeter and the Monkey Man: 8
  10. End of the Line: 8.5

Nelson, Otis, Lefty, Charly T y Lucky. Los hermanos Wilburys iniciaron sus caminos juntos a fines de los años ochenta en Los Angeles. Casi de casualidad, este quinteto se encontró en aquella ciudad y al ver que la química era buena, grabaron su primer disco y tuvieron bastante éxito.

Hasta aquí podría tratarse de cualquier banda de músicos que, como la mayoría, decidieron componer y tener fama y dinero. Sin embargo, si estos personajes se tratan de George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison, Tom Petty y Bob Dylan respectivamente, la historia no parece tan trillada. Aunque la realidad tuvo algo de eso.

La leyenda cuenta que después de una cena entre Harrison, Orbison y Lynne en LA con la excusa de grabar un lado B de una canción del ex Beatle, se dirigieron a la casa de Bob Dylan ya que contaba con un estudio acorde a las circunstancias. En el camino, como la guitarra de Harrison estaba en poder de Tom Petty, lo invitaron a la grabación. Al ver el buen entendimiento entre los miembros, en lugar de grabar una solo canción, extendieron la lista a diez y de esa manera quedó conformado el primer disco de una de las más grandes superbandas del rock.

“Handle With Care” iba a ser el lado B de “This is Love”, pero al ver lo buena que era, se incluyó en el disco. Aunque la canción no logró la posición en los charts que se merecía, se convirtió en el gran clásico de los Traveling Wilburys. Puede otorgársele la autoría a Harrison, quien tomó el título de una caja que vio en el garage de Dylan; pero por el compañerismo que había entre estos excelentes artistas, todas las canciones tienen el nombre de la banda. Un gesto que muestra cómo, incluso entre músicos consagrados, los egos se pueden dejar de lado.

Cada uno de los temas tiene la esencia del grupo, pero pueden apreciarse los aportes de cada miembro. “Rattle” es Roy Orbison puro, mientras que por citar otro caso, “Tweeter and the Monkey Man” no deja más lugar que pensar que sólo un grande como Dylan puede estar detrás de tal composición. El disco concluye con el otro clásico “End of the Line” en cuyo video se ve la imagen de una guitarra en una silla en homenaje a Orbison que había fallecido al poco tiempo del lanzamiento del disco.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Richard Ashcroft

Richard Ashcroft – Human Conditions (2002)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Check the Meaning: 8,5
  2. Buy It In Bottles: 4,5
  3. Bright Lights: 6,5
  4. Paradise: 6
  5. God in the Numbers: 6,5
  6. Science of Silence: 5,5
  7. Man on a Mission: 4,5
  8. Running Away: 5
  9. Lord I’ve Been Trying: 6
  10. Nature Is The Law: 7

Disculpen la expresión pero este disco es una porquería. Cuesta entender como un buen compositor como Richard Ashcroft llegó a hacer esto. No tiene sentido. Por algún motivo, Richard se preocupó por focalizar su música en una búsqueda espiritual sobre la vida. Por eso, su segundo trabajo solista, Human Conditions, es un disco cargado de canciones que constantemente tienen un aire santurrón y bíblico. Una temática aburridísima.

Pero lo más preocupante es que Ashcroft esta vez se encuentra en su nadir compositivo. Las letras, la música y las melodías de sus canciones apestan. Si a eso le sumamos que sigue saturando el uso de los clichés que le dieron éxito en The Verve (pero en un modo muy inexpresivo y fastidioso), Human Conditions se convierte en un fracaso.

Hay poco para rescatar del álbum. La mejor canción es “Check The Meaning”, que tiene un interesante juego de voces, pero en forma engorrosa dura unos innecesarios 8 minutos. Después de ella nos encontramos con una catarata de baladas triviales, muchas de ellas infladas, con Ashcroft constantemente haciendo sus cuestionamientos sobre dios y el amor. Que terrible. La melosidad de todos estos temas en su conjunto es inaguantable.

Pobre Richard, cuando uno piensa que le podía ir bien en su carrera como solista, lamentablemente discos como este demuestran lo contrario.

Persy

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