Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Blur – Modern Life Is Rubbish (1993)

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Puntaje del Disco: 9

  1. For Tomorrow: 9,5
  2. Advert: 9
  3. Colin Zeal: 8
  4. Pressure On Julian: 8,5
  5. Star Shaped: 8,5
  6. Blue Jeans: 8
  7. Chemical World: 9
  8. Sunday, Sunday: 9,5
  9. Oily Water: 8,5
  10. Miss America: 7,5
  11. Villa Rosie: 8
  12. Coping: 8
  13. Turn It Up: 8
  14. Pop Scene: 9,5
  15. Resigned: 8,5

Blur se Formo en 1989 en Colchester. Conformados por el vocalista Damon Albarn, el guitarrista/vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. Es una de las bandas fundamentales en el auge del britpop en la decada del 90 junto con Oasis, Suede, Pulp entre otras. Influenciados por tendencias de Rock alternativo británico contemporáneo como la de Manchester y por históricos músicos y conjuntos británicos como The Beatles, The Who, David Bowie, Syd Barret y The Kinks.

Desde su álbum debut Leisure en 1991 rápidamente se convirtieron en una de las bandas mas grandes del Reino Unido disputándose una especie rivalidad con la otra gran banda del britpop Oasis por una absurda disputa que fue mas bien fogoneada por la prensa por ser las dos bandas emblemas británicas del momento y por algunas declaraciones poco felices de los hermanos Gallagher. Noel Gallagher llegó al extremo de desearles a Damon Albarn y Alex James que murieran de sida.

Modern Life Is Rubbish es su segundo disco de estudio y fue editado en 1993. El primero Leisure si bien tiene un par de canciones emblemáticas de Blur como There’s No Other Way, Sing y She’s So High no alcanzo a ser un disco destacado y compacto en su conjunto,

Es considerado el primer álbum de britpop y ha crecido considerablemente en relevancia desde su publicación, que inicialmente alcanzó el puesto 15 en las listas británicas. Se basaron en temas pop sencillos con estribillos muy pegadizos y conformaron un estilo propio y definido bien británico que lo continuaron en sus siguientes trabajos y pasaron a ser una marca registrada de Blur. Las mejores canciones del álbum son Sunday, Sunday, el clásico For Tomorrow, el neo-psicodélico Chemical World, Advert donde muestran una potencia inusual para el grupo y la excelente Pop Scene.

A pesar de que actualmente la banda esta disuelta y cada integrante esta abocado a sus trabajos solistas, el legado de Blur todavía permanece en Reino Unido, donde ayudaron a reinventar la música pop de guitarras con un enriquecimiento sabio de las tradiciones pop Británicas.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Lou Reed – Transformer (1972)

Lou Reed Transformer 1972 Persi Music

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Vicious: 9
  2. Andy’s Chest: 8
  3. Perfect Day: 9
  4. Hangin’ Round: 8,5
  5. Walk On The Wild Side: 9,5
  6. Make Up: 7,5
  7. Satellite Of Love: 10
  8. Wagon Wheel: 8
  9. New York Telephone Conversation: 7,5
  10. I’m So Free: 8
  11. Good Night Ladies: 7

Una vez que Lou Reed se separó de The Velvet Underground después de lanzar el álbum Loaded, comenzó su carrera de solista. En 1972 apareció su primer disco de solista que llevó el nombre de él mismo. El disco no tuvo mucho éxito. Lou Reed se encontraba en pleno declive hasta que apareció su amigo David Bowie para darle una mano y hacerlo resurgir en su carrera artística. De esta manera, con Bowie como productor y la colaboración de Mick Ronson (guitarrista y mano derecha de Bowie), Reed lanzó Transformer.

En Transformer Reed retoma un poco el sonido de The Velvet Underground y lo combina con el glam rock que se imponía en la época.

Sus temas varían desde muy buenos rockers como Vicious y Hangin’ Round, junto a baladas excelentes con pianos y coros que se transformaron en clásicos. Entre estas baladas  Perfecy Day (tan linda como nostalgica), Satellite Of Love y Walk On The Wild Side (tema crudo, el más famoso del álbum, inspirada en el entorno de Andy Warhol) son lo mejor que ofrece Reed en el álbum.

De esta forma, en base a los aportes Bowie y Ronson, Lou Reed con Transformer comenzaría a pisar fuerte en su carrera de solista, dandole al mundo uno de sus mejores discos.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (1991)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. The Power of Equality: 9
  2. If You Have to Ask: 8
  3. Breaking the Girl: 9
  4. Funky Monks: 9
  5. Suck My Kiss: 9
  6. I Could Have Lied: 9,5
  7. Mellowship Slinky in B Major: 7,5
  8. The Righteous & the Wicked: 8,5
  9. Give It Away: 10
  10. Blood Sugar Sex Magik: 8
  11. Under the Bridge: 10
  12. Naked in the Rain: 8
  13. Apache Rose Peacock: 8
  14. The Greeting Song: 8
  15. My Lovely Man: 9
  16. Sir Psycho Sexy: 8,5
  17. They’re Red Hot:

Los Red Hot Chili Peppers en la actualidad son unos de las bandas mas importantes y populares en el mundo, esto lo consiguieron recién ocho años después de su formación luego de editar su quinto album de estudio Blood Sugar Sex Magik, lanzado el 24 de septiembre de 1991.

Una de las mayores cualidades de este grupo californiano en su incursión en distintos géneros musicales que van desde el rock y el funk, hasta el punk rock y el rock psicodélico, basándose en gran medida en la energía del bajista Flea y en el excelente guitarrista John Frusciante, que abandono la banda luego de este disco pero volvería para formar parte de otro gran disco Californication.

El disco fue muy bien recibido por los críticos, que los elogiaron por no abrumar con riffs de guitarra de heavy metal, a diferencia de su anterior álbum. El primer single de Blood Sugar Sex Magik fue la canción Give It Away, gracias a ella la banda ganaría un Grammy por la mejor canción de hard rock, y conseguirían su primer Nº1 en los rankings. La promoción del disco continuo con la balada Under The Bridge, que fue un autentico hit a nivel mundial. En él, Anthony Kiedis, cantante y líder de los Red Hot, narra su batalla con las drogas.

También se destacan otros muy buenos temas manteniendo el estilo del disco como The Power Of Equality, Suck My Kiss, I Could Have Lied y Breaking The Girl. Blood Sugar Sex Magik es el álbum de despegue en la carrera del grupo es el álbum donde alcanzaron su madures musical y a mi entender uno de sus trabajos mas completos e importantes de su trayectoria junto con Californication (1999) y su ultimo trabajo hasta el momento Stadium Arcadium (2006).

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Oasis – The Masterplan (1998)

oasis the masterplan 1998 Persi Music

Puntaje del Disco: 8

  1. Acquiesce: 9
  2. Underneath The Sky: 8,5
  3. Talk Tonight: 8
  4. Going Nowhere: 8,5
  5. Fade Away: 8
  6. The Swamp Song: 7
  7. I Am The Walrus (live): 7
  8. Listen Up: 7,5
  9. Rockin’ Chair: 8
  10. Half The World Away: 8
  11. (It’s Good) To Be Free: 7,5
  12. Stay Young: 6,5
  13. Headshrinker: 6
  14. The Masterplan: 9,5

The Masterplan es un compilado de los mejores lados B de Oasis, que marca una vez más el talento de Noel Gallagher para componer canciones.

Al armar el disco muchas canciones quedaron afuera como Take Me Away, Round Are Way, Sad Song, D’ You Wanna Be a Spaceman?, Cloudburst, entre otros. Todos ellos bastante decentes, algunos más conocidos porque se interpretaron en vivo, como la alegre Round Are Way en su combinación con Up In The Sky. Tampoco se tuvo en cuenta a la excelente canción orquestada Whatever. Claro, ya que en realidad fue lanzado como un single, pero sin que forme parte de ningún álbum anterior.

Centrándonos más en el disco, algunos cuantos temas superan sin problemas a los lados A de sus primeros 3 discos, sobretodo de Be Here Now. Los cortes más destacados en The Masterplan son Acquiesce y la canción que lleva el nombre del mismo disco. Ambos temas son tocadas habitualmente en vivo, por eso son reconocidos. El primero es un rocker interpretado a dúo por los hermanos Gallagher, mientras que The Masterplan es una balada similar a Don’t Look Back In Anger, que la iguala en calidad. También están la psicodélica Underneath The Sky y Going Nowhere, ambos temas son tan buenos, pero infravalorados. Un escalón más abajo se presentan Talk Tonight, a manos de Noel y caracterizada por su simpleza, y Rockin’ Chair por su linda melodía. También están Listen Up, un tema decente pero peca por tener una introducción casi calcada a Supersonic, y Fade Away, un rocker “típicamente Oasis”, que lastimosamente roba la melodía de una canción de Wham. En el medio del disco están incluidas: The Swamp Song, un corte instrumental que usualmente el grupo tocaba en sus primeros años y que además apareció en los 2 pasajes transitorios sin título de Morning Glory; y su cover de I Am The Walrus, el cual simula ser una versión en vivo, pero en realidad fue grabada en estudio, y no brilla como una de sus mejores performances.

Cuesta entender como varios de estos temas no formó parte de sus trabajos iniciales. Sus canciones hubieran ayudado a levantar el nivel de Be Nere Now o contribuido a perfeccionar aún más Morning Glory.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Clash – London Calling (1979)

The_Clash_London_Calling_1979 Persi Music

Puntaje Del Disco: 10

  1. London Calling: 10
  2. Brand New Cadillac: 8
  3. Jimmy Jazz: 7,5
  4. Hateful: 8,5
  5. Rudie Can’t Fail: 9
  6. Spanish Bombs: 9,5
  7. The Right Profile8,5
  8. Lost In The Supermarket: 8,5
  9. Clampdown: 8,5
  10. The Guns Of Brixton: 9
  11. Wrong ‘Em Boyo: 8
  12. Death Or Glory: 8
  13. Koka kola: 7,5
  14. The Card Cheat: 7,5
  15. Lover’s Rock: 8
  16. Four Horsemen: 7,5
  17. I’m Not down: 8
  18. Revolution Rock: 8
  19. Train In Vain: 10

El punk agresivo de su álbum debut había logrado establecer a The Clash como uno de los mejores grupos de los setenta y en su segundo álbum, Give ‘em Enough Rope, comenzarían a mostrar indicios que los diferenciaba de los Sex Pistols y los Ramones. Sin embargo, recién en su tercer álbum, editado en 1979, The Clash alcanzaría su mejor momento: London Calling. En este trabajo logran empatizar aquellas características que le permitieron distinguirse adoptando un punk simple y autentico, incorporando a su estilo reggae y jazz.

London Calling es un compilado de clásicos de la banda aglomerados en un álbum doble algo pretencioso, en el cual no solo se deslumbra su variación en su género, sino que sigue siendo un punk con fuerte connotación política como en sus discos anteriores. Esto principalmente se marca nuevamente en sus letras, tales como en “Spanish Bombs” (con clara referencia a la Guerra Civil Española), “London Calling” (el más controversial y el mejor tema del álbum), “The Guns Of Brixton” (muy buen aporte de Paul Simonon, bajista del grupo). El resto de los temas de este disco también tienen su significado. “Hateful” hace referencia al consumo de drogas, “Clampdown” trata sobre el fascismo y “Lost In The Supermarket” habla sobre el materialismo. Además está “Train In Vain”, una especie de hidden track. Este tema estuvo cerca de no formar parte del álbum, pero su compositor, Mick Jones, se arrepintió ya que era muy bueno (y estaba en lo cierto) y decidió que formará parte de London Calling.

En general los temas de London Calling son muy buenos, en algunos casos excelentes. Por estos motivos la revista Rolling Stone lo calificó como uno de los 10 mejores de la historia y el mejor de los ochenta, algo medio estupido considerando que es de 1979. Aunque ciertamente, cuesta encontrar un álbum en los ochenta que superé a este en cuestión.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Stooges – Raw Power (1973)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Search And Destroy: 10
  2. Gimme Danger: 9,5
  3. Your Pretty Face Is Going To Hell: 8
  4. Penetration: 8
  5. Raw Power: 9,5
  6. I Need Somebody: 8,5
  7. Shake Appeal: 9
  8. Death Trip: 8

The Stooges es una banda no tan reconocida como deberia serlo, fue pionera y precursora tanto de la musica como de la cultura punk. Que luego llevaria al estrellato a grupos como Sex Pistols, Ramones entre otros.

Surgio en 1967 en Detroit, Estados Unidos y en su formacion incial se encontraba el cantante Iggy Pop, los hermanos Ron y Scott Asheton (guitarra y bateria respectivamente) y el bajista Dave Alexander.

En sus comienzos llamaban la atención con sus recitales de por mas violentos comenzaron a tocar en los clubes bajos de New York y la banda se hizo de una audiencia bastante interesante (el artista pop Andy Warhol, por ejemplo) que aceptaba con sumo placer ese ritual mas que animal, mas que agresivo, y mas que conmovedor, del que participaba quien quisiera. El propio Iggy describía la locura que se vivía en sus performances en vivo de esta manera, «En mis recitales me tiraron con pomelos, latas y botellas de cerveza, huevos, puchos, galletitas, porros, medias de mujer… y hasta una piña». Sus primeros dos álbumes, The Stooges (1969, producido por John Cale de The Velvet Underground) y Fun House (1970) fueron un fracaso comercial y el grupo se separó, y para colmo de males debían luchar contra problemas internos en los miembros de la banda la adicción a la heroína de Iggy y el alcoholismo de Alexander.

Sin embargo Iggy estaba decidido en reformar la banda y contó con un nuevo colaborador el guitarrista James Williamson, juntos co-escribieron todas las canciones de su próximo disco Raw Power. La forma de tocar de Williamson era más enérgica y atrevida que casi cualquier otro guitarrista contemporáneo, por ello, junto a sus letras creativas, muchas personas le consideran uno de los pioneros del punk. En la producción y el mezclado de Raw Power también participio otro gran músico y amigo de Iggy, David Bowie.

Las ventas de Raw Power fueron bajas, a pesar de esto la reputación del álbum fue creciendo en los siguientes años. La explosión punk en el Reino Unido en 1977 marcó el inicio del culto de este disco , una reedición del álbum entró en las listas de éxitos británicas en dicho año. En este disco se evidencia la presencia de James Williamson dándole mayor energía a la guitarra en temas como Search And Destroy, Raw Power y Penetration, en el disco también se destacan dos baladas oscuras como Gimme Danger y I Need Somebody.

Tras la grabación de Raw Power Iggy inicia un proceso de evolución interior y exterior, en lo musical y lo personal, dejando así de lado The Stooges en 1974 y emprendiendo su exitosa carrera solista.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Dream Theater – Scenes From A Memory (1999)

Dream Theater Scenes From a Memory 1999 Persi Music

Puntaje Del Disco: 10

  1. Scene One: Regression: 8
  2. Scene Two: I – Overture 1928: 9
  3. II – Strange Deja Vu: 10
  4. Scene Three: I – Through My words: 7
  5. II – Fatal Tragedy: 8
  6. Scene Four: Beyond This Life: 6
  7. Scene Five: Through her Eyes: 8
  8. Scene Six: Home: 7
  9. Scene Seven: I – The Dance of Eternity: 7,5
  10. II – One Last Time: 10
  11. Scene Eight: The Spirit Carries On: 8,5
  12. Scene Nine: Finally Free: 10

En el año 1999, la mejor banda de metal progresivo, “Dream Theatre”, edita su sexto disco, Scene from a Memory.

Este material tiene la particularidad de estar compuesto 12 temas que conforman una historia, la cual va variando de acuerdo a los distintos actos del mismo.

Comienza con una breve introducción, que lleva el nombre de regresión, la cual es el comienzo de los recuerdos de un joven q se relaciona con las muerte de Victoria Page.

A la introducción precede el tema Overture 1928, que junto con Stranger Deja Vu y Home son los temas mas progresivos del disco.

Por otra parte, podremos encontrar canciones como The Spirit Carries On o One Last time, que muestran el lado “pasivo” de este CD, dado que se involucran en el ambiente amoroso de la historia.

Para finalizar este material, se encuentra la pista Finally Free que concluye con el segundo acto del mismo.

Dejando un poco de lado la particularidad de que todo el disco esta creado en el ambiente de una historia, podremos apreciar el excelente trabajo que ha hecho cada uno de los integrantes de la banda, especialmente por John Petrucci y Mike Portnoy quienes fueron los que le dieron vida a este nuevo disco que seria considerado el mejor material editado por la banda de metal progresivo.

Luquitas Bonjo/Jony

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (1971)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Black Dog: 9
  2. Rock And Roll: 9,5
  3. The Battle Of Evermore: 9
  4. Stairway To Heaven: 10
  5. Misty Mountain Hop: 8,5
  6. Four Sticks: 8
  7. Going To California: 9,5
  8. When The Levee Breaks: 9,5

La aparición del cuarto álbum de Zeppelin tuvo un desenlace misterioso. Se caracterizaba por no tener nombre. En lugar de eso aparecieron 4 símbolos extraños que representaban a cada uno de los integrantes de la banda. Por inercia se lo denominó Led Zeppelin IV, también conocido como Zoso.

Led Zeppelin IV es el último de los discos esenciales de Zeppelin. Cada uno de ellos tuvo su aporte particular: Led Zeppelin I se caracteriza por el impacto que generó con su enérgico y singular hard blues; Led Zeppelin II por el consistente hard rock; y Led Zeppelin III por sus incursiones en nuevos rumbos y su eminente sonido acústico. Pero Zoso se identificaría por capturar todos estos elementos y potenciarlos de una manera extraordinaria, continuando a su vez con el misticismo oscuro y la mitología de la cual Robert Plant y Jimmy Page eran devotos.

Led Zeppelin IV empieza de la mejor forma con la poderosa combinación de sus más alabados clásicos rockeros “Black Dog” y “Rock And Roll”. Luego aparece la épica “The Battle Of Evermore” con una clara ambientación mitológica/medieval, haciendo un uso adictivo de la guitarra acústica. “Stairway To Heaven” sigue la misma tendencia épica, pero con el pequeño detalle de tranformarse en uno de los mejores temas de la historia del rock. Hay que decir que “Stairway To Heaven” fue erróneamente criticada por algunos por su longitud de tiempo. Pero lo cierto es que cada momento de la canción es apreciable y te eleva lentamente al «cielo», desde su guitarra y flautas iniciales, pasando por el legendario solo de guitarra de Jimmy Page hasta culminar con Plant enunciando la frase final: «And she’s buying a stairway to heaven». Magistral.

Para nuestra fortuna Zoso no se limita solo a este clásico. “Going To California” y “When The Levee Breaks” también están a la altura de las circunstancias. La primera es uno de los mejores temas de folk de Zeppelin que toma las influencias acústicas de su disco anterior. En cambio, “When The Levee Breaks” se destaca por su singular atmosfera escalofriante y apocalíptica.

Por estos motivos, Led Zeppelin IV se transformó en uno de los discos más importantes del rock y marcó uno de los mejores momentos del grupo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Nirvana – Nevermind (1991)

Nirvana Nevermind 1991 Persi Music

Puntaje del Disco: 10

  1. Smells Like Teen Spirit: 10
  2. In Bloom: 10
  3. Come As You Are: 9
  4. Breed: 8,5
  5. Lithium: 9
  6. Polly: 9
  7. Territorial Pissings: 8
  8. Drain You: 9,5
  9. Lounge Act: 8,5
  10. Stay Away: 8
  11. On a Plain: 8
  12. Something In The Way: 9

Nirvana no fue un grupo que paso desapercibido en la historia del rock mundial sin dudas cambio la música que se venia escuchando en la década del 80 y fue de gran influencia para muchos grupos alternativos que empezaron a surgir en los 90. Kurt Cobain, líder de la banda, (casi sin quererlo) se encontró referido en los medios de comunicación como «la voz de una generación», y a Nirvana como la «banda símbolo» de la «Generación X».

Nevermind fue publicado en Septiembre de 1991, es el segundo disco de Nirvana, anteriormente habían editado en 1989 Bleach con poco reconocimiento pero Nevermind los catapulto al éxito comercial a nivel mundial. El álbum alteró radicalmente el panorama musical, cambiando la atención del publico a buenahora del ya insoportable hair metal de los 80 al movimiento grunge basado en Seattle que dominó los primeros años de los 90 junto con otras bandas como Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden.

Con el éxito del archiconocido Smells Like Teen Spirit, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició esa explosión antes mencionada, el tema recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard. Pero obviamente lo bueno que es el disco no se debe solo a este tema, tiene otros clásicos del grupo como Lithium, In Bloom y Come As You Are y sobretodo mantiene el buen nivel en todas sus canciones haciéndolo un gran disco de principio a fin.

El álbum recibió diferentes menciones como, Numero 1 en «Los 90 más grandes álbumes de los 90s» por la revista especializada de música Spin, numero 1 en «Top 10 álbumes of the 90s» por Entertainment Weekly, segundo en «Top 100 de álbumes» por VH1, numero 17 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos entre otras.

La corta carrera de Nirvana concluyó con el suicidio de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores, convirtiendolo en una leyenda en la historia de la música.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 5)

Radiohead – Ok Computer (1997)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Airbag: 9
  2. Paranoid Android: 10
  3. Subterranean Homesick Alien: 9
  4. Exit Music (For A Film): 9
  5. Let Down: 9
  6. Karma Police: 10
  7. Fitter Happier:
  8. Electioneering: 8
  9. Climbing Up The Walls: 8,5
  10. No Surprises: 9
  11. Lucky: 9,5
  12. The Tourist: 8,5

En 1997 aparecería ante el mundo uno de los discos más importantes de la historia, OK Computer, la obra maestra de Radiohead que marcó un antes y un después en su carrera. Es un disco en el cual la banda hizo más ahondo en la experimentación, en un nivel muy creativo, en detrimento de las poderosas guitarras de rock alternativo que se podían escuchar en The Bends o Pablo Honey. De esta forma, Radiohead pasó a ser una banda que incursionó en el uso más intenso de sonidos abstractos, algunos más electrónicos y otros más hipnóticos, que se amalgamaron en canciones con estructuras más o menos convencionales, con diferentes matices para el aplauso y sin perder su propia capacidad melódica. En otras palabras, la nueva orientación de Radiohead derivo en un conjunto de clásicos de lujo que fue OK Computer y a su vez en su perfección.

El disco abre con “Airbag”, un pseudo rocker con un excelente riff de guitarra para aquellos que todavía añoran a The Bends, cuya letra nos habla sobre los accidentes automovilísticos y como un airbag puede salvarte la vida. Lo continua “Paranoid Android” que debe ser el clásico más rutilante de su carrera. Es un temaso (bastante freak por cierto) seccionado en distintos pasajes que nos permite explorar diferentes momentos y texturas. “Subterranean Homesick Alien” sucede el excelente nivel en un corte con un toque más convencional y simultáneamente con una atmosfera alienígena y oscura de pelos. Luego aparece “Exit Music”, otro tema sombrío que suena a reescritura de “Street Spirit”, y “Let Down”, melódicamente uno de los más hermosos por su teclado. Para cerrar está primera parte del disco tenemos a “Karma Police”, una brillante balada que nos habla sobre la persecución, que viene a ser el otro gran clásico de OK Computer a la altura de “Paranoid Android”.

En el medio del disco está “Fitter Happier”, una especie de poema o parodia robótica de Thom Yorke, recitado por computadora, que cumple un papel de transición similar a “Horse Latitudes” de los Doors en Strange Days.

“Electioneering” abre la segunda parte del disco con otro buen riff y melodía de rock alternativo propios del viejo Radiohead. “Climbing Up The Walls”, en cambio, retoma los momentos más siniestros de OK Computer, aunque no en un nivel tan brillante como en otros de sus clásicos. Después tenemos otro hit, “No Surprises”, melódicamente similar a “Let Down”, la cual nos relata como los gases o el monóxido de carbono es utilizado para suicidios. “Lucky” es otro himno tremendo, a mi juicio el más sombrío del disco. Es una balada que nos dice como una persona sobrevivió a un accidente de avión y se transformó en Súper Héroe. Finalmente, “The Tourist” cierra con una ambientación lenta y cautivante a este brillante disco que junto a Nevermind de Nirvana y Morning Glory de Oasis fue uno de los mejores de la década de los noventa.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)