Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Clash

The Clash – Give ‘em Enough Rope (1978)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Safe European Home: 9
  2. English Civil War: 8,5
  3. Tommy Gun: 8,5
  4. Julie’s In The Drug Squad: 8,5
  5. Last Gang In Town: 9
  6. Guns On The Roof: 7,5
  7. Drug-Stabbing Time: 8
  8. Stay Free: 8,5
  9. Cheapskates: 7
  10. All The Young Punks (New Boots And Contracts): 7,5

El debut inicial de The Clash los ubicó como otro grupo de punk a tener en cuenta. Sin embargo, musicalmente se encontraban en el paradójico punto de definir un estilo que los distinga de los Sex Pistols y los Ramones. Y es así como The Clash tenuemente se alejaría de su parentesco, lanzado su segundo disco de estudio: Give ‘em Enough Rope.

Este disco muestra un progreso, distanciándose de la monotonía más absurda de los Ramones, componiendo canciones más largas, menos repetitivas y con ganchos melódicos mucho más atractivos. Aún así Give ‘em Enough Rope no alcanza al ilustre London Calling.

Como sucedía en The Clash, la primera parte del disco es la mejor destacándose grandiosos pop rockers como “Safe European Home” y “Last Gang In Town”, y otros clásicos del grupo que fueron lanzados como singles como “English Civil War” y “Tommy Gun”. También está “Julie’s In The Drug Squad” que marca un poco las intenciones del grupo de variar en sus canciones incorporando el piano.

En la segunda parte baja tenuemente el nivel pudiendo encontrarse cortes como: “Guns On The Roof”, pecaminoso ya que copia el riff de “I Can’t Explain” de los Who; “Drug-Stabbing Time”, el numero más punky y ruidoso del disco, pero con atractivas melodías vocales que evidencian que temas como este superan a muchos números de su álbum debut; y “Stay Free”, distinta porque Joe Strummer pone la voz como si se tratase de un tema popy de los sesenta. Para finalizar “Cheapskates” y “All The Young Punks” cierran el disco sin pena ni gloria.

El disco no sería del todo bien recibido por la crítica, que argumentaba que no contenía la misma ferocidad acelerada que su álbum debut y que era menos Punk. Puras patrañas. Justamente es una cualidad positiva de Give ‘em Enough Rope, que a pesar de alejarse un poco del Punk tradicional (por así llamarlo), su agresividad sigue vigente incluso en sus letras.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Stevie Ray Vaughan

Stevie Ray Vaughan – Couldn’t Stand the Weather (1984)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Scuttle Buttin’: 8,5
  2. Couldn’t Stand the Weather: 8,5
  3. The Things That I Used to Do: 8
  4. Voodoo Chile (Slight Return): 8
  5. Cold Shot: 8,5
  6. Tin Pan Alley: 8,5
  7. Honey Bee: 8
  8. Stang’s Swang: 7
  9. SRV Speaks: –
  10. Hide Away: 8
  11. Look at Little Sister: 8,5
  12. Give Me Back My Wig: 7,5
  13. Come On (Pt. III): 9

El segundo álbum de uno de los mas grandes violeros de la historia Stevie Ray Vaughan, Couldn’t Stand the Weather (1984), hizo casi todo lo que un segundo trabajo debe hacer, confirmar los elogios de su debut y afianzarlo como artista.

A pesar de mantener este nivel también como saldo negativo se puede resaltar la falta de variantes en casi todas sus canciones ofreciendo más de lo mismo. De las trece canciones mas de la mitad son covers y dos de sus cuatro temas propios son instrumentales entre ellos se encuentran el clásico riff de “Scuttle Buttin’” para destacar, otros buenos temas que pasarían a la historia son “Come On, Pt. 3 “, “Cold Shot” y “Couldn’t Stand the Weather” y junto a la parte blusera del disco, “The Things That I Used to Do” y “Tin Pan Alley” donde lógicamente Stevie se mueve de maravillas son de lo mejor de este trabajo. Por su parte el cover del gran Jimi Hendrix “Voodo Chile (Slight Return)” tiene demasiada reminiscencia al original haciendo no tan atractivo.

Al igual que en su antecesor Texas Flood Stevie demuestra lo eximio guitarrista que fue y junto a algunas canciones interesantes y sus solos de guitarras ya justifican escucharlo aunque siempre queda la sensación de que con su talento se podría esperar algo mejor de el.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Ramones

Ramones – Leave Home (1977)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Glad To See You Go: 7,5
  2. Gimme Gimme Shock Treatment: 8
  3. I Remember You: 7
  4. Oh Oh I Love Her So: 7
  5. Sheena Is A Punk Rocker: 8,5
  6. Suzy Is A Headbanger: 6
  7. Pinhead: 7,5
  8. Now I Wanna Be A Good Boy: 6
  9. Swallow My Pride: 8
  10. What’s Your Game: 7
  11. California Sun: 8
  12. Commando: 7
  13. You’re Gonna Kill That Girl: 6,5
  14. You Should Have Never Opened That Door: 6

Ya bastante limitado y decepcionante me había resultado el infladísimo álbum debut de los Ramones. Por eso no esperaba con muchas expectativas su segundo disco: Leave Home.

En su segunda entrega puedo decir que los Ramones “mejoran”. Pero no es un progreso mayúsculo, simplemente sus canciones están cargadas de mejores melodías, gracias a la incorporación de armonías vocales a lo Beach Boys.

Sin embargo, los Ramones continúan siendo uno de los grupos más monótonos y sobrevalorados del planeta. La banda sigue sonando al compás del Johnny Ramone, con su estilo característico para tocar la guitarra: rasguido constante y super acelerado sin que se le caiga ni por asomo un solo de guitarra. Además, Leave Home es un trabajo nuevamente compuesto por 14 temas cortos, todos ellos construidos en base a 3 o 4 acordes y prácticamente calcados entre sí. En otras palabras, repitieron la formula de The Ramones pero esta vez no tuvieron la brillantísima idea de producir todo el trabajo con un tema de Bowie. No, en esta oportunidad directamente se robaron a si mismos reescribiendo su primer disco, transformando a Leave Home en algo esencialmente similar.

A pesar de mis comentarios “antiramonistas”, Leave Home está bien para pasar el rato y sacudir la cabeza, pudiéndose descubrir un puñado de buenos cortes que hacen la diferencia sobre el resto sin llegar a ser apabullantes: “Gimme Gimme Shock Treatment” es agradable principalmente por su estribillo; “Sheena Is A Punk Rocker” es el supuesto superclásico, entretenida al parecer la versión punky de los Beach Boys; “Swallow My Pride” es un tema más pop con una de las melodías más gratas del disco; y “California Sun” es un cover bastante bien versionado. El resto de los temas transforman a Leave Home y al punk de los Ramones en una experiencia tediosa y muy repetitiva hasta para la versión más tolerante de Don Ramón.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Radiohead

Radiohead – Amnesiac (2001)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Packt Like Sardines In A Crushd Tin Box: 6,5
  2. Pyramid Song: 9,5
  3. Pulk/Pull Revolving Doors: 5
  4. You And Whose Army?: 8
  5. I Might Be Wrong: 8
  6. Knives Out: 9
  7. Morning Bell/Amnesiac: 7,5
  8. Dollars & Cents: 6
  9. Hunting Bears: 5,5
  10. Like Spinning Plates: 8
  11. Life In A Glass House: 8

La incursión que adoptaría Radiohead con Kid A no solo definiría su andar artístico, sino que también le dejaría una serie de tapes para el recuerdo del fan compilados en lo que sería: Amnesiac.

El hecho de que Amnesiac sea un rejunte de cortes que no entraron en Kid A marca lo irregular que puede ser este disco. Sin embargo, así como existen cortes que justifican lo descartables que son, también se pueden encontrar gemas de Radiohead de sorprendente nivel.

Amnesiac es el hermano menor de Kid A, y como tal en su composición abundan canciones oscuras, abstractas, con mezcla de sonidos electrónicos y experimentales. Entre ellas se destacan principalmente 2 clásicos: “Pyramid Song”, un tema sinfónico sombrío de excelencia, y “Knives Out”, la más convencional del disco por su excelente melodía. En un segundo escalón se encuentran cortes originales en los que Radiohead juega con distintos estilos y efectos sonoros como: la jazzera “Life In A Glass House”, el oscuro funk “I Might Be Wrong” y la alienígena “Like Spinning Plates” (técnicamente elaborado en base al sonido de platos voladores). En un mismo nivel también están “You And Whose Army?” y “Morning Bell/Amnesiac”. El primero es un tema que no se aleja de la línea de “Pyramid Song”, con Thom Yorke cantando en forma mortuoria hasta que desenlaza su linda melodía final. Mientras que “Morning Bell/Amnesiac” es una versión inferior del tema de Kid A.

El resto del material de Amnesiac presenta temas medios vanos como “Packt Like Sardines In A Crushd Tin Box” y “Dollars & Cents”, mezclados con números que son puro relleno como “Pulk/Pull Revolving Doors”, un fragmento electrónico olvidable, y “Hunting Bears”, un corte instrumental con guitarras que no hacen nada interesante.

Amnesiac sería el disco más flojo de Radiohead desde Pablo Honey, pero ciertamente el excelente nivel de sus mejores clásicos hubieran ayudado a perfeccionar a Kid A.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Jet

Jet – Get Born (2003)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Last Chance: 8
  2. Are You Gonna Be My Girl?: 9
  3. Rollover DJ: 7,5
  4. Look What You’ve Done: 8,5
  5. Get What You Need: 8
  6. Move On: 8,5
  7. Radio Song: 8,5
  8. Get Me Outta Here: 7,5
  9. Cold Hard Bitch: 8,5
  10. Come Around Again: 8
  11. Take It or Leave It: 7
  12. Lazy Gun: 7
  13. Timothy: 7,5

El grupo australiano Jet incursionó con bastante fuerza en el mundo de la música con su rock crudo y pegadizo, como si sus coterráneos AC/DC y The Rolling Stones tocaran juntos. Oriundos de Melbourne los hermanos Nic (vocalista y guitarra rítmica) y Chris (batería) Cester crecieron escuchando rock clásico de los sesenta y setenta como The Who, AC/DC, Faces y particularmente The Beatles y The Rolling Stones y junto a dos miembros de la fabrica en la que trabajaban Mark Wilson (bajo) y Cameron Muncey (guitarra principal) a principios de esta década comenzaron a tocar en bares de Melbourne donde fueron descubiertos por una compañía discográfica.

Su disco debut se hizo esperar y para Octubre del 2003 el flamante Get Born comenzó a dar que hablar a nivel mundial vendiendo nada más y nada menos que 3 millones y medio de copias a nivel mundial.

Su primer corte “Are You Gonna Be My Girl?” fue una de las canciones del año y tubo mucha difusión y los ayudo a crecer bastante en popularidad, en el mismo sentido van buenas canciones rockeras por naturaleza como “Last Chance” y “Cold Hard Bitch”. También se los ve en buena forma con baladas del estilo “Stop Crying Yout Hearth Out” de Oasis o también de Keane, como en “Look What You’ve Done”, “Radio Song”, “Timothy” y “Come Around Again”.

El grupo recibió bastantes criticas negativas por su indudable inspiración en grupos clásicos antes mencionados a la hora de la composición como el caso de “Move On” una canción que tranquilamente podría ser de los Stones en su faceta country hasta por la forma de cantar de Nic Cester o la misma “Are You Gonna Be My Girl?” que tiene cosas indudablemente de «Lust for Life» de Iggy Pop. A pesar de esto Get Born es un disco que cumple con las expectativas con un promisorio álbum debut y que cualquier amante del rock del bueno lo va disfrutar mucho subiendo el volumen a todo lo que da y dejándose llevar por las melodías.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Wilco

Wilco – Yankee Hotel Foxtrot (2002)

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Puntaje del Disco: 9

  1. I Am Trying To Break Your Heart: 10
  2. Kamera: 9
  3. Radio Cure: 8
  4. War On War: 9
  5. Jesus, Etc.: 8,5
  6. Ashes Of American Flags: 8
  7. Heavy Metal Drummer: 8
  8. I’m The Man Who Loves You: 8,5
  9. Pot Kettle Black: 8,5
  10. Poor Places: 7,5
  11. Reservations: 6

El estilo experimental y el éxito de Summerteeth sería revalidado años más tarde por Wilco con su próximo disco: Yankee Hotel Foxtrot. Sin embargo, varios inconvenientes tuvo que superar la banda para que este nuevo trabajo se transforme en una realidad.

En primer lugar, durante las grabaciones del disco crecerían las tensiones internas del grupo, principalmente entre Jay Bennett (guitarrista y tecladista) y el resto, lo cual terminaría con la salida del meticuloso Bennett de Wilco. Además, a la hora del lanzamiento de Yankee Hotel Foxtrot, Reprise Records (una de las subsidiarias de Time Warner) lo rechazaría alegando que “no era comercial”. Wilco tendría que comprar sus grabaciones por 50000 dolares y permitiría la descarga del disco en su página web. Solucionado el asunto, este trabajo logró cosechar muchos elogios de la crítica y permitió que Wilco gane nuevos adeptos.

Yankee Hotel Foxtrot es un disco en el que Wilco acentúa el rumbo artístico que incursionaría a partir de Summerteeth. Jay Bennett junto a Jeff Tweedy terminan de hacer la vuelta de tuerca experimental de Wilco. Esta faceta experimental del grupo significó que Yankee Hotel Foxtrot siga una línea: canciones pop escritas por Jeff Tweedy que pierden el hilo con los arreglos que intencionalmente Wilco coloca para que suenen “anormales”. Es decir, la banda experimenta, o mejor dicho, se las ingenia para sus temas sean algo novedoso cuando en realidad se trata de canciones más bien simples. Este método puede embarrar los temas como sucede en “Reservations”, al cual le sobran 4 minutos.

Sin embargo, estas canciones simples y con su estilo atípico a la vez tienen algo para disfrutar, aunque en su mayoría resultan menos jugosas que los clásicos de Summerteeth. Salvando a “I Am Trying To Break Your Heart”, una canción mágica donde la formula de Wilco en los arreglos funciona, desde su percusión hasta su teclado. Logra acaparar la atención a pesar de su duración (casi 7 minutos) en todo momento, incluso en su desdibujado final a lo “Heroin” de la Velvet Underground.

El resto de los cortes no alcanzan el mismo nivel pero son ciertamente muy buenos, destacándose: “Kamera”, adorable por su guitarra acústica y alegre melodía; “War On War” es atrayente por sus encantador estribillo y al tratarse de una canción que se remite al episodio del 11 de septiembre que cambio al mundo; “I’m The Man Who Loves You”, muy disfrutable con su particular rock a lo Stone.

Con todas sus virtudes y desaciertos, Yankee Hotel Foxtrot se transformaría en su trabajo más vendido y lo ayudaría a Wilco a ser bien considerado y catalogado como los “Radiohead Americanos”.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
The Polyphonic Spree

The Polyphonic Spree – The Beginning Stages of… (2002)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Have a Day/Celebratory: 9
  2. It’s the Sun: 8
  3. Days Like This Keep Me Warm: 8
  4. La La: 8
  5. Middle of the Day: 8,5
  6. Hanging Around the Day, Pt. 1: 7
  7. Hanging Around the Day, Pt. 2: 8
  8. Soldier Girl: 9
  9. Light & Day/Reach for the Sun: 7,5
  10. A Long Day: 5

Cuesta encasillar a The Polyphonic Spree dentro de algún estilo particular o compararlo con algún otro grupo, tienen un estilo bastante particular e interesante, ellos mismos se describen como “sinfonía coral de rock”. Oriundos de Dallas, Texas lo integran 10 coristas, un par de tecladistas, un percusionista, baterista, bajista, guitarrista, flautista, trompetista, trombonista, violinista, arpista, entre otros instrumentos comandados por el cantante principal y fundador de la banda a finales de los noventa Tim DeLaughter.

The Beginning Stages of… (2002) fue su álbum debut, aclamado por la critica especializada. The Polyphonic Spree crearon la más eufórica y optimista música imaginable basándose en la orquesta que lo acompaña, evocando por momentos a bandas como Spiritualized y The Flaming Lips y aunque el disco cuenta con momentos difíciles de digerir como los 36 minutos de “A Long Day” en general es un muy buen trabajo debut destacándose “Have a Day/Celebratory”, “Soldier Girl”, “Hanging Around the Day, Pt. 2” y la psicodélica “Middle of the Day”.

Con su siguiente trabajo Together We’re Heavy afianzaría su lugar ganado en la escena alternativa actual y continuara sorprendiendo con canciones sinfónicas de alto calibre ideales para bajar un cambio disfrutando de algún momento relajado y de paz. Y no tan recomendables para aquellos que solo buscan hits pegasos o para los que amantes de los sonidos poderosos y el rock pesado.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Lou Reed

Lou Reed – Metal Machine Music (1975)

11 comentarios

Puntaje del Disco: 1,5

  1. Metal Machine Music, Pt. 1: 1,5
  2. Metal Machine Music, Pt. 2: 1,5
  3. Metal Machine Music, Pt. 3: 2
  4. Metal Machine Music, Pt. 4: 1,5

Existen porquerías inadmisibles en la historia del rock y Lou Reed, como todo músico, habrá tenido también discos malos en su carrera. Pero estoy seguro que ninguno es tan perturbante e irritante como Metal Machine Music.

Metal Machine Music es sin dudas el peor cáncer que compuso Lou Reed en su vida. Es francamente inaguantable. Pero la existencia de semejante bochorno tiene una causa. Al parecer Reed estaba peleado con su compañía discográfica porque lo presionaba para que componga un nuevo trabajo como Transformer. Lou Reed les había regalado un álbum netamente comercial como Sally Can’t Dance para complacerlos. Sin embargo, la discográfica no estaba satisfecha. Por eso Lou Reed los mandó literalmente “a la mierda” produciendo un trabajo provocativamente espantoso como respuesta.

Si se preguntan por qué es tan repulsivo Metal Machine Music la respuesta es muy simple: no hay melodías, no hay vocales, no hay una instrumentación interesante, no hay absolutamente nada atractivo. Con escuchar su primer minuto es suficiente para saber de que se trata íntegramente el disco. Metal Machine Music son más de 60 minutos de ruido y más ruido generados por un par de guitarras distorsionadas que no hacen más que atrofiarte los oídos. Es un conjunto de disonancias y zumbidos muy prolongados que resultan más molestos y perversos que escuchar el camión de la basura y el Kohinoor de tu casa sonando al mismo tiempo.

El disco está dividido en cuatro partes, todas musicalmente (?) iguales. Para diferenciarlas voy a describir las sensaciones que uno siente al oír cada una de ellas: en la primera parte, te preguntas qué es lo que estas escuchando y te dan ganas de cambiarlo como máximo al minuto y medio; si sos valiente y llegas a la segunda parte, el ruido va a empezar a atormentarte los tímpanos; la tercera parte es la mejor por una razón: te termina de aniquilar física y mentalmente (por eso le puse un 2 de puntaje); en el cuarto tramo, te das cuenta que seguis vivo y que tu paciencia esta más allá del bien y del mal, porque el ruido sigue sonando igual a todo lo que venías escuchando antes.

Si ahora se preguntan por qué no le puse un cero redondo, esto se debe a dos razones: 1) el contenido de Metal Machine Music es mejor que cualquier disco de cumbia villera; 2) Lou Reed demostró tener las agallas necesarias para lanzarlo y aún así no perder su prestigio como músico (se nota que Metal Machine Music fue adrede).

Respecto al disco Lou Reed dijo que no conocía a nadie que lo haya escuchado entero salvo él mismo. También dijo que el que llega a la cuarta parte es más tonto que él. Así que si lo quieren escuchar ya están advertidos. Yo fui más estupido que Lou Reed.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4)
Queen

Queen – Hot Space (1982)

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queen Hot Space

Puntaje del Disco: 5

  1. Staying Power: 4
  2. Dancer: 4.5
  3. Back Chat: 4
  4. Body Language: 5
  5. Action This Day: 4
  6. Put Out The Fire: 6
  7. Life is Real (Song for Lennon): 5
  8. Calling All Girls: 6,5
  9. Las Palabras de Amor: 7
  10. Cool Cat: 4
  11. Under Preassure: 9

Hacia 1981 Queen se consagraba como una de las grandes bandas de estadio luego de los multitudinarios mega conciertos que ofrecieron en la gira por América Latina, que incluyó a países como la Argentina, Brasil y México. Se calcula que más de 479.000 personas disfrutaron de dichas presentaciones en vivo. La gran popularidad de Queen también había llevado a que grabaran en aquel año el disco Flash Gordon como soundtrack para la película de ciencia ficción de igual nombre.

Si bien los ochenta habían comenzado de manera auspiciosa para Queen, los renovados sonidos de la década entrante repercutieron también en la música de la Reina. En 1982 se editó el que quizás sea uno de los menos logrados materiales de Queen: Hot Space. De tal magnitud fue la influencia que ejerció la escena musical de aquella época que la política de no utilizar sintetizadores quedó totalmente apartada y permitió que el álbum se basara prácticamente en el uso de los mismos.

Hot Space se caracteriza por apartarse del rock que venía ofreciendo la banda para darle lugar a la experimentación del dance, pop y especialmente dance. En “Staying Power” pueden notarse claramente los sintetizadores al punto que Deacon dejó el bajo para colaborar en guitarra con May. El siguiente track “Dancer” también se sustenta en los sintetizadores pero llama la atención por combinar el dance y ciertos toques de rock que rememoran a “Dragon Attack” de “The Game”.

Un ejemplo clásico de estas nuevas experiencias musicales por parte de Queen, se encuentra en “Body Language”, un tema que no utiliza la guitarra y se aparta totalmente del estilo rockero del grupo. La poca ropa de las participantes del video y la sugestiva letra hicieron que éste se convirtiese en el primer video censurado por la MTV.

La segunda parte del álbum intenta retomar los sonidos tradicionales del grupo como puede apreciarse en “Put Out the FIre”. Luego “Life is Real (Song for Lennon)”, como su nombre lo indica, es un tributo al gran Beatle en el cual se hacen referencia a algunas de sus canciones como solista tales como “(Just Like) Starting Over” y “Beautiful Boy”. Otra mención a acontecimientos sucedidos por aquellos años ochenta (además del asesinato de Lennon en 1980), se destaca en “Las Palabras de Amor”. Esta canción, compuesta por Brian May y que se inspira en el conflicto bélico de las islas Malvinas, surgió como respuesta a la gran relación que la banda había entablado con el público sudamericano.

El disco cierra con el inolvidable clásico “Under Preassure”, editado en colaboración con David Bowie durante las jornadas de grabación en Suiza. La magnífica línea del bajo y la impronta de Bowie hacen que Hot Space sea recordado simplemente por este gran tema.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)