Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Led Zeppelin – Celebration Day (2012)

Puntaje del Disco: 8,5

Disco 1:

  1. Good Times Bad Times: 8,5
  2. Ramble On: 8,5
  3. Black Dog: 9
  4. In My Time of Dying: 9
  5. For Your Life: 8
  6. Trampled Under Foot: 8,5
  7. Nobody’s Fault But Mine: 7,5
  8. No Quarter: 8,5

Disco 2:

  1. Since I’ve Been Loving You: 8,5
  2. Dazed and Confused: 8
  3. Stairway to Heaven: 8,5
  4. The Song Remains the Same: 7,5
  5. Misty Mountain Hop: 9
  6. Kashmir: 9,5
  7. Whole Lotta Love: 9
  8. Rock and Roll: 8,5

¡Que viva el Rock! Celebration Day es el disco en vivo que evidencia nada más y nada menos que uno de los retornos más celebrados de una de las bandas más importantes de la historia. Es el retorno de Led Zeppelin después de mucho tiempo, por eso está muy bien puesto el nombre Celebration Day, pese a que la canción no integró el setlit.

La reunión de Zeppelin es un verdadero hito. Es algo que no se venía dando desde la separación del grupo. Lo más cercano fue el dúo que Plant y Page hicieron en los noventa para editar un par de discos, y que generó cierto malestar en John Paul Jones. Pero finalmente luego de limar asperezas los 3 integrantes de Zepp decidirían reunirse para brindar un recital en el London Arena el 10/12/2007. Y como batero, ante la ausencia de John Bonham, su hijo Jason le haría los honores para cumplir la difícil tarea de reemplazarlo.

Y en esa presentación son conscientes que no están en su época de gloria pero simultáneamente no desatinan. Los viejos piolas realmente rockean. Suenan pulverizantes, con una capacidad de sacudirte con su energía que podía ser impensada para su edad. Es Led Zeppelin nada más y nada menos señores. Es cierto que Plant a esta altura de su vida no está para llegar a los tonos tremendos que tenía en los setenta y que hasta puede olvidarse algunas líneas, pero su capacidad como vocalista está intacta y así lo venía demostrando en su carrera solista. El prodigioso Page con su pelo canoso, que lo hace parecer más místico que en su época de gloria (y también una especie de chino mafioso), y pese a los rumores de artritis, hace un esfuerzo tremendo en guitarra para reproducir los difíciles riffs y solos de Zeppelin. Jones, el tipo de perfil bajo de la banda, sigue con ese papel pero con un aporte que siempre es importante. Mientras que Jason Bonham, se podría decir que su padre estaría más que satisfecho con su trabajo.

Con mucha actitud, Led Zeppelin hizo un recial frenético, que no te da respiro desde el inicio con “Good Times Bad Times” y cuya principal virtud es la solidez que demuestran en todo momento, sin hacerse tanto los virtuosos pero sin dejar de disfrutar lo que hacen y sin olvidarse de lo que son.

En cuanto a la selección de temas, en el primer disco se podría decir que tenemos los temas menos rutilantes, a punto tal que raramente incluyeron a “For Your Life”, que tiene el condimento especial de que nunca en su vida la habían interpretado en vivo y no suena nada mal. Entre ellas se destacan “Black Dog” como la más movilizante y “In My Time of Dying” como una verdadera epopeya rockera.

El segundo disco en cambio sí tiene los clásicos más reconocidos. Sin embargo, en canciones como “Since I’ve Been Loving You” se evidencia la edad que tienen. Ni a Jimmy ni a Robert se les puede pedir tanto en guitarra y en voz, para una canción tan exigente e impresionante. Pero la sobrellevan muy bien. Lo mismo sucede en “The Song Remains the Same”, donde Jimmy es un poco desprolijo en sus distorsiones de guitarra. De hecho en “Dazed and Confused” ofrece más distorsiones que solos de guitarra. Pero lo que hace igual es entretenido y la banda nunca aburre.

La versión de “Stairway to Heaven” no será la original pero también es muy buena. Sin embargo, lo mejor de este segundo disco aparece en la segunda mitad. “Misty Mountain Hop” es una verdadera sorpresa porque resulta ser uno de los números más divertidos y consistentes de su presentación. En “Whole Lotta Love” le ponen muchísima onda, no solo interactuando con la gente, sino en la interpretación general. Pero la más impresionante es “Kashmir”, que suena realmente gigante, a punto tal de emocionarte.

En el encore final interpretarían “Rock and Roll”, una canción infaltable, que es la insignia de lo que son, uno de los mejores grupos de Rock de todos los tiempos. Y así lo plasmaron en este disco, que si bien no es la mejor presentación que tuvieron, es un registro tan sólido como emotivo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Lou Reed – Take No Prisoners (1978)

Puntaje del Disco: 8,5

Disco 1:

  1. Sweet Jane: 8
  2. I Wanna Be Black: 9
  3. Satellite of Love: 10
  4. Pale Blue Eyes: 8
  5. Berlin: 9,5
  6. I’m Waiting For The Man: 7,5

Disco 2:

  1. Coney Island Baby: 10
  2. Street Hassle: 6
  3. Walk On The Wild Side: 5
  4. Leave Me Alone: 8

Take No Prisoners es un álbum algo irregular. En él, Lou Reed interpreta varias de las versiones más memorables de sus canciones, a la vez que destruye algunos de sus clásicos.

Es un disco bastante curioso, donde se muestra el lado más divertido del neoyorkino. En algunos cortes, Reed hace chistes («cheap dirty jokes» los llama el), comentarios irónicos, cuenta anécdotas, historias sobre sus canciones, e interactúa con el público. Esto queda bien cuando lo hace de forma moderada (como enI Wanna Be Black”), pero a veces se le va la mano y termina extendiendo demasiado sus canciones. La versión de “Walk On The Wild Side” es un ejemplo de esto. ¡Son casi 17 minutos en los que Lou apenas canta la canción!

Por otro lado, la interpretación vocal de Reed es bastante correcta cuando se trata de sus potentes gritos, que les dan cierta fuerza a los temas. Pero cuando intenta cantar más melódico (como en “Pale Blue Eyes”) no suena tan bien.

Sin embargo, Take No Prisoners es uno de los discos más esenciales del ex Velvet, ya que contiene algunas de las versiones definitivas de sus clásicos. “I Wanna Be Black” es excelente, buena instrumentación -buenísimos solos de guitarra y saxo-, con la dosis justa del singular humor negro de Lou. “Coney Island Baby” y “Berlin” son versiones mucho más poderosas que las de estudio, destacando por la fuerza de sus estribillos. Algo similar pasa con “Pale Blue Eyes” y “Satellite of Love”. Son canciones originalmente tranquilas y ligeras, pero en Take No Prisoners se convierten en temas realmente potentes.

Nos encontramos también con una curiosa mezcla blusera entre las canciones “I’m Waiting For The Man” y “Temporary Thing”, que queda muy bien, pero se hace más larga de lo necesario.

Por otro lado, “Street Hassle” y la ya mencionada “Walk On The Wild Side” representan bajones de calidad bastante notorios. La primera de las dos es particularmente decepcionante, ya que su versión de estudio es, a mi parecer, la mejor canción de Lou Reed como solista.

El álbum cierra de una manera genial con la salvaje “Leave Me Alone”, el corte más rockero de todo el trabajo.

Si bien Take No Prisoners no es un disco perfecto, las increíbles reversiones que contiene y el interesante factor humorístico lo convierten en uno de los trabajos indispensables de la discográfica del gran Lou Reed.

Juanse el Mono

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Elton John – 17-11-70 (1971)

 

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Puntaje del Disco: 9

  1. Take Me to the Pilot: 9
  2. Honky Town Women: 8
  3. Sixty Year On: 9
  4. Can I Put You On: 9
  5. Bad Side of the Moon: 9
  6. Burn Down the Mission: 9

Antes de los exitosos discos Goodbye Yellow Brick Road, Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player y Honkey Chateau, en 1971 fue lanzado un disco en vivo de Elton John grabado en los estudios A&R de WABC-FM de Nueva York.

Este material se convirtió también en un gran suceso a ambos lados del Atlántico y demostró una vez más la enorme calidad del artista. Si bien originalmente durante la transmisión de radio se tocaron trece temas, recién en 1996 se agregó “Amoreena” como un bonus track y recientemente, otras seis piezas entre las que se incluyen temas como “Your Song” y “Border Song”.

Sin necesidad de ser un disco extenso, en un puñado de canciones, Sir Elton John logró condensar parte de su mejor reportorio por entonces y darle un agregado de calidad al sonido en vivo, agregando además temas prestados como la muy buena versión de “Honky Town Women”.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Amy Winehouse – Amy Winehouse at the BBC (2012)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Know You Now7
  2. Fuck Me Pumps7,5
  3. In My Bed: 8
  4. October Song: 8,5
  5. Rehab: 9
  6. You Know I’m No Good: 9
  7. Just Friends7
  8. Love Is a Losing Game8,5
  9. Tears Dry on Their Own: 9,5
  10. Best Friends, Right?: 8
  11. I Should Care7
  12. Lullaby of Birdland: 7,5
  13. Valerie: 8,5
  14. To Know Him Is to Love Him8

Amy Winehouse nos dejó demasiado joven y quien sabe lo que hubiera logrado si aún estuviera entre nosotros. Como era de esperarse los discos póstumos no tardaron en aparecer primero Lioness: Hidden Treasures con material innédito y luego su primer vivo Amy Winehouse at the BBC.

A poco más de un año de su muerte su discográfica recopiló todas las presencias en su corta y trágica carrera de la talentosa cantante en los programas de la BBC, tanto en festivales, radio, televisión entre 2004 y 2009. Para los más fanáticos además del álbum en vivo se lanzó un Box Set con tres DVDs extra: Arena: Amy Winehouse – The Day She Came to Dingle, A Tribute to Amy Winehouse by Jools Holland y Amy Winehouse – BBC One Sessions Live at Porchester Hall.

En estas catorce pistas se destacan sus clásicos como “Rehab”, “You Know I’m No Good”, “Tears Dry on Their Own”, Love Is a Losing Game, además algunas perlas menos conocidas “October Song” y covers intimistas para el final como “To Know Him Is to Love Him” canción de 1958 de la banda The Teddy Bears y “Valerie” de la banda Indie The Zutons, temas que se apropió los hizo más populares que en sus versiones originales.

Amy Winehouse at the BBC oficia como una especie de Best Of, con el agregado de exponer sus virtudes como interprete en conciertos y programas de televisión, como show woman y por supuesto su maravilla voz.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Genesis – Genesis Live (1973)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Watcher Of The Skies: 8,5
  2. Get’ Em Out By Friday: 8,5
  3. The Return Of The Giant Hogweed: 8,5
  4. The Musical Box: 8,5
  5. The Knife: 9

Más que un mero disco en vivo, sino un valioso registro de la mejor época de Genesis. Genesis Live fue lanzado en la antesala de Selling England By Pound, cuando la banda se encontraba grabando aquel álbum, y se lanzó para darle algo a los fans que esperaban con ansias carne fresca. Sin embargo, el disco tiene importancia por ser el primer registro en vivo de Genesis, el único con Peter Gabriel en sus filas y con su formación clásica completa incluyendo a Phil Collins en batería.

Genesis Live se conformó de canciones grabadas durante un concierto en De Montfont Hall, Leicester, del 25 de febrero de 1973 (excepto «The Return of the Giant Hogweed», grabada el día anterior en Manchester). La calidad de la grabación es buena, aunque no impecable. De todas formas el disco es sumamente disfrutable. El despliegue de Genesis es realmente muy bueno, muy sólido, demostrando que en vivo podían reproducir la complejidad y los matices de su Rock Progresivo sin que se pierda el encanto de las versiones originales de estudio.

Por eso el nivel en que interpretan las canciones es muy parejo y la selección la conforman sus canciones épicas de Foxtrot, Nursery Cryme y Trespass. Sin embargo, no figura la famosa “Supper’s Ready”. Entre ellas, la mejor lograda en su ejecución es “The Knife”, que suena intensa, dinámica y excitante.

Por eso Genesis Live no solo es un valioso documento, sino que también podría ser considerado un “grandes éxitos en vivo” que cualquier fan del rock progresivo va a disfrutar con gusto.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Bastille – Bad Blood (2013)

Puntaje del Disco: 7

  1. Pompeii8
  2. Things We Lost in the Fire: 7
  3. Bad Blood7
  4. Overjoyed8
  5. These Streets: 6,5
  6. Weight of Living, Pt. II: 7
  7. Icarus7
  8. Oblivion: 7,5
  9. Flaws: 7,5
  10. Daniel in the Den6,5
  11. Laura Palmer: 7
  12. Get Home: 6
  13. Weight of Living, Pt. I7

Intenso, refinado y melancólico son algunos de los adjetivos con los que podemos calificar al indie pop melódico de Bastille, banda inglesa nacida en Londres a principios de está última década, comandada por Dan Smith que comenzó a despertar interes desde su debut discográfico: Bad Blood (2013).

La calidad compositiva de Smith rememora al synth pop de los ochenta y a contemporaneos como Arcade Fire, Coldplay or Ed Sheeran, destacándose por sobre el resto los sencillos “Pompeii”, “Overjoyed”, “Oblivion” y “Flaws”. Si bien en este trabajo incial Bastille fue capaz de crear una fórmula original y triunfal, todavía tienen mucho para crecer y continuar explorando para encontrar su propio sonido.

Bad Blood logró sorprender a propios y extraños (sin ser nada extraordinario), recibiendo demasiados galardones para un disco novato. Entre ellos ubicarse al tope de los charts del Reino Unido por casi un mes, lograr penetrar en el siempre dificil mercado norteamericano, sumarse a la ya consagrada Muse como banda soporte en su gira The 2nd Law Tour para mediados de 2013 y ganar inumerable cantidad de premios como “Mejor banda revelación” en los BRIT Awards de 2014.

Acerca de esta repentina popularidad Smith declararía lo siguiente por aquellos años: “Creo que nunca esperamos volvernos populares. Somos afortunados en el sentido de que hemos estado de gira con prácticamente el mismo equipo de trabajo desde el principio lo cual nos ayuda a mantener los pies sobre la tierra.” Y en especial sobre su inesperada repercusión en Estados Unidos: “No hemos hecho demasiado en Estados Unidos, pero la verdad es que nos ha ido mejor de lo que esperábamos. Hasta estuvimos tocando en vivo en el show de David Letterman! Es una locura.”

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

My Chemical Romance – The Black Parade (2006)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. The End.: 8
  2. Dead!: 8,5
  3. This Is How I Disappear: 8,5
  4. The Sharpest Lives: 9
  5. Welcome To The Black Parade: 9,5
  6. I Don’t Love You: 10
  7. House Of Wolves: 9,5
  8. Cancer: 9,5
  9. Mama: 9,5
  10. Sleep: 8,5
  11. Teenagers: 9
  12. Famous Last Words: 9,5
  13. Blood [Hidden Track]: 8

No hay que discutir que My Chemical Romance fue una de las bandas más sobresalientes y buenas de la década de los 2000, así los odies o los ames, siempre demostraron tener ideas interesantes y buena calidad cuando de componer música se trataba. Incluso en su debut I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love los temas poseían ritmos bastante atrayentes, a pesar de que eran crudos y no tan bien producidos. Pero aun así algunos de estos podrían caber en su repertorio de mejores temas. Resultó ser una joya del underground en aquel tiempo, y que para sorpresa de nadie, atrajo a un decente sector de fans.

Con el Three Cheers for Sweet Revenge, dieron su salto a lo Mainstream, con un disco lleno de himnos para jóvenes emocionales e incomprendidos, que trataban de pertenecer a algo, para así encontrar refugio en este. Por otro lado, se mostró mejor compuesto y producido, con toques más accesibles y menos oscuros, que incluso los hacia ver como una banda distinta a la anterior, y así el disco quedó como uno de sus mejores trabajos.

The Black Parade llevó a la banda a un nivel superior y se convirtió instantáneamente en un éxito, como al mismo tiempo se proclamó como el mejor álbum de la banda,  tomando un camino distinto en cuanto su sonido. Siguió siendo una ópera rock, pero se guió por un campo más rockero y más alternativo, dejando casi extinto los toques hardcore punk que My Chemical Romance tenía en sus 2 previos trabajos, influenciados principalmente en la legendaria banda “Queen”, de hecho Ray Toro el guitarrista es gran fan de Brian May. En el disco encontramos más variación en ritmos y sonidos, con canciones bastante diferente a otras, y que funcionan mas que bien en la historia que tratan de contar: “un hombre que muere a causa del cáncer y su recorrido emocional por el Desfile Negro”, claramente influenciado por la obra de Dante Alighieri.

Empezamos con “The End.” un comienzo épico como suelen ser álbumes de esta talla y que se corta en pleno auge, para dar paso a “Dead!”, simplemente desenfrenada y con toques punk rock pero sin serlo completamente. Luego aparecen “This Is How I Disappear”, una de las más oscuras con esa aura de caos, “The Sharpest Lives”, con una esencia parecida a la anterior pero que de alguna manera es más disfrutable, y después “Welcome To The Black Parade” la canción con mayor éxito en toda la carrera de My Chemical Romance, convirtiéndose en su himno definitivo. Le sigue ”I Don’t Love You”, una buena super balada, tal vez la mejor canción del álbum con un mensaje de desamor despechado. “House Of Wolves” es igual de buena solo que más rockera y viva. “Cancer” es una hermosa balada que compite como una de las mejores del disco. “Mama” es una gran canción que cabe en el género pop barroco, para luego desatar el caos musical. En “Sleep” tenemos otra de las más oscuras, es buena pero una de las más olvidables del disco. Ya que luego le sigue “Teenagers”, una canción viva y burlona que capta muy bien la esencia adolescente, para luego terminar con broche de oro con “Famous Last Words”, otra de las mejores del álbum y que simplemente es rockera a no más poder. También cabe mencionar la pista oculta, “Blood”, otra pieza pop barroca que incluso se vuelve pegajosa y disfrutable.

Podemos notar que el disco jamás decae después de un largo recorrido, y aunque el conjunto puede ser algo pretencioso, fue esencial de los 2000’s y hoy en día tiene un gran valor por parte de la juventud de hoy, a pesar de que esta buena banda ya no está activa.

Ailton Salirrosas

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

The Kinks – Misfits (1978)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Misfits: 7,5
  2. Hay Fever: 6
  3. Live Life: 6,5
  4. A Rock ‘n’ Roll Fantasy: 7,5
  5. In a Foreign Land: 6
  6. Permanent Waves: 6,5
  7. Black Messiah: 6,5
  8. Out of the Wardrobe: 7,5
  9. Trust Your Heart: 5,5
  10. Get Up: 6,5

Más Rock convencional inmemorable. Los Kinks en los años setenta no tenían una brújula clara para salir del bajón compositivo que estaban teniendo. Las Óperas Rock de Ray Davies eran ya decepcionantes y musicalmente no estaban ofreciendo tampoco nada destacable. Y en Misfits sucedería lo mismo, sumado a los problemas internos de la banda que terminarían derivando en las partidas de su bajista Andy Pyle y el pianista John Gosling.

Misfits es un disco que fue creado en base al material que sobró de Sleepwalker, por lo que su principal cualidad es que se trata de un disco con una orientación más rockera que Pop. En ese sentido, los Kinks no ofrecen nada particularmente revelador, de hecho musicalmente suenan poco inspirados, en un nivel pobre y sobre todo genérico. Las melodías si bien se pueden escuchar (exceptuando a “Trust Your Heart”, un tema que de los Kinks no tiene nada, interpretado por Dave Davies), son francamente olvidables.

Tal vez la nota a favor este en el esmero que Ray pone en sus letras que tienen cierto contenido social, pero de poco sirve, si desde el costado musical siguen demostrando el bajo nivel compositivo que seguían teniendo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Billy Joel – The Nylon Curtain (1982)

Puntaje del Disco: 8

  1. Allentown: 9
  2. Laura: 8
  3. Pressure: 8.5
  4. Goodnight Saigon: 8
  5. She’s Right on Time: 8.5
  6. A Room of Our Own: 8
  7. Surprises: 8
  8. Scandinavian Skies: 7
  9. Where’s the Orchestra: 7

The Nylon Curtain, el octavo disco en la carrera de Billy Joel fue editado en 1982 y pronto se transformó en un verdadero éxito, con las canciones «Allentown» y «Pressure» como las principales impulsoras de este material.

Con este álbum, Joel demostró que volvía a las raíces con temas profundos y dejaba de lado un poco su intento de ser una estrella punk. Las letras, con melodías pop, describen las vivencias de los años de Reagan en el poder por entonces y las preocupaciones de una generación que venía de vivir las crueldades de Vietnam.

Siendo un disco corto, lo más atrayente recae sobre los primeros temas, mientras que en el final se va perdiendo un poco el esplendor; aunque no opaca la gran producción que logró Joel.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Joe Satriani – The Extremist (1992)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Friends: 7,5
  2. The Extremist: 8,5
  3. War: 8
  4. Cryin’8
  5. Rubina’s Blue Sky Happiness: 7,5
  6. Summer Song: 8
  7. Tears in the Rain: 6,5
  8. Why: 7
  9. Motorcycle Driver: 6
  10. New Blues: 7,5

Continuando con la impronta de su consagratorio, Flying in a Blue Dream (1989), Joe Satriani insistiría con la experimentación e incursión en nuevos terrenos en su continuación, The Extremist (1992).

A diferencia de su antecesor, el principal punto en contra en esta oportunidad es que la totalidad de los temas son instrumentales que a pesar de que sus solos de guitarra son su principal fuerte por momentos resultan algo repetitivos, pudiendo haber mechado algunos temas cantados aunque sea con artistas invitados que le aportarían algo de variedad al álbum.

Satriani expone su indudable talento como violero en buenos temas como “Summer Song”, “Cryin’”, “War” y “The Extremist”, y su necesidad de intentar cosas nuevas en el folk “Rubina’s Blue Sky Happiness” y en la blusera “New Blues”.

The Extremist se coronó como uno de sus trabajos más exitosos a la fecha, en especial gracias a “Summer Song” y la carrera de Joe continuaría en un meteórico ascenso. A fines de 1993 sería convocado por Deep Purple para remplazar a Ritchie Blackmore en una gira de la banda por Japon, Luego lo invitarían a ser un “Purple” estable pero Satriani tendría otros planes y declinaría esa tentadora oferta.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)