Lanzado en 1973 el tercer disco de estudio de Paul Simon fue un verdadero éxito, recibiendo críticas muy favorables que también tuvieron eco en los rankings de aquel entonces.
Apelando a su estilo tranquilo y armónico en There Goes Rymin’ Simon, el artista acude además al gospel, como en «Love Me Like a Rock» o al conocido estilo Dixieland («Take Me to the Mardi Gras»).
Con esta producción Simon logró condensar lo mejor de sus tiempo en Simon & Garkunkel pero añadiéndole su estilo propio, que encontró su apogeo en los inicios de los setenta.
Kent fue una de las bandas de Rock Alternativo “suecas” más resaltantes de la última década, por no decir de una de las mejores de aquel país, con una discografía de 12 buenos álbumes de estudio. Lamentablemente la banda nos dejó en 2016 y con un minúsculo legado fuera de su país natal, ya que, más allá de que sus discos casi siempre alcanzaron primeros puestos en las listas suecas y a pesar de tener varios Grammis suecos bajo la manga, ellos no son muy conocidos fuera de la cultura escandinava.
Tal vez se deba a que la banda escribía en sueco, aun así, tuvieron dos intentos de expandirse al mercado de habla inglés. La primera con su tercer disco Isola con una versión normal en sueco y otra en Ingles, que no tuvo tanto éxito como se esperaba, así que lo volvieron a intentar con su cuarto disco Hagnesta Hill, llamado así por el lugar donde ensayaban, y a pesar de que los resultados fueron parecidos, puedo decir que tal vez es su mejor trabajo.
¿Y porque la versión inglesa y no la de habla sueca? Simplemente porque al igual que con Isola ambas versiones tienen un tracklist diferente, con una que otra canción nueva. Y aunque el idioma sueco suena muy diferente al inglés, las letras de esta versión caben muy bien en la melodía. No se nota nada forzoso, aunque tuvieron que hacer cambio liricos en algunas frases.
Por otro lado, aparte de que las canciones hablan del día a día, éstas poseen una esencia fría que transmite una buena sensación nostálgica, cosa que pocas bandas pueden lograr. Igualmente algunas tienen melodías pegajosas e incluso bailables, como en “Music Non Stop”, una de las mejores del álbum, o “Just Like Money”, con un sonido más cercano a lo que serían trabajos futuros. Además de que junto con “Quiet Heart” solo se encuentra en esta versión del disco.
Mientras que en canciones como “The King Is Dead”, “Kevlar Soul” o “Quiet Heart” simplemente nos encontramos con hermosas piezas que transmiten perfectamente lo que el disco quiere mostrar. Y aunque otras como “Rollercoaster”, “Protection” o “Cowboys” puede que sean el punto “bajo” del álbum con un sonido más calmado, cada una tiene una esencia diferente y única. Por lo cual podría decirse que el disco no tiene puntos bajos. Además termina con “Whistle song”, la canción más larga del disco y un cierre más que a la altura después de tantas sensaciones y emociones.
Hagnesta Hill es una pieza muy terminada, producida y con canciones las cuales ninguna sobra o está de más. Cada una tiene un papel importante con algo que decir, un disco que incluso en lo personal tendría un rotundo 10.
Muy recomendado si lo tuyo es el Radiohead de la época The Bends o OK Computer.
Originalmente el título que iba a tener esta nota era “Foo Fighters y Queens of the Stone Age en Argentina”. De hecho este poderoso combo de bandas era el atractivo principal para comprar las entradas de su presentación en Velez. Porque si bien Foo Fighters es una banda lo suficientemente convocante, pero si le sumamos a Josh Homme y compañía en la previa el poder se duplica.
Sin embargo, cuando fuimos a las inmediaciones del estadio nos encontramos con algo que no esperabamos: una organización que era un desastre, un TOTAL DESASTRE que nunca viví en los numerosos recitales a los que asistí en mi vida.
La entrada al campo era una doble fila (casi tripe) que era interminable y que avanzaba a paso Walking Dead monótono sin piernas. Eran fácil unas 15 cuadras de gente que llegaba hasta debajo de la autopista y parecía que nunca daba la vuelta. Y no había una sola persona de la organización (estaban todos reunidos boludeando literalmente en la entrada del estadio), sin policías (contamos 7 con toda la furia) y ni una condenada valla. Con el precio que pagamos inexplicablemente las únicas vallas estaban en la entrada y no cubrían más de 30 metros de longitud. Además había más vendedores de cerveza fría que gente de la organización.
En otras palabras, la organización para entrar al estadio fue tan deplorable que nos perdimos el recital de Queens of the Stone Age… E incluso pensamos que también nos perderíamos la presentación de Foo Fighters.
Hay que destacar la actitud de la gente que nunca perdió la cordura en semejante desastre organizacional, auto ordenándose para seguir la improvisada cola para entrar comiéndose toda su bronca. En el mientras tanto se escuchó el hit del verano “M.M. L.P.Q.T.P.”. Y si tenías celular se podían ver los Twitts de lo que opinaba la gente al respecto, donde mencionaban que irían a Defensa del Consumidor por la estafa y mofándose del nombre del organizador “All Access”.
Llamativamente pasadas las 21hs, la fila adoptó un paso veloz hasta que finalmente pudimos entrar al estadio. Abriendo el interrogando de: ¿Por qué corno no iba a esa velocidad antes?
En fin, llegamos a entrar a la cancha de Velez a las 21:30hs, cuando Queens of the Stone Age ya había terminado. Perdiendo así parte del dinero que pagamos por ellos en la entrada y la posibilidad de escuchar al menos un mísero acorde de ellos, porque los teníamos a 10 insufribles cuadras de distancia mientras tocaban.
Foo Fighters en su «insane» último show de su tour
Ya dentro del estadio, la cantidad de gente que había en el campo desbordaba. Y se podía ver el tipo de público que fue a verlos. Mayormente gente de entre 25 y 35 años, entre quienes abundaban más las remeras de Nirvana que las de Foo Fighters.
Alrededor de las 21:45hs los Foo saldrían al escenario interpretando “Run” (tal vez la mejor canción de su último disco) y arrancando así un torbellino desenfrenado de clásicos. La sucederían rápidamente “All My Life”, “Learn to Fly” y “The Pretender”. Luego aparecería otra destacada de Concrete and Gold, “The Sky Is a Neighborhood”, para luego dar lugar a temas de Wasting Light (su mejor álbum a la fecha), como “Rope”, en una versión extendida por su improvisación instrumental, “Walk” y “These Days”. En el medio tocarían “Sunday Rain” con Taylor Hawkins como vocalista principal y una versión semi lenta de “My Hero”.
El Show después se tomaría un respiro para que Dave Grohl interactúe con la gente con todo su carisma y sus expresiones cómicas. Hay que decirlo Dave es un verdadero Rockstar que disfruta de lo que hace y que puede llegar a ser hilarante con sus salidas. Taylor lo segunda en ese sentido, siguiendo sus chistes, y es un personaje que no sé si disfruta más martillar su batería o hacerse el Freddie Mercury cantando. Justamente en este interín Dave presentaría a cada integrante del grupo, quienes improvisarían brevemente un par de temas de Queen como “Another One Bites the Dust” y “Love of My Life” para presentarse. Además de “Blitzkrieg Bop” de los Ramones y una extraña interpretación que tenía la base de “Imagine” en teclado, mientras Grohl cantaba “Jump” de Van Halen sobre la misma. Y para cerrar este impase Taylor se daría el gusto de cantar “Under Pressure”.
Y a modo agradecimiento Grohl improvisaría una canción que llamaría “Argentina I Love You”. Dave en ese sentido siempre destacaba la locura de la audiencia argentina y lo que le encantaba sus coreos y terminar su tour en este país por ese motivo.
Con “Monkey Wrench” (un himno del Punk Pop al igual que “Breakout”) retomarían su vorágine de clásicos hasta que finalmente tocarían “Best of You” para hacer a todo trapo su primer aparente cierre.
En el encore final interpretarían 3 canciones finales (en parte negociadas en pantalla mientras se los esperaba con entusiasmo). La primera “Dirty Water” con sus coristas que por momentos parecían desatinar, luego la enérgica “This Is a Call” para luego darle lugar a la inmortal “Everlong”.
Fue un muy buen recital de Foo Fighters, donde se pudo escuchar sus canciones más esenciales demostrando la buena forma del grupo. Y si bien fue algo traumática la previa (y siento que tengo una mufa con ellos porque la vez anterior que vinieron se llovió todo), su presentación taparía el mal trago vivido.
Poco después de la caída del muro de Berlín, el gran Nick Cave decide ponerle fin a su excursión alemana y mudarse a San Pablo, Brasil, donde grabaría en 1990, The Good Son, su sexto álbum de estudio y uno de los más relevantes en su carrera.
En esta ocasión, Nick parece dejar atrás la furia y visceralidad de sus primeros años enfocando sus sofisticadas composiciones hacia una busqueda más calma, relajada y orquestal, cuestión que genero un divorcio con cierto sector de su público. Más allá de esto muchas de sus canciones capturan el talento y la elegancia del australiano gracias a la presencia de su voz única, como “Sorrow’s Child”, “The Weeping Song”, “The Witness Song” y “Lucy”.
Se dice que el viraje musical de Cave fue inspirado en gran parte a su nueva relación sentimental con la periodista brasileña Viviane Carneiro (con la que tuvo un hijo) y por su rehabilitación para dejar las drogas definitivamente. Lo cierto es que The Good Son le daría inicio a un inspiradísimo período durante la década de los noventa, lanzando discos fantásticos y superándose a si mismo con cada uno de ellos.
Lanzado en 1969, dos años después de su trágica muerte, Love Man fue el cuarto disco póstumo en la carrera de Otis Redding, que logró alcanzar importantes lugares en los charts de aquellos tiempos, especialmente impulsado por el corte que da nombre al título.
Los temas, grabados en 1967, muestran parte de lo mejor que el gran Redding dejó antes de partir, dejando en claro que todo lo que en todo lo que se proponía, lo hacía al cien por ciento. En “I’m a Changed Man” emplea el scat, un modo de improvisación en el jazz en el que se usan palabras y sílabas sin sentido, mientras que en “Direct Man”, utiliza elementos del góspel.
“Love Man” es sin dudas la canción más destacada, aunque también “A Lover’s Question” es otra interesante pieza de este muy buen material del recordado Otis Redding.
Wolf Alice logró sobresaler gracias al rock alternativo, sucio y distorsionado de su primer trabajo, My Love is Cool (2015), y lograría ensancharse hacía su costado más volado y psicodélico de su música en su segundo esfuerzo de estudio, Visions of a Life de Septiembre de 2017.
Para Junio de ese mismo año la banda había dado a conocer su primer single «Yuk Foo» en la BBC Radio 1, uno de los puntos altos aquí pero no el mejor, el dream pop de “Don’t Delete the Kisses”, la intensa “Formidable Cool” y la elaborada calma repleta de detalles en “Sadboy” se llevan los mayores laureles. Gracias a esta variedad demuestran que pueden abarcar casi cualquier estilo musical, suena algo más disperso que su antecesor pero demuestran el talento y que no estan asustado a tomar riesgos.
Visions of a Life reafirma el estatus de Wolf Alice dentro de la escena musical británica actual, como una de las mejores bandas británicas del momento, e ignora el síndrome del segundo álbum por el que atraviesan muchas bandas jóvenes con un formidable disco debut.
Por fin terminó la trilogía cristiana de Dylan, y así se fue una de las épocas más decepcionantes en cuanto a lo que Bob ofreció a nivel lírico y que incluso le significó resultados muy negativos comercialmente hablando. Pero en su reaparición y renovación tenemos a un Dylan que empieza a profundizarse en la década (asesina) de los ochenta. Y para ello sumaría incorporaciones de mucho renombre como Mick Taylor y Mark Knopfler, quienes colaborarían en la creación de Infidels.
En Infidels se ve levemente afectado por la influencia de los ochenta, de hecho, su mejor canción del álbum, “Jokerman” toma sutilmente influencias del Reggae en su ritmo. Pero realmente queda muy bien en su melodía y estribillo.
De todas formas, musicalmente hablando Infidels es un disco bastante normal y convencional en lo que ofrece. No hay nada que llame mucho la atención y eso incide en la calidad del álbum. La mayoría de sus canciones tienen un nivel promedio. Hay baladas como “Sweetheart Like You” que si bien resultan agradables no resaltan mucho tampoco. Entre ellas, además de “Jokerman”, se podría remarcar a “Neighbourhood Bully” con una base más rockera que es más propia de Mick Taylor.
Lo que sí se puede destacar del disco es la calidad de las letras de Dylan, que se emparejan con las Blood on the Tracks al contar mucho de desamores. Aunque también hay canciones que tocan temas de crítica social y protesta como “License to Kill” y “Union Sundown”.
Sin embargo, con las letras solo no alcanza si las composiciones no acompañan del todo. Un dato no menor es que “Blind Willie McTell” podría haber formado parte del álbum pero quedó descartada, una lástima porque podría haber resaltado más al disco. Aun así Infidels es un trabajo que presenta una mejora sustancial respecto de lo que fue su época cristiana y por eso hay que aplaudir esta reaparición de Dylan.
Desde que mis gustos musicales se expandieron, he encontrado a Green Day como una banda irrelevante en mi vida musical, y eso que soy gran fan de My Chemical Romance, un grupo que a caído últimamente en la etiqueta de “banda sobrevalorada”, y que en aquella época junto a otras más del sector “Punk Actual” sonarían bastante en las radios. Green Day es una banda que abrió completamente las puertas a una nueva generación con un disco que dejaría un legado de seguidores, con canciones que se volverían representativas de la adolescencia, y que agrupadas se convertirían en uno de los mejores álbumes “Rock o Punk actual” e icono instantáneo de los 2000.
Y todo comenzó cuando el álbum Cigarettes and Valentines de 20 temas fueron robados del estudio de grabación, lo cual envés de grabar todo de nuevo, decidieron desechar el proyecto y crear algo nuevo y más apegado al Greed Day rápido y más rabioso, y así fue como nació American Idiot el segundo álbum “cumbre” de su discografía, ya que el primero fue el clásico Dookie.
Y en éste a diferencia de aquel álbum, encontramos rock alternativo, baladas rock y el Punk Rock característico de Green Day (aunque en lo personal lo considero Rock Alternativo). Por otro lado, es más que sabido que American Idiot es una Opera Rock, basada en la historia Jesus of Suburbia, quien tiene una vida miserable y llena de excesos y su lucha para alejarse de estos. Su historia está plasmada en casi todas las pistas del disco.
Como la canción que da nombre al álbum American Idiot, que es más una crítica al gobierno de George W. Bush. Pero a partir de la pista “Jesus of Suburbia” comienza el concepto, una larga canción con 5 partes y diferentes cambios de ritmo, que en ningún momento se hace aburrida. Le sigue “Holiday,” una de las mejores del álbum por no decir una de las más conocidas del disco. “Boulevard of Broken Dreams” tal vez la mejor del disco, es una nostálgica canción que a cualquiera agrada. “Are We the Waiting” esta hecha en forma de himno, al mismo tiempo es una de las mejores del disco. Luego “St. Jimmy” al igual que “American Idiot”, es Punk Pop e incluso suelen parecerse en composición pero tiene una aura diferente. “Give Me Novacaine” es una de las que pasan desapercibidas, con momentos lentos y cambios agresivos “marca Green Day”. Le sigue “She’s a Rebel”, otra canción Punk Pop igualmente buena. Con “Extraordinary Girl” puede que te confundas con el comienzo con esa percusión, sin embargo se transforma una canción Punk Rock con un aura suroeste. “Letterbomb” tal vez es la más floja del disco, con un coro que no convence del todo, y además queda algo olvidada con “Wake Me Up When September Ends”, otro de sus mejores hits, dedicada al padre de Billi Joe Amstrong. Con “Homecoming” volvemos a 5 partes con cambios de ritmos, aunque suele ser un poco menos épica que “Jesus of Suburbia”. Aun así no se queda atrás e igualmente contribuye con la historia que finalmente culmina con “Whatsername”, otra de las mejores del álbum y un cierre más que a la altura de este buen disco.
Y aunque esa misma década sacaron 21st Century Breakdown igual de bueno, e intentaron repetir la fórmula con Revolution Radio en el 2016, American Idiot contiene los himnos de problemas y nostalgia que a muchos nos hizo cantar.
Hacia mediados de 1980 las cosas ya no andaban bien entre Glenn Frey y Don Felder, por lo que la continuidad de Eagles estaba al borde del abismo. Sin embargo las obligaciones que el grupo había contraído con su discográfica requería que se publicase un disco más. De este modo en noviembre de aquel año se lanzó un álbum doble que incluía presentaciones en vivo de temas de los discos que hasta entonces había publicado la banda.
Excepto algunas canciones grabadas en 1976, todo el resto de Eagles Live proviene de las piezas de los discos desde Hotel California hasta The Long Run. Por supuesto que los grandes clásicos están presentes, aunque faltasen otros interesantes canciones como «One of These Nights» o «Lyin’ Eyes», que en su lugar fueron reemplazados por temas del repertorio solista de Joe Walsh.
Si bien el disco terminó siendo un rejunte de temas por parte de Frey y Don Hanley, el material resultó un importante éxito comercial, que también incluyó la buena versión de «Seven Bridges Road» de Steve Young.
En general los últimos años de Pearl Jam son bastante subestimados por el público en general, claramente no hay ni abrá nada superior a Ten y la energía brutal del Pearl Jam incial será inigualable, pero con la experiencia y tanta música encima la banda de Seattle se fue profesionalizando y en sus conciertos (que siempre fueron unas de sus virtudes) suenan cada vez mejor, más compacta y efectiva que en sus comienzos.
Por todo esto, la idea de un disco en vivo compuesto por canciones grabadas en sus giras durante los años 2003 y 2009, en su mayoría con temas de discos de la década del 2000 (Riot Act, Pearl Jam y Backspacer) mechado con algunos clásicos infaltables y un par de covers era algo necesario.
El resultado de esta auspiciosa idea sería Live on Ten Legs editado en Enero de 2011 oficia de continuación de Live on Two Legs (1998), disco en vivo de Pearl Jam con lo mejor de sus primeros años. Como puntos altos de la selección de temas podemos destacar en primer lugar e inevitablemente a los clásicos: La fantástica version de “Porch”, las siempre efectivas e infaltables “Alive” y “Yellow Ledbetter”, algunos temas que superan sus versiones en vivo y forman parte del elenco estable en sus Set List desde hace años como “Nothing as It Seems”, “Rearviewmirror” y “Animal” y entre los más actuales las agradables “Unthought Known” y “Just Breathe”.
Live on Ten Legs es solo una pequeña muestra de las impecables performances tanto de Eddie Vedder en voces como de toda la banda en los últimos años, sonando cada vez mejor y mejorando con los años, formando parte sin ninguna objeción de la elite de leyendas del rock and roll de todos los tiempos.
F.V.
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