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The Clash

The Clash – Sandinista! (1980)

5 comentarios

Puntaje del Disco: 7,5

Disco 1:

  1. The Magnificent Seven: 10
  2. Hitsville UK: 6
  3. Junco Partner: 5,5
  4. Ivan Meets G. I. Joe: 6,5
  5. The Leader: 7
  6. Something About England: 8
  7. Rebel Waltz: 7,5
  8. Look Here: 6,5
  9. The Crooked Beat: 5,5
  10. Somebody Got Murdered: 9
  11. One More Time: 8
  12. One More Dub: 7,5

Disco 2:

  1. Lightning Strikes (Not Once But Twice): 8,5
  2. Up In Heaven (Not Only Here): 9,5
  3. Corner Soul: 7,5
  4. Let’s Go Crazy: 7,5
  5. If Music Could Talk: 5,5
  6. The Sound Of Sinners: 8
  7. Police On My Back: 9,5
  8. Midnight Log: 8
  9. The Equaliser: 6
  10. The Call Up: 9
  11. Washington Bullets: 8
  12. Broadway: 6,5

Disco 3:

  1. Lose This Skin: 9
  2. Charlie Don’t Surf: 9,5
  3. Mensforth Hill: 8
  4. Junkie Slip: 8
  5. Kingston Advice: 8
  6. The Street Parade: 7,5
  7. Version City: 8
  8. Living In Fame: 6
  9. Silicone On Sapphire: 6,5
  10. Version Pardner: 5,5
  11. Career Opportunities: 6
  12. Shepherds Delight: 4,5

Dios!! Cuanto tiempo me tomo hacer la revisión de este disco!! Sandinista! es un condenado álbum triple de The Clash. Lo cual implica 36 canciones!! Más de 144 minutos empaquetado en uno!! Y el triple de esfuerzo y tiempo dedicado para escucharlo con detenimiento y ejercer una opinión.

Así que esto es lo que pienso. Sandinista! es el trabajo más discutido en la carrera de The Clash. Esto se debe a que genera la misma cantidad de adoradores como de detractores… como si fuera una formula matemática. Y es entendible la opinión de ambos grupos de personas. Se lo puede odiar y/o amar por muchas razones.

Entre los aspectos positivos para resaltar de Sandinista! lo primero que podemos remarcar es que engloba la mayor variedad de estilos que The Clash desarrolló en su carrera: Punk, Reggae, Funk, Gospel, Rock Experimental, Hip Hop, etc. Superando en este aspecto incluso a London Calling. Lo segundo para destacar es que demuestra una gran maduración del grupo, alejándose en forma pronunciada de su semi-monótono punk inicial. Y por último podemos decir que Sandinista! contiene muchos de las mejores canciones que The Clash compuso en su trayectoria. Clásicos como “The Magnificent Seven”, “Police On My Back” y “Up In Heaven (Not Only Here)” lo dejan a uno con una sonrisa de oreja a oreja.

Sin embargo, no es un álbum triple perfecto como All Things Must Pass de Harrison. Los aspectos negativos de Sandinista! son tan pesados como sus virtudes. Y el más notorio de todos radica en la cantidad muy pero muy significativa de temas rellenos. Al menos la mitad de las canciones son desechos de reggae o números experimentales inmemorables y hasta olvidables. Esto hace de Sandinista! un trabajo demasiado extenso, más de lo necesario. El segundo problema aparece en que en pos de su crecimiento artístico, The Clash también se aleja en forma extrema de sus raíces. La actitud punk apenas puede distinguirse en su mensaje, como en el propio título “Sandinista”, que proviene de un grupo guerrillero nicaragüense. Pero sacando eso, la energía punk es prácticamente exigua. The Clash suena a un grupo excesivamente “ochentizado” y pretencioso.

En conclusión, Sandinista! representa mucho de lo mejor y lo más descartable de The Clash. Por eso mi posición es intermedia. No es una obra maestra… para eso tenemos a London Calling. Ni tampoco una basura… para eso tenemos a Cut The Crap. Es un buen álbum triple con sus atenuantes y buenos momentos.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Suede

Suede – Dog Man Star (1994)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Introducing the Band: 7
  2. We Are the Pigs: 9
  3. Heroine: 8,5
  4. The Wild Ones: 7,5
  5. Daddy’s Speeding: 8
  6. The Power: 8,5
  7. New Generation: 9
  8. This Hollywood Life: 8
  9. The 2 of Us: 9
  10. Black or Blue: 8,5
  11. The Asphalt World: 8
  12. Still Life: 8,5

La elegancia y el buen gusto se darían cita nuevamente en el rock británico con el segundo trabajo de Suede, el grupo liderado por el vocalista Brett Anderson y el guitarrista Bernard Butler tardaron tan solo un año en el sucesor de su exitoso debut homónimo.

Dog Man Star salio a las ventas a nivel mundial en Octubre de 1994 con un sonido un poco más calmo que su anterior material y orientado mas al sonido dominante de la época en las islas británicas, el Britpop. Con críticas muy favorables es considerado por muchos su obra maestra.

La moral del grupo no se encontraba en su mejor momento antes de la grabación del álbum, Butler había sufrido recientemente el fallecimiento de su padre lo que les genero la cancelación de fechas en su gira por los Estados Unidos y Anderson atravesaba por un momento complicado con las drogas que el mismo describía de esta forma: «Estaba con una gran cantidad de ácido en el momento, y creo que fue lo que nos dio la confianza para empujar los límites a la hora de componer».

Personalmente si bien no se puede dudar de la capacidad compositiva del dúo Anderson-Butler considero que mas haya de buenos temas como “We Are the Pigs”, “Heroine”, “New Generation” y “The 2 of Us” como conjunto el disco baja un poco el nivel tan perfecto de Suede pero no deja de ser lo suficientemente atrayente como para pegarle unas escuchadas.

Otro dato importante es que Dog Man Star es el último disco de la banda con Butler como guitarrista, la tensión entre Butler y Anderson se tornaba insostenible lo que genero el alejamiento del guitarrista luego de completar con el álbum, las cuerdas de Butler se extrañarían de acá en mas, a pesar de ello Suede siguió grabando algunos discos mas hasta principios del 2000 con diferentes resultados y repercusión.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Dire Straits

Dire Straits – Love Over Gold (1982)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Telegraph Road: 8
  2. Private Investigations: 7
  3. Industrial Disease: 7
  4. Love Over Gold: 8
  5. It Never Rains: 7.5

Dire Straits quería seguir con la fama y el éxito que “Making Movies” le había dado a comienzos de los años ochenta, y es por eso que, aprovechando el envión del reconocimiento, los británicos pronto ingresaron nuevamente a los estudios para darle forma a su siguiente material. En 1982 se presentó “Love and Gold”, el cuarto álbum de Mark Knopfler y compañía.

Este disco mostró al grupo en una faceta diferente, inclinándose hacia un intento de rock progresivo como puede apreciarse desde el inicio con “Telegraph Road” de 14 minutos en los que se crean altibajos mezclados con el piano y los acordes de la guitarra de Knoplfer. Aunque esta larga pieza no llega a los niveles de los discos conceptuales de los grandes especialistas de los setenta, es uno de los mejores pasajes del álbum. “Private Investigations” también arranca con cierto hilo de misterio creado por la guitarra acústica pero luego entran repentinos bateos, que conforman un instrumental que no termina de expresarse claramente.

“Industrial Disease” retoma al Dire Straits típico mezclado con los sintetizadores tan de moda por aquellos años. El título se refiere a la enfermedad que contraían los trabajadores de las fábricas británicas en decadencia.  En contraste y volviendo con la experimentación de la banda en nuevos sonidos, “Love Over Gold” es lo más cercano a un blues con matices de jazz. El nombre de la canción estuvo inspirado en un grafiti que Knopfler vio desde la ventana de su departamento en Londres.

El cierre del disco está  a cargo de “It Never Rains”, una linda balada que concluye con un muy buen disco. Si bien el intento de rock progresivo no resultó de lo mejor, “Love Over Gold” obtuvo buenas críticas y llegó al número uno de los charts británicos.

Piro

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(Votos: 2 Promedio: 4)
The Rapture

The Rapture – Echoes (2003)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Olio: 8
  2. Heaven: 8,5
  3. Open Up Your Heart: 6,5
  4. I Need Your Love: 8
  5. The Coming of Spring: 9
  6. House of Jealous Lovers: 9,5
  7. Echoes: 6
  8. Killing: 7
  9. Sister Saviour: 9
  10. Love Is All: 8
  11. Infatuation: 6,5

El éxito logrado por grupos como The Strokes y White Stripes ayudo a los neoyorquinos de The Rapture para posicionarse y tener cierta repercusión. Este trío formado en 1998 por el cantante y guitarrista Luke Jenner, el baterista Vito Roccoforte y el tecladista Chris Relyea había debutado sin pena ni gloria con Mirror (1999) caracterizando su sonido por una mezcla de estilos que van desde el post-punk, house, electrónica y rock.

Para su segunda incursión musical Gabriel Andruzzi tomaría el control de los teclados y aportaría también en otros instrumentos reemplazando a Relvea. El grupo empezó recién a rotar en las radios con fuerza a mediados del 2003 con su gran hit hasta el momento “House of Jelaous Lovers” considerada uno de los mejores temas de ese año que le dio a Echoes, editado en Septiembre de 2003, la promoción que le hacia falta.

En general es un disco bastante desconcertante por momentos uno parece sumergido en algo novedoso e increíble y en otros pasajes la voz y el estilo tan particular de Jennes llega hasta el punto de irritar. Los mejores momentos del álbum como la ya mencionada “House of Jealous Lovers”, “Sister Saviour”, “Heaven” y “The Coming of Spring” si hubieran estado apoyadas por un puñado de buenas canciones nos encostraríamos ante uno de los discos del año e inclusive de la década.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Oblivians

Oblivians – Soul Food (1995)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Viet Nam War Blues: 7,5
  2. And Then I Fucked Her: 5
  3. Big Black Hole: 5
  4. Jim Cole: 4
  5. Mad Lover: 7,5
  6. Sunday You Need Love: 6,5
  7. Never Change: 8
  8. No Reason To Live: 7
  9. I’m Not a Sicko, There’s a Plate in My Head: 7
  10. Blew My Cool: 7
  11. Cannonball: 6
  12. Nigger Rich: 7,5
  13. Bum a Ride: 5
  14. Anyway You Want It: 6
  15. Static Party: 5,5
  16. Ja Ja Ja: 5

A mediados de los noventa nacería un grupo punk que pareció una nueva generación de los Ramones: Oblivians. La banda estaba conformada por Eric Oblivian, Greg Oblivian y Jack Oblivian, imitando claramente el estilo de los Ramones para apellidarse. Lo curioso y distintivo de este trío es que los tres eran responsables por igual en las composiciones de sus canciones y en sus interpretaciones en vivo rotaban en Guitarra, Bateria y Voz (nada de bajo) como si fuera un equipo de Voley.

Musicalmente Oblivians es Garage Punk que en cierto punto es original por remitirse al rockabilly “Presleyano” que también desarrollo The Cramps en otra época. Sin embargo, la banda también es lastimosamente monótona y su álbum debut Soul Food es un buen ejemplo de ello.

Soul Food es un disco integrado por muchas canciones de uno o dos minutos de duración, que nuevamente demuestra su fuerte influencia Ramona. Estas canciones (como el genero lo sugiere) son violentas, sucias, furiosas y muy explicitas en sus letras (“And Then I Fucked Her” y “Nigger Rich” dan sobradas muestras para preguntarse qué diablos les pasa a estos tipos). Y como no podía ser de otra forma, Oblivians lamentablemente también copia la tediosa formula del éxito de los Ramones: canciones calcadas y vulgares, riffs repetitivos y ausencia general de buenos ganchos melódicos. Si le sumamos a eso una interpretación vocal estruendosa y cruda genera un coctel tan explosivo como desagradable.

A su favor Soul Food cuenta con algunos buenos riffs agresivos. Pero se pierden en la masa rabiosa del disco de forma tal que uno no recuerda un solo tema. Exceptuando a “Never Change” que es lo más memorable de Oblivians en Soul Food. Mucho más no hay para remarcar. Solo decir que a pesar de ser un disco regular, es disfrutable dentro de los estandartes del punk.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)
King Crimson

King Crimson – In the Wake of Poseidon (1970)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Peace – A Beginning: –
  2. Pictures of a City: 10
  3. Cadence and Cascade: 8,5
  4. In the Wake of Poseidon: 7,5
  5. Peace – A Theme: –
  6. Cat Food: 9
  7. The Devil’s Triangle: 8

En plena etapa de efervescencia y florecimiento del rock progresivo King Crimson nos volvería a deleitar con su segundo trabajo. In the Wake of Poseidon (1970) significo la primera variante en la formación de la banda, cuando el disco salio ya Michael Giles y Ian McDonald no formaron parte de la misma, especialmente se sintio la baja de McDonald que en los principios del grupo era el principal compositor y un verdadero talento y multiinstrumentista (destacándose particularmente en el mellotron, estas partidas le dejaron el absoluto liderazgo creativo Robert Fripp aunque la falta de composiciones fuertes de McDonald se notaron de sobremanera.

In the Wake of Poseidon es generalmente uno de los trabajos de Crimson menos valorados comparándola constantemente con su excelente disco debut y criticando querer copiar la formula del éxito del mismo. Mas haya de esto se notan ciertas diferencias, una orientación mas jazzera y con menos excesos, cuenta con momentos mas que valiosos como “Cat Food”, “Cadence and Cascade” y la mas interesante de todas “Pictures of a City” no tienen desperdicio alguno.

Las idas y venidas de integrantes, una de las características principales del grupo, continuarían acentuándose luego de su segundo material se alejaría Greg Lake para formar parte de Emerson, Lake & Palmer. Por suerte Fripp el principal integrante y verdadero núcleo del sonido de la banda siempre mantuvo su liderazgo y se las rebusco para convertir a King Crimson en un grupo emblemático en la historia del rock capaz de seguir editando materiales de primer nivel por mas de treinta años y con constantes cambios en su formación.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Bat for Lashes

Bat for Lashes – Fur and Gold (2006)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Horse and I: 8
  2. Trophy: 7
  3. Tahiti: 6
  4. What’s a Girl to Do?: 7,5
  5. Sad Eyes: 7
  6. The Wizard: 7,5
  7. Prescilla: 7
  8. Bat’s Mouth: 7
  9. Seal Jubilee: 6
  10. Sarah: 6,5
  11. I Saw a Light: 6

Bat for Lashes es en realidad el nombre artístico de Natasha Kahn, una cantante británica que se destacó como artista revelación en 2007 luego de la salida de su disco debut “Fur and Gold”.

De padre paquistaní y madre inglesa, Natasha nació en Londres a fines de los setenta y durante la adolescencia tras experimentar actos de racismo en el colegio, encontró en la música un refugio y un modo de expresión. Se graduó en música y artes visuales en la universidad, sus primeros trabajos estuvieron influenciados por Steve Reich Susan Hiller.

Con un estilo muy parecido a Bjork y también a Siouxsie Sioux, Bat for Lashes editó su primer álbum en Septiembre de 2006. El clima despojado creado por los particulares instrumentos que la artista toca, genera una atmósfera de misterio y fantasía que bien encajarían con un cuento de leyendas nórdicas. Las alegorías a ciertas criaturas extrañas también ayudan a la formación de este singular clima.

Entre los temas más destacados del disco se encuentran “Horse and I”, “What’s a Girl to Do?” y “The Wizard” que fue el primer corte. Son en general canciones que mantienen siempre un mismo tono sin despegarse de la delicadeza de la voz de Kahn. Este punto también puede ser visto como algo flojo del material, aunque si se analiza en su conjunto, parece correcto que siga esta misma estructura. Por último, en la versión estadounidense se incluyó un bonus track del tema de Bruce Springsteen “I’m on Fire”.

Piro

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Joe Cocker

Joe Cocker – Joe Cocker! (1969)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dear Landlord: 9,5
  2. Bird On A Wire: 8
  3. Lawdy Miss Clawdy: 8
  4. She Came In Through The Bathroom Window: 9
  5. Hitchcock Railway: 9
  6. That’s Your Business: 7,5
  7. Something: 8
  8. Delta Lady: 8,5
  9. Hello Little Friend: 7,5
  10. Darling Be Home Soon: 8,5
  11. She’s Good To Me: 6,5
  12. Let It Be: 7,5

Impulsado por el éxito de su presentación en Woodstock y por su excelente álbum debut, Joe Cocker se encontraba en el mejor momento de su carrera. Por eso no extraña que nuevamente en 1969 haya editado otro disco: Joe Cocker!.

El segundo disco de Cocker es una prolongación de lo que ya venía realizando. Una nueva colección de canciones en donde lo más destacado es su voz. Pero esta vez con una mayor abundancia de covers, algunos en donde la interpretación de Joe le da un toque distintivo y apasionante, y otros donde no le agrega mucho respecto de la versión original.

Entre los covers más destacados podemos encontrar en primer lugar el tema de Dylan “Dear Landlord”, en cual Cocker hace una versión más dinámica y divertida que la que se puede escuchar en John Wesley Harding. Tan divertida como la enérgica “Hitchcock Railway”. También hay canciones de cantautores como Leonard Cohen y John Sebastian, “Bird On A Wire” y “Darling Be Home Soon” respectivamente, que no están nada mal.

De sus adorados Beatles, en plena época de Abbey Road, Joe eligió justamente interpretar el tema de Harrison “Something”, que pese al esfuerzo y a la voz de Joe en esta chance no supera al encanto de la versión original. Lo mismo sucede con la balada “Let It Be”. Todo hace pensar que no se repetiría otro “With A Little Help From My Friends”, aunque en realidad “She Came In Through The Bathroom Window” aparece como el pop rocker beatle que prevalence sobre el resto.

Canciones de la autoría de Cocker hay muy pocas, contaron con la colaboración del pianista Chris Stainton y tampoco son las más distinguidas (la escritura no es lo suyo): “That’s Your Business” y “She’s Good To Me”. Pero el aporte de su nuevo productor Leon Russell sí sería importante, componiendo un par de canción, donde “Delta Lady” es la que más se resalta.

Esto fue lo que nos dejó el segundo disco de Cocker, otro muy buen disco, que junto a With A Little Help From My Friends conformaron lo mejor de su carrera.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Sonic Youth

Sonic Youth – Daydream Nation (1988)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Teen Age Riot: 10
  2. Silver Rocket: 10
  3. The Sprawl: 8,5
  4. ‘Cross the Breeze: 9
  5. Eric’s Trip: 10
  6. Total Trash: 9
  7. Hey Joni: 9,5
  8. Providence: –
  9. Candle: 8,5
  10. Rain King: 8,5
  11. Kissability: 9
  12. Trilogy: The Wonder: 9
  13. Trilogy: Hyperstation: 7
  14. Trilogy: Eliminator Jr.: 8

Los neoyorquinos Sonic Youth lanzarían al mercado su quinto trabajo Daydream Nation en 1988, luego de dos primeros LP experimentales difíciles para el gran público (Confussion is Sex y Bad Moon Rising) y los dos siguientes mas accesibles que les abrieron la puerta a una audiencia mas amplio (Evol y Sister).

Daydream Nation representa una conversión en el estilo de música del grupo, desde sus raíces Noise-rock hacia una sutil combinación de experimentación con guitarra y rock alternativo. Así se dispusieron a profundizar los caminos abiertos por sus dos últimos discos, el resultado fue una obra maestra de post-punk que representaría un aire fresco, teniendo en cuenta los dominantes sonidos de la época como el pop comercial y el insoportable hair metal que copaban la creciente señal MTV y la mayoría de las radios.

El cuarteto neoyorquino prefiere orientarse hacia un sonido lo mas sucio y estridente posible, un sonido revolucionario, explosiones sonoras, estructuras imposibles y textos tan impredecibles como su sonido, ubicándose claramente en las antípodas de la escena musical de la época.

Como nunca antes en un disco del grupo sus miembros principales brillan en forma bastante pareja, Thurston Moore, aporta guitarra y las melodías más pegadizas del álbum, poniendo la voz a la explosiva “Silver Rocket” y al anti himno “Teen Age Riot”. Lee Ranaldo aporta guitarra, oscuridad y los momentos mas confusos de Daydream Nation, sobresaliendo en “Eric’s Trip” y “Hey Joni”. No menos genial es la participación de Kim Gordon, una de los personajes femeninos mas interesantes en la historia del rock, dándole voz y toda su energía a “’Cross the Breeze” y “Kissability”.

Innumerables artistas se declararon admiradores de Sonic Youth, y particularmente de Daydream Nation, que significo el momento justo de madurez del grupo, empleando el ruido y el caos como vehicula para dar rienda suelta a toda su creatividad pero incorporando conceptos mas roqueros que resultaron mas que impactantes y determinarían su sonido de aquí en adelante.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)