Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Bon Jovi

Bon Jovi – These Days (1995)

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Puntaje del Disco: 4

  1. Hey God: 8
  2. Something For The Pain: 7,5
  3. This Ain’t a Love Song: 6
  4. These Days: 4,5
  5. Lie To Me: 4
  6. Damned: 5
  7. My Guitar Lies Bleeding In My Arms: 7
  8. (It’s Hard) Letting You Go: 3,5
  9. Hearts Breaking Even: 3,5
  10. Something To Believe In: 5
  11. If That’s What It Takes: 5
  12. Diamond Ring: 5,5

Nunca pensé que iba a extrañar tanto a Luquitas Bonjo como crítico de la página, hasta que escuché These Days de Bon Jovi. O tal vez, ahora entiendo por qué dejó de reseñar discos de Bon Jovi cuando llegó a esta altura de su discografía. Porque These Days no es otra cosa que el principio del fin de la banda.

Pese a que el Glam Metal nunca fue un género del cual tenga mucha afinidad, Bon Jovi supo cómo explotarlo ganando mucha popularidad en la década de los ochenta. Sin embargo, la poca originalidad del Glam Metal y su desmesurada comercialización se terminaría en los noventa. Por lo que Bon Jovi necesitaba un cambio. Y para mediados de los noventa con These Days intentarían evolucionar.

En These Days Bon Jovi para abandonar sus raíces buscaría tomar las influencias de otras bandas que fueron referentes en ellos, anclando sus colmillos principalmente en Aerosmith. Sin embargo, en lugar de emular lo mejor del conjunto de Steven Tyler, reproducirían su versión más decadente que casualmente también se vio en los noventa. De esta forma Bon Jovi se focalizaría en hacer Hard Rock, bastante inflado por las pretensiones de Jon Bon Jovi de transmitir emotividad en sus canciones (lo cual es traumático para el oyente). Y para transmitir esta pomposa y absurda necesidad de sonar emotivo, lo llenaría con una catarata de baladas de amor, como las insoportables “Lie To Me” y “Hearts Breaking Even” y la aburridísima “(It’s Hard) Letting You Go”. Estas Power Ballads hacen de These Days, un álbum no solo largo en duración (dura más de una hora), sino que  tambiénlo transforman en una experiencia exasperante. La única que podríamos salvar de esta clase es “This Ain’t a Love Song” porque su melodía funciona mejor, pero la fórmula que emplean es igual de insufrible.

En el resto del disco encontramos momentos en los que Bon Jovi demuestra no tener muchas luces como en la Funky “Damned”, con un Richie Sambora cuyo mayor aporte es sobreproducir la melosidad de Jon Bon Jovi. Al pobre Richie no se le cae un Riff o un solo de guitarra que sea memorable.

Pero no todos los temas son verdaderamente malos. “Hey God” y “Something For The Pain” es Hard Rock bastante sólido aunque no impresionante, pero sólido al fin. Mientras que “My Guitar Lies Bleeding In My Arms” (tomando como referencia “While My guitar Gently Weeps”) es el tema menos Bon Jovi del álbum, por su sonido más oscuro, más medido y sutilmente más blusero. Lamentablemente no llega a mayores por estirarse innecesariamente.

Pese a los esfuerzos de Bon Jovi, de aggiornarse, de tratar de adoptarse a lo que pedían los noventa, su época dorada (por así decirle) en los ochenta había terminado. E iría empeorando a lo largo de los años.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Sun Ra

Sun Ra – The Futuristic Sound of Sun Ra (1961)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Bassism: 7
  2. Of Sounds and Something Else: 8
  3. What’s That?: 9
  4. Where Is Tomorrow?: 8,5
  5. The Beginning: 8
  6. China Gates: 7
  7. New Day: 9
  8. Tapestry from an Asteroid: 6
  9. Jet Flight: 8,5
  10. Looking Outward: 7,5
  11. Space Jazz Reverie: 7

“Sun Ra” fue un gran músico estadounidense de la vanguardia jazzística. Fiel a sus ideologías y a su manera de ver la vida, buscó transmitir todo aquello a través de su música junto con su gran “Arkestra”. Sus discos navegan por temáticas desde ciencia ficción donde se pueden apreciar arreglos futuristas, teorías cabalísticas y hasta jazz clásicos de la época.

The Futuristic Sound of Sun Ra es un álbum enigmáticamente seductor desde un principio, con su portada que parece tener cierta influencia surrealista, donde se puede ver un tambor en medio de una especie de ola de teclas de un piano.

Todos los temas son instrumentales a excepción de “China Gates”. Un disco donde lo desconocido entra en juego y se contrasta con un jazz prolífico, con contrapuntos muy bien trabajados y ritmos percusivos que te aceleran el corazón mientras suenan melodías espaciales.

El primer tema “Bassism” es apasionante por donde lo mires, con una melodía atrapante y mística por parte de los vientos que se mezclan muy bien con el bajo que ayuda a crear una atmósfera muy particular, y una flauta por momentos tocando melodías notablemente ascendentes y descendentes. Sun Ra en el piano aparece de a ratos mucho más al frente para adornar alguna que otra parte. Todo esto y lo particular de que el tema parece ir y venir de a ratos, aparenta generar una sensación de ensueño.

El segundo tema “Of Sounds And Something Else” es un jazz mucho más clásico y traído a tierra que no deja de ser magnífico. Luego le sigue “What’s That?” la canción más corta del álbum pero qué zumba frenético en nuestros oídos.

Ya a partir del Quinto tema “The Beginning” y en “New Day” empieza a aparecer esa búsqueda sonora musical qué puede evocar en uno sensaciones de navegar en un vacío. Las congas sonando a todo ritmo con la batería junto a campanas y a alaridos de un cuerno, buscando dar un comienzo a algo latente en nosotros mismos. Generando sensaciones y clímax de misterio que contrarresta muy  bien con canciones como “China Gates”.

Leyendo los títulos de las canciones ya se puede apreciar algo de ello qué se quiere transmitir. Un espacio donde confluyen la música, el sonido mismo y una búsqueda infinita.

Luego “Looking Outward” vuelve a llevarnos a algún lugar de la cabeza del músico “Sun Ra” terminando con la percusión a todo ritmo. Y por último “Space Jazz Reverie” finaliza el disco para volvernos a traer a tierra con solos excelentes.

Chango S.

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Gorillaz

Gorillaz – The Fall (2011)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Phoner to Arizona: 6,5
  2. Revolving Doors: 7
  3. Hillbilly Man: 8
  4. Detroit: 6
  5. Shy-Town: 7,5
  6. Little Pink Plastic Bags: 7,5
  7. The Joplin Spider: 7
  8. The Parish of Space Dust: 7,5
  9. The Snake in Dallas: 5,5
  10. Amarillo: 8
  11. The Speak It Mountains: 6,5
  12. Aspen Forest: 7
  13. Bobby in Phoenix: 7,5
  14. California and the Slipping of the Sun: 7
  15. Seattle Yodel: –

Atravesando un momento de reinvención luego de Plastic Beach (2010), la banda virtual Gorillaz lanzó a fin de ese mismo año en época navideña, The Fall, exclusivo para descarga de fanáticos desde su sitio web inicialmente y en formato físico a los pocos meses.

“Literalmente lo hice de gira. No lo compuse antes, no lo preparé. Lo hice en el día a día de mi experiencia en America”, así describiría Damon Albarn la grabación, íntegramente en su propio iPad (el sueño de Steve Jobs) durante la gira Americana presentación de Plastic Beach.

The Fall carece de muchas virtudes que abundaban en sus primeros trabajos que a la fecha al tratarse de Gorillaz se toman como descontadas. Sin embargo, como punto positivo tiene una naturaleza experimental inédita y que lo hace valioso, al margen de encontrarse lejos de sus mejores estándares.

Otra diferencia es la escasa cantidad de invitados en contraste con sus comienzos. En esta ocasión acompañan a Albarn y los suyos: Mick Jones y Paul Simonon (ex The Clash), Bobby Womack y Pharrell Williams.

Sin demasiado más que ofrecer, The Fall será recordado (por pocos) como un retrato de la odisea estadounidense de Gorillaz, un especie de escape de lo que significan las horas de carretera y una productiva variante para matar el aburrimiento.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Staind

Staind – Dysfunction (1999)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Suffocate: 7
  2. Just Go: 6
  3. Me: 4,5
  4. Raw: 5
  5. Mudshovel: 6,5
  6. Home: 5,5
  7. A Flat: 6
  8. Crawl: 6,5
  9. Spleen: 5,5
  10. Excess Baggage (Hidden Track): 7,5

Staind es una banda formada en Springfield, Massachusetts en 1995 formada por el  cantante/guitarrista Aaron Lewis, el guitarrista principal Mike Mushok, el bajista Johnny April y el baterista Jon Wysocki.

A pesar de haber publicado su disco debut, Tormented, en 1996, no tuvieron mucho éxito hasta haber tocado con Limp Bizkit, donde Fred Durst los contrató para que el sea el productor de su siguiente disco, generando un vínculo de amistad poderoso junto con el resto de bandas con las que el mismo Fred estaba conectado.

Dysfunction fue su primer disco en una discográfica profesional, podría decirse su debut definitivo. Y al igual que el resto de las bandas de Nu Metal de esa época, tuvo un éxito masivo con singles como “Just Go” y “Mudshovel” con sus respectivos videos.

Cuando hablamos de guitarristas excelentes, tenemos a Mike Mushok como un gran conocedor de geniales riffs, y también es un profesional en la gama de conocimientos de afinaciones con las guitarras, y en este disco lo demuestra utilizando guitarras barítonos, acompañadas también de grandes líneas de bajo por parte de Johnny April. Los riffs son simples y oscuros y también generando distintas atmosferas, a pesar de haberse limitado a ser una simple banda de Nu/Post-grunge.

Lamentablemente, todo esto se hunde por el vacío compositivo y por las vocales del cantante Aaron Lewis. Si tendríamos que hablar del pináculo de las letras depresivas de Nu Metal, él es el hombre y el líder de todos los artistas que surgieron durante ese tiempo, llegando a generar un poco de “cringe” (un poquito de vergüenza) en algunas ocasiones (como en “Me”), incluso más de lo que hizo Limp Bizkit en sus peores momentos. Básicamente todo el disco habla de furia, rabia, tristeza y depresión de una manera vacía, y graciosa por momentos. Es una lástima porque Aaron tiene cierto talento compositivo (sobre todo si ves sus últimas performances en acústico como solista, y en este disco, en la pista oculta “Excess Baggage”), pero acá y quizás también en el resto de los discos de la banda se muestra exactamente igual de débil. Lo peor del disco está en el pre-estribillo de la pista “Raw” (minuto 1:10), arruinando la furia de la canción (iba siendo la mejor canción del álbum por lejos), con ese horrible “Inside I’m So Cold”. Aparte de la canción “Me”, pero bueno…

En fin, tenemos ciertas pistas como “Suffocate” que abre el disco de una manera genial, el single “Mudshovel” con un ritmo pegadizo, “A Flat” con unos riffs pesados (a pesar de las letras, el scream de Aaron Lewis tiene su relevancia acá) y “Crawl”, pero tampoco son la gran cosa, es más, son bastante débiles. El único gran momento del álbum ¡Viene a ser la pista oculta encima!… “Excess Baggage” es la única canción en la que Aaron justamente se deslumbra con una gran vocal y con su solitaria guitarra. Tranquilamente podría haber hecho un disco así como solista y hasta hubiese sido mucho mejor.

Dysfunction es un disco de Nu metal que podríamos decir que es de los más típicos. No sé qué puedo esperar de los siguientes trabajos de estos muchachos, considerando que según muchos este es el mejor álbum de la banda (creo que demasiado poco). Y por cierto, si se hacen llamar haters del Nu Metal, ni pasen por acá, ahórrense 40 minutos cortos de su vida.

Toto

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Yes

Yes – Close to the Edge (1972)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Close to the Edge: 10
  2. And You and I: 9,5
  3. Siberian Khatru: 8

¡Locura progresiva! Luego de la excelencia de Fragile, Yes se encontraba en su mejor forma como banda y, como no podía ser de otra manera, sucederían este álbum clásico, con otro trabajo de excelencia en el mismo año (1972). Estamos hablando de Close to the Edge.

Si algo caracterizó a Close to the Edge, es que es un álbum integrado por solo 3 canciones, pero… de larga duración. Ya en sus trabajos previos como en Fragile habían dado ciertos indicios en temas longevos como “Heart of the Sunrise”, pero romperían el molde con la canción que le da nombre del disco “Close to the Edge”, que se transformaría en su composición más épica hasta entonces.

En sus impresionantes 18 minutos, “Close to the Edge” te hace transitar distintas emociones. Primero una locura frenética entre guitarra y el teclado de Rick Wakeman, luego un pasaje más melódico, para luego darle lugar a una calma atmosférica y un cierre a todo pulmón. Mientras tanto, se pueden apreciar las influencias de la novela de Hesse y la temática religiosa/espiritual que arraigaba Jon Anderson.

A este clásico de Yes lo sucede otro, “And You and I”, con una duración nada despreciable de 10 minutos, también con sus diferentes fragmentos excelentemente logrados. Hay quienes la pueden llegar a preferir por sobre “Close to the Edge” por su melodía y lo que transmite.

Y para cerrar, “Siberian Khatru” la más normaloide y rockera de las tres,, y la que menos se destaca en lo que ofrece Yes, quedando eclipsada por sus antecesoras. De todas formas es un buen tema, pero pese a ser la más corta es en donde más se nota que el estiramiento innecesario de minutos puede ser contraproducente.

Close to the Edge sería reconocido con el tiempo como uno de los mejores discos de Yes y de Rock Progresivo (aunque en aquellos años no todos lo destacaban de esa forma). Pero no todo sería color de rosas porque tiempo después de terminar las grabaciones  Bill Bruford abandonaría su puesto en batería.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Jim O'Rourke

Jim O Rourke – Eureka (1999)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Prelude to 110 or 220/Women of the World: 8
  2. Ghost Ship in a Storm: 8,5
  3. Movie on the Way Down: 7,5
  4. Through the Night Softly: 8,5
  5. Please Patronize Our Sponsors: 7,5
  6. Something Big: 8,5
  7. Eureka: 9
  8. Happy Holidays: 8

Antes de implicarse de lleno en su participación con el legendario grupo de rock alternativo Sonic Youth en 1999, Jim O’Rourke grabaría, Eureka, para muchos uno de los mejores trabajos del año y hasta de la década del noventa.

O’Rourke, es un loco querible oriundo de Chicago que atravesó el circuito under por años, puede ser productor, multiinstrumentista, compositor o miembro de una banda, pero la única certeza es que sus proyectos llevaran su sello e identidad, de sorprendente talento.

Eureka es quizás su obra más llamativa y reconocible. Rock alternativo creativo y sofisticado pero bastante accesible a la vez, dentro de sus estándares, placentero para todo tipo de oídos.

Perfectamente planeado y sin detalles librados al azar, con canciones memorables y frescas, hacen de Eureka el primer disco a recomendar (a pesar de su perturbante portada) a la hora de descubrir a un artista avant-garde variado y totalmente desconocido por muchos y que merece una oportunidad para disfrutarlo.

F.V.

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Oceansize

Oceansize – Music For Nurses (2004)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. One Out of None: 9,5
  2. Paper Champion: 8,5
  3. Drag The ‘nal: –
  4. Dead Dogs An’ All Sorts: 8
  5. As the Smokes Clears: 8,5

Después de la salida de su mítico Effloresce, Oceansize decide abandonar un poco el rock alternativo duro y furioso que presentaba dentro de su terreno joven para embarcarse un poco más dentro de la experimentación y con ciertos entornos musicales agarrando para el lado del Post-Rock y la fuerte influencia de otros sonidos como el Sludge Metal en este caso.

Surgido de este experimento, nació el EP Music For Nurses un año después de la salida de Effloresce, y a pesar de ser un trabajo de corta duración, es el trabajo más oscuro y pesado de la banda, debido a la influencia de géneros como el Post-Metal, llegando a ser casi comparado con trabajos como los de Neurosis o Isis, totalmente alejados del sonido de su disco debut y definiendo el sonido único posterior de la banda.

Así tenemos pistas duras como “One Out of None”, la canción más pesada de la banda jamás hecha. Pistas casi vanguardistas y con pasajes casi jazzísticos como “Paper Champion”, semi-baladas complejas y súper experimentales como “Dead Dogs An’ All Sorts”, que conecta con la pesadez de “As the Smokes Clears”.

Fruto del sonido este mítico EP, saldría al año siguiente su segundo LP, Everyone Into Position, que vendría a demostrar mucho de este trabajo pero más consolidado, aunque no con estas mismas canciones y tornándose para un ambiente mucho más melódico y menos pesado.

Toto

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Eric Brosius, Josh Randall, Ramin Djawadi

Eric Brosius, Josh Randall, Ramin Djawadi – System Shock 2 (1999)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Irrational Games Logo: –
  2. Med Sci 1: 9
  3. Med Sci 2: 9
  4. Engineering: 9,5
  5. Ops 1: 8
  6. Hydro 1: 9
  7. Hydro 2: 7,5
  8. Ops 2: 7,5
  9. Ops 3: 7
  10. Command 1:7
  11. Command 2: 8,5
  12. Command 3: 7,5
  13. Rec: 8
  14. Credits: 7
  15. Intro Cutscene: –
  16. Cutscene 2: –
  17. End Cutscene: –

System Shock 2 es un juego que dejó maravillado a cualquier persona por tener unos elementos únicos de acción, estrategia, RPG y Survival Horror en su máximo esplendor. Un juegazo que estuvo demasiado arriba en su tiempo, y que hasta el día de hoy por muchos es considerado uno de los mejores juegos de horror y de ciencia ficción de todos los tiempos.

Sin embargo, nunca se lanzó un soundtrack oficial, los fans se tomaron la tarea de compartir libremente su banda sonora (es un bootleg, un lanzamiento no oficial y sin autorización). Y si el videojuego era totalmente envolvente y atrapante, esta mística banda sonora, no es la excepción.

Compuesta por Josh Randall, Ramin Djwadi (sí chicos, si, es el mismísimo compositor de la banda sonora de Game of Thrones, mucho antes de que se volviera famoso) y Eric Brosius, la OST de System Shock 2 está caracterizada por envolver en un ambiente completamente tenso al jugador en cualquier parte del videojuego en el que se encuentra.

A pesar de que es un disco que tiene muchos elementos de Drum And Bass y Electrónica, también tiene muchísimos elementos ambientales y atmosféricos sumamente tensos.

Los primeros tracks se caracterizan por una música industrial sumamente fuerte que se escuchan al iniciar el juego, y realmente estas son lo mejor de la OST. Si bien resultan ser composiciones algo simples, ponen en un estado de frenetismo y locura al jugador mientras juega los primeros terroríficos niveles.

El resto de la OST, desarrolla su atmósfera tensa y turbia, pero no mucho menos interesante. Se encuentra en su mayoría después de los primeros niveles del juego. Realmente se pierde la energía escuchándola aparte como OST pero dentro del videojuego es sumamente atrapante y chocante.

No hay mucho más que decir acerca de la banda sonora, es excelente. Pero sí hablando del videojuego, si les encanta un buen survival horror, RPG o cualquier juego relacionado a la ciencia ficción, no se pierdan esta maravilla de videojuego. Tiene muchos elementos que caracterizaron a muchos juegos RPG futuros de primera persona (Incluyendo Bioshock, que es de los mismos creadores). La historia y la trama son brutales y realmente te hacen entrar en miedo absoluto.

En fin, recomendable ambas cosas. Jueguen este clásico del survival horror y se darán cuenta por qué fue tan innovador en su época.

Toto

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Talk Talk

Talk Talk – The Party’s Over (1982)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Talk Talk: 7,5
  2. It’s So Serious: 8
  3. Today: 8
  4. The Party’s Over: 7
  5. Hate: 8
  6. Have You Heard the News?: 6,5
  7. Mirror Man: 7,5
  8. Another Word: 7,5
  9. Candy: 7

Mark Hollis es EL hombre detrás de Talk Talk. Tras la ruptura con su anterior banda, The Reaction, a principios de los ochenta, se juntó con el bajista Paul Webb, el baterista Lee Harris y el teclista Simon Brenner, con quienes grabaría una serie de demos llevándolos a grabar sesiones con la BBC y a firmar con la discográfica EMI.

Por ese entonces EMI buscó que la banda no se escapara demasiado del new wave y synth pop imperante, por ello les asignó al productor de Duran Duran con quien grabaría su disco inicial, The Party’s Over, un albúm totalmente alejado de lo que más adelante se especializarían, pero así y todo demostraron que podían desenvolverse más que dignamente en ese rumbo.

A pesar de ser criticados por su similitud a Duran Duran y que no haya nada demasiado novedoso, The Party’s Over cuenta con pasajes agradables y bien logrados dentro de su género como “It’s So Serious”, “Today”, “Hate”, “Mirror Man” y “Talk Talk”.

A partir de este despegue inicial que los dio a conocer, Talk Talk iría sofisticando su música y ofrecer propuestas mucho más elaboradas lanzamiento tras lanzamiento, desprendiéndose cada vez más de los sintetizadores y apostando por temas largos, experimentales, artísticos, con influencias de jazz y a su vez nulamente comerciales.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 3.5)
Panic! at the Disco

Panic! at the Disco – Pretty. Odd. (2008)

4 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. We’re So Starving: 9
  2. Nine In the Afternoon: 9
  3. She’s a Handsome Woman: 7
  4. Do You Know What I’m Seeing?: 7
  5. That Green Gentleman (Things Have Changed): 10
  6. I Have Friends In Holy Spaces: 9
  7. Northern Downpour: 9
  8. When the Day Met the Night: 8
  9. Pas de Cheval: 9
  10. The Piano Knows Something I Don’t Know: 7
  11. Behind the Sea: 8
  12. Folkin’ Around: 8
  13. She Had the World: 9
  14. From a Mountain In the Middle of the Cabins: 7
  15. Mad as Rabbits: 7

Lanzado en 2008, Pretty. Odd. fue el segundo disco de Panic! at the Disco, el cual significó un gran cambio con respecto a su predecesor (A Fever You Can’t Sweat Out del 2005). Tanto en el disco, como en la portada, sus videos, su ropa y en absolutamente todo se destaca una influencia “beatle” extrema. Y también es notorio es que Ryan Ross, guitarrista de la banda, toma el mando en cuanto a la composición musical (apareciendo como autor o coautor de 13 de las 15 canciones). En toda la obra Ross y Urie juegan a ser Lennon y McCartney.

Como los Beatles en el Sgt pepper’s, la banda arranca el álbum presentándose con “We’re So Starving”. Luego aparece “Nine In the Afternoon” y de nuevo suenan como los “fab four” de Liverpool, con un aire a “A day in the life” y “Hello Goodbye”.

Uno de los puntos fuertes del disco son las armonías vocales, muy bien logradas por ejemplo en “That Green Gentleman (Things Have Changed)”, una de las mejores canciones de la placa. En “I Have Friends In Holy Spaces”, una de las dos canciones no compuestas por Ross, Brendon Urie canta con su ukulele en un estilo music hall escuchado desde un vinilo. Esta canción le da paso a “Northern Downpour”, donde se empieza a oír cada vez más a Ryan Ross, quien será la voz principal en “Behind the Sea” (que arranca con un ritmo lento para terminar con uno totalmente festivo).

Otras canciones destacables son “Folkin’ Around”, de genero country con violines y guitarras, y “She Had the World”,  donde la música clásica está fuertemente presente.

Debido al rotundo giro musical, el disco no fue tan bien recibido por los fans y las ventas no fueron las esperadas, a pesar de no haber recibido malas críticas.

Este trabajo fue un antes y un después debido a que Ryan Ross y Jon Walker (bajista) dejarían la banda, quedando solo en ella Brendon Urie y Spencer Smith (baterista), volviendo a sus raíces musicales, y más adelante convirtiéndose en un proyecto solista de Urie. Por su parte Ross y Walker armaron The Young Veins, banda que seguiría la línea de Pretty. Odd. En las siguientes giras no se volvieron a tocar ninguna de las canciones del disco, algo lógico al no estar Ross en la banda.

Lamentablemente no será tan recordado, pero es increíble como la banda se animó a hacer algo tan distinto y tan bien logrado cuando podrían haber seguido con el estilo de su álbum debut que los había llevado a la fama previamente.

Atención: el disco no se digiere totalmente en la primera escucha ya que las siguientes reproducciones del mismo harán que se noten coros y arreglos instrumentales que no se percibieron la primera vez. En definitiva es un álbum de pop barroco y psicodélico grabado en 2008.

Tomás

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